منظره شهری امپرسیونیستی نقاشی های کنستانتین کرووین

در این مقاله سن پترزبورگ را خواهید دید شهریارائه شده در گالری هنر"Art-Breeze". در اینجا آثاری از نویسندگان مختلف جمع آوری شده است که در سبک ها و تکنیک های مختلف ساخته شده اند. همه این آثار یک چیز مشترک دارند - آنها سنت پترزبورگ را همانطور که هنرمند دید آن را به تصویر می کشد.

منظره شهربه عنوان یک ژانر نقاشی، بسیار اواخر، در قرن 18 شکل گرفت. پس از آن بود که شهرها به شخصیت مدرن خود دست یافتند و تعداد ساکنان شهری به سرعت در حال افزایش بود. پیش از این، تنها چند هنرمند قرون وسطایی شهرها را بر روی بوم های خود به تصویر می کشیدند. این تصاویر بسیار ابتدایی بودند، فاقد دقت توپوگرافی بودند و برای نشان دادن مکان رویدادهایی که طرح تصویر به آن اختصاص داشت، خدمت می کردند. اجداد منظره شهریدر نقاشی می توان از هنرمندان هلندی قرن هفدهم، ورمیر دلفت، جی گوین و جی. روئیسدیل نام برد. در آثار آنهاست که می توان منظره شهر را همانطور که در نقاشی های مدرن به دیدن آن عادت کرده ایم، پیدا کرد.

هنرمندان معاصری که مناظر شهری خود را در گالری هنری Ar-Breeze سن پترزبورگ به نمایش می گذارند، سنت پترزبورگ را عمدتاً به عنوان یک شهر ساحلی مه آلود با زندگی شلوغ و معماری باشکوه به تصویر می کشند. بیشتر نقاشی ها به سبک امپرسیونیسم و ​​کلاسیک خلق شده اند. غنای رنگ ها و توانایی پرکردن بوم با نور، که با تکنیک نقاشی امپرسیونیستی ارائه شده است، به شما این امکان را می دهد که روح این شهر را به طور کامل در نوا منعکس کنید!

توسعه بیشتر نقاشی اروپایی با امپرسیونیسم همراه است. این اصطلاح به طور تصادفی متولد شد. دلیل آن عنوان منظره توسط سی مونه «Impression. طلوع خورشید» (به پیوست شماره 1، شکل 3 مراجعه کنید) (از تأثیر فرانسوی - تأثیر)، که در نمایشگاه امپرسیونیست در سال 1874 ظاهر شد. این اولین اجرای عمومی توسط گروهی از هنرمندان، که شامل سی. مونه، ای. دگا، او. رنوار، آ. سیسلی، سی. پیسارو و دیگران بود، با انتقاد رسمی بورژوازی با تمسخر و آزار و اذیت بی ادبانه مورد استقبال قرار گرفت. درست است، از اواخر دهه 1880، تکنیک های رسمی نقاشی آنها توسط نمایندگان هنر آکادمیک انتخاب شد، که به دگا دلیلی برای اظهار تلخی داد: "ما تیرباران شدیم، اما در همان زمان جیب های ما را بازرسی کردند."

اکنون که بحث های داغ درباره امپرسیونیسم به گذشته تبدیل شده است، به سختی کسی جرأت نمی کند که جنبش امپرسیونیستی گامی بیشتر در توسعه نقاشی رئالیستی اروپایی بود. "امپرسیونیسم، اول از همه، هنر مشاهده واقعیت است که به پیچیدگی بی سابقه ای رسیده است" (V.N. Prokofiev). آنها با تلاش برای حداکثر خودانگیختگی و دقت در انتقال دنیای قابل مشاهده، شروع به نقاشی عمدتاً در هوای آزاد کردند و اهمیت طرح هایی از زندگی را مطرح کردند که تقریباً جایگزین آنها شد. نوع سنتینقاشی ها با دقت و به آرامی در استودیو خلق می شوند.

امپرسیونیست ها با شفاف سازی پیوسته پالت خود، نقاشی را از لاک ها و رنگ های خاکی و قهوه ای رها کردند. سیاهی متعارف «موزه ای» در بوم های آنها جای خود را به بازی بی نهایت متنوعی از رفلکس ها و سایه های رنگی می دهد. آنها امکانات را بی اندازه گسترش داده اند هنرهای تجسمی، نه تنها دنیای خورشید، نور و هوا، بلکه زیبایی مه ها، فضای پرتلاطم زندگی شهرهای بزرگ، پراکندگی نورهای شب و ریتم حرکت مداوم را نیز آشکار می کند.

با توجه به روش کار در هوای آزاد، مناظر، از جمله منظره شهری که آنها کشف کردند، جایگاه بسیار مهمی در هنر امپرسیونیست ها داشت. میزان ادغام سنت و نوآوری به طور ارگانیک در هنر امپرسیونیست ها، قبل از هر چیز، توسط نقاش برجسته قرن نوزدهم، ادوارد مانه (1832-1883) مشهود است. درست است که او خود را نماینده امپرسیونیسم نمی دانست و همیشه به طور جداگانه به نمایش می گذاشت، اما از نظر ایدئولوژیک و ایدئولوژیک، بدون شک هم پیشرو و هم رهبر ایدئولوژیک این جنبش بود.

