V.L. تحلیل حقیقت آثار هنری (گرافیک، نقاشی، مجسمه سازی، معماری)

تجزیه و تحلیل آثار

هنرهای تجسمی

آنژرو - سودژنسک

دپارتمان آموزش و علوم منطقه KEMEROVSK

GOU SPO ANZHERO - کالج پداگوژیک سوجنسکی

تجزیه و تحلیل آثار

هنرهای تجسمی

شورای مؤسسه آموزشی دولتی آموزش حرفه ای متوسطه آنژرو -

"____" ____________ 2009

رئیس سازمان RIS

بازبین:

درس دادن

GOU SPO Anzhero - کالج آموزشی Sudzhensky.

تحلیل آثار هنرهای تجسمی: دستورالعمل . – Anzhero – Sudzhensk: موسسه آموزشی دولتی آموزش حرفه ای متوسطه Anzhero – Sudzhensk Pedagogical College, 2009 – p.

در این توسعه روش شناختیمسائل مربوط به تجزیه و تحلیل آثار هنرهای زیبا پوشش داده شده است.

از مزایای آن می توان به وجود یک برنامه کاربردی که حاوی طرح ها و الگوریتم هایی برای تجزیه و تحلیل آثار هنری است اشاره کرد.

©GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

دانشکده تربیت معلم

	معرفی…..……………………………………………………..
	مبانی روش شناختی برای تحلیل آثار هنرهای زیبا…………………………………………………………………
	ادبیات………………………………………………………..
	کاربرد …………………………………………………………

معرفی

چگونه به جهان نگاه می کنیم

قبل از اینکه در مورد تجزیه و تحلیل آثار هنرهای زیبا صحبت کنیم، بیایید به این فکر کنیم که چرا آنها را بصری نیز می نامند و در واقع برای چه چیزی در نظر گرفته شده اند. برای نوازش نگاه، برای چشم! - می گویید و درست می گویید، اگرچه اگر در مورد معماری و طراحی صحبت کنیم، آنها می توانند نه تنها چشم، بلکه بدن را نیز نوازش کنند. هنرهای تجسمی بر ادراک بصری تمرکز دارند. بیایید این توانایی ما برای دیدن را بررسی کنیم.

بنابراین، یک فرد معمولیبا دو چشم نگاه می کند، در هر چشم یک مرکز نوری وجود دارد - نقطه ای که از آن تصویر اجسام اطراف به وضوح دیده می شود. این بدان معناست که دید ما دو کانون دارد. بیایید یک آزمایش انجام دهیم: یک ورق کاغذ بردارید، یک سوراخ کوچک در آن ایجاد کنید و سعی کنید، در طول بازو، از طریق این سوراخ در یک نقطه دور از دیوار (به عنوان مثال، یک سوئیچ) نگاه کنید. بدون حرکت دستان خود، چشمان راست و چپ شما را به طور متناوب می بندیم - تصویر سوئیچ در سوراخ یا ناپدید می شود یا دوباره ظاهر می شود. این به چه معناست؟

در دستگاه بینایی انسان، فقط یک فوکوس کار می کند - چشم راست یا چپ (بسته به اینکه کدام چشم پیشرو است: اگر تصویر با بسته شدن چشم راست ناپدید شد، آن چشم اول است و اگر چشم چپ باشد. چشم اول است)، سپس چشم چپ پیشرو. یک چشم "واقعی" را می بیند و دیگری عملکرد کمکی را انجام می دهد - "جاسوس" می کند، به مغز کمک می کند تصویر را کامل کند.

در طول یک مکالمه کلی به طرف مقابل خود دقت کنید. بینایی شما چشم راست او را ثابت می کند (برای شما در سمت چپ خواهد بود) و شما به وضوح فقط او را می بینید. بقیه تصویر مخاطب به تدریج از مرکز (از چشم راست او) به سمت اطراف محو می شود. چه مفهومی داره؟ عدسی چشم ما - عدسی کریستالی - به شکل یک کره قرار گرفته است. و تصویر همیشه در لبه ها تار خواهد بود - شی فقط در یک نقطه کانونی به وضوح منعکس می شود. هرچه از فوکوس دورتر باشد، تصویر تارتر می شود.

واضح است که با چنین "امکانات رقت انگیز" دید، فضا، شکل اجسام و حتی رنگ ها در معرض اعوجاج طبیعی قرار می گیرند. تناقض این است که ما بیشتر اشیاء را آنقدر که فکر می کنیم نمی بینیم و کاملاً از مکانیسم های بینایی خود بی خبر هستیم. و از آنجایی که بینایی ما به طور نامحسوس آموزش دیده است فضای فرهنگیجامعه (و در طول ششصد سال گذشته این آموزش عمدتاً بر اساس دیدگاه های خطی مستقیم کلاسیک ها انجام شده است)، سپس موارد ساده ای که برای فیزیولوژیست ها یا هنرمندان. و ما هنوز فکر می کنیم که حد واقع گرایی در تصویر در آثار گردشگران نهفته است و نه در نقاشی های سزان.

بنابراین به مبحث تحلیل آثار هنرهای زیبا می رسیم. دو راه برای درک هنرهای زیبا وجود دارد: یکی از طریق قلب و دیگری از طریق ذهن. این مبنای روش شناختی برای درک همه هنر است.

مبانی روش شناختی برای تجزیه و تحلیل آثار هنرهای زیبا

کسانی که برای اولین بار با تحلیل هر اثر هنری مواجه می شوند تقریباً بلافاصله سؤالات منطقی دارند: «آیا اصلاً تحلیل در هنر لازم است؟ آیا او زنده، آنی را نمی کشد، ادراک عاطفیهنر؟ اگر به درستی اجرا شود لازم است.

تجزیه و تحلیل واضح با هنر احساسی تداخل نمی کند، اما به آشکار شدن جنبه های جدید کار کمک می کند و معنای عمیق تر را نشان می دهد. برای انجام این کار، تجزیه و تحلیل نباید در بیان ساده ای از حضور یک شی یا شخصیت روی بوم، در بازگویی طرح متوقف شود، بلکه باید بیشتر (یا عمیق تر) به معنای تصویر رفت.

اما معنا از طریق صورت خارجی بیان می شود. در یک اثر مستقیماً به ما معنا داده نمی شود، بلکه فقط یک شکل خاص به ما داده می شود. و ما باید آن را "بخوانیم"، معنای پشت آن را ببینیم. علاوه بر این، هنرمند فرم آثار خود را طوری می سازد که معنای مورد نیاز خود را بهتر بیان کند.

هر اثر هنری چندین سطح دارد. اینها سطوح احساسی، موضوع، طرح، نمادین و سطح ساختار درونی (ریزمدار) اثر هستند.. درک ما از هنر با احساسات آغاز می شود.

سطح عاطفی.

اولین چیزی که ما "گرفتار" می کنیم، ساختار احساسی اثر است. موقر یا غنایی است، به نظر ما خنده دار یا غم انگیز است. اگر اثر از نظر احساسی ما را تحت تأثیر قرار نداده باشد، تجزیه و تحلیل بیشتر انجام نخواهد شد.! بنابراین در ابتدای تحلیل تلاش برای تسخیر احساساتی که از ارتباط با اثر زاییده می شود بسیار مفید است. زمانی که کار برای مدت طولانی آشنا باشد، این امر بیشتر ضروری است. از این گذشته ، ما بی اختیار آن احساسات "قدیمی" را که نقاشی زمانی در ما برانگیخت به یاد آوردیم. اما حالا ما با هم فرق داریم، یعنی برداشت ما متفاوت است. و اکنون ما احساسات متفاوتی برای قدیمی ها، مدت ها قبل خواهیم داشت کار معروف. و در ابتدای تجزیه و تحلیل، برای دانش آموزان بسیار مفید است که یک سوال در مورد اولین برداشت حاصل از تصویر بپرسند.

علاوه بر این، این برداشت اولیه باید به هر طریق ممکن در طول تحلیل حفظ و پشتیبانی شود. اغلب این اولین برداشت احساسی است که صحت نتایج تحلیلی را تأیید می کند. به تدریج، در طول فرآیند تجزیه و تحلیل، صحت نتیجه گیری های تحلیلی تأیید می شود. به تدریج، در فرآیند تجزیه و تحلیل، ما شروع به دیدن چگونگی دستیابی هنرمند به این یا آن تأثیر احساسی می کنیم.

پایان تحلیل نیز باید احساسی باشد. در نهایت، نه تنها مفید است، بلکه صرفاً ضروری است که یک بار دیگر به برداشت عاطفی کل نگر بازگردیم. فقط در حال حاضر احساس با آگاهی از معنا پشتیبانی می شود.

نمونه سوالات تحلیل اثر در سطح احساسی.

1. اثر چه تأثیری می گذارد؟

3. یک بازدیدکننده چه احساساتی را می تواند تجربه کند (معماری)؟

4. ماهیت کار چیست؟

5. مقیاس کار، فرمت، آرایش عمودی، افقی یا مورب قطعات، استفاده از فرم های معماری، استفاده از رنگ ها در تصویر و توزیع نور چگونه به تأثیر احساسی کمک می کند؟

سطح موضوع.

آن چیزی که مستقیماً به تصویر کشیده شده است را منعکس می کند. از این سطح است که تحلیل مستقیماً آغاز می شود. هر شی، هر شخصیت یا پدیده ای بسیار مهم است. هیچ چیز تصادفی در نقاشی هنرمندان خوب وجود ندارد. بنابراین، حتی یک لیست ساده از آنچه روی بوم قرار دارد، شما را به فکر وا می دارد.

و در اینجا اغلب با مشکلاتی مواجه می شویم.

توجه انسان انتخابی است و برای مدت طولانی ممکن است هیچ توجهی نداشته باشیم جزئیات مهم. بله، و چیزهای تاریخی گاهی غیرقابل تشخیص تغییر می کنند. یا کت و شلواری که در هر دوره ای به معاصر چیزهای زیادی در مورد یک شخص می گوید - این یک دایره المعارف کامل است نه تنها زندگی خارجی، بلکه اخلاق، شخصیت ها، اهداف زندگی.

بنابراین، باید با روشن کردن دقیق معنی و هدف همه چیزهایی که روی آن قرار داده شده است، "خواندن" یک عکس را به عنوان یک قانون در نظر بگیرید. دنیای عینی تصویر کلماتی است که «متنی که به ما داده شده» را می سازند.

در حال حاضر در این سطح، در آغاز آشنایی با دنیای عینیدر نقاشی‌ها، ما خیلی سریع متوجه می‌شویم که همه اشیا و چهره‌ها به‌طور تصادفی در سراسر بوم پراکنده نشده‌اند، بلکه نوعی وحدت را تشکیل می‌دهند. و ما بی اختیار با انجام دادن شروع به درک این وحدت می کنیم اولین قدم برای ترکیب بندی نقاشی. در نهایت در نهایت به آن مسلط خواهیم شد. اما باید فوراً شروع به یادداشت ویژگی های فردی کنید. به عنوان یک قاعده، بلافاصله آشکار است که مهم ترین عناصر شکل های ساده و واضح را تشکیل می دهند (مثلث، دایره، هرم، مربع ...). این فرم ها خودسرانه توسط هنرمند انتخاب نمی شوند، بلکه ساختار عاطفی خاصی را ایجاد می کنند. دایره و بیضی آرام و کامل هستند. یک مستطیل مربع یا خوابیده احساس ثبات و مصونیت را ایجاد می کند. هرم و مثلث به بیننده حس آرزو می دهد. در این مرحله از تجزیه و تحلیل، اصلی و فرعی در تصویر به راحتی قابل تشخیص هستند.

یک شی جداگانه، یک رنگ جداگانه، یک ضربه جداگانه چیزی برای درک معنی نمی دهد. فقط نسبت آنها قابل توجه است. از طریق رابطه رنگ ها، صداها، مضامین، اشیا، حجم ها، باید بتوانید معنای اثر را "خواندن" کنید.

مخالفت های متضاد، غلبه حرکت یا استراحت بر روی بوم، رابطه بین پس زمینه و چهره ها - همه اینها قبلاً در این مرحله از تجزیه و تحلیل ذکر شده است. در اینجا متوجه می شویم که انتقال حرکت یک فضای مورب و آزاد در مقابل یک جسم، تصویری از اوج حرکت، الگوهای نامتقارن است. و انتقال استراحت عبارت است از عدم وجود مورب، فضای آزاد در جلوی جسم، حالت های ایستا، الگوهای متقارن. اما همه اینها فقط در حال حاضر ذکر شده است. معنای واقعیویژگی های ترکیب فقط در پایان تجزیه و تحلیل برای ما به دست می آید.

نمونه سوالات تحلیل یک اثر هنری در سطح موضوعی.

1. چه چیزی (یا چه کسی) در تصویر نشان داده شده است؟

2. بازدید کننده هنگام ایستادن در مقابل نما چه چیزی را می بیند؟ در فضای داخلی؟

3. چه کسی را در مجسمه می بینید؟

4. نکته اصلی را از آنچه دیدید برجسته کنید؟

5. سعی کنید توضیح دهید که چرا این موضوع برای شما مهم به نظر می رسد.

6. یک هنرمند یا معمار با چه ابزاری چیز اصلی را برجسته می کند؟

7. چیدمان اشیا در اثر (ترکیب موضوع) چگونه است؟

8. رنگ ها در اثر (ترکیب رنگ) چگونه با هم مقایسه می شوند؟

9- حجم ها و فضاها در یک سازه معماری چگونه با هم مقایسه می شوند؟

سطح قطعه

من فوراً می خواهم نسبت به خطری که محققان اغلب نسبت به آن هشدار می دهند هشدار دهم. این تمایل به جایگزینی طرح ارائه شده توسط هنرمند روی بوم با طرحی است که از تاریخ، اساطیر و داستان های مربوط به هنرمند شناخته شده است. هنرمند نه تنها طرح را به تصویر می کشد، بلکه درک آن را نیز ارائه می دهد، و گاهی اوقات بسیار فراتر از محدوده این طرح می رود. در غیر این صورت کلیشه های نقد هنری متولد می شوند.

مردم اغلب می پرسند: آیا همه نقاشی ها طرح دارند؟ در یک ژانر یا نقاشی تاریخی اغلب آشکار است. در پرتره، منظره، طبیعت بی جان چطور؟ و در نقاشی انتزاعی? اینجا همه چیز چندان واضح نیست. واژه فرانسوی "طرح" نه چندان به معنای آشکار شدن رویدادها، بلکه به طور کلی "مضمون" اثر یا "دلیل، مناسبت، انگیزه" است. و اولین معنای این کلمه "مستعد، مستعد" است. بنابراین، طرح به عنوان روابط علت و معلولی که توسط هنرمند بر روی بوم ساخته شده است به نظر می رسد. در تاریخی یا تصویر ژانراین ارتباطات به رویدادهای تاریخی یا روزمره مربوط می شود. در یک پرتره - رابطه بین فردیت شخصی که به تصویر کشیده می شود، اینکه او چیست و چه کسی می خواهد به نظر برسد. در زندگی بی جان - رابطه بین چیزهایی که از یک شخص به جا مانده و خود شخص "پشت صحنه". و در نقاشی انتزاعی، هنرمند بین خطوط، لکه ها، رنگ ها و فیگورها رابطه برقرار می کند. و این رابطه کمتر از ژست موروزوا، نجیب زاده سوریکوف، مهم و مرتبط با داستان نیست.

از مطالب فوق دو نتیجه حاصل می شود.

اول: طرح باید بر اساس واقعیت های یک تصویر خاص ساخته شود. " در خود درخواست نیست پسر ولگردمعنا در خود توبه نیست، بلکه در شگفتی است که چنین عشق پدرانه، چنین بخشش را برمی انگیزد.».

و نتیجه دوم: به هر شکلی، سطح طرح همیشه روی بوم وجود دارد. و دور زدن آن در تحلیل به سادگی غیرمنطقی است. روابط علت و معلولی دقیقاً فضا و زمان خاص تصویر را می سازد.

سطح طرح را روشن می کند و ویژگی های ترکیبیبوم ها ما بین یک نقاشی - یک داستان و یک نقاشی - یک نمایش تمایز قائل می شویم، ما در مورد فیگوراتیو بودن و بیان روی بوم صحبت می کنیم. اینجاست که ژانر کار مشخص می شود.

و بلافاصله مشخص می شود که همه چهره ها، اشیاء و پدیده ها به همان معنای زندگی در تصویر ظاهر نمی شوند. برخی از آنها در فرهنگی که هنرمند را پرورش داده، معنای نمادین خاصی دارد. برخی دیگر را خود نویسنده معنای نمادهای چند معنایی داده است. این گونه است که ما به سطح بعدی می رسیم - نمادین.

نمونه سوالات تحلیل یک اثر در سطح طرح.

1. سعی کنید طرح تصویر را بگویید.

2. سعی کنید تصور کنید چه اتفاقاتی ممکن است بیشتر در این اثر معماری رخ دهد.

3. اگر این مجسمه زنده شود چه می تواند بکند (یا بگوید)؟

سطح نمادین

در سطح نمادین، به نظر می رسد که ما دوباره به محتوای عینی تصویر باز می گردیم، اما در سطح کیفی متفاوت. اشیاء بی جان ناگهان شروع به نشان دادن معنی می کنند. تماشا کردن- این زمان در حال گذر است، پوسته های خالی- زندگی فانی خالی، باقی مانده ها- ناگهان قطع شد مسیر زندگی.

علاوه بر این، هر فرم تجدید نظر می شود.

ترکیب دایره اینماد ابدیت است مربع (مکعب)- این نماد زمین، وجود زمینی پایدار است. ما می بینیم که یک هنرمند در حال ساختن یک بوم نقاشی است و آن را از چپ به راست به قطعات تقسیم می کند. و سپس مقادیر مثبت در سمت راست و مقادیر منفی در سمت چپ وجود دارد. حرکت چشم از چپ به راست باعث می شود که شروع رویداد را در نیمه چپ و نتیجه آن را در نیمه راست ببینیم.

هنرمند دیگری تقسیم عمودی زمینه نقاشی را برجسته خواهد کرد. و سپس ایده های ما در مورد بالا و پایین در جهان اطراف ما اجرا می شود. افق بالا، کم یا متوسط، "سنگینی رنگ" بالا یا پایین بوم، اشباع یک یا قسمت دیگر با ارقام، باز بودن فضا - همه اینها موضوع تجزیه و تحلیل در سطح نمادین می شود.

نباید فراموش کنیم که ترکیب عمودی یا افقی خود نقاشی نیز نماد قابل توجهی است. سازه های شمایل نگاری به صورت عمودی آشکار می شوند، در حالی که نقاشی های عصر جدید تقریباً همه افقی هستند.

و اگرچه یک نقاشی آرایش یک هواپیما است، هنرمندان همیشه در تلاش هستند تا بر عمق فضا تسلط پیدا کنند. می توان عمق فضا را آشکار کرد راه های مختلف. و هر کدام نمادین هستند. اجسام نزدیک اجسام دور را مبهم می کند. عمق فضا به دلیل سطح کف، زمین "کشیده" شده است - قسمت پایین معنای اصلی و آرامش بخش را در تصویر به دست می آورد. عمق با کمک سازه های معماری ساخته می شود. و معماری شروع به تأثیرگذاری فعالانه بر شخصیت ها می کند - آنها را بالا می برد یا خرد می کند، پنهان می کند یا آنها را به نمایش می گذارد.

در این سطح از تحلیل پراهمیتبه دست آوردن رنگ و نور در نقاشی.

مشخص است که رنگ ها در دنیای باستان و قرون وسطی به وضوح به یکدیگر چسبیده بودند و نمادهای روشن بودند. و از آنجایی که در یک اثر نقاشی رنگ ابزار اصلی ساختن دنیای تصویری است، حتی هنرمندان مدرن نیز از این تأثیر نمادین اجتناب نمی کنند. نور و تاریکی همیشه چیزی بیش از شرایطی برای انسان بوده است زندگی واقعی. بلکه با تقابل نمادین بیرونی و درونی: چهره ای درخشان و روشنگری درونی. نقاشی تاریک و مسیر دشوار زندگی. اینگونه است که به تدریج سیستم باشکوه دنیای این بوم ساخته می شود.

نمونه سوالات تحلیل اثر در سطح نمادین.

1. آیا اشیایی در اثر وجود دارد که نماد چیزی باشد؟

2. آیا ترکیب اثر و عناصر اصلی آن نمادین هستند: افقی، عمودی، مورب، دایره، رنگ، مکعب، گنبد، طاق، طاق، گلدسته، برج، ژست، ژست، لباس، ریتم، تنور و .... ?

3. عنوان اثر چیست؟ چه ارتباطی با طرح و نماد آن دارد؟

در مرحله بعد، ما به سطح جدیدی از درک تصویر می رسیم. در اینجا جنبه های فردی تحلیل باید برای ما در یک دنیای واحد از این اثر خاص متحد شوند. روی این مرحله نهایی تجزیه و تحلیلنباید حتی یک جزئیات در تصویر باقی بماند که به نحوی از کل خارج شود. در اینجا دوباره باید در مورد صداقت صحبت کنیم. و این یکپارچگی اغلب نه به صورت منطقی، بلکه احساسی درک می شود. "این چقدر باحال و عاقلانه است!" - تحسین باید در نتیجه تحلیل دقیق به سراغ ما بیاید. سعی کنید به صورت ذهنی شکل ها را در این قالب حرکت دهید، برخی را خاموش کنید و برخی دیگر را برجسته کنید، و خواهید دید که این نه تنها بر بیان، بلکه بر معنای واقعی تصویر نیز تأثیر می گذارد. در این مرحله، تصویر به "مال ما" تبدیل می شود.

اما این یک سیستم تجزیه و تحلیل ایده آل است. در واقعیت، چیزی درست نمی شود، گاهی اوقات به آن فکر نمی کنیم، گاهی اوقات زمانی برای احساس درست آن نداریم. اما ما به سادگی باید حداقل یک بار کل فرآیند تحلیل را به دانش آموزان نشان دهیم و آنها را از طریق درک راهنمایی کنیم.

در هر کار خاص، می توانیم یک سطح را جدا کرده و با دانش آموزان روی آن کار کنیم. علاوه بر این، هر اثر هنری امکان وجود کاملا مستقل خود را در هر یک از این سطوح فراهم می کند. علاوه بر این، در یک اثر سطح طرح به وضوح برجسته شده است، در دیگری - سطح نمادین.

برای توسعه مهارت های تجزیه و تحلیل، استفاده از تکنیک های خصوصی مفید است:

Ú یک توضیح ساده از تصویر، یعنی آنچه در واقع روی آن به تصویر کشیده شده است. چنین توصیفاتی برای تمرکز توجه بر روی بوم مشخص و ورود به دنیای نقاشی بسیار مفید است.

Ú جمع کردن محتوا. در اینجا معلم از شما می خواهد که به سادگی تصویر را بازگو کنید، اما هر بار داستان خود را کوتاه کنید. در پایان، داستان به چند عبارت کوتاه خلاصه می شود که تنها مهمترین آنها باقی مانده است.

Ú ساخت سلسله مراتب در اینجا معلم به همراه دانش آموزان سعی می کند ارزش های پیشنهادی هنرمند را با یکدیگر مرتبط کند تا به این سؤال پاسخ دهد: "چه چیزی مهم تر است؟" - این تکنیک در تمام سطوح مفید است.

Ú ایجاد "میدان" تحلیل. اغلب، "کشف" معنا توسط برخی واقعیت های ناچیز از زندگی نامه هنرمند یا واقعیت یک فرهنگ خاص کمک می شود. توجه ما را به یک هواپیمای متفاوت جلب می کند. افکار ما را در مسیری متفاوت می فرستد. بنابراین، ما باید حقایق را جمع آوری کنیم. و همانطور که تمرین نشان می دهد، هر چه یک ویژگی یا رویداد شخصیتی غیرعادی تر به نظر برسد، برای ما خلاق تر است.

Ú احساس متفکرانه و حرکتی (همدلی). این قبلاً یک تکنیک بازیگری است - تلاشی برای تصور کردن خود در دنیای تصویر ، تلاش برای گرفتن ژست شخصیت ها، بیان خود را بپوشید، در مسیرهای چشم انداز قدم بزنید. در این مسیر اکتشافات زیادی در انتظار شماست. این تکنیک اغلب زمانی به کار می رود که تحلیل به دلایلی به بن بست رسیده باشد.

واضح است که اشکال تحلیل می تواند متفاوت باشد. این و مسائل فردیدر یک درس معمولی، به کودکان آموزش می دهد که احساس کنند شبیه کسی هستند، چیزی را تصور کنند. خود را در یک محیط یا محیط دیگر غوطه ور کنید. اینها هم سوالات مقایسه و مقایسه هستند. اینها تمرین هایی برای توجه هستند (چه می بینید؟). اینها ساختارهای منطقی ساده در مورد یک کار خاص هستند.

پیوست 1

طرح تجزیه و تحلیل نقاشی

1. عنوان

2. متعلق به یک عصر فرهنگی و تاریخی، سبک.

4. تاریخچه خلق اثر.

5. معنی اسم. ویژگی های طرح. وابستگی ژانر.

6. ترکیب (آنچه به تصویر کشیده شده است، چگونه عناصر تصویر مرتب شده اند، پویایی، ریتم).

7. دارایی های ثابت بیان هنری(رنگ، ​​خط، کیاروسکورو، بافت، سبک نوشتن).

8. برداشت های شخصی شما.

نمونه

نقاشی ساوراسوف "روک ها رسیدند". ساوراسوف هنرمند شگفت انگیزی بود که از دیدن نقاشی هایش خسته نمی شوید. آنها با سبکی و تنوع رنگ متمایز می شوند. او هنرمندی بود که در نقاشی منظره روسیه انقلابی ایجاد کرد. او برخلاف دیگر هنرمندان، مناظر ساده روسیه را به تصویر می کشید. یکی از معروف ترین شاهکارهای او تابلوی "روک ها رسیدند" است.

این تصویر در اواخر دهه 1860-70 نقاشی شده است. نویسنده در آن اوایل بهار را به تصویر می کشد، لحظه ای که اولین پرندگان (روک ها) از راه می رسند و شروع به ساختن لانه در درختان می کنند.

ما می خواهیم به پالت رنگ نقاشی توجه کنیم. ساوراسوف از تصور یک چشم انداز ابری بهاری استفاده می کند، اما در عین حال اشعه های خورشید باعث آفتابی تر شدن منظره می شود. البته یک عنصر مهم در تصویر کلیسا است. شبح او رنگی از شعر را به تصویر یک روز خاکستری اضافه می کند.

با ما احساس می کنیم که هنرمند مناظر خود را تحسین می کند.

پیوست 2

طرح تحلیل بنای تاریخی

1. نام.

2. محل.

3. معمار(های)

4. هدف از انجام وظیفه:

الف) فرقه؛

ب) سکولار:

· مسکن،

· ساختمان عمومی.

5. از چه ساخته شده است؟. در صورت امکان، دلیل انتخاب این ماده خاص را ذکر کنید.

6. ویژگی های طراحی، که توسط آن می توانید سبک (یا جزئیات معماری استفاده شده، پلان، ابعاد و غیره) را تعیین کنید.

7. نتیجه گیری در مورد نوع کار، سبک معمارییا متعلق به هر تمدنی است.

8. نگرش شما نسبت به بنای تاریخی چیست؟. نظر خود را توجیه کنید.

نمونه

1. هرم جوسر.

2. مصر، سقاره.

3. معمار ایمهوتپ

4. بنای فرقه مقبره است.

5. ساخت و ساز از سنگ.

6. شکل یک هرم پلکانی با اتاق مقبره. ارتفاع 60 متر طول ضلع 120 متر.

7. هیچ سبک معماری وجود ندارد، ساختمان متعلق به تمدن است مصر باستان.

8. …

پیوست 3

طرح تحلیل مجسمه

1. نام.

2. مجسمه ساز.

3. نوع مجسمه:

الف) با اجرا:

1. دور;

2. تسکین:

· عمیق،

§ تسکین بالا.

ب) برای هدف مورد نظر:

1. فرقه،

2. سکولار،

ج) با استفاده:

1. مستقل،

2. بخشی از مجموعه معماری،

3. بخشی از دکور معماری ساختمان.

د) بر اساس ژانر:

1. پرتره:

§ طول کامل؛

2. صحنه ژانر.

4.ماده ای که کار از آن ساخته شده است.

5.درجه ریزبینی و تکمیل.

6.آنچه بیشتر به آن توجه می شود (ویژگی ها):

الف) شباهت

ب) تزئینی

ج) نمایش حالت داخلیشخص،

د) هر ایده

7.اگر وجود داشت با canon مطابقت دارد؟

8.محل:

الف) تولید،

ب) الان کجاست؟

9. سبک، جهت یا دوره توسعه مجسمه سازی و تجلی آن در یک اثر معین.

10.نگرش شما نسبت به بنای تاریخی چیست؟. نظر خود را توجیه کنید.

ضمیمه 4

نمونه

1. نایک ساموتراس.

2. مجسمه ناشناخته است.

3. نوع مجسمه:

آ) در طراحی - گرد،

ب) با هدف - فرقه،

V) با توجه به استفاده اولیه - بخشی از مجموعه معماری،

ز) بر اساس ژانر - پرتره تمام قد از الهه.

4. ساخته شده از سنگ مرمر.

5. کار بسیار کامل است.

6. توجه به ایده پرواز غیرقابل توقف پیروزی است.

7. هیچ کانونی وجود نداشت.

8. ساخت یونان در قرن چهارم. قبل از میلاد مسیح e.، اکنون در موزه لوور (پاریس، فرانسه) واقع شده است.

9. مجسمه باستانی از دوران هلنیستی.

10.من بنای یادبود را دوست دارم (بیزارم) زیرا…

ضمیمه 5

الگوریتم هایی برای تجزیه و تحلیل آثار هنری

الگوریتم تجزیه و تحلیل یک اثر نقاشی.

شرط اصلی کار با این الگوریتم این است که نام نقاشی برای کسانی که کار را انجام می دهند مشخص نباشد.

1. اسم این عکس را چه می‌گذارید؟

2. آیا عکس را دوست دارید یا نه؟ (پاسخ باید مبهم باشد.)

3. در مورد این تصویر برای ما بگویید تا کسی که آن را نمی داند بتواند در مورد آن ایده بگیرد.

4. این عکس چه حسی به شما دست می دهد؟

7. آیا می خواهید چیزی در پاسخ خود به سوال اول اضافه کنید یا تغییر دهید؟

8. به پاسخ سوال دوم برگردید. ارزیابی شما ثابت مانده یا تغییر کرده است؟ حالا چرا اینقدر به این عکس امتیاز می دهید؟

الگوریتم تجزیه و تحلیل آثار نقاشی.

2. متعلق به دوران هنری.

3. معنی عنوان نقاشی.

4. وابستگی به ژانر.

5. ویژگی های طرح تصویر. دلایل نقاشی در جستجوی پاسخی برای این سوال: آیا نویسنده ایده خود را به بیننده منتقل کرده است؟

6. ویژگی های ترکیب بندی نقاشی.

7. وسایل اصلی تصویر هنری: رنگ، طراحی، بافت، کیاروسکورو، قلم مو.

8. این اثر هنری چه تأثیری بر احساسات و روحیه شما داشت؟

10. این اثر هنری در کجا قرار دارد؟

پیوست 6

الگوریتم تجزیه و تحلیل یک اثر معماری.

1. درباره تاریخچه ایجاد ساختار معماری و نویسنده آن چه می دانیم؟

2. مشخص کنید که آیا این اثر متعلق به یک دوره فرهنگی و تاریخی، سبک هنری یا جنبش است.

3. چه تجسمی در این کار فرمول ویتروویوس یافت شد: قدرت، سود، زیبایی؟

4. اشاره به رسانه هنریو تکنیک‌های ایجاد یک تصویر معماری (تقارن، ریتم، تناسبات، نور و سایه و مدل‌سازی رنگ، مقیاس)، در سیستم‌های تکتونیکی (پست تیر، قوس تیز، گنبد قوسی).

5. نوع معماری را مشخص کنید: سازه های حجمی (عمومی: مسکونی، صنعتی). منظره (باغبانی یا اشکال کوچک)؛ برنامه ریزی شهری.

6. به ارتباط بین ظاهر بیرونی و درونی یک سازه معماری، ارتباط بین ساختمان و نقش برجسته، ماهیت منظر اشاره کنید.

7. از دیگر اشکال هنر در طراحی ظاهر معماری آن چگونه استفاده می شود؟

8. اثر چه تاثیری روی شما گذاشت؟

9. تصویر هنری چه تداعی هایی را برمی انگیزد و چرا؟

10. سازه معماری در کجا قرار دارد؟

الگوریتم تجزیه و تحلیل آثار مجسمه سازی.

1. تاریخچه خلق اثر.

3. متعلق به دوران هنری.

4. معنی عنوان اثر.

5. تعلق به انواع مجسمه ( یادگاری، یادبود، سهیل).

6. مواد مورد استفاده و فناوری پردازش.

7. ابعاد مجسمه (اگر دانستن آن مهم است).

8. شکل و اندازه پایه.

9. این مجسمه در کجا قرار دارد؟

10. این کار چه تاثیری روی شما گذاشت؟

11. تصویر هنری چه تداعی هایی را برمی انگیزد و چرا؟

ادبیات

1. آگیف، V.N. نشانه شناسی [متن] /. - M.: کل جهان، 2002.

2. ایولف، اس. ا. کنترل دانش دانش آموزان در آموزش فرهنگ هنری جهان [متن] /. - م.، 2001.

3. خلاقانهالگوهای تدریس در جستجوهای آموزشی خارجی [متن]. - م: آرنا، 1994.

4. کریسکو، وی. مقدمه ای بر قوم شناسی [متن] /V. کریسکو. - م.، 2000.

5. روشمندمطالبی در مورد موضوعات "موسیقی"، "MHC"، "تئاتر" در زمینه زمینه آموزشی "هنر" [متن]: مجموعه، برای کمک به معلم. - M.: شرکت MHC، 2001.

6. اوستراخ، او.جی.فرهنگ هنری جهانی [متن]: مطالبی برای معلمان تئاتر هنر مسکو /، . - م.، 2001.

7. پوچپتسف، جی.جی.نشانه شناسی روسی [متن] /. - M.: Refl-Buk، K.: "Vakler"، 2001.

8. سولوبود، یو.ص. کارکرد متن ساز نماد در یک اثر هنری [متن] // علوم فلسفی. – 2002. - شماره 2. – ص 46-55.

ما با چشمان خود به دنیا نگاه می کنیم، اما هنرمندان به ما یاد دادند که آن را ببینیم. اس. موام.

نمادگرایی و هنر نو در هنر روسیه در اوایل قرن بیستم. پتروف-ودکین کوزما سرگیویچ (1878-1939) "حمام کردن اسب قرمز"

وقایع اکتبر 1917، اولین سالهای پس از انقلاب - این بار برای ما به تاریخ و حتی افسانه تبدیل شده است. با درک متفاوت از پدران و پدربزرگ هایمان، تلاش می کنیم تا دوران، ترحم و درام آن را احساس و درک کنیم، خود را در هنر آن غوطه ور کنیم، اظهارات قاطعانه سیاستمداران را دور بزنیم.

در یکی از کتاب های منتشر شده در سال 1926 (شچرباکوف N.M. هنر اتحاد جماهیر شوروی - روسیه جدید در هنر. M. ، انتشارات "AHRR" ، 1926) این ایده بیان شد: "... در چنین کریستال هایی - یک تصویر، یک ترانه "، یک رمان، یک مجسمه - یک بنای تاریخی - نه تنها سایه مرگبار و آینه مانند زندگی برای مدت طولانی ذخیره می شود، بلکه بخشی از انرژی که در طول قرن ها شارژ خود را برای کسانی که نزدیک می شوند حفظ می کند. آی تی."

کوزما سرگیویچ پتروف - وودکین (1878 - 1939)، نماینده آوانگارد روسیه، در شهر خوالینسک، استان ساراتوف، در خانواده یک کفاش به دنیا آمد. او برای مدت کوتاهی در سامارا و سن پترزبورگ و از سال 1897 در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو نزد A.E. Arkhipov و V.A. Serov تحصیل کرد. سفر به ایتالیا و شمال آفریقا، تحصیل در مدرسه اشبه در مونیخ و استودیوهای پاریس و آشنایی با هنر اروپایی، افق هنری پتروف-ودکین را به میزان قابل توجهی گسترش داد. دوره اولیهکار این هنرمند با جهت گیری نمادین مشخص شده است ("رویا"، 1910)، که در آن تأثیر وروبل و بوریسوف-موساتوف قابل تشخیص است. پتروف-ودکین در سال 1912 در روسیه مشهور شد، زمانی که نقاشی او "حمام کردن اسب سرخ" در نمایشگاه دنیای هنر به نمایش گذاشته شد که بینندگان را با اصالت جسورانه خود شگفت زده کرد. این اثر هنرمند نقطه عطف مهمی را در کار او نشان می دهد: نمادگرایی او زبان هنریدر سنت های نقاشی نمادها، رنگ - در سیستم سه رنگ: قرمز، آبی، زرد، بیان پلاستیکی-تصویری پیدا می کند. هنرمند در تلاش است تا جلوه قوانین ابدی نظم جهانی را در انسان کشف کند تا تصویری خاص را به ارتباط نیروهای کیهانی تبدیل کند. از این رو یادبودی سبک و "چشم انداز کروی"، یعنی. درک هر قطعه از دیدگاه کیهانی و درک فضا به عنوان «یکی از داستان‌نویسان اصلی تصویر».

حمام کردن اسب قرمز

روی یک بوم بزرگ، یک اسب قرمز تقریباً صاف که نیمی از سطح کل بوم را اشغال می کند (و اندازه آن بزرگ است: 160 در 180 سانتی متر)، پسری برهنه با رنگ نارنجی و زرد نقاشی شده است. با یک دست او افسار را نگه می دارد و با دست دیگرش به اسب قرمز بزرگی تکیه می دهد و به جلو می شتابد و عمداً به سمت ما می چرخد ​​، گویی در حال ژست گرفتن است. اسب در قاب عکس نمی گنجد و روی لبه های آن قرار می گیرد. چشم به شدت می‌درخشد، سوراخ‌های بینی تکان می‌خورد، اما مرد جلوی آن را می‌گیرد. نه یک مرد جوان غول پیکر، بلکه شکننده، یک نوجوان به راحتی روی یک اسب می نشیند، با اعتماد دست خود را روی کروپ الاستیک قرار می دهد، به راحتی و آزادانه اسب را کنترل می کند، به وضوح در برابر پس زمینه آبی-سبز مخزن که در آن دو دستگاه دیگر وجود دارد، ایستاده است. پسرها با اسب هایشان تمرین می کنند.

معنای چنین تصویر عجیبی چیست؟ که نکته این نیست داستان روزمره(هنر مربوط به زندگی روزمره نیست) اسب های حمام کردن (این از عنوان مشخص است - بالاخره هیچ اسب قرمزی وجود ندارد)، واضح است: معنای تصویر رمزگذاری شده است، شما باید بتوانید آن را بخوانید. بر اساس یکی از تفاسیر مدرن، بسیار گسترده، اسب به عنوان نماد روسیه تلقی می شود و زیبایی و قدرت آن را تجسم می کند؛ با تصویر بلوک از یک مادیان استپی که در حال تاختن است، که ترکیبی از گذشته روسیه، مدرن و مدرن آن است، مرتبط است. ابدی که برای همیشه باقی خواهد ماند تعبیر دیگر، حتی تعمیم‌تر، توسط منتقد هنری D. Sarabyanov بیان شده است: "این یک رویای زیبایی است، نه روزمره، بلکه غیرمنتظره، احساس بیداری، جمع آوری انرژی قبل از آزمایشات آینده، این پیشگویی از رویدادهای بزرگ، تغییرات است. ”

مبهم بودن مفهوم نقاشی توسط خود پتروف تأیید شد - وودکین، که دو سال پس از ایجاد آن، زمانی که جنگ جهانی آغاز شد، گفت که "به طور غیرمنتظره ای برای او، فکری در ذهنش جرقه زد - به همین دلیل نوشتم " حمام کردن اسب سرخ» (Rusakov Yu.A. Petrov - Vodkin. Art., 1975.) اگرچه در سال های گذشتهاو قبلاً در این مورد کنایه آمیز بود و آنچه گفته شد را رد کرد و بر عدم تمایل خود برای گره زدن عکس خود به موارد خاص تأکید کرد. واقعه تاریخی: «وقتی جنگ شروع شد، منتقدان هنری باهوش ما گفتند: «حمام کردن اسب سرخ» یعنی این و وقتی انقلاب شد شاعران ما نوشتند: «اسب سرخ یعنی همین» - این روز تعطیل است. انقلاب» (به نقل از: Mochalov L. V. Petrov - Vodkin - L., "Aurora".، 1971.) عدم قطعیت ایده کار، مبهم بودن پیشگویی های موجود در آن یک واقعیت است. بیان وضعیت ذهنی نه تنها پتروف - وودکین، بلکه همچنین به طور کلی روشنفکران در دو دهه اول قرن بیستم. تجارب، آرزوها و رویاهای مردم به نظر می رسید که در تصویر نمادین یک اسب قرمز تحقق می یابد. آنها به صورت فردی روزمره نیستند، بلکه بلند، عظیم، ابدی هستند، مانند رویای ابدی یک آینده شگفت انگیز. برای بیان این حالت به زبان هنری خاصی نیاز بود.

نوآوری پتروف-ودکین مبتنی بر درک او از هنر دوران مدرن و پیشین است، در درجه اول آثار امپرسیونیست ها و ماتیس، و سنت های هنر باستانی روسیه (به عنوان مثال، نماد معروف مکتب نووگورود پانزدهم را به یاد بیاورید. قرن "معجزه جورج روی مار")، که دارای ابزار غنی برای به تصویر کشیدن اخلاق ابدی، معنوی و خالص بود. شبح مشخصی از اشیاء، سطوح رنگ آمیزی محلی، رد قوانین پرسپکتیو و به تصویر کشیدن حجم ها، استفاده خاص از رنگ - "سه رنگ" معروف پتروف-ودکین در این بوم برجسته برای هنرمند وجود دارد و آشکار می کند. اصالت زبان هنری او که در افسانههای محلیهمچنین تصویر یک سوار بر اسب سرخ وجود دارد. کلمه "قرمز" در روسی معنای گسترده ای دارد: قرمز - زیبا، که به معنای نه تنها زیبا، بلکه مهربان است. قرمز - دختر

توجه فعال هنرمند به سنت های نقاشی آیکون تصادفی نیست. اولین معلمان او نقاشان نمادهای زادگاهش خوالینسک، واقع در کرانه مرتفع ولگا بودند.

همه چیز در تصویر بر اساس کنتراست ساخته شده است. رنگ قرمز هشدار دهنده و دعوت کننده به نظر می رسد. و مانند یک رویا، مانند یک فاصله جنگل - آبی، و مانند یک پرتو آفتاب - زرد. رنگ ها با هم برخورد نمی کنند، مخالفت نمی کنند، بلکه هماهنگ می شوند.

"ویژگی اصلی عصر جدیداین هنرمند تاکید کرد: حرکت، تسلط بر فضا وجود داشته است. چگونه این را منتقل کنیم؟ چگونه در نقاشی بر فضا مسلط شویم؟ پتروف-ودکین با استفاده از به اصطلاح به دنبال انتقال بی حد و مرزی جهان بود. "چشم انداز کروی". بر خلاف پرسپکتیو خطی کشف شده توسط هنرمندان رنسانس، که در آن نقطه دید ثابت است، منظر کروی چندگانگی، تحرک دیدگاه‌ها، توانایی مشاهده شی تصویر شده از جهات مختلف را فرض می‌کند که به فرد امکان می‌دهد پویایی عمل را منتقل کند. انواع زوایای دید چشم انداز کروی ماهیت ترکیب نقاشی های پتروف-ودکین را تعیین کرد و ریتم نقاشی را تعیین کرد. صفحات افقی گرد، مانند سطح کروی زمین، سیاره ای شدند.

محورهای عمودی به شکل فن و مایل از هم جدا می شوند و این ما را به احساس فضای بیرونی نزدیکتر می کند.

طرح های رنگی پتروف و وودکین متعارف هستند: صفحات رنگی محلی و بسته هستند. اما هنرمند با داشتن حسی لطیف و ذاتی از رنگ، بر اساس نظریه پرسپکتیو رنگی خود، آثاری با ساختاری تخیلی احساسی خلق کرد که با مفهوم ایدئولوژیک و آسیب شناسی نقاشی به طور دقیق و کامل آشکار شد.

پتروف-ودکین دوران انقلاب در روسیه را با خرد فلسفی مشخص خود می پذیرد. او می نویسد: «در هرج و مرج ساخت و ساز، برای هرکسی که در نمرات شخصی غرق نشده است... یک سیم مانند زنگ خطر به صدا در می آید: زندگی فوق العاده خواهد بود! این یک زندگی فوق العاده خواهد بود!» (به نقل از: Kamensky A. A. Romantic Montage. M., هنرمند شوروی. 1989)

مضامین مورد علاقه پتروف-ودکین در کار خود، به ویژه در دهه 20 دشوار، مضامین مادری و کودکی و غیره بود:

"1918 در پتروگراد" - "پتروگراد مدونا"

پرتره آنا آخماتووا

سلف پرتره

طبیعت بی جان با زیرسیگاری آبی

طبیعت بی جان با آینه

طبیعت بی جان با حروف

طبیعت بی جان صورتی. شاخه درخت سیب

زندگی بی جان صبحگاهی

و بوم های بزرگ یادبود، که در آن نتیجه درک او از گذشته و حال است

"مرگ یک کمیسر"

پس از مرگ این هنرمند، آثار او از هنر شوروی پاک شد و تنها در دهه 1960 دوباره کشف و تحقق یافت.

ادبیات

1. Emokhanova L.G. هنر جهانی آموزش. م.، 1998.

2. می خوانیم و در مورد هنرمندان روسی صحبت می کنیم. کتاب درسی زبان روسی برای دانشجویان خارجی. اد. T.D. چیلیکینا. م.، 1989.

3. Parkhomenko I.T. تاریخ جهان و فرهنگ ملی. م.، 2002.

4. Sokolova M.V. فرهنگ جهانیو هنر م.، 2004.

5. Ostrovsky G. داستان هایی در مورد نقاشی روسی. م.، 1989.

6. Rapatskaya L.A. فرهنگ هنری روسیه م.، 1998.

شکل گیری رئالیسم در موسیقی روسی. میخائیل ایوانوویچ گلینکا (1804 - 1857)

اپرای "زندگی برای تزار"

"موسیقی توسط مردم ساخته می شود و ما آهنگسازان فقط آن را تنظیم می کنیم." M.I. گلینکا.

M.I. گلینکا به عنوان بنیانگذار کلاسیک موسیقی ملی روسیه در تاریخ موسیقی ثبت شد. او تمام بهترین هایی را که توسط آهنگسازان روسی دوره های قبلی (وارلاموف، آلیابیف، ورستوفسکی، گوریلف، دوبیانسکی، کوزلوفسکی و غیره) به دست آمده بود، خلاصه کرد، موسیقی روسی را به سطح جدیدی ارتقا داد و به آن اهمیت پیشرو در فرهنگ موسیقی جهان داد.

هنر M.I. Glinka، مانند کارهای A.S. Pushkin و دیگر چهره های عصر او، زاده خیزش اجتماعی در روسیه است که در ارتباط با جنگ میهنی 1812 و جنبش Decembrist - 1825

گلینکا اولین کلاسیک موسیقی روسی شد زیرا توانست به طور عمیق و جامع در آثار خود بیان کند. ایده های پیشرفته، توسط این خیزش اجتماعی مطرح شده است. اصلی ترین آنها ایده های میهن پرستی و ملیت هستند. محتوای اصلی کار گلینکا تصویر مردم، تجسم افکار و احساسات آنها است.

قبل از گلینکا، در موسیقی روسی مردم فقط در موسیقی آنها به تصویر کشیده می شدند زندگی روزمره: در زندگی روزمره - آرامش او، سرگرمی. برای اولین بار در موسیقی روسی، گلینکا مردم را به عنوان یک نیروی فعال به تصویر کشید و این ایده را مجسم کرد که این مردم هستند که حاملان واقعی میهن پرستی هستند.

گلینکا اولین کسی بود که تصاویر موسیقایی تمام عیار قهرمانان را از مردمی که به خاطر کشور مادری خود تلاش زیادی می کنند خلق کرد. در تصاویری مانند ایوان سوزانین، روسلان و دیگران، گلینکا بهترین ویژگی های معنوی کل مردم را خلاصه می کند: عشق به وطن، شجاعت، اشراف معنوی، خلوص و فداکاری.

به راستی تجسم اساسی ترین، ویژگی های معمولیقهرمانان و کل مردم، گلینکا به درجه جدید و بالاترین رئالیسم می رسد.

گلینکا در کار خود بر ترانه‌های فولکلور تکیه می‌کند: «مردم موسیقی می‌آفرینند. و ما، هنرمندان، فقط آن را ترتیب می دهیم.» نزدیکی، خویشاوندی درونی با هنر عامیانههمه جا در گلینکا احساس می شود: در قسمت های روزمره (مانند سایر آهنگسازان قبل از گلینکا)، و در قسمت های قهرمانانه و غنایی.

گلینکا پوشکین در موسیقی است. پوشکین A.S. درست مانند گلینکا، او تصاویر عامیانه و زبان عامیانه را وارد ادبیات روسی کرد.

گلینکا بر تمام دستاوردهای مهارت آهنگساز تسلط داشت. او تجربه آهنگسازان خارجی - باخ، هندل، موتسارت، بتهوون، شوپن را مطالعه کرد، در حالی که او یک آهنگساز عمیقا ملی و روسی باقی ماند.

اپرای "یک زندگی برای تزار" اولین نمونه درام موسیقی فولکلور قهرمانانه در تاریخ موسیقی است. در هسته آن - واقعیت تاریخی- شاهکار میهن پرستانه دهقان روستای دومنینو، نزدیک کوستروما، - ایوان اوسیپوویچ سوزانین، که در آغاز سال 1613 انجام شد. مسکو قبلاً از دست مداخله جویان لهستانی آزاد شده بود، اما گروه های مهاجم هنوز در خاک روسیه پرسه می زدند. یکی از این دسته ها می خواست تزار میخائیل فدوروویچ را که در نزدیکی روستای دومینینو زندگی می کرد، دستگیر کند. اما سوزانین، که دشمنان می‌خواستند او را راهنمایی کنند، وانمود به توافق کرد، گروهی از لهستانی‌ها را به داخل جنگلی انبوه هدایت کرد و آنها را کشت و خود جان داد.

گلینکا در اپرای خود ایده عظمت شاهکاری را که به نام میهن و مردم انجام شده است را مجسم کرد. دراماتورژی اپرا مبتنی بر درگیری دو نیرو است - مردم روسیه و نجیب زاده های لهستانی. هر کنش اپرا یکی از مراحل افشای این درگیری است که نه تنها در طرح اپرا، بلکه در موسیقی آن نیز آشکار می شود. ویژگی های موسیقی دهقانان روسی و لهستانی ها متضاد است: روس ها با آهنگ ها مشخص می شوند، در حالی که لهستانی ها با رقص ها مشخص می شوند. ویژگی‌های روانی-اجتماعی نیز متضاد هستند: مهاجمان لهستانی با موسیقی بی‌دقت یا جنگ‌جویانه «پلوناز» و «مازورکا» همراهی می‌کنند. روس ها با آهنگ های آرام و شجاعانه از نوع مردمی - دهقانی یا سرباز به تصویر کشیده می شوند. در پایان اپرا، موسیقی "لهستانی" روحیه ستیزه جویانه خود را از دست می دهد و افسرده به نظر می رسد. موسیقی روسی که به طور فزاینده ای پر از قدرت است، در سرود قدرتمند و شادی آور «GLOR» سرازیر می شود.

قهرمانان اپرا از میان دهقانان روسی هستند - سوزانین، آنتونیدا (دختر)، وانیا (پسر خوانده)، جنگجو سوبینین. آنها فردی هستند و در عین حال یکی از جنبه های شخصیت مردم خود را به تصویر می کشند: سوسنین - عظمت خردمندانه. سوبینین - شجاعت؛ آنتونیدا - گرما. یکپارچگی شخصیت ها، قهرمانان اپرا را به تجسم آرمان های شخصیت انسانی تبدیل می کند.

قانون 2 اپرا - "Polish Act" - "Polonaise" و "Mazurka" - معمولاً رقص های لهستانی هستند که با درخشندگی آنها متمایز می شوند. شخصیت ملی. "Polonaise" افتخارآمیز، تشریفاتی و ستیزه جویانه به نظر می رسد. (شنیدن).

"مازورکا" براوورا است، با ملودی فراگیر. این موسیقی پرتره ای از اعیان لهستانی را ترسیم می کند و طمع، تکبر و غرور را با درخشش بیرونی می پوشاند. (شنیدن).

هر دو پولونیز و مازورکا نه به عنوان رقص دهقانی، بلکه به عنوان رقص شوالیه ارائه می شوند.

گلینکا اولین کسی بود که به رقص اهمیت دراماتیک زیادی داد. با "قانون لهستانی" این اپرا، گلینکا پایه و اساس موسیقی باله روسی را گذاشت.

"آریای سوزانین" - (پرده چهارم)، اوج دراماتیک کل اپرا. در اینجا ویژگی های اصلی ظاهر قهرمان در ساعت تعیین کننده زندگی او آشکار می شود. تلاوت افتتاحیه - "آنها حقیقت را احساس می کنند..." بر اساس آهنگ های آرام و مطمئن ساختار آهنگ. خود آریا "تو طلوع خواهی کرد، طلوع من..." بیانگر اندیشه عمیق، هیجان و اندوه و شجاعت قلبی است. سوزانین خود را به خاطر میهن قربانی می کند. و عشق به او به او قدرت می دهد، به او کمک می کند تا تمام رنج ها را با عزت تحمل کند. ملودی آریا ساده و سخت گیرانه است و به طور گسترده خوانده می شود. این پر از گرمای لحن است که مشخصه آهنگ های غنایی روسی است. آریا در 3 قسمت ساخته شده است: قسمت اول ماهیت متمرکز و محدود دارد. دومی هیجان‌انگیزتر و گویاتر است. سوم تکرار قسمت اول است. (شنیدن).

در این آریا، گلینکا، برای اولین بار، بر اساس لحن ترانه های عامیانه، موسیقی آغشته به تراژدی واقعی خلق کرد، "او آهنگ فولکلور را به تراژدی ارتقا داد." این رویکرد نوآورانه آهنگساز به آهنگ محلی است.

درخشان "تگرگ" تاج گذاری اپرا. این گروه کر تجسم ایده میهن پرستی و عظمت میهن است و در اینجا کامل ترین، کامل ترین و واضح ترین بیان تصویری را دریافت می کند. موسیقی سرشار از وقار و قدرت حماسی است که مشخصه ANTHEM است. این ملودی شبیه به ملودی های ترانه های عامیانه قهرمانانه و شجاعانه است.

موسیقی پایانی بیانگر این ایده است که شاهکار سوزانین به خاطر مردم انجام شد و بنابراین جاودانه است. موسیقی فینال توسط سه گروه کر، دو ارکستر (یکی ارکستر برنجی، روی صحنه) و زنگ اجرا می شود. (شنیدن).

در این اپرا، گلینکا ویژگی های یک جهان بینی عاشقانه را حفظ کرد و بهترین ویژگی های موسیقی واقع گرایانه روسی را مجسم کرد: شور قدرتمند، روح سرکش، پرواز آزادانه تخیل، قدرت و روشنایی رنگ موسیقی، آرمان های عالی هنر روسیه.

ادبیات

1. ادبیات موسیقی روسیه. اد. E.L. سرخ شده در روغن. L.، 1970

2. Cannes - Novikova E. داستانی کوچک در مورد M.I. گلینکا. م.، 1987.

3. لیوانووا تی.ام. M.I. گلینکا. م.، 1962.

4. Remizov I.V. گلینکا M.I. م.، 1960.

ایده های روشنگری ادبیات خارجیجاناتان سویفت (1667 - 1745) "سفرهای گالیور"

عصر ما فقط شایسته طنز است. جی. سویفت

آثار هنری بزرگی که در دوران روشنگری متولد شده اند، چهار قرن است که زنده مانده اند. افکار، علایق و کردار انسانهای آن دوران دور به انسانهای دوران دیگر نزدیک می شود، تخیل آنها را تسخیر می کند و ایمان به زندگی را القا می کند. از جمله این آثار می توان به اپرای «ازدواج فیگارو» موتزارت با قهرمانش اشاره کرد که هرگز دلش را از دست نمی دهد و تحت هیچ شرایطی تسلیم نمی شود. از جمله این آثار می‌توان به رمان «رابینسون کروزوئه» دنیل دفو و نقاشی‌های ویلیام هوگارث و ژان باپتیست سیمئون شاردن و دیگر استادان آن دوران اشاره کرد.

اگر مسافری به پایتخت ایرلند، دوبلین بیاید، همیشه او را به خانه کوچکی می برند که در آن رئیس کلیسای جامع سنت. پترا جاناتان سویفت. این خانه زیارتگاه مردم ایرلند است. سوئیفت انگلیسی است، اما در دوبلین متولد شد، جایی که پدر نویسنده آینده در جستجوی کار نقل مکان کرد.

زندگی مستقل سوئیفت در املاک انگلیسی مور پارک آغاز شد، جایی که پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه دوبلین، منشی اشراف زاده با نفوذ سر ویلیام تمپل را دریافت کرد. وزیر سابق تمپل، پس از بازنشستگی، در املاک خود مستقر شد و شروع به کار ادبی کرد. سویفت که استعداد خارق‌العاده‌ای در نویسندگی داشت، فقط یک موهبت الهی برای تمپل بود که بی‌شرمانه از کار منشی جوان استفاده کرد.

این خدمات بر منشی جوان سنگینی می کرد، اما او در پارک مور توسط کتابخانه وسیع معبد و شاگرد جوانش استر جانسون نگهداری می شد، که سوئیفت در طول زندگی اش محبتی لطیف به او داشت.

استل (به قول سوئیفت) به دنبال دوست و معلم خود به دهکده ایرلندی لاراکور رفت و پس از مرگ تمپل به آنجا رفت تا کشیش شود. سال‌ها بعد، سوئیفت در روز تولدش به استلا نوشت:

دوست دل! برای شما مناسب خواهد بود

امروز سی و پنجمین سال است.

سالهای شما دو برابر شده است

با این حال، سن مشکلی نیست.

من فراموش نمی کنم، استلا، نه،

چقدر در شانزده سالگی شکوفا شدی،

با این حال، زیبایی برتری دارد

امروز ذهن شما را تسخیر می کند.

چه زمانی خدایان به اشتراک بگذارند

این هدایا به نصف تقسیم می شوند،

چه سنی برای احساسات انسانی

او دو پوره جوان مانند این را نشان داد،

پس با تقسیم سالهایت،

پس آن زیبایی به دو قسمت تقسیم می شود؟

سپس به دیوانه سرنوشت

من باید به درخواستم توجه کنم

چگونه، با شریک شدن در شور ابدی من،

به طوری که می تواند برای دو نفر مشترک باشد.

سوئیفت مجبور شد از استل جان سالم به در ببرد، و او عمیقاً در غم مرگ "وفادارترین، شایسته ترین و گرانبهاترین دوستی که من ... با او ... برکت داشتم" عزادار شد.

سوئیفت نمی توانست خود را فقط به فعالیت های متواضعانه یک کشیش محدود کند. زمانی که تمپل هنوز زنده بود، اولین اشعار و جزوات خود را منتشر کرد، اما شروع واقعی فعالیت ادبیسوئیفت را می توان کتاب او "داستان یک بشکه" - (یک ​​عبارت عامیانه انگلیسی که به معنای: حرف بیهوده، خرد کردن مزخرفات) او برای بهبود عمومی نژاد بشر نوشته شده است.

ولتر پس از خواندن "داستان بشکه" گفت: "سوئیفت اطمینان می دهد که برای پدرش احترام می گذارد، اگرچه او با سه پسرش با صد میله رفتار کرد، اما افراد ناباور دریافتند که میله ها آنقدر بلند هستند که آنها پدر را نیز لمس کرد.»

«داستان یک بشکه» برای سوئیفت شهرت زیادی در محافل ادبی و سیاسی لندن به ارمغان آورد. قلم تیز او مورد قدردانی هر دو حزب سیاسی است: ویگ ها و توری ها.

سوئیفت در ابتدا از حزب ویگ حمایت کرد، اما خیلی زود آنها را به دلیل عدم توافق با سیاست خارجی آنها ترک کرد. دوک مارلبرو، رهبر ویگ ها، به دنبال ادامه جنگ خونین با فرانسه برای "میراث اسپانیایی" بود. این جنگ کشور را ویران کرد، اما مارلبرو از طریق تدارکات نظامی ثروتمند شد. سوئیفت شروع به حمایت از توری ها کرد و با قلم خود علیه جنگ مبارزه کرد.

در سال 1713، معاهده اوترخت، بدون تأثیر مستقیم نویسنده، منعقد شد. این قرارداد حتی "صلح سوئیفت" نامیده می شود.

سوئیفت اکنون به شخصیتی با نفوذ در محافل سیاسی تبدیل شده بود که ترک کردن او به عنوان یک کشیش دهکده ناخوشایند بود.

دوستان اطمینان دادند که او حداقل به درجه اسقف ارتقا خواهد یافت. اما روحانیون بلندپایه نتوانستند طنزپرداز زبردست را به خاطر معروف «داستان یک بشکه» ببخشند. پس از سالها تردید، ملکه به سوئیفت سمت ریاست (رئیس) کلیسای جامع دوبلین را اعطا کرد که به منزله تبعید افتخاری بود.

به مدت هشت سال، سوئیفت تقریباً دائماً در ایرلند، در دوبلین بود. و در سال 1726، در پنجاه و هشتمین سال زندگی خود، دوباره خود را در مرکز یک مبارزه سیاسی یافت. او این بار استعداد خود را به حفاظت از مردم ایرلند معطوف کرد.

دلیل حضور سوئیفت در عرصه سیاسی رسوایی بود که پیرامون پول ایرلندی به راه افتاد. کارآفرین انگلیسی وود که پول مس برای ایرلند ضرب می کرد، بخشی از مس دریافتی از دولت انگلیس را به جیب زد. ایرلندی ها حقوق خود را به شیلینگ دریافت می کردند که حاوی 10 برابر مس کمتر از سکه های انگلیسی با همان ارزش بود. سوئیفت مجموعه‌ای از جزوه‌ها را با عنوان «نامه‌هایی از یک دریپر» منتشر کرد که در آن، ظاهراً از جانب یک پارچه‌فروش دوبلینی، فقر وحشتناک ایرلندی‌ها را توصیف می‌کرد و آن را به گردن دولت انگلیس می‌اندازد که به دست وود تضعیف اقتصاد ایرلند

جزوه های سوئیفت باعث شورش در دوبلین شد، لرد والپول، نخست وزیر انگلیس دستور دستگیری سوئیفت را صادر کرد. اما رئیس محتاط و سختگیر کلیسای جامع دوبلین مورد علاقه مردم ایرلند شد. یک گروه ویژه برای محافظت از او ایجاد شد که شبانه روز در نزدیکی خانه سوئیفت در حال انجام وظیفه بودند.

در نتیجه، نخست وزیر والپول پاسخی از ایرلند دریافت کرد: «برای دستگیری سوئیفت به ده هزار سرباز نیاز است.» این موضوع باید ساکت می شد. نایب السلطنه

لرد کارترت ایرلند اعلام کرد: من با اجازه دکتر سوئیفت بر ایرلند حکومت می کنم.

سوئیفت در سال 1745 درگذشت و در کلیسای جامع دوبلین به خاک سپرده شد. بر روی سنگ قبر او کتیبه ای حک شده بود که خود او نوشته بود: "اینجا جسد جاناتان سویفت، رئیس این کلیسای کلیسای جامع است و خشم شدید دیگر قلب او را نمی شکند. برو ای مسافر و اگر می توانی از مدافع سرسخت آزادی مردانه تقلید کن.» سوئیفت با رازداری فوق العاده اش متمایز بود. او خلق اثر اصلی زندگی خود را با رمز و راز خاصی احاطه کرد - رمانی که بیش از شش سال روی آن کار کرد - "سفر به برخی از کشورهای دورافتاده جهان توسط لموئل گالیور، ابتدا یک جراح، و سپس یک کاپیتان چندین کشتی.” حتی ناشر که نسخه خطی رمان را در سال 1726 از "شخص ناشناس" دریافت کرد، نمی دانست نویسنده آن کیست. سوئیفت دست نوشته را در آستانه خانه اش گذاشت و صدا کرد. وقتی ناشر در را باز کرد، نسخه خطی و تاکسی را دید که در حال رفتن است. سوئیفت بلافاصله لندن را ترک کرد و به دوبلین بازگشت.

همه ما در کودکی این کتاب جذاب را خواندیم. اگرچه برای بزرگسالان نوشته شده است. بنابراین، سعی کنیم دوباره آن را بخوانیم و سعی کنیم در قصد نویسنده نفوذ کنیم.

ترکیب رمان از 4 قسمت تشکیل شده است. هر قسمت داستانی در مورد کشوری خارق العاده است. داستان از دیدگاه شخصیت اصلی - گالیور، دریانوردی که به طور اتفاقی به این کشورها می رسد، روایت می شود. به عبارت دیگر، مانند رابینسون کروزوئه، این یک رمان سفر است. به یاد بیاوریم که رمان از کجا شروع می شود.

گالیور خود را در لیلیپوت می بیند - کشوری که در آن افراد کوچکی زندگی می کنند که 12 برابر کوچکتر از یک فرد عادی است.

ما می آموزیم که در لیلیپوت یک سلطنت وجود دارد و در راس دولت یک امپراتور است، همان مرد کوچکمانند همه لیلیپوتی ها، اما او خود را "شادی و وحشت جهان" می نامد. در امپراتوری «... حدود هفتاد ماه پیش، دو حزب متخاصم تشکیل شد که به ترمکسن ها و سلمکس ها معروف بودند. اولی طرفدار کفش پاشنه بلند هستند، دومی - پایین ... اعلیحضرت طرفدار کفش پاشنه بلند هستند و حکم داده اند که همه کارمندان دولت و دادگاه ها کفش پاشنه دار بپوشند. ما می بینیم که تفاوت های آنها چقدر "مهم" است.

افراد بلندپایه ای که برای یک موقعیت مهم دولتی درخواست می کنند در توانایی پرش روی طناب با هم رقابت می کنند. سوئیفت با چنین تمرین هایی به معنای توانایی در بافتن ماهرانه دسیسه ها و جلب لطف پادشاه است.

لیلیپوت در حال جنگ با ایالت همسایه Blefuscu است که برای شکستن تخم‌ها به پایان می‌رسد. سال‌ها پیش، وارث تاج و تخت هنگام صبحانه انگشت خود را برید در حالی که تخم‌مرغی را از انتهای صاف می‌شکست. «سپس امپراتور، پدرش، فرمانی صادر کرد و به همه رعایای خود دستور داد که تحت عذاب شدید، تخم‌ها را از نوک تیز بشکنند. این فرمان مردم را چنان تلخ کرد که... باعث شش قیام شد... پادشاهان بلفوسکو پیوسته به این قیام ها دامن زدند و شرکت کنندگان خود را در اموال خود پناه دادند. بالغ بر یازده هزار متعصب وجود دارد که به دلیل امتناع از شکستن تخم مرغ از نوک تیز به اعدام محکوم شده اند."

می بینیم که دلیل این جنگ های خونین چقدر پوچ است. و گالیور این را درک می کند، اما آیا او می تواند بر وقایع زندگی لیلیپوتی تأثیر بگذارد؟ گالیور ابتدا اسیر لیلیپوتی هاست. او هیچ مقاومتی نشان نمی دهد و فقط نگران این است که به این موجودات کوچک آسیبی وارد نشود. سپس او آزادی بسیار محدودی را با امضای نه نقطه تعهد دریافت کرد و بلافاصله با تسخیر ناوگان دشمن خدمات ارزشمندی به حاکمان لیلیپوت کرد. به لطف این، یک معاهده صلح با شرایط مطلوب برای لیلیپوت منعقد شد.

امپراطور چگونه گالیور را برای این خدمات و سایر خدمات ارائه شده توسط او جبران کرد؟

به دلیل تهمت افراد حسود، گالیور متهم به خیانت بزرگ شد و به اعدام محکوم شد، اما پس از آن امپراتور، "به دلیل مهربانی خاص خود، تصمیم گرفت از جان خود بگذرد و به دستور بیرون آوردن هر دو چشم خود راضی شود." و سپس او را از گرسنگی بمیرانند.

اینگونه بود که امپراتور و یارانش به خاطر رضایت، مهربانی و کمک گالیور جبران کردند.

گالیور دیگر به رحمت امپراتور اعتماد نمی کند و به بلفوسکو می گریزد و از آنجا با ساخت قایق به سمت وطن خود حرکت می کند.

بدین ترتیب اولین سفر گالیور به پایان رسید.

چه چیزی در مورد کشور لیلیپوت فوق العاده است؟ اندازه کوچک ساکنان این کشور و هر چیزی که آنها را احاطه کرده است؟ در مقایسه با قد طبیعی انسان، گالیور دقیقاً 12 برابر بزرگتر از لیلیپوتی ها است، بنابراین این اوست که به نظر لیلیپوتی ها موجودی خارق العاده است. از همه جهات دیگر، لیلیپوت یک کشور بسیار واقعی است.

بدیهی است که لیلیپوت شبیه انگلستان معاصر سوئیفت است، با دو حزب متخاصم، دسیسه های پشت پرده سیاستمداران، با یک انشقاق مذهبی که ارزش آن را ندارد، اما به قیمت جان هزاران نفر تمام می شود.

ما همچنین دشمنی باستانی همسایگان - انگلیس و فرانسه را تشخیص می دهیم، فقط سوئیفت موقعیت جغرافیایی آنها را تغییر داد: لیلیپوت سرزمین اصلی او است و بلفوسکو یک جزیره است.

این کوچک سازی فوق العاده چه فایده ای دارد؟ اگر سوئیفت می خواست انگلستان را توصیف کند، چرا به لیلیپوت نیاز داشت؟

سوئیفت تمام دستورات و اتفاقات زندگی لیلیپوتی ها را به گونه ای به تصویر می کشد که این کشور که انگلستان در پشت آن قابل مشاهده است، بسیار خنده دار به نظر می رسد. سوئیفت که سرزمین پدری خود را به لیلیپوت تبدیل کرده و ما را مجبور به باور به واقعیت آن کرده است، اخلاق، سیاست و مذهب انگلیسی را مورد تمسخر طنز آمیز قرار می دهد.

به عبارت دیگر، لیلیپوت انگلستان بورژوازی معاصری است که توسط هنرمند دیده می‌شود و از طریق ابزار هنر آشکار می‌شود، با سیستم اجتماعی که سویفت آن را انکار می‌کند.

سوئیفت با نشان دادن اینکه جامعه مدرن انگلیسی ایده آل نیست، قهرمان خود را به دیگر "کشورهای دور دنیا" می فرستد. برای چی؟ در جستجوی این ایده آل

آیا سوئیفت نظم اجتماعی ایده آلی پیدا کرد که در آن مردم آزاد، برابر و نسبت به یکدیگر احساس برادری داشته باشند؟

برای پاسخ به این سوال، قطعه ای از قسمت دوم رمان را می خوانیم: «با دیدن من، بچه... بلند شد... گریه،... مرا با اسباب بازی اشتباه گرفت. مهماندار با هدایت حس مهربانی مادری مرا گرفت و جلوی کودک گذاشت. بلافاصله کمرم را گرفت و سرم را در دهانش فرو برد. آنقدر ناامیدانه فریاد زدم که بچه از ترس مرا رها کرد. خوشبختانه مهماندار موفق شد پیشبند خود را به من هدیه دهد. وگرنه قطعاً به مرگم می‌افتادم.»

این قطعه از قسمت دوم رمان "سفر به برابدینگ ناگ" است. در اینجا خود گالیور خود را در نقش یک لیلیپوتی در رابطه با ساکنان این کشور یافت که باعث ایجاد موقعیت های خنده دار شد.

به عنوان مثال، داستان با دو موش، که گالیور شجاعانه از خود دفاع کرد و کتلاس خود را به دست گرفت.

بیایید قسمت قورباغه ای را به یاد بیاوریم که نزدیک بود قایق گالیور را با بادبان غرق کند. و داستان میمونی که تقریباً گالیور بیچاره را تا سر حد مرگ شکنجه کرد و او را با بچه اشتباه گرفت، کاملاً دراماتیک است.

همه این قسمت ها هم برای غول ها و هم برای خوانندگان بسیار خنده دار است. اما خود گالیور در خطر واقعی جانش بود.

گالیور چگونه خود را در این موقعیت های خنده دار، تحقیرآمیز و خطرناک نشان می دهد؟

حضور ذهن، اشراف، عزت نفس و کنجکاوی یک مسافر را از دست نمی دهد. به عنوان مثال، گالیور پس از کشتن یک موش که می‌توانست او را یک دقیقه پیش تکه تکه کند، دم آن را اندازه‌گیری می‌کند و به خواننده اطلاع می‌دهد که طول دم دو یارد منهای یک اینچ است.

موقعیت تحقیرآمیز یک اسباب بازی کوچک، گالیور را نه ترسو و نه شرور نکرد. او همواره با سخاوت و شفاعت به شیطنت های کوتوله سلطنتی پاسخ می دهد. اگرچه کوتوله یک بار او را در استخوان گیر کرد و بار دیگر تقریباً او را در ظرفی از خامه غرق کرد.

گالیور در سرزمین غول ها چه می کند؟ او زبان بروبدینگناگی را مطالعه می کند تا بتواند با پادشاه مهربان و باهوش بروبدینگ ناگ گفتگو کند.

پادشاه و گالیور در مورد چه چیزی صحبت می کنند؟

شاه از گالیور در مورد دولت انگلیس می پرسد که گالیور در مورد آن با جزئیات صحبت می کند. گزارش او به شاه پنج مخاطب را به خود اختصاص داد.

چرا شاه با این علاقه به داستان های گالیور گوش می دهد؟ خود شاه به این سوال پاسخ داد. او گفت: «...اگرچه حاکمان همیشه به آداب و رسوم کشور خود پایبند هستند، اما خوشحال می‌شوم که در کشورهای دیگر چیزی درخور تقلید بیابم».

و گالیور چه «شایستگی تقلید» را به پادشاه پیشنهاد داد؟ او به تفصیل اثرات مخرب تفنگ های پر از باروت را شرح داد. در همان زمان، گالیور با مهربانی پیشنهاد ساخت باروت را داد. شاه از این پیشنهاد وحشت زده شد. او از صحنه های وحشتناک خونریزی ناشی از عمل این ماشین های مخرب به شدت خشمگین شد. پادشاه گفت: «فقط یک نابغه شیطانی، دشمن نسل بشر، می توانست آنها را اختراع کند. شاه گفت هیچ چیز به عنوان اکتشافات علمی به او چنین لذتی نمی دهد، اما او ترجیح می دهد نیمی از پادشاهی خود را از دست بدهد تا اینکه از راز چنین اختراعی آگاه باشد. جنگ چیزی درخور تقلید پیدا نکرد. پادشاه Brobdingnag بیان می کند که «... حکومت خوب فقط به عقل سلیم، عدالت و مهربانی نیاز دارد. او معتقد است که هرکس به جای یک گوش یا یک ساقه علف، موفق شود دو تا را در یک مزرعه رشد دهد، خدمتی بزرگتر از همه سیاستمداران به بشریت و میهن خود خواهد کرد.»

این یک پادشاه روشن فکر است و دولت او یک سلطنت روشن بین است. آیا می‌توان این حالت را ایده‌آل تلقی کرد، همان حالتی که روشنگران در آرزوی آن بودند؟ البته که نه! ساکنان این کشور از طمع، عطش سود به حرکت در می آیند. کشاورز با پول درآوردن گالیور، گولیور را از پا درآورد. کشاورز که دید گالیور بیمار است و ممکن است بمیرد، او را به قیمت هزار زلوتی به ملکه فروخت.

گالیور در خیابان های پایتخت گدایان را دید. او در مورد آن اینگونه صحبت می کند: «منظره وحشتناکی بود. در میان گداها زنی بود با چنان زخم هایی بر سینه که می توانستم از آن ها بالا بروم و در آنجا پنهان شوم، مثل غار. گدای دیگری محصولی به اندازه پنج عدل پشم به گردنش آویخته بود. سومی روی پاهای چوبی هر کدام بیست فوت ایستاده بود. اما منزجر کننده تر از همه شپش هایی بود که روی لباس هایشان خزیده بودند.»

همانطور که می بینیم، جامعه کشور غول ها عاری از آسیب های اجتماعی نیست، علیرغم اینکه در راس این کشور یک پادشاه دانشمند، یک شاه فیلسوف است که به رعایای خود اهمیت می دهد، اما نیروی محرکه زندگی جامعه پول است، اشتیاق به سود. بنابراین، بخشی از جامعه بدون هیچ مانعی ثروتمند می شود، در حالی که بخشی دیگر فقیر می شود.

سوئیفت نشان داد که اگر قدرت پول بر مردم در این حالت باقی بماند، یک سلطنت روشن فکر قادر نیست به رعایای خود پیروزی آزادی، برابری و برادری را ارائه دهد، و بنابراین فقر و نابرابری.

اما نویسنده امید خود را از دست نمی دهد. شاید کشورهای دیگری در جای دیگری وجود داشته باشند که ساختار منصفانه تری دارند. جستجو تمام نشده است. و گالیور، به طور معجزه آساییآزاد شد و به وطن بازگشت و شور سفر را از دست نداد.

"ما لنگر را در 5 آگوست 1706 وزن کردیم..." به این ترتیب سومین سفر گالیور - "سفر به لاپوتا" آغاز شد.

گالیور به جزیره ای در حال پرواز ختم می شود. چه کسی را آنجا دید؟

«تا به حال هیچ انسان فانی را ندیده بودم که با هیکل، لباس و حالت چهره خود چنین شگفتی ایجاد کنند. همه سرهایشان به راست و چپ متمایل شده بود: یک چشم به سمت داخل خیره شده بود و دیگری مستقیم به بالا نگاه می کرد. آنها لباس بیرونیبا تصاویری از خورشید، ماه، ستارگان در هم آمیخته با تصاویر ویولن، فلوت، چنگ، ترومپت، گیتار، کلاویکورد تزئین شده بود.

ساکنان عجیب و غریب جزیره چه می کنند؟

لاپوتان ها به انتزاعی ترین علوم و هنرها، یعنی ریاضیات، نجوم و موسیقی مشغول هستند. آنقدر در افکار خود غوطه ور هستند که متوجه هیچ چیز در اطراف خود نمی شوند. بنابراین، آنها همیشه با خدمتکاران همراه هستند، که در صورت نیاز، با حباب های عظیمی که از هوا متورم شده اند، بر لب ها، سپس به چشم ها، سپس بر گوش های اربابان دست می زنند و از این طریق آنها را تشویق به گوش دادن، دیدن و صحبت کردن می کنند.

در پایتخت یک آکادمی پروژه وجود دارد که در آن تحقیقات علمی نسبتاً عجیبی انجام می دهند. یکی از دانشمندان اشعه خورشید را از خیار استخراج می کند. دیگری با روش جدیدی برای ساخت ساختمان ها - از پشت بام - آمد. سومین نژاد گوسفند برهنه را پرورش می دهد. چنین اکتشافات "بزرگ"، تمام این فعالیت های علمی با هدف بهبود زندگی مردم نیست. اقتصاد کشور متلاشی شده است. مردم از گرسنگی می میرند، با لباس های ژنده پوش راه می روند، خانه هایشان ویران می شود، اما نخبگان علمی به این موضوع اهمیت نمی دهند.

رابطه بین شاه لاپوتا و اتباعش که روی زمین زندگی می کنند چیست؟

در دست این پادشاه یک ماشین تنبیهی وحشتناک است - یک جزیره پرنده، که با کمک آن او کل کشور را تحت فرمان خود نگه می دارد.

اگر شهری از پرداخت مالیات امتناع کند، پادشاه جزیره خود را بر سر آنها متوقف می کند و مردم را از آفتاب و باران محروم می کند و بر آنها سنگ می اندازد. اگر بر سر نافرمانی خود پافشاری کنند، به دستور پادشاه، جزیره را مستقیماً بر سر نافرمانان پایین می آورند و آنها را همراه با خانه هایشان صاف می کنند.

یک دستاورد علمی وقتی در دست یک حاکم غیرانسانی باشد چقدر می تواند مخرب باشد. علم در این کشور غیرانسانی است، علیه مردم است.

در برابر چشمان گالیور مسافر، سه کشور گذشت که در آنها یک نوع حکومت وجود داشت - سلطنت.

خوانندگان همراه با گالیور به این نتیجه رسیدند که هر سلطنتی شیطانی است. چرا؟

ما می توانیم این را تایید کنیم. حتی یک پادشاه غول پیکر روشن فکر نیز نمی تواند شرایط اقتصادی و اجتماعی ایده آلی را برای زندگی مردم ایجاد کند. سلطنت در بدترین شکل خود، زمانی که یک مستبد شرور بی تفاوت به منافع مردم قدرت نامحدودی داشته باشد، بزرگترین شر برای بشریت است.

در قسمت چهارم، گالیور خود را در کشور هویهنهنم ها می بیند. ساکنان این کشور اسب هستند، اما به گفته گالیور، آنها از نظر هوش و ویژگی های اخلاقی برتر از انسان هستند. هویهننم رذیله هایی چون دروغ، فریب، حسد و طمع را نمی شناسند. زبان آنها حتی کلماتی برای بیان این مفاهیم ندارد. با هم دعوا نمی کنند و دعوا نمی کنند. اسلحه ندارند آنها مهربان و نجیب هستند، دوستی را بیش از هر چیز دیگری ارزش می دهند. جامعه آنها بر اساس اصول معقول بنا شده است و فعالیت های آن به نفع همه اعضای آن است. نظام سیاسی این کشور جمهوری است. شکل قدرت آنها شورا است.

هر چهار سال یکبار در اعتدال بهاری... شورایی از نمایندگان کل ملت تشکیل می شود. ...در این شورا وضعیت ولسوالی های مختلف مورد بحث قرار می گیرد: آیا آنها به اندازه کافی یونجه، جو، گاو و یاهو عرضه می شوند. اگر چیزی در یکی از ولسوالی ها کم باشد، شورا هر آنچه را که نیاز است از سایر ولسوالی ها تحویل می دهد. قطعنامه‌ها در این مورد همیشه به اتفاق آرا اتخاذ می‌شوند.»

برای گالیور این کشور ایده آل به نظر می رسید. اما آیا از دیدگاه ما ایده آل است؟

هویهنهنم ها زبان نوشتاری ندارند و بنابراین ادبیاتی ندارند. آنها نه علم و نه فناوری را توسعه نمی دهند، یعنی. آنها برای پیشرفت اجتماعی تلاش نمی کنند. هنوز نمی توان هوش برجسته آنها را با ذهن کنجکاو انسان مقایسه کرد که بی وقفه برای یادگیری چیزهای جدید تلاش می کند.

"قاعده اساسی زندگی برای آنها این است که رفتار خود را کاملاً تابع هدایت عقل قرار دهند." اما این عملاً همه احساسات را حذف می کند. آنها حتی با مرگ عزیزان خود "معقولانه" یعنی با بی تفاوتی رفتار می کنند. در اینجا مناسب است اپیزود یک مادیان را یادآوری کنیم که به دلیل مرگ ناگهانی شوهرش برای ملاقات دیر آمده بود. او به خاطر دیر آمدن عذرخواهی کرد و در تمام طول غروب به اندازه سایر مهمانان آرام و سرحال بود.

با این حال، هویهن‌هنم‌های خوب، گالیور را از کشور خود بیرون می‌کنند و تصمیم می‌گیرند که نگه داشتن چنین موجود مشکوکی در جامعه‌شان غیرمنطقی است. چه می شود اگر او برای آنها آسیبی بیاورد!

گالیور به وطن خود باز می گردد، جایی که اکنون بیشتر وقت خود را در اصطبل می گذراند. سفر تمام شد. ما می‌توانیم نتایج را جمع‌بندی کنیم، آیا سوئیفت با عبور از قهرمان خود در کشورهای مختلف، نظم اجتماعی ایده‌آل را پیدا می‌کند؟

خیر سوئیفت نه در جامعه بورژوازی معاصر خود در انگلیس (لیلیپوت)، نه در سلطنت روشنفکر غول ها، و نه در جزیره پرنده دانشمندان، ایده آل مثبتی نمی یابد. و جمهوری با فضیلت هویهن‌هنم‌ها مانند یک مدینه فاضله به نظر می‌رسد؛ تصادفی نیست که بالاخره جامعه‌ای از اسب‌ها است نه مردم. نقطه قوت اصلی رمان سوئیفت چیست؟

نقطه قوت رمان او در تمسخر طنز گونه‌های ناعادلانه وجود اجتماعی است. موجودات غیرعادی در قسمت چهارم رمان وجود دارند که نقش زیادی در روایت دارند. یاهو چه کسانی هستند؟ منظور از ظهور آنها در رمان چیست؟

یاهوها حیوانات وحشی کثیف و زشتی هستند که به وفور در کشور هویهنهنم ها زندگی می کنند. به او ظاهرآنها بسیار شبیه انسان هستند. با بررسی دقیق تر، گالیور نیز این شباهت را دید و وحشت کرد. اما آیا فقط در ظاهر است که یاهو به مردم شباهت دارد؟

اسب خاکستری پس از گفتگوهای مشابه با گالیور به این نتیجه رسید که آداب و رسوم و اخلاق مردمان اروپایی شباهت های زیادی با آداب و رسوم یاهو دارد. «... اسباب نزاع این چهارپایان همان اسباب نزاع میان هم قبیله های شماست. در واقع، اگر به پنج یاهو غذا بدهید که برای پنجاه غذا کافی است، به جای اینکه با آرامش شروع به خوردن کنند، دعوا راه می‌اندازند. همه سعی می کنند همه چیز را برای خود تصاحب کنند.» اغلب در دعوا با چنگ و دندان زخم های جدی به یکدیگر وارد می کنند. یاهوها نه تنها بر سر غذا، بلکه بر سر جواهرات نیز دعوا می کنند - سنگ های براق چند رنگی که از یکدیگر پنهان می کنند. شباهت های دیگری نیز با مردم وجود دارد. مثلاً از مکیدن ریشه لذت می برند که همان تأثیری که الکل و مواد مخدر روی اروپایی ها می گذارد روی آنها می گذارد. اکثر گله ها حاکمانی دارند که طبیعتاً شریر هستند و بنابراین کل گله را در اطاعت نگه می دارند. آنها خود را با موارد مورد علاقه تند و زننده ای احاطه کرده اند که دیگران از آنها متنفرند. اسب خاکستری را دید

شباهت زیادی به پادشاهان اروپایی و وزیران آنها دارد، این حیوانات پست از کجای کشور هویهن‌هنم‌ها آمده‌اند؟ طبق افسانه، یک جفت یاهو پست یک بار از آن سوی دریا وارد این کشور شدند. آنها تکثیر شدند، وحشی شدند و نسل آنها کاملا عقل خود را از دست دادند. به عبارت دیگر، یاهوها افرادی منحط هستند که فرهنگ و تمدن خود را از دست داده اند، اما تمام رذایل جامعه بشری را حفظ کرده اند.

سوئیفت در اینجا با دفو و تصویر او از بورژوای آرمانی و منطقی بحث می کند، زیرا داستان یاهو ضد رابینسوناد است. در قسمت چهارم طنز سوئیفت به اوج خود رسید. خنده دار ترسناک می شود. سوئیفت تصویری از انحطاط جامعه بشری ترسیم کرد که طبق قوانین یاهو زندگی می کرد.

بخش چهارم نتیجه نهایی، حاصل این سفر فلسفی است. تا زمانی که بشریت از عطش سود، قدرت و لذت های جسمانی هدایت می شود، جامعه بر اساس قوانین عقل ساخته نخواهد شد. علاوه بر این، مسیر انحطاط و نابودی را طی خواهد کرد. سوئیفت پیوسته و منطقاً ایدئولوژی روشنگری-بورژوایی را خنثی می‌کند و از جزئی به عمومی، از یک کشور خاص به یک تعمیم جهانی می‌رود.

طنزپرداز درخشان بسیار جلوتر از دوران خود بود. مدرن بودن صدای رمان برای ما چیست؟ آیا هشدارهای سوئیفت ارتباط خود را از دست داده اند؟

اگر طمع، فریب، قدرت پول و اشیا، مستی، اعتیاد به مواد مخدر، باج خواهی، نوکری، جاه طلبی های گزاف و جاه طلبی هایی که در گذشته محقق نمی شد و در زمان حال تحقق نمی یابد، تحریکات و دشمنی های بی پایان با هم نوعان خود، تبدیل شدن به جنگ های وحشتناک و خونین، بر بشریت حاکم خواهد شد، سپس مردم در خطر تبدیل شدن به یاهو هستند. و هیچ میزان تمدن و پیشرفت علمی و فنی بالا آنها را از این امر نجات نخواهد داد. ترسناک است اگر فرهنگی ناامیدانه پشت تمدن باشد! مردم لباس عوض می کنند، اما رذایل، با به دست آوردن ظاهر متمدن، باقی می مانند.

فرهنگ مفاهیم پایه .... 419

تجزیه و تحلیل یک اثر هنری

نمونه سوالات و نمودارها

یک اثر معماری

هنگام تجزیه و تحلیل آثار معماری، باید ویژگی های معماری به عنوان یک شکل هنری را در نظر گرفت. معماری شکلی از هنر است که در شخصیت هنریسازه های. بنابراین ظاهر، مقیاس و شکل سازه باید مورد تجزیه و تحلیل قرار گیرد.

1. چه اشیایی از ساختمان مستحق توجه هستند؟

2. نظریات نویسنده در این اثر با چه تکنیک ها و وسایلی بیان می شود؟

3. اثر چه تاثیری می گذارد؟

4. گیرنده (درک کننده) چه حسی را می تواند تجربه کند؟

5. مقیاس، قالب، آرایش افقی، عمودی یا مورب آن، استفاده از فرم‌های معماری خاص و توزیع نور در یک بنای معماری چگونه به تأثیر احساسی یک اثر کمک می‌کند؟

6. بازدید کننده هنگام ایستادن در مقابل نما چه چیزی را می بیند؟

7. سعی کنید توضیح دهید که چرا این به نظر شما مهم ترین است؟

8. معمار با چه ابزاری چیز اصلی را برجسته می کند؟ ابزارها و تکنیک های هنری اساسی برای ایجاد یک تصویر معماری (تقارن، ریتم، تناسبات، نور و سایه و مدل سازی رنگ، مقیاس) را شرح دهید.

9. احجام و فضاها در یک ساختار معماری (ترکیب بندی معماری) چگونه تشکیل می شوند؟

10. توضیح دهید که آیا این شی متعلق به نوع خاصی از معماری است: سازه های حجمی (عمومی: مسکونی، صنعتی). منظر (باغبانی یا اشکال کوچک)، برنامه ریزی شهری.

11. سعی کنید تصور کنید چه اتفاقاتی می تواند بیشتر در این ساختار معماری رخ دهد.

12. آیا ترکیب بندی اثر و عناصر اصلی آن ماهیتی نمادین دارند: گنبد، طاق، طاق، دیوار، برج، آرامش؟

13. عنوان اثر چیست؟ شما چگونه صدایش میزنید؟

14. مشخص کنید که آیا این اثر متعلق به یک دوره فرهنگی و تاریخی، سبک هنری یا جنبش است.

16. شکل و محتوای این اثر چه ارتباطی دارد؟

17. چه ارتباطی بین ظاهر بیرونی و داخلی این سازه معماری وجود دارد؟ آیا آن را هماهنگ با محیط?

18. به نظر شما، فرمول ویتروویوس در این اثر چه تجسمی یافت: سود، قدرت، زیبایی؟

19. آیا برای طراحی ظاهر این شیء معماری از انواع دیگری از هنر استفاده می شود؟ کدام؟ به نظر شما انتخاب نویسنده موجه است؟

کار نقاشی

به منظور انتزاع از درک طرح و زندگی روزمره، به یاد داشته باشید که یک نقاشی پنجره ای به جهان نیست، بلکه صفحه ای است که می توان توهم فضا را با ابزارهای تصویری ایجاد کرد. بنابراین، ابتدا تجزیه و تحلیل پارامترهای اساسی کار مهم است.

1. اندازه نقاشی (بنای یادبود، سه پایه، مینیاتور)؟

2. قالب نقاشی: مستطیل کشیده افقی یا عمودی (احتمالاً با انتهای گرد)، مربع، دایره (توندو)، بیضی؟

3. نقاشی با چه تکنیکی (تمپر، رنگ روغن، آبرنگ و ...) و بر چه اساسی (چوب، بوم و ...) ساخته شده است؟

4. از چه فاصله ای بهتر درک می شود؟

تجزیه و تحلیل تصویر

5-آیا فیلم داستان دارد؟ چه چیزی نشان داده شده است؟ شخصیت ها و اشیاء به تصویر کشیده شده در چه محیطی قرار دارند؟

6. بر اساس تحلیل تصویر، درباره ژانر (پرتره، منظره، طبیعت بی جان، برهنه، روزمره، اساطیری، مذهبی، تاریخی، حیوانی) نتیجه گیری کنید.

7. فکر می کنید هنرمند چه مشکلی را حل می کند - تصویری؟ رسا؟ درجه مرسوم بودن یا طبیعی بودن تصویر چقدر است؟ آیا قرارداد به سمت ایده آل سازی یا تحریف بیانی گرایش دارد؟

تجزیه و تحلیل ترکیب

8. ترکیب از چه اجزایی تشکیل شده است؟ چه رابطه ای بین موضوع تصویر و پس زمینه/فضای روی بوم نقاشی وجود دارد؟

9. اجسام در تصویر چقدر به صفحه تصویر نزدیک هستند؟

10. هنرمند چه زاویه دیدی را انتخاب کرد - از بالا، پایین، همسطح با اشیاء تصویر شده؟

11. موقعیت بیننده چگونه تعیین می شود - آیا او در تعامل با آنچه در تصویر به تصویر کشیده شده است یا نقش یک متفکر جدا شده به او اختصاص داده می شود؟

12. آیا ترکیب را می توان متعادل، ایستا یا پویا نامید؟ اگر حرکت وجود دارد، چگونه هدایت می شود؟

13. فضای تصویر چگونه ساخته می شود (مسطح، نامشخص، لایه فضایی حصارکشی شده، فضای عمیق ایجاد می شود)؟ توهم عمق فضایی چگونه به دست می آید (تفاوت در اندازه اشکال تصویر شده، نشان دادن حجم اشیا یا معماری، با استفاده از درجه بندی رنگ)؟

تجزیه و تحلیل نقاشی.

14. شروع خطی در تصویر چقدر تلفظ می شود؟

15. آیا خطوطی که اشیاء منفرد را مشخص می کنند تاکید شده یا صاف شده اند؟ با چه ابزاری این اثر حاصل می شود؟

16. حجم اجسام تا چه اندازه بیان می شود؟ چه تکنیک هایی توهم حجم را ایجاد می کنند؟

17. نور چه نقشی در تصویر دارد؟ چگونه است (حتی، خنثی، متضاد، حجم مجسمه سازی، عرفانی)؟ آیا منبع/جهت نور خوانا است؟

18. آیا شبح های شکل ها/اشیاء به تصویر کشیده شده خوانا هستند؟ به خودی خود چقدر گویا و ارزشمند هستند؟

19. تصویر چقدر جزئی است (یا بالعکس تعمیم یافته)؟

20. آیا تنوع بافت سطوح به تصویر کشیده شده (چرم، پارچه، فلز و ...) منتقل می شود؟

تجزیه و تحلیل رنگ.

21. رنگ در تصویر چه نقشی دارد (آیا تابع طرح و حجم است یا برعکس طرح را تابع خودش می کند و خود ترکیب بندی را می سازد)؟

22. آیا رنگ صرفاً رنگ آمیزی حجم است یا چیزی بیشتر؟ آیا از نظر نوری وفادار است یا بیانگر؟

23. آیا مرز لکه های رنگی قابل مشاهده است؟ آیا آنها با مرزهای احجام و اشیاء منطبق هستند؟

24-آیا هنرمند با توده های رنگی زیاد عمل می کند یا لکه ها- سکته های کوچک؟

25- رنگ های سرد و گرم چگونه رنگ آمیزی می شوند، آیا هنرمند از ترکیب رنگ های مکمل استفاده می کند؟ چرا او این کار رو میکنه؟ پر نور ترین و سایه دارترین مناطق چگونه منتقل می شود؟

26. آیا تابش خیره کننده یا رفلکس وجود دارد؟ سایه ها چگونه نوشته می شوند (عمیق یا شفاف، رنگی هستند)؟ آیا ترکیب رنگ/رنگ غالب وجود دارد؟

گزینه های دیگر

1. چه موضوعاتی از نگرش عاطفی نویسنده به موضوع (واقعیت، رویداد، پدیده) شایسته توجه است؟

2. مشخص کنید که آیا این اثر به ژانر نقاشی (تاریخی، پرتره، طبیعت بی جان، نبرد، و غیره) تعلق دارد.

3. برای بیان نظرات نویسنده در این اثر از چه تکنیک ها و وسایلی استفاده شده است؟

4. اثر چه تأثیری می گذارد؟

7. استفاده از رنگ های خاص چگونه به تاثیر احساسی کمک می کند؟

8. در تصویر چه چیزی نشان داده شده است؟

9. نکته اصلی را از آنچه دیدید برجسته کنید.

10. سعی کنید توضیح دهید که چرا این به نظر شما مهم ترین است؟

11. هنرمند با چه ابزاری چیز اصلی را برجسته می کند؟

12. رنگ ها در اثر (ترکیب رنگ) چگونه با هم مقایسه می شوند؟

13. سعی کنید طرح تصویر را بازگو کنید.

14. آیا طرح هایی در اثر وجود دارد که نماد چیزی باشد؟

15. عنوان اثر چیست؟ چه ارتباطی با طرح و نماد آن دارد؟

16-آیا ترکیب بندی اثر و عناصر اصلی آن ماهیتی نمادین دارند: افقی، عمودی، مورب، دایره، بیضی، رنگ، مکعب؟

اثر مجسمه سازی

هنگام تجزیه و تحلیل آثار مجسمه سازی، لازم است پارامترهای مجسمه سازی به عنوان یک فرم هنری در نظر گرفته شود. مجسمه سازی نوعی هنر است که در آن یک حجم سه بعدی واقعی با فضای سه بعدی اطراف خود در تعامل است. بنابراین، حجم، فضا و نحوه تعامل آنها باید مورد تجزیه و تحلیل قرار گیرد.

1. اثر چه تأثیری می گذارد؟

3. ماهیت کار چیست؟

4. چه موضوعاتی از نگرش عاطفی نویسنده به شی (واقعیت، رویداد، پدیده) شایسته توجه است؟

5. برای بیان نظرات نویسنده در این اثر از چه تکنیک ها و وسایلی استفاده شده است؟

6. اندازه مجسمه چقدر است؟ اندازه مجسمه (یادبود، سه پایه، مینیاتور) بر تعامل آن با فضا تأثیر می گذارد.

7. این مجسمه متعلق به چه ژانری است؟ برای چه در نظر گرفته شده بود؟

8. مطالب اصلی استفاده شده توسط نویسنده و ویژگی های آن را شرح دهید. چه ویژگی‌هایی از مجسمه توسط متریال آن دیکته می‌شود (چرا این ماده خاص برای این کار انتخاب شد)؟ آیا خواص آن با ایده کار سازگار است؟ آیا می توان همان کار را از مواد دیگر تصور کرد؟ چگونه خواهد بود؟

9. بافت سطح مجسمه چگونه است؟ یکنواخت یا متفاوت در قسمت های مختلف؟ صاف یا "طرح"، آثار لمس ابزار قابل مشاهده است، طبیعی مانند، معمولی. این بافت چه ارتباطی با خواص مواد دارد؟ بافت چگونه بر درک شبح و حجم یک فرم مجسمه تاثیر می گذارد؟

10. مقیاس، فرمت، چیدمان افقی، عمودی یا مورب آن چگونه به تأثیر احساسی اثر کمک می کند؟

11. نقش رنگ در مجسمه سازی چیست؟ حجم و رنگ چگونه بر یکدیگر تأثیر می گذارند؟

12. چه کسی (چه چیزی) را در مجسمه می بینید؟

13. مهم ترین، به ویژه چیزهای ارزشمند را از آنچه دیدید برجسته کنید.

14. سعی کنید توضیح دهید که چرا به نظر شما مهم ترین، به خصوص ارزشمند است؟

15. مجسمه ساز با چه وسیله ای چیز اصلی را برجسته می کند؟

16. چیدمان اشیا در اثر (ترکیب موضوع) چگونه است؟

17. اثر در چه فضایی (در معبد، میدان، خانه و...) قرