منظر المدينة الانطباعي. لوحات كونستانتين كوروفين
في هذه المقالة سترى سان بطرسبرج حضريالمقدمة في معرض فني"فن النسيم". فيما يلي أعمال مجمعة لمؤلفين مختلفين، والتي تم إجراؤها بأساليب وتقنيات مختلفة. تشترك كل هذه الأعمال في شيء واحد - فهي تصور مدينة سانت بطرسبرغ كما رآها الفنان.
سيتي سكيب، كنوع من الرسم، تم تشكيله في وقت متأخر جدًا، في القرن الثامن عشر. عندها بدأت المدن تكتسب طابعها الحديث وبدأ عدد سكان الحضر في الزيادة بسرعة. قبل ذلك، لم يصور سوى عدد قليل من فناني العصور الوسطى المدن على لوحاتهم. كانت هذه الصور بدائية للغاية، وكانت تفتقر إلى الدقة الطبوغرافية وكانت بمثابة إشارة إلى موقع الأحداث التي خصصت لها حبكة الصورة. الأجداد سيتي سكيبفي الرسم يمكننا تسمية الفنانين الهولنديين في القرن السابع عشر Wermeer of Delft و J. Goyen و J. Ruisdael. في أعمالهم يمكن للمرء أن يجد المناظر الطبيعية للمدينة كما اعتدنا على رؤيتها في اللوحات الحديثة.
الفنانون المعاصرون الذين يعرضون مناظر المدينة الخاصة بهم في معرض Ar-Breeze للفنون في سانت بطرسبرغ يصورون سانت بطرسبورغ على أنها في المقام الأول مدينة ساحلية ضبابية ذات حياة صاخبة وهندسة معمارية رائعة. تم إنشاء معظم اللوحات بأسلوب الانطباعية والكلاسيكية. ثراء الألوان والقدرة على ملء القماش بالضوء، والذي توفره تقنية الرسم الانطباعي، يسمح لك بعكس روح هذه المدينة على نهر نيفا بشكل كامل!
يرتبط التطوير الإضافي للرسم الأوروبي بالانطباعية. لقد ولد هذا المصطلح بالصدفة. كان السبب هو عنوان المشهد الذي رسمه سي مونيه "الانطباع". شروق الشمس" (انظر الملحق رقم 1، الشكل 3) (من الانطباع الفرنسي - الانطباع)، والذي ظهر في المعرض الانطباعي عام 1874. هذا هو الاول التحدث أمام الجمهورمجموعة من الفنانين، من بينهم C. Monet، E. Degas، O. Renoir، A. Sisley، C. Pissarro وآخرين، استقبلوا بالنقد البرجوازي الرسمي بسخرية واضطهاد فظين. صحيح أنه منذ أواخر ثمانينيات القرن التاسع عشر، تم التقاط التقنيات الرسمية لرسوماتهم من قبل ممثلي الفن الأكاديمي، مما أعطى ديغا سببًا للتعليق بمرارة: "لقد تم إطلاق النار علينا، ولكن في نفس الوقت تم تفتيش جيوبنا".
والآن بعد أن أصبحت المناقشات الساخنة حول الانطباعية شيئًا من الماضي، فمن غير المرجح أن يجرؤ أي شخص على الاعتراض على أن الحركة الانطباعية كانت خطوة أخرى في تطور الرسم الواقعي الأوروبي. "الانطباعية هي في المقام الأول فن مراقبة الواقع الذي وصل إلى مستوى غير مسبوق من التطور" (في إن بروكوفييف). في سعيهم لتحقيق أقصى قدر من العفوية والدقة في نقل العالم المرئي، بدأوا في الرسم بشكل رئيسي في الهواء الطلق وأثاروا أهمية الرسومات التخطيطية من الحياة، والتي حلت محلها تقريبًا النوع التقليدياللوحات التي تم إنشاؤها بعناية وببطء في الاستوديو.
من خلال توضيح لوحة ألوانهم باستمرار، حرر الانطباعيون الرسم من الورنيش والدهانات الترابية والبنية. إن سواد "المتحف" التقليدي في لوحاتهم يفسح المجال أمام لعبة متنوعة لا نهاية لها من ردود الفعل والظلال الملونة. لقد وسعوا الاحتمالات بما لا يقاس الفنون البصرية، لا يكشف عن عالم الشمس والضوء والهواء فحسب، بل يكشف أيضًا عن جمال الضباب، والجو المحموم للحياة في المدينة الكبيرة، وتناثر أضواء الليل وإيقاع الحركة المستمرة.
نظرًا لطريقة العمل في الهواء الطلق، احتلت المناظر الطبيعية، بما في ذلك المناظر الطبيعية للمدينة التي اكتشفوها، مكانًا مهمًا للغاية في فن الانطباعيين. يتضح مدى اندماج التقاليد والابتكار عضويًا في فن الانطباعيين، في المقام الأول، من خلال أعمال الرسام المتميز في القرن التاسع عشر إدوارد مانيه (1832-1883). صحيح أنه هو نفسه لم يعتبر نفسه ممثلاً للانطباعية وكان يعرض دائمًا بشكل منفصل، ولكن من الناحية الإيديولوجية والإيديولوجية، كان بلا شك رائدًا وزعيمًا أيديولوجيًا لهذه الحركة.
في بداية حياته المهنية الإبداعية، تم نبذ E. Manet (السخرية من المجتمع). في نظر الجمهور البرجوازي والنقاد، يصبح فنه مرادفا للقبيح، ويسمى الفنان نفسه "مجنون، يرسم صورة، يرتجف في الهذيان الارتعاشي" (م. دي مونتيفو) (انظر الملحق رقم 1، الشكل 4). فقط العقول الأكثر بصيرة في ذلك الوقت كانت قادرة على تقدير موهبة مانيه. وكان من بينهم شارل بودلير والشاب إي. زولا، اللذين أعلنا أن "السيد مانيه مقدر له الحصول على مكان في متحف اللوفر".
تلقت الانطباعية تعبيرها الأكثر اتساقًا، ولكن أيضًا بعيد المدى، في أعمال كلود مونيه (1840-1926). غالبًا ما يرتبط اسمه بإنجازات طريقة الرسم هذه مثل نقل حالات الإضاءة الانتقالية بعيدة المنال واهتزاز الضوء والهواء وعلاقتهما المتبادلة في عملية التغييرات والتحولات المستمرة. "كان هذا، بلا شك، انتصارا كبيرا لفن العصر الحديث"، يكتب V. N. Prokofiev ويضيف: "ولكن أيضا انتصاره النهائي". وليس من قبيل المصادفة أن سيزان، على الرغم من شحذ موقفه بشكل جدلي إلى حد ما، جادل في وقت لاحق بأن فن مونيه هو "العين فقط".
أعمال مونيه المبكرة تقليدية تمامًا. لا تزال تحتوي على شخصيات بشرية، والتي تتحول فيما بعد بشكل متزايد إلى طاقم عمل وتختفي تدريجيًا من لوحاته. في سبعينيات القرن التاسع عشر، تم تشكيل النمط الانطباعي للفنان أخيرا، ومن الآن فصاعدا كرس نفسه بالكامل للمناظر الطبيعية. منذ ذلك الوقت كان يعمل بشكل حصري تقريبًا في الهواء الطلق. في عمله تم تحديد نوع اللوحة الكبيرة - الرسم - أخيرًا.
كان مونيه من أوائل من أنشأوا سلسلة من اللوحات التي يتكرر فيها نفس الشكل في أوقات مختلفة من العام واليوم، في ظل ظروف الإضاءة والطقس المختلفة (انظر الملحق رقم 1، الشكل 5، 6). ليست جميعها متساوية، لكن أفضل اللوحات في هذه السلسلة تذهل بنضارة ألوانها وكثافة ألوانها وبراعة تأثيراتها الضوئية.
في أواخر فترة الإبداع في لوحة مونيه، اشتدت الميول الزخرفية والتسطيح. ويتحول سطوع الألوان ونقائها إلى نقيضها، فيظهر نوع من البياض. في معرض حديثه عن إساءة استخدام الانطباعيين المتأخرين لـ "نغمة الضوء، وتحويل بعض الأعمال إلى لوحة قماشية مشوهة"، كتب إي. زولا: "واليوم لا يوجد شيء سوى الهواء الطلق... لم يتبق سوى البقع: الصورة ليست سوى بقعة، الأرقام ليست سوى بقع، بقع فقط.
كان الفنانون الانطباعيون الآخرون أيضًا في الغالب من رسامي المناظر الطبيعية. غالبًا ما ظل عملهم في الظل بشكل غير مستحق بجانب شخصية مونيه الملونة والمثيرة للإعجاب حقًا ، على الرغم من أنهم لم يكونوا أدنى منه في يقظتهم في رؤية الطبيعة وفي مهاراتهم في الرسم. ومن بينها يجب أن نذكر أولاً أسماء ألفريد سيسلي (1839-1899) وكاميل بيسارو (1831-1903). تتميز أعمال سيسلي، وهو رجل إنجليزي بالولادة، بأناقة تصويرية خاصة. كان أستاذًا بارعًا في الهواء الطلق، وكان يعرف كيف ينقل الهواء الشفاف لصباح شتوي صافٍ، والضباب الخفيف للضباب الذي تدفئه الشمس، والغيوم التي تجري عبر السماء في يوم عاصف. تتميز مداها بثراء الظلال وإخلاص النغمات. المناظر الطبيعية للفنان مشبعة دائمًا بمزاج عميق، مما يعكس تصوره الغنائي بشكل أساسي للطبيعة (انظر الملحق رقم 1، الشكل 7، 8، 9).
كان الأمر أكثر تعقيدًا المسار الإبداعيبيسارو, الفنان الوحيد، الذي شارك في جميع المعارض الثمانية للانطباعيين، أطلق عليه ج. ريوالد لقب "بطريرك" هذه الحركة. بدءًا من المناظر الطبيعية المشابهة في الرسم لباربيزون، بدأ، تحت تأثير مانيه وأصدقائه الشباب، العمل في الهواء الطلق، مما أدى إلى تفتيح اللوحة تدريجيًا. تدريجيًا يطور أسلوبه الانطباعي. لقد كان من أوائل الذين تخلوا عن استخدام الطلاء الأسود. كان بيسارو يميل دائمًا إلى اتباع نهج تحليلي في الرسم، ومن هنا جاءت تجاربه في تحلل اللون - "التقسيمية" و"التنقيطية". ومع ذلك، سرعان ما يعود إلى الطريقة الانطباعية التي كان يتبعها أفضل الأعمال- سلسلة رائعة من المناظر الطبيعية لمدينة باريس (انظر الملحق رقم 1، الشكل 10،11،12،13). تكوينهم مدروس ومتوازن دائمًا، ورسوماتهم مصقولة بالألوان وبارعة في التقنية.
في روسيا، تم تنوير المشهد الحضري في الانطباعية من قبل كونستانتين كوروفين. "لقد صدمتني باريس.. الانطباعيون.. رأيت فيهم ما تم توبيخي عليه في موسكو". كان كوروفين (1861-1939) مع صديقه فالنتين سيروف الشخصيات المركزيةالانطباعية الروسية. تحت التأثير الكبير للحركة الفرنسية، ابتكر أسلوبه الخاص، الذي خلط العناصر الرئيسية للانطباعية الفرنسية مع الألوان الغنية للفن الروسي في تلك الفترة (انظر الملحق رقم 1، الشكل 15).
18-19 قرنا يمثل ذروة الفن الأوروبي. في فرنسا، أمر الإمبراطور نابليون الثالث بإعادة إعمار باريس بعد الأعمال العدائية خلال الحرب الفرنسية البروسية. سرعان ما أصبحت باريس نفس "المدينة المشرقة" التي كانت عليها في ظل الإمبراطورية الثانية وأعلنت نفسها مرة أخرى مركزًا للفن الأوروبي. لذلك، تحول العديد من الفنانين الانطباعيين إلى موضوع المدينة الحديثة في أعمالهم. في أعمالهم، المدينة الحديثة ليست وحشا، بل وطن يعيش فيه الناس. العديد من الأعمال مشبعة بشعور قوي بالوطنية.
يمكن رؤية هذا بشكل خاص في لوحات كلود مونيه. قام بإنشاء أكثر من 30 لوحة تطل على كاتدرائية روان في مجموعة متنوعة من الإضاءة والظروف الجوية. على سبيل المثال، في عام 1894، رسم مونيه لوحتين - "كاتدرائية روان عند الظهر" و"كاتدرائية روان في المساء". تصور كلتا اللوحتين نفس الجزء من الكاتدرائية، ولكن بألوان مختلفة - بألوان صفراء وردية دافئة في منتصف النهار وفي الظلال المزرقة الباردة لضوء الشفق المحتضر. في اللوحات، تذوب البقعة الملونة الخط تمامًا؛ ولا ينقل الفنان الوزن المادي للحجر، بل ينقل ستارة ملونة فاتحة.
سعى الانطباعيون إلى جعل اللوحة تبدو وكأنها نافذة مفتوحة يمكن للمرء أن يرى من خلالها العالم الحقيقي. غالبًا ما اختاروا منظرًا من النافذة إلى الشارع. تعد لوحة "Boulevard des Capucines" الشهيرة التي رسمها سي. مونيه، والتي تم رسمها عام 1873 وعرضت في المعرض الانطباعي الأول عام 1874، مثالاً ممتازًا على هذه التقنية. هناك الكثير من الابتكار هنا - تم اختيار منظر شارع المدينة الكبير كدافع للمناظر الطبيعية، لكن الفنان مهتم بمظهره ككل، وليس معالمه السياحية. يتم تصوير الكتلة بأكملها من الناس بضربات منزلقة، بطريقة معممة، حيث يصعب تحديد الشخصيات الفردية.
ينقل مونيه في هذا العمل انطباعًا بصريًا لحظيًا بحتًا للهواء المهتز بالكاد، وللشوارع والناس والعربات المغادرة التي تتعمق في الأعماق. إنه يدمر فكرة اللوحة المسطحة، ويخلق الوهم بالمساحة ويملأها بالضوء والهواء والحركة. تندفع العين البشرية إلى اللانهاية، ولا توجد نقطة حدود يمكن أن تتوقف فيها.
تسمح وجهة النظر المرتفعة للفنان بالتخلي عن المقدمة، وينقل ضوء الشمس اللامع على النقيض من الظلال الأرجوانية المزرقة للمنازل الملقاة على رصيف الشارع. يمنح مونيه الجانب المشمس باللون البرتقالي، والجانب الذهبي الدافئ، والجانب المظلل باللون البنفسجي، لكن ضبابًا واحدًا من الهواء الخفيف يمنح المشهد بأكمله تناغمًا لونيًا، وتظهر ملامح المنازل والأشجار في الهواء، تتخللها أشعة الشمس.
في عام 1872، في لوهافر، رسم مونيه “الانطباع. شروق الشمس" - منظر لميناء لوهافر، تم تقديمه لاحقًا في المعرض الأول للانطباعيين. يبدو أن الفنان قد حرر نفسه أخيرًا من الفكرة المقبولة عمومًا لكائن الصورة كحجم معين وكرس نفسه بالكامل لنقل الحالة اللحظية للغلاف الجوي بألوان الأزرق والوردي والبرتقالي. في الواقع، يبدو أن كل شيء أصبح غير ملموس: رصيف لوهافر والسفن تندمج مع خطوط السماء وانعكاسها في الماء، والصور الظلية للصيادين والقوارب في المقدمة مجرد بقع سوداء، مصنوعة بعدة ضربات مكثفة. قوبل رفض التقنيات الأكاديمية والرسم في الهواء الطلق واختيار موضوعات غير عادية بالعداء من قبل النقاد في ذلك الوقت. استخدم لويس ليروي، مؤلف المقال الغاضب الذي ظهر في مجلة "شاريفاري"، لأول مرة، فيما يتعلق بهذه اللوحة بالذات، مصطلح "الانطباعية" كتعريف لحركة جديدة في الرسم.
ومن الأعمال الرائعة الأخرى المخصصة للمدينة لوحة كلود مونيه "Gare Saint-Lazare". رسم مونيه أكثر من عشر لوحات على أساس محطة قطار سان لازار، سبع منها عُرضت في المعرض الانطباعي الثالث عام 1877.
استأجر مونيه شقة صغيرة في شارع مونسي بالقرب من المحطة. تم منح الفنان الحرية الكاملة في العمل. توقفت حركة القطارات لفترة، وكان يرى بوضوح المنصات، وأفران قاطرات التدخين، وهي مليئة بالفحم - بحيث يتدفق البخار من المداخن. "استقر" مونيه بثبات في المحطة، وشاهده الركاب باحترام ورهبة.
نظرًا لأن مظهر المحطة كان يتغير باستمرار، فقد قام مونيه بعمل رسومات تخطيطية فقط في الموقع، وبناءً عليها في الاستوديو قام برسم اللوحات بنفسه. نرى على القماش محطة سكة حديد كبيرة مغطاة بمظلة مثبتة على أعمدة حديدية. توجد منصات على اليسار واليمين: مسار واحد مخصص لقطارات الركاب والآخر لقطارات المسافات الطويلة. يتم نقل الجو الخاص من خلال تباين الإضاءة الخافتة داخل المحطة وإضاءة الشارع الساطعة والمبهرة. تعمل أعمدة الدخان والبخار المنتشرة في جميع أنحاء القماش على موازنة خطوط الإضاءة المتناقضة. يتسرب الدخان في كل مكان، وتلتف السحب المتوهجة على الصور الظلية الخافتة للمباني. يبدو أن البخار الكثيف يعطي شكلاً للأبراج الضخمة، ويغطيها بحجاب خفيف، مثل أنحف نسيج العنكبوت. تم رسم الصورة بألوان هادئة لطيفة مع انتقالات ظلية دقيقة. يُنظر إلى الضربات السريعة والدقيقة على شكل فواصل، وهي سمة من سمات ذلك الوقت، على أنها فسيفساء؛ يحصل المشاهد على انطباع بأن البخار إما يتبدد أو يتكثف.
ممثل آخر للانطباعيين، C. Pissarro، مثل جميع الانطباعيين، أحب رسم المدينة، التي أسرته بحركتها التي لا نهاية لها، وتدفق تيارات الهواء ولعبة الضوء. لقد نظر إليها ككائن حي لا يهدأ، قادر على التغيير حسب الوقت من السنة ودرجة الإضاءة.
في شتاء وربيع عام 1897، عمل بيسارو على سلسلة من اللوحات تسمى "شوارع باريس". جلبت هذه الأعمال شهرة للفنان ولفتت انتباه النقاد الذين ربطوا اسمه بالحركة الانقسامية. قام الفنان بعمل رسومات تخطيطية للمسلسل من نافذة غرفة فندق في باريس، وأكمل العمل على اللوحات في الاستوديو الخاص به في إيراجني في نهاية أبريل. هذه السلسلة هي الوحيدة في عمل بيسارو، حيث سعى الفنان إلى التقاط الظروف المختلفة للطقس وأشعة الشمس بأقصى قدر من الدقة. على سبيل المثال، رسم الفنان 30 لوحة تصور شارع مونمارتر، وهو ينظر إليه من نفس النافذة.
في لوحات "بوليفارد مونتمارتر في باريس"، نقل السيد سي. بيسارو ببراعة ثراء التأثيرات الجوية، والتعقيد الملون والدقة في يوم غائم. إن ديناميكيات الحياة في المدينة، التي تتجسد بشكل مقنع بواسطة فرشاة الرسام السريعة، تخلق صورة لمدينة حديثة - ليست احتفالية، وليست رسمية، ولكنها متحمسة وحيوية. أصبحت المناظر الطبيعية للمدينة هي النوع الرئيسي في أعمال هذا الانطباعي المتميز - "مغني باريس".
تحتل عاصمة فرنسا مكانة خاصة في أعمال بيسارو. عاش الفنان باستمرار خارج المدينة، لكن باريس جذبته باستمرار. تأسره باريس بحركتها المستمرة والعالمية - مشية المشاة وتشغيل العربات وتدفق تيارات الهواء ولعبة الضوء. مدينة بيسارو ليست قائمة من المنازل الجديرة بالملاحظة التي دخلت مجال رؤية الفنان، بل هي كائن حي لا يهدأ. مفتونين بهذه الحياة، لا ندرك تفاهة المباني التي يتكون منها شارع مونمارتر. يجد الفنان سحرًا فريدًا في اضطراب جراند بوليفارد. استولى بيسارو على شارع مونتمارتر في الصباح والنهار، في المساء والليل، مضاء بنور الشمس ورمادي، وينظر إليه من نفس النافذة. إن الشكل الواضح والبسيط لشارع يمتد إلى مسافة بعيدة يخلق أساسًا تركيبيًا واضحًا لا يتغير من قماش إلى آخر. تم إنشاء دورة اللوحات القماشية المرسومة في العام التالي من نافذة فندق اللوفر بشكل مختلف تمامًا. وفي رسالة إلى ابنه أثناء عمله على الدورة، أكد بيسارو على الطابع المختلف لهذا المكان عن البوليفار، أي ساحة المسرح الفرنسي والمنطقة المحيطة بها. في الواقع، كل شيء هناك يندفع على طول محور الشارع. هنا، تتقاطع الساحة، التي كانت بمثابة المحطة النهائية لعدة طرق شاملة، على الأكثر اتجاهات مختلفةوبدلاً من الحصول على بانوراما واسعة مع وفرة من الهواء، يتم تقديم أعيننا بمساحة أمامية مغلقة.
"لقد ولد العالم الجديد عندما رسمه الانطباعيون"
هنري كانفايلر
القرن التاسع عشر. فرنسا. حدث شيء غير مسبوق في الرسم. قررت مجموعة من الفنانين الشباب تغيير تقاليد عمرها 500 عام. بدلاً من الرسم الواضح، استخدموا ضربة واسعة "غير متقنة".
وقد تخلوا تمامًا عن الصور المعتادة التي تصور الجميع على التوالي. والسيدات ذوات الفضيلة السهلة، والسادة ذوي السمعة المشكوك فيها.
لم يكن الجمهور مستعدًا للرسم الانطباعي. لقد تعرضوا للسخرية والتوبيخ. والأهم من ذلك أنهم لم يشتروا أي شيء منهم.
لكن المقاومة تحطمت. وعاش بعض الانطباعيين ليروا انتصارهم. صحيح أنهم تجاوزوا الأربعين من العمر. مثل كلود مونيه أو أوغست رينوار. ولم ينتظر آخرون الاعتراف إلا في نهاية حياتهم، مثل كاميل بيسارو. البعض لم يعش ليراه، مثل ألفريد سيسلي.
ما هي الثورة التي حققها كل منهم؟ لماذا استغرق الجمهور وقتا طويلا لقبولهم؟ إليكم أشهر 7 انطباعيين فرنسيين معروفين للعالم أجمع.
1. إدوارد مانيه (1832-1883)
إدوارد مانيه. صورة ذاتية مع لوحة. 1878 مجموعة خاصةكان مانيه أكبر سناً من معظم الانطباعيين. وكان مصدر إلهامهم الرئيسي.
ولم يدعي مانيه نفسه أنه زعيم الثوار. كان اجتماعي. حلمت بجوائز رسمية.
لكنه انتظر وقتا طويلا جدا للاعتراف. أراد الجمهور رؤية الآلهة اليونانية أو الحياة الساكنة، في أسوأ الأحوال، حتى تبدو جميلة في غرفة الطعام. أراد مانيه أن يكتب حياة عصرية. على سبيل المثال، المحظيات.
وكانت النتيجة "الإفطار على العشب". اثنان من المتأنقين يسترخيان بصحبة سيدات ذوات فضيلة سهلة. أحدهم يجلس بجانب الرجال الذين يرتدون ملابس وكأن شيئًا لم يحدث.
إدوارد مانيه. الإفطار على العشب. 1863، باريس قارن مأدبة غداءه على العشب مع رواية توماس كوتور "الرومان في تراجع". خلقت لوحة الأزياء الراقية ضجة كبيرة. أصبح الفنان مشهورا على الفور.
تم اتهام فيلم "الإفطار على العشب" بالابتذال. لا ينصح النساء الحوامل مطلقًا بالنظر إليها.
توماس كوتور. الرومان في تراجعهم. 1847 - متحف أورسيه، باريس. artive.ru نرى في لوحة كوتور كل سمات الأكاديمية (الرسم التقليدي في القرنين السادس عشر والتاسع عشر). الأعمدة والتماثيل. الناس ذوو المظهر الأبولوني. الألوان الصامتة التقليدية. آداب الوضعيات والإيماءات. مؤامرة من الحياة البعيدة لشعب مختلف تمامًا.
"الإفطار على العشب" لمانيه له شكل مختلف. قبله، لم يصور أحد المحظيات بهذه السهولة. قريب من المواطنين المحترمين. على الرغم من أن العديد من الرجال في ذلك الوقت قضوا أوقات فراغهم بهذه الطريقة. كان الحياه الحقيقيه اشخاص حقيقيون.
ذات مرة قمت بتصوير سيدة محترمة. قبيح. لم يستطع تملقها بفرشاة. أصيبت السيدة بخيبة أمل. تركته في البكاء.
إدوارد مانيه. أنجلينا. 1860، متحف أورسيه، باريس. Wikimedia.commons.org لذلك استمر في التجربة. على سبيل المثال، مع اللون. لم يحاول تصوير ما يسمى باللون الطبيعي. وإذا رأى الماء ذو اللون الرمادي والبني باللون الأزرق الساطع، فقد صوره باللون الأزرق اللامع.
وهذا بالطبع أثار حفيظة الجمهور. وقالوا ساخرين: "حتى البحر الأبيض المتوسط لا يمكن أن يتباهى بأنه أزرق مثل مياه مانيه".
إدوارد مانيه. أرجنتويل. متحف 1874 الفنون الجميلة، تورناي، بلجيكا. Wikipedia.org لكن الحقيقة تظل حقيقة. غيّر مانيه الغرض من الرسم بشكل جذري. أصبحت اللوحة تجسيدا لفردية الفنان الذي يرسم كما يشاء. نسيان الأنماط والتقاليد.
لم تغفر الابتكارات لفترة طويلة. ولم يحصل على الاعتراف إلا في نهاية حياته. لكنه لم يعد بحاجة إليها. كان يموت بشكل مؤلم من مرض عضال.
2. كلود مونيه (1840-1926)
كلود مونيه. صورة ذاتية في قبعة. 1886 مجموعة خاصة يمكن تسمية كلود مونيه بأنه انطباعي في الكتب المدرسية. حيث كان مخلصًا لهذا الاتجاه طوال حياته الطويلة.
لم يرسم الأشياء والأشخاص، بل رسم لونًا واحدًا من النقاط البارزة والبقع. ضربات منفصلة. الهزات الجوية.
كلود مونيه. تجمع التجديف. 1869 - متحف متروبوليتان للفنون، نيويورك. Metmuseum.org لم يرسم مونيه الطبيعة فحسب. لقد كان جيدًا أيضًا في المناظر الطبيعية للمدينة. واحدة من الاكثر شهرة - .
هناك الكثير من التصوير الفوتوغرافي في هذه الصورة. على سبيل المثال، يتم نقل الحركة من خلال صورة غير واضحة.
يرجى ملاحظة: الأشجار والأشكال البعيدة تبدو وكأنها في ضباب.
كلود مونيه. شارع دي كابوسين في باريس. 1873 (معرض الفن الأوروبي والأمريكي في القرنين التاسع عشر والعشرين)، موسكو أمامنا لحظة مجمدة في حياة باريس الصاخبة. لا التدريج. لا أحد يتظاهر. يتم تصوير الناس على أنهم مجموعة من ضربات الفرشاة. إن هذا النقص في الحبكة وتأثير "الإطار المتجمد" هما السمات الرئيسية للانطباعية.
بحلول منتصف الثمانينات، أصيب الفنانون بخيبة أمل من الانطباعية. الجماليات جيدة بالطبع. لكن قلة الحبكة أحبطت الكثيرين.
فقط مونيه استمر في الاستمرار، والمبالغة في الانطباعية. تطور هذا إلى سلسلة من اللوحات.
لقد صور نفس المشهد عشرات المرات. في أوقات مختلفة من اليوم. في أوقات مختلفة من السنة. لإظهار كيف يمكن لدرجة الحرارة والضوء أن يغيرا نفس الأنواع بشكل لا يمكن التعرف عليه.
هكذا ظهرت أكوام التبن التي لا تعد ولا تحصى.
لوحات لكلود مونيه في متحف الفنون الجميلة في بوسطن. اليسار: أكوام القش عند غروب الشمس في جيفرني، 1891. اليمين: أكوام القش (تأثير الثلج)، 1891.
يرجى ملاحظة أن الظلال الموجودة في هذه اللوحات ملونة. وليس باللون الرمادي أو الأسود كما كانت العادة قبل الانطباعيين. وهذا آخر من اختراعاتهم.
نجح مونيه في الاستمتاع بالنجاح والرفاهية المادية. بعد 40 عاما، نسي بالفعل الفقر. حصلت على منزل وحديقة جميلة. وخلق لمتعته سنوات طويلة.
اقرأ عن اللوحة الأكثر شهرة للسيد في المقال
3. أوغست رينوار (1841-1919)
بيير أوغست رينوار. تصوير شخصي. 1875 معهد ستيرلنج وفرانسين كلارك للفنون، ماساتشوستس، الولايات المتحدة الأمريكية. موقع Pinterest.ru الانطباعية هي اللوحة الأكثر إيجابية. والأكثر إيجابية بين الانطباعيين كان رينوار.
لن تجد الدراما في لوحاته. ولم يستخدم حتى الطلاء الأسود. فقط فرحة الوجود. حتى الأشياء الأكثر تافهة في رينوار تبدو جميلة.
على عكس مونيه، رسم رينوار الناس في كثير من الأحيان. وكانت المناظر الطبيعية أقل أهمية بالنسبة له. في اللوحات يسترخي أصدقاؤه ومعارفه ويستمتعون بالحياة.
بيير أوغست رينوار. إفطار المجدفين. 1880-1881 مجموعة فيليبس، واشنطن، الولايات المتحدة الأمريكية. Wikimedia.commons.org لن تجد أي عمق في رينوار. لقد كان سعيدًا جدًا بالانضمام إلى الانطباعيين الذين تخلوا عن الموضوعات تمامًا.
وكما قال هو نفسه، فقد أتيحت له الفرصة أخيرًا لرسم الزهور وتسميتها ببساطة "الزهور". ولا تخترع أي قصص عنهم.
بيير أوغست رينوار. امرأة مع مظلة في الحديقة. 1875 متحف تيسين بورمينيس، مدريد. arteuam.com شعر رينوار بأنه أفضل بصحبة النساء. طلب من خادماته الغناء والمزاح. كلما كانت الأغنية أكثر غباءً وسذاجة، كان ذلك أفضل بالنسبة له. وأتعبته ثرثرة الرجال. ليس من المستغرب أن يشتهر رينوار بلوحاته العارية.
يبدو النموذج الموجود في لوحة "Nude in Sunlight" وكأنه يظهر على خلفية مجردة ملونة. لأنه بالنسبة لرينوار لا يوجد شيء ثانوي. عين النموذج أو جزء من الخلفية متكافئان.
بيير أوغست رينوار. عارية في ضوء الشمس. 1876 متحف أورسيه، باريس. wikimedia.commons.org عاش رينوار حياة طويلة. وأنا لم أضع الفرشاة واللوحة أبدًا. حتى عندما كانت يديه مقيدتين بالكامل بسبب الروماتيزم، ربط الفرشاة بيده بحبل. ولفت.
ومثل مونيه، انتظر الاعتراف به بعد 40 عامًا. ورأيت لوحاتي في متحف اللوفر بجانب أعمال أساتذة مشهورين.
اقرأ عن إحدى أكثر صور رينوار سحراً في المقال
4. إدغار ديغا (1834-1917)
إدغار ديغا. تصوير شخصي. 1863 متحف كالوست غولبنكيان، لشبونة، البرتغال. Cultured.com لم يكن ديغا انطباعيًا كلاسيكيًا. لم يكن يحب العمل في الهواء الطلق (في الهواء الطلق). لن تجد معه لوحة ألوان مضاءة عمدًا.
على العكس من ذلك، كان يحب الخط الواضح. لديه الكثير من الأسود. وكان يعمل حصريا في الاستوديو.
ولكن لا يزال يتم وضعه دائمًا في صف واحد مع الانطباعيين العظماء الآخرين. لأنه كان انطباعيا عن الإيماءة.
زوايا غير متوقعة عدم التماثل في ترتيب الأشياء. شخصيات أخذت على حين غرة. هذه هي السمات الرئيسية للوحاته.
لقد أوقف لحظات الحياة دون السماح للشخصيات بالعودة إلى رشدها. مجرد إلقاء نظرة على "أوركسترا الأوبرا" الخاصة به.
إدغار ديغا. أوركسترا الأوبرا. 1870، متحف أورسيه، باريس. commons.wikimedia.org في المقدمة ظهر الكرسي. ظهر الموسيقي لنا. وفي الخلفية، لم تتناسب راقصات الباليه على المسرح مع "الإطار". يتم "قطع" رؤوسهم بلا رحمة على حافة الصورة.
لذلك لا يتم تصوير راقصيه المفضلين دائمًا في أوضاع جميلة. في بعض الأحيان يقومون فقط بالتمدد.
لكن مثل هذا الارتجال خيالي. بالطبع، فكر ديغا بعناية في التكوين. هذا مجرد تأثير إطار تجميد، وليس إطار تجميد حقيقي.
إدغار ديغا. اثنان من راقصي الباليه. 1879 - متحف شلبورن، فيرموث، الولايات المتحدة الأمريكية كان إدغار ديغا يحب رسم النساء. لكن المرض أو خصائص الجسم لم تسمح له بالاتصال الجسدي بهم. لم يكن متزوجا. لم يره أحد من قبل مع سيدة.
غياب قصص حقيقيةأضاف في حياته الشخصية إثارة جنسية خفية ومكثفة إلى صوره.
إدغار ديغا. نجم الباليه. 1876-1878 متحف دورسيه، باريس. wikimedia.comons.org يرجى ملاحظة أنه في لوحة "نجمة الباليه" تم تصوير راقصة الباليه نفسها فقط. وزملاؤها خلف الكواليس بالكاد مرئيين. فقط بضعة أرجل.
وهذا لا يعني أن ديغا لم يكمل اللوحة. هذا هو الاستقبال. احتفظ فقط بالأشياء الأكثر أهمية في التركيز. جعل الباقي تختفي، غير مقروء.
اقرأ عن اللوحات الأخرى للسيد في المقال
5. بيرث موريسوت (1841-1895)
إدوارد مانيه. صورة لبيرث موريسوت. 1873 - متحف مارموتان مونيه، باريس. نادرًا ما يتم وضع بيرث موريسوت في المرتبة الأولى بين الانطباعيين العظماء. أنا متأكد من أنه غير مستحق. ستجد في عملها جميع السمات والتقنيات الرئيسية للانطباعية. وإذا كنت تحب هذا الأسلوب، فسوف تحب عملها من كل قلبك.
عملت موريسوت بسرعة وبشكل متهور، حيث نقلت انطباعاتها إلى القماش. يبدو أن الأرقام على وشك الذوبان في الفضاء.
بيرث موريسوت. صيف. 1880 متحف فابراي، مونبلييه، فرنسا. ومثل ديغا، غالبًا ما كانت تترك بعض التفاصيل غير مكتملة. وحتى أجزاء من جسم العارضة. لا يمكننا تمييز يدي الفتاة في لوحة "الصيف".
كان طريق موريسوت للتعبير عن الذات صعبًا. لم يقتصر الأمر على الانخراط في الرسم "الإهمال". وكانت لا تزال امرأة. في تلك الأيام، كان من المفترض أن تحلم السيدة بالزواج. وبعد ذلك تم نسيان أي هواية.
لذلك رفضت بيرثا الزواج لفترة طويلة. حتى وجدت رجلاً يحترم مهنتها. كان يوجين مانيه شقيق الفنان إدوارد مانيه. كان يحمل الحامل ويرسم خلف زوجته بإخلاص.
بيرث موريسوت. يوجين مانيه مع ابنته في بوجيفال. 1881 - متحف مارموتان مونيه، باريس. ولكن لا يزال هذا في القرن التاسع عشر. لا، لم أرتدي بنطال موريسوت. لكنها لم تكن قادرة على تحمل حرية الحركة الكاملة.
ولم تتمكن من الذهاب إلى الحديقة للعمل بمفردها دون أن يرافقها أحد المقربين منها. لم أستطع الجلوس وحدي في المقهى. لذلك فإن لوحاتها لأشخاص من دائرة الأسرة. الزوج، الابنة، الأقارب، المربيات.
بيرث موريسوت. امرأة مع طفل في حديقة في بوجيفال. 1881 متحف ويلز الوطني، كارديف. موريسوت لم ينتظر الاعتراف. توفيت عن عمر يناهز 54 عامًا بسبب الالتهاب الرئوي، دون أن تبيع أيًا من أعمالها تقريبًا خلال حياتها. في شهادة وفاتها، كانت هناك شرطة في عمود "الاحتلال". لم يكن من المعقول أن تُسمى امرأة فنانة. حتى لو كانت كذلك فعلا.
اقرأ عن لوحات السيد في المقال
6. كاميل بيسارو (1830 - 1903)
كاميل بيسارو. تصوير شخصي. 1873، متحف أورسيه، باريس. Wikipedia.org كاميل بيسارو. عدم الصراع ومعقولة. اعتبره الكثيرون مدرسًا. حتى الزملاء الأكثر مزاجية لم يتحدثوا بشكل سيء عن بيسارو.
لقد كان من أتباع الانطباعية المخلصين. في حاجة ماسة إليه، مع زوجة وخمسة أطفال، كان لا يزال يعمل بجد بأسلوبه المفضل. ولم يتحول أبدًا إلى طلاء الصالون ليصبح أكثر شهرة. ولا يُعرف من أين حصل على القوة ليؤمن بنفسه تمامًا.
لكي لا تموت من الجوع على الإطلاق، رسم بيسارو المشجعين، الذين تم شراؤهم بفارغ الصبر. لكن الاعتراف الحقيقي جاء إليه بعد 60 عاما! ثم أخيرًا تمكن من نسيان حاجته.
كاميل بيسارو. الحنطور في Louveciennes. 1869 - متحف أورسيه، باريس الهواء في لوحات بيسارو سميك وكثيف. مزيج غير عادي من اللون والحجم.
ولم يكن الفنان خائفا من رسم الظواهر الطبيعية الأكثر تغيرا، والتي تظهر للحظة وتختفي. أول ثلوج، شمس فاترة، ظلال طويلة.
كاميل بيسارو. الصقيع. 1873، متحف أورسيه، باريس أشهر أعماله هي مناظر لباريس. مع شوارع واسعة وحشد من الناس الصاخبة. في الليل، في النهار، في طقس مختلف. في بعض النواحي، يرددون سلسلة من اللوحات التي رسمها كلود مونيه.