ای. مانه در ابتدای کار خلاقانه خود طرد شد (مسخره جامعه). در نگاه عموم و منتقدان بورژوازی، هنر او مترادف با زشت می‌شود و خود هنرمند «دیوانه‌ای که تصویری را ترسیم می‌کند و در هذیان می‌لرزد» نامیده می‌شود (م. دو مونتی‌فاود) (به ضمیمه شماره 1 مراجعه کنید. شکل 4). فقط بصیرترین ذهن های آن زمان توانستند استعداد مانه را درک کنند. در میان آنها شارل بودلر و ای.زولا جوان بودند که اعلام کردند «آقای مانه قرار است جایی در موزه لوور بگیرد».

امپرسیونیسم منسجم ترین، اما در عین حال گسترده ترین بیان خود را در کار کلود مونه (1840-1926) دریافت کرد. نام او اغلب با دستاوردهای این روش نقاشی مانند انتقال حالت های انتقالی گریزان از نور، ارتعاش نور و هوا، ارتباط متقابل آنها در روند تغییرات و دگرگونی های مداوم همراه است. V.N. Prokofiev می نویسد: "این بدون شک یک پیروزی بزرگ برای هنر دوران مدرن بود." و اضافه می کند: "اما همچنین پیروزی نهایی آن." تصادفی نیست که سزان، گرچه موضع خود را تا حدودی تیزتر کرد، اما بعداً استدلال کرد که هنر مونه «فقط چشم» است.

کارهای اولیه مونه کاملا سنتی هستند. آنها هنوز حاوی پیکره های انسانی هستند که بعداً به طور فزاینده ای به عصا تبدیل می شوند و به تدریج از نقاشی های او ناپدید می شوند. در دهه 1870 سرانجام سبک امپرسیونیستی این هنرمند شکل گرفت و از این پس او خود را کاملاً وقف منظره کرد. از آن زمان، او تقریباً به طور انحصاری به صورت مستقیم کار کرده است. در کار اوست که بالاخره نوع نقاشی بزرگ - طرح - تثبیت می شود.

مونه یکی از اولین کسانی بود که مجموعه‌ای از نقاشی‌ها را خلق کرد که در آن‌ها یک موتیف در زمان‌های مختلف سال و روز، در شرایط مختلف نور و آب و هوا تکرار می‌شود (به پیوست شماره 1، شکل 5، 6 مراجعه کنید). همه آنها با هم برابر نیستند، اما بهترین نقاشی های این مجموعه با طراوت رنگ هایشان، شدت رنگ ها و هنرمندانه جلوه های نوری خود شگفت زده می شوند.

در اواخر دوره خلاقیت در نقاشی مونه، گرایش به تزئینات و مسطح بودن شدت گرفت. درخشندگی و خلوص رنگ ها به نقطه مقابل خود تبدیل می شود، نوعی سفیدی ظاهر می شود. ای. زولا در مورد سوء استفاده امپرسیونیست‌های فقید از «لحن روشن، تبدیل برخی آثار به بوم بی‌رنگ» می‌نویسد: «و امروز چیزی جز هوای عادی وجود ندارد... فقط نقاطی باقی مانده است: پرتره فقط یک نقطه است، ارقام فقط لکه‌ها هستند، فقط لکه‌ها.»

سایر هنرمندان امپرسیونیست نیز عمدتاً نقاشان منظره بودند. کارهای آنها اغلب بدون شایستگی در سایه ها در کنار چهره واقعاً رنگارنگ و چشمگیر مونه باقی می ماند، اگرچه آنها از نظر هوشیاری در بینش طبیعت و مهارت های نقاشی خود از او کمتر نبودند. در این میان ابتدا باید نام آلفرد سیسلی (1839-1899) و کامیل پیسارو (1903-1831) ذکر شود. آثار سیسلی، انگلیسی زاده، با ظرافت تصویری خاصی مشخص می شود. او که استاد درخشان هوای معمولی بود، می‌دانست چگونه هوای شفاف یک صبح صاف زمستانی، مه روشن مه گرم شده از خورشید و ابرهایی که در یک روز بادی در آسمان می‌دویدند را منتقل کند. دامنه آن با غنای سایه ها و وفاداری رنگ ها متمایز می شود. مناظر هنرمند همیشه با حال و هوای عمیقی آغشته است که منعکس کننده درک اساساً غنایی او از طبیعت است (به پیوست شماره 1، شکل 7، 8، 9 مراجعه کنید).

پیچیده تر بود مسیر خلاقانهپیسارو، تنها هنرمندجی. روالد که در هر هشت نمایشگاه امپرسیونیست ها شرکت داشت، او را «پدرسالار» این جنبش نامید. با شروع با مناظر مشابه در نقاشی با باربیزون ها، او، تحت تأثیر مانه و دوستان جوانش، شروع به کار در هوای آزاد کرد و به تدریج پالت را روشن کرد. او به تدریج روش امپرسیونیستی خود را توسعه می دهد. او یکی از اولین کسانی بود که استفاده از رنگ سیاه را کنار گذاشت. پیسارو همیشه به رویکردی تحلیلی به نقاشی تمایل داشت، از این رو آزمایش های او در تجزیه رنگ - "تقسیم گرایی" و "پوینت گرایی" انجام شد. با این حال، او به زودی به شیوه امپرسیونیستی باز می گردد بهترین آثار- مجموعه ای شگفت انگیز از مناظر شهری پاریس (به پیوست شماره 1، شکل 10،11،12،13 مراجعه کنید). ترکیب آنها همیشه متفکرانه و متوازن است، نقاشی آنها از نظر رنگ ظریف و در تکنیک استادانه است.

در روسیه، چشم انداز شهری در امپرسیونیسم توسط کنستانتین کرووین روشن شد. پاریس برای من شوکه شد... امپرسیونیست ها... در آنها دیدم که در مسکو به خاطر آن سرزنش شدم. کورووین (1861-1939) به همراه دوستش والنتین سرووف بودند چهره های مرکزیامپرسیونیسم روسی او تحت تأثیر شدید جنبش فرانسه، سبک خاص خود را ایجاد کرد که عناصر اصلی امپرسیونیسم فرانسوی را با رنگ های غنی هنر روسیه در آن دوره در هم آمیخت (به پیوست شماره 1، شکل 15 مراجعه کنید).

قرن 18-19 اوج شکوفایی هنر اروپا را رقم زد. در فرانسه، امپراتور ناپلئون سوم دستور بازسازی پاریس را در پی جنگ فرانسه و پروس صادر کرد. پاریس به سرعت به همان «شهر درخشان» تبدیل شد که تحت امپراتوری دوم قرار داشت و دوباره خود را مرکز هنر اروپا معرفی کرد. بنابراین، بسیاری از هنرمندان امپرسیونیست در آثار خود به موضوع شهر مدرن روی آوردند. در آثار آنها شهر مدرن یک هیولا نیست، بلکه سرزمینی است که مردم در آن زندگی می کنند. بسیاری از آثار سرشار از حس وطن پرستی است.

این را می توان به ویژه در نقاشی های کلود مونه مشاهده کرد. او بیش از 30 نقاشی با مناظر کلیسای جامع روئن در طیف گسترده ای از نور و شرایط جوی خلق کرد. به عنوان مثال، در سال 1894 مونه دو نقاشی کشید - "کلیسای جامع روئن در ظهر" و "کلیسای جامع روئن در عصر". هر دو نقاشی قطعه یکسانی از کلیسای جامع را به تصویر می‌کشند، اما با رنگ‌های متفاوت - در رنگ‌های گرم زرد-صورتی ظهر و در سایه‌های آبی سرد نور گرگ و میش در حال مرگ. در نقاشی‌ها، نقطه رنگارنگ خط را کاملاً از بین می‌برد؛ هنرمند نه وزن مادی سنگ، بلکه به عنوان یک پرده رنگارنگ روشن را منتقل می‌کند.

امپرسیونیست ها به دنبال این بودند که نقاشی را مانند پنجره ای باز جلوه دهند که از آن می توان دید دنیای واقعی. اغلب منظره ای را از پنجره به سمت خیابان انتخاب می کردند. "Boulevard des Capucines" اثر سی. مونه که در سال 1873 نقاشی شد و در اولین نمایشگاه امپرسیونیستی در سال 1874 به نمایش درآمد، نمونه ای عالی از این تکنیک است. در اینجا نوآوری های زیادی وجود دارد - منظره یک خیابان بزرگ شهری به عنوان انگیزه منظره انتخاب شده است ، اما هنرمند به ظاهر آن به عنوان یک کل علاقه مند است و نه جاذبه های آن. کل توده مردم با حرکات کشویی به صورت کلی به تصویر کشیده شده است که در آن تشخیص چهره های فردی دشوار است.

مونه در این اثر برداشتی آنی و صرفاً بصری از هوای لرزان که به سختی قابل توجه است، از خیابان‌ها، مردم و کالسکه‌های در حال خروج که به اعماق عمق می‌روند، منتقل می‌کند. ایده یک بوم مسطح را از بین می برد و توهم فضا را ایجاد می کند و آن را با نور، هوا و حرکت پر می کند. چشم انسان به سوی بی نهایت می رود و هیچ نقطه محدودی وجود ندارد که بتواند متوقف شود.

زاویه دید بالا به هنرمند اجازه می دهد که پیش زمینه را رها کند و نور درخشان خورشید را در تضاد با سایه های آبی مایل به بنفش خانه هایی که روی سنگفرش خیابان قرار دارند، منتقل می کند. مونه به سمت آفتابی نارنجی، طلایی-گرم، سمت سایه بنفش می‌دهد، اما یک مه نور هوا به کل منظره هماهنگی رنگی می‌دهد و خطوط خانه‌ها و درخت‌ها در هوا ظاهر می‌شوند و پرتوهای خورشید به آن نفوذ می‌کنند.

در سال 1872، مونه در لو هاور "Impression. طلوع آفتاب" - نمایی از بندر لو هاور که بعداً در اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها ارائه شد. در اینجا هنرمند ظاهراً سرانجام خود را از ایده عمومی پذیرفته شده شی تصویر به عنوان یک حجم معین رها کرده است و کاملاً خود را وقف انتقال حالت لحظه ای جو در رنگ های آبی و صورتی-نارنجی کرده است. در واقع، به نظر می رسد همه چیز ناملموس می شود: اسکله لو هاور و کشتی ها با رگه هایی در آسمان و انعکاس در آب ادغام می شوند، و تصاویر ماهیگیران و قایق ها در پیش زمینه درست است. نقاط تاریک، با چندین ضربه شدید ساخته شده است. رد تکنیک های آکادمیک، نقاشی در هوای آزاد و انتخاب موضوعات غیرعادی با خصومت منتقدان آن زمان مواجه شد. لویی لروی، نویسنده مقاله ای خشمگین که در مجله "چاریواری" چاپ شد، برای اولین بار در رابطه با این نقاشی خاص، اصطلاح "امپرسیونیسم" را به عنوان تعریف حرکتی جدید در نقاشی به کار برد.

یکی دیگر از آثار برجسته ای که به این شهر اختصاص داده شده است، نقاشی کلود مونه "Gare Saint-Lazare" است. مونه بیش از ده نقاشی را بر اساس ایستگاه قطار سن لازار نقاشی کرد که هفت مورد از آنها در سومین نمایشگاه امپرسیونیست در سال 1877 به نمایش گذاشته شد.

مونه یک آپارتمان کوچک در خیابان مونسی، واقع در نزدیکی ایستگاه اجاره کرد. به هنرمند آزادی عمل کامل داده شد. حرکت قطارها برای مدتی متوقف شد و او به وضوح می‌توانست سکوها، کوره‌های لوکوموتیوهای دود را که با زغال سنگ پر شده بودند ببیند - تا بخار از دودکش‌ها بیرون بیاید. مونه محکم در ایستگاه "قرار گرفت" ، مسافران با احترام و هیبت او را تماشا کردند.

از آنجایی که ظاهر ایستگاه دائماً در حال تغییر بود، مونه فقط طرح هایی را در محل می ساخت و بر اساس آنها در استودیو نقاشی ها را خود نقاشی می کرد. روی بوم، ایستگاه راه آهن بزرگی را می بینیم که با سایبانی که روی تیرهای آهنی نصب شده است، پوشیده شده است. سکوهایی در سمت چپ و راست وجود دارد: یک مسیر برای قطارهای شهری و دیگری برای قطارهای مسافت طولانی در نظر گرفته شده است. فضای خاص از طریق کنتراست نور کم در داخل ایستگاه و نور روشن و خیره کننده خیابان منتقل می شود. دود و بخار پراکنده در سراسر بوم، خطوط متضاد نور را متعادل می کند. دود از همه جا تراوش می کند، ابرهای درخشان در برابر شبح های کم رنگ ساختمان ها می چرخند. بخار غلیظ به نظر می رسد که به برج های عظیم شکل می دهد و آنها را با یک حجاب سبک مانند باریک ترین تار عنکبوت می پوشاند. تصویر با رنگ های ملایم خاموش با تغییر سایه های ظریف نقاشی شده است. ضربات سریع و دقیق به شکل کاما، مشخصه آن زمان، به عنوان یک موزاییک در نظر گرفته می شود؛ بیننده این تصور را ایجاد می کند که بخار یا در حال پخش شدن است یا متراکم می شود.

یکی دیگر از نمایندگان امپرسیونیست ها، سی پیسارو، مانند همه امپرسیونیست ها، عاشق نقاشی شهر بود که او را با حرکت بی پایان، جریان جریان هوا و بازی نور مجذوب خود کرد. او آن را به عنوان یک موجود زنده و بی قرار درک کرد که بسته به زمان سال و درجه روشنایی می تواند تغییر کند.

در زمستان و بهار 1897، پیسارو روی مجموعه‌ای از نقاشی‌ها به نام «بولوارهای پاریس» کار کرد. این آثار باعث شهرت این هنرمند شد و توجه منتقدانی را به خود جلب کرد که نام او را با جنبش تفرقه افکنی پیوند زدند. این هنرمند طرح هایی را برای این مجموعه از پنجره اتاق هتلی در پاریس ساخت و کار روی نقاشی ها را در استودیوی خود در ارگنی در پایان آوریل به پایان رساند. این مجموعه تنها مجموعه ای از آثار پیسارو است که در آن هنرمند به دنبال ثبت شرایط مختلف آب و هوا و نور خورشید با حداکثر دقت بوده است. به عنوان مثال، این هنرمند 30 تابلوی نقاشی بلوار مونمارتر را به تصویر کشید و آن را از همان پنجره مشاهده کرد.

استاد سی پیسارو در نقاشی‌های «بلوار مون‌مارتر در پاریس» غنای جلوه‌های جوی، پیچیدگی رنگارنگ و ظرافت یک روز ابری را به طرز ماهرانه‌ای بیان کرد. پویایی زندگی شهری که با قلم موی سریع نقاش به طرز متقاعدکننده ای تجسم یافته است، تصویری از یک شهر مدرن ایجاد می کند - نه تشریفاتی، نه رسمی، بلکه هیجان زده و زنده. منظره شهر به ژانر اصلی در کار این امپرسیونیست برجسته - "خواننده پاریس" تبدیل شد.

پایتخت فرانسه در آثار پیسارو جایگاه ویژه ای دارد. این هنرمند دائماً در خارج از شهر زندگی می کرد ، اما پاریس به طور مداوم او را جذب می کرد. پاریس با حرکت بی وقفه و جهانی اش - راه رفتن عابران پیاده و دویدن کالسکه ها، جریان جریان های هوا و بازی نور - او را مجذوب خود می کند. شهر پیسارو فهرستی از خانه های قابل توجه نیست که وارد میدان دید این هنرمند شده است، بلکه موجودی زنده و بی قرار است. ما که اسیر این زندگی شده ایم، به ابتذال ساختمان هایی که بلوار مونمارتر را تشکیل می دهند، نمی دانیم. هنرمند در بی قراری بلوارهای بزرگ، جذابیت بی نظیری می یابد. پیسارو بلوار مونمارتر را صبح و روز، عصر و شب، نور خورشید و خاکستری گرفته است و از همان پنجره به آن نگاه می کند. یک موتیف واضح و ساده از یک خیابان که به دوردست کشیده شده است، پایه ترکیبی روشنی را ایجاد می کند که از بوم به بوم تغییر نمی کند. چرخه بوم های نقاشی شده در سال بعد از پنجره هتل لوور کاملاً متفاوت ساخته شد. پیسارو در نامه ای به پسرش در حین کار بر روی چرخه، بر شخصیت متفاوت این مکان با بلوارها، یعنی میدان تئاتر فرانسوی و اطراف آن تاکید کرد. در واقع، همه چیز آنجا به سرعت در امتداد محور خیابان است. در اینجا، میدان، که به عنوان ایستگاه پایانی چندین مسیر omnibus عمل می کرد، حداکثر با هم تلاقی می کند. جهت های مختلفو به جای یک پانورامای وسیع با هوای فراوان، چشمان ما با فضایی بسته در پیش زمینه نمایش داده می شود.

"دنیای جدید زمانی متولد شد که امپرسیونیست ها آن را نقاشی کردند"

هانری کانویلر

قرن نوزدهم. فرانسه. اتفاقی بی سابقه در نقاشی افتاد. گروهی از هنرمندان جوان تصمیم گرفتند سنت های 500 ساله را متزلزل کنند. به جای یک نقاشی واضح، آنها از یک سکته مغزی گسترده و "درهم" استفاده کردند.

و آنها به طور کامل تصاویر معمولی را رها کردند و همه را در یک ردیف به تصویر کشیدند. و خانمهای با فضیلت آسان و آقایان شهرت مشکوک.

عموم مردم برای نقاشی امپرسیونیستی آماده نبودند. مورد تمسخر و سرزنش قرار گرفتند. و مهمتر از همه، آنها چیزی از آنها نخریدند.

اما مقاومت شکسته شد. و برخی امپرسیونیست ها زندگی کردند تا پیروزی خود را ببینند. درست است، آنها قبلاً بیش از 40 سال داشتند. مانند کلود مونه یا آگوست رنوار. برخی دیگر مانند کامیل پیسارو فقط در پایان زندگی خود منتظر شناخت بودند. برخی مانند آلفرد سیسلی برای دیدن او زنده نبودند.

هر کدام از آنها چه انقلابی به دست آوردند؟ چرا مردم اینقدر طول کشید تا آنها را بپذیرند؟ در اینجا 7 مشهورترین امپرسیونیست فرانسوی شناخته شده در سراسر جهان آورده شده است.

1. ادوارد مانه (1832-1883)

ادوارد مانه سلف پرتره با پالت. 1878 مجموعه خصوصی

مانه از بسیاری از امپرسیونیست ها پیرتر بود. او مشوق اصلی آنها بود.

خود مانه ادعای رهبری انقلابیون را نداشت. او بود اجتماعی. من آرزوی جوایز رسمی را داشتم.

اما او مدت زیادی منتظر بود تا به رسمیت شناخته شود. عموم مردم می خواستند الهه های یونانی یا طبیعت بی جان را در بدترین حالت ببینند تا در اتاق غذاخوری زیبا به نظر برسند. مانه می خواست بنویسد زندگی مدرن. مثلاً اطفال زاده ها.

نتیجه "صبحانه روی چمن" بود. دو شیک پوش در جمع خانم های با فضیلت آسان در حال استراحت هستند. یکی از آنها، انگار هیچ اتفاقی نیفتاده، کنار مردان لباس پوش می نشیند.

ادوارد مانه صبحانه روی چمن. 1863، پاریس

ناهار روی چمن او را با رومی های توماس کوتور در زوال مقایسه کنید. نقاشی کوتور حسی ایجاد کرد. این هنرمند فوراً مشهور شد.

"صبحانه روی چمن" به ابتذال متهم شد. به زنان باردار مطلقاً توصیه نمی شد که به او نگاه کنند.

توماس کوتور. رومیان در زوال خود 1847 موزه اورسی، پاریس. artchive.ru

در نقاشی کوتور ما تمام ویژگی های آکادمیک (نقاشی سنتی قرن 16-19) را می بینیم. ستون ها و مجسمه ها. افرادی با ظاهر آپولونی. رنگ های سنتی خاموش. آداب ژست ها و ژست ها. طرحی از زندگی دور مردمی کاملاً متفاوت.

«صبحانه روی چمن» نوشته مانه قالبی متفاوت دارد. قبل از او، هیچ کس به این راحتی زنان جلیقه را به تصویر نکشیده بود. نزدیک به شهروندان محترم اگرچه بسیاری از مردان آن زمان اوقات فراغت خود را به این روش سپری می کردند. بود زندگی واقعی مردم واقعی.

یک بار یک خانم محترم را به تصویر کشیدم. زشت نمی توانست با برس او را چاپلوسی کند. خانم ناامید شد. او را با گریه ترک کرد.

ادوارد مانه آنجلینا 1860 موزه اورسی، پاریس. Wikimedia.commons.org

بنابراین او به آزمایش ادامه داد. مثلا با رنگ. او سعی نکرد رنگ به اصطلاح طبیعی را به تصویر بکشد. اگر آب خاکستری مایل به قهوه ای را به رنگ آبی روشن می دید، آن را به رنگ آبی روشن به تصویر می کشید.

این البته باعث عصبانیت مخاطب شد. آنها با کنایه گفتند: «حتی دریای مدیترانه هم نمی تواند به آبی بودن آب مانه ببالد.

ادوارد مانه آرژنتویل 1874 موزه هنرهای زیبا، تورنای، بلژیک. Wikipedia.org

اما واقعیت همچنان یک واقعیت است. مانه به طور اساسی هدف نقاشی را تغییر داد. این نقاشی تجسم فردیت هنرمند شد که هر طور که می خواهد نقاشی می کند. فراموش کردن الگوها و سنت ها

نوآوری ها برای مدت طولانی بخشیده نشدند. او فقط در پایان زندگی خود به رسمیت شناخته شد. اما او دیگر به آن نیاز نداشت. او در اثر یک بیماری صعب العلاج به شدت در حال مرگ بود.

2. کلود مونه (1840-1926)

کلود مونه. سلف پرتره در کلاه. 1886 مجموعه خصوصی

کلود مونه را می توان امپرسیونیست کتاب درسی نامید. از آنجایی که در طول عمر طولانی خود به این مسیر وفادار بود.

او نه اشیاء و افراد، بلکه یک ساختار تک رنگ از نقاط برجسته و نقاط را نقاشی کرد. سکته مغزی جداگانه. لرزش هوا.

کلود مونه. استخر پارویی. 1869 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. Metmuseum.org

مونه نه تنها طبیعت را نقاشی کرد. او در مناظر شهری نیز موفق بود. یکی از مشهورترین - .

عکس های زیادی در این تصویر وجود دارد. به عنوان مثال، حرکت از طریق یک تصویر تار منتقل می شود.

لطفا توجه داشته باشید: به نظر می رسد درختان و شکل های دور در مه هستند.

کلود مونه. بلوار کاپوسین در پاریس. 1873 (گالری هنر اروپایی و آمریکایی قرن 19-20)، مسکو

پیش روی ما لحظه ای یخ زده در زندگی شلوغ پاریس است. بدون صحنه سازی هیچ کس ژست نمی گیرد. افراد به صورت مجموعه ای از ضربه های قلم مو به تصویر کشیده می شوند. چنین فقدان طرح و اثر "فریز فریم" از ویژگی های اصلی امپرسیونیسم است.

در اواسط دهه 80، هنرمندان از امپرسیونیسم سرخورده شدند. زیبایی شناسی، البته، خوب است. اما فقدان طرح خیلی ها را افسرده کرد.

فقط مونه ادامه داد و امپرسیونیسم را مبالغه کرد. این به یک سری نقاشی تبدیل شد.

او همان منظره را ده ها بار به تصویر کشید. در ساعات مختلف روز. در زمان های مختلف سال. برای نشان دادن اینکه چگونه دما و نور می توانند گونه های مشابه را غیرقابل تشخیص تغییر دهند.

اینگونه بود که انبارهای کاه بی شماری پدیدار شد.

نقاشی های کلود مونه در موزه هنرهای زیبا در بوستون. سمت چپ: انبار کاه در غروب آفتاب در گیورنی، 1891. سمت راست: انبار کاه (اثر برف)، 1891.

لطفا توجه داشته باشید که سایه ها در این نقاشی ها رنگی هستند. و نه خاکستری یا سیاه، همانطور که قبل از امپرسیونیست ها مرسوم بود. این یکی دیگر از اختراعات آنهاست.

مونه موفق شد از موفقیت و رفاه مادی لذت ببرد. بعد از 40 سالگی فقر را فراموش کرده بود. یک خانه و یک باغ زیبا. و برای لذت خود خلق کرد سال های طولانی.

در مورد نمادین ترین نقاشی استاد در مقاله بخوانید

3. آگوست رنوار (1841-1919)

پیر آگوست رنوار. سلف پرتره. 1875 موسسه هنر استرلینگ و فرانسین کلارک، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا. Pinterest.ru

امپرسیونیسم مثبت ترین نقاشی است. و مثبت ترین در میان امپرسیونیست ها رنوار بود.

در نقاشی های او درام پیدا نمی کنید. حتی از رنگ مشکی هم استفاده نکرد. فقط لذت بودن حتی پیش پا افتاده ترین چیزها در رنوار زیبا به نظر می رسند.

برخلاف مونه، رنوار بیشتر مردم را نقاشی می کرد. مناظر برای او اهمیت کمتری داشتند. در نقاشی ها دوستان و آشنایان او در حال استراحت و لذت بردن از زندگی هستند.

پیر آگوست رنوار. صبحانه پاروزنان. 1880-1881 مجموعه فیلیپس، واشنگتن، ایالات متحده آمریکا. Wikimedia.commons.org

در رنوار هیچ ژرفایی پیدا نخواهید کرد. او بسیار خوشحال بود که به امپرسیونیست ها ملحق شد که موضوعات را کاملاً رها کردند.

همانطور که خودش گفت بالاخره این فرصت را پیدا کرد که گلها را نقاشی کند و آنها را به سادگی "گل" بنامد. و هیچ داستانی در مورد آنها اختراع نکنید.

پیر آگوست رنوار. زنی با چتر در باغ. 1875 موزه تیسن بورمنیس، مادرید. arteuam.com

رنوار در جمع زنان بهترین احساس را داشت. از کنیزانش خواست آواز بخوانند و شوخی کنند. هر چه آهنگ احمقانه تر و ساده لوح تر باشد برای او بهتر است. و پچ پچ مردها او را خسته می کرد. جای تعجب نیست که رنوار به خاطر نقاشی های برهنه اش مشهور است.

به نظر می رسد مدل نقاشی "برهنه در نور خورشید" در پس زمینه ای انتزاعی رنگارنگ ظاهر می شود. زیرا برای رنوار هیچ چیز ثانویه نیست. چشم مدل یا قسمتی از پس زمینه معادل هستند.

پیر آگوست رنوار. برهنه زیر نور خورشید 1876 ​​موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org

رنوار عمر طولانی داشت. و من هرگز قلم مو و پالت خود را زمین نمی گذارم. حتی زمانی که دستانش به دلیل روماتیسم کاملاً غل و زنجیر شده بود، برس را با طناب به دست خود می بست. و او نقاشی کرد.

او مانند مونه پس از 40 سال منتظر شناخت بود. و نقاشی هایم را در موزه لوور در کنار آثار استادان مشهور دیدم.

در مورد یکی از جذاب ترین پرتره های رنوار در مقاله بخوانید

4. ادگار دگا (1834-1917)

ادگار دگا. سلف پرتره. 1863 موزه Calouste Gulbenkian، لیسبون، پرتغال. Cultured.com

دگا یک امپرسیونیست کلاسیک نبود. او کار کردن با هوای آزاد (در فضای باز) را دوست نداشت. شما یک پالت عمدا روشن شده با او پیدا نخواهید کرد.

برعکس، او عاشق یک خط روشن بود. او مشکی زیادی دارد. و به طور انحصاری در استودیو کار می کرد.

اما هنوز او همیشه با امپرسیونیست های بزرگ دیگر در یک ردیف قرار می گیرد. زیرا او یک امپرسیونیست ژست بود.

زوایای غیر منتظره عدم تقارن در چیدمان اجسام. شخصیت هایی که غافلگیر شده اند. اینها ویژگی های اصلی نقاشی های او هستند.

او لحظات زندگی را متوقف کرد و اجازه نداد شخصیت ها به خود بیایند. فقط به "ارکستر اپرا" او نگاه کنید.

ادگار دگا. ارکستر اپرا. 1870 موزه اورسی، پاریس. commons.wikimedia.org

در پیش زمینه پشتی یک صندلی است. پشت نوازنده به ماست. و در پس زمینه بالرین های روی صحنه در "قاب" قرار نمی گرفتند. سر آنها بی رحمانه از لبه تصویر "بریده شده" است.

بنابراین رقصندگان مورد علاقه او همیشه در حالت های زیبا به تصویر کشیده نمی شوند. گاهی اوقات فقط حرکات کششی انجام می دهند.

اما چنین بداهه سازی خیالی است. البته، دگا با دقت در مورد ترکیب فکر کرد. این فقط یک اثر فریز فریم است، نه یک فریم فریز واقعی.

ادگار دگا. دو رقصنده باله 1879 موزه شلبرن، ورموث، ایالات متحده آمریکا

ادگار دگا عاشق نقاشی زنان بود. اما بیماری یا ویژگی های بدن اجازه نمی داد که با آنها تماس فیزیکی داشته باشد. او هرگز ازدواج نکرده است. هیچ کس او را با یک خانم ندیده است.

غیبت داستان های واقعیدر زندگی شخصی اش یک اروتیسم ظریف و شدید به تصاویرش اضافه کرد.

ادگار دگا. ستاره باله. 1876-1878 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.comons.org

لطفا توجه داشته باشید که در نقاشی "ستاره باله" فقط خود بالرین به تصویر کشیده شده است. همکاران او در پشت صحنه به سختی قابل مشاهده هستند. فقط چند پا

این بدان معنا نیست که دگا نقاشی را کامل نکرده است. این پذیرایی است. فقط مهم ترین چیزها را در کانون توجه قرار دهید. بقیه را ناپدید کنید، ناخوانا.

سایر نقاشی های استاد را در مقاله بخوانید

5. برت موریسو (1841-1895)

ادوارد مانه پرتره برت موریسو. 1873 موزه Marmottan-Monet، پاریس.

برت موریسو به ندرت در رتبه اول امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. مطمئنم که سزاوار نیست در کار او است که شما تمام ویژگی ها و تکنیک های اصلی امپرسیونیسم را خواهید یافت. و اگر این سبک را دوست دارید، کار او را با تمام وجود دوست خواهید داشت.

موریسو به سرعت و با شتاب کار کرد و برداشت های خود را به بوم منتقل کرد. به نظر می رسد این ارقام در حال حل شدن در فضا هستند.

برت موریسو. تابستان. 1880 موزه فابری، مونپلیه، فرانسه.

مانند دگا، او اغلب برخی از جزئیات را ناتمام می گذاشت. و حتی قسمت هایی از بدن مدل. ما نمی توانیم دست های دختر را در نقاشی "تابستان" تشخیص دهیم.

مسیر موریسو برای ابراز وجود دشوار بود. او نه تنها درگیر نقاشی "بی دقت" بود. او هنوز یک زن بود. آن روزها قرار بود خانمی آرزوی ازدواج داشته باشد. پس از آن هر سرگرمی فراموش شد.

بنابراین، برتا برای مدت طولانی از ازدواج امتناع کرد. تا اینکه مردی را پیدا کرد که به شغل او احترام می گذاشت. یوجین مانه برادر هنرمند ادوارد مانه بود. او با وظیفه‌ای پشت سر همسرش یک سه‌تول و نقاشی می‌کشید.

برت موریسو. یوجین مانه با دخترش در بوگیوال. 1881 موزه Marmottan-Monet، پاریس.

اما با این حال، این در قرن 19 بود. نه، من شلوار موریزو نپوشیدم. اما او نمی توانست آزادی کامل حرکت را تامین کند.

او نمی توانست به تنهایی برای کار به پارک برود، بدون اینکه یکی از نزدیکانش همراهش باشد. نمی توانستم در یک کافه تنها بنشینم. بنابراین، نقاشی های او مربوط به افراد خانواده است. شوهر، دختر، اقوام، دایه ها.

برت موریسو. زنی با یک بچه در باغی در بوگیوال. 1881 موزه ملیولز، کاردیف

موریسو منتظر شناخت نشد. او در سن 54 سالگی بر اثر ذات الریه درگذشت، بدون اینکه تقریباً هیچ یک از کارهای خود را در طول زندگی خود فروخته باشد. در گواهی فوت او، یک خط تیره در ستون "شغل" وجود داشت. غیرقابل تصور بود که یک زن هنرمند نامیده شود. حتی اگر واقعاً بود.

در مورد نقاشی های استاد در مقاله بخوانید

6. کامیل پیسارو (1830-1903)

کامیل پیسارو. سلف پرتره. 1873 موزه اورسی، پاریس. Wikipedia.org

کامیل پیسارو. بدون تعارض، معقول. بسیاری او را معلم می دانستند. حتی خوش اخلاق ترین همکاران هم در مورد پیسارو بد صحبت نکردند.

او از پیروان وفادار امپرسیونیسم بود. در نیاز شدید، با داشتن همسر و پنج فرزند، همچنان به سبک مورد علاقه اش سخت کار می کرد. و او هرگز برای محبوبیت بیشتر به نقاشی سالن روی آورد. معلوم نیست که او از کجا این قدرت را پیدا کرده که خودش را کاملاً باور کند.

برای اینکه اصلاً از گرسنگی نمرده، پیسارو فن هایی را نقاشی کرد که مشتاقانه خریدند. اما شناخت واقعی بعد از 60 سال به سراغش آمد! سپس بالاخره توانست نیاز خود را فراموش کند.

کامیل پیسارو. کالسکه در لووسین. 1869 موزه اورسی، پاریس

هوا در نقاشی های پیسارو غلیظ و متراکم است. تلفیقی فوق العاده از رنگ و حجم.

این هنرمند از ترسیم تغییرپذیرترین پدیده های طبیعی که برای لحظه ای ظاهر می شوند و ناپدید می شوند ترسی نداشت. اولین برف، خورشید یخ زده، سایه های بلند.

کامیل پیسارو. فراست 1873 موزه اورسی، پاریس

مشهورترین آثار او نماهایی از پاریس است. با بلوارهای عریض و ازدحام پرجنب و جوش. در شب، در روز، در آب و هوای مختلف. از برخی جهات آنها بازتاب مجموعه ای از نقاشی های کلود مونه هستند.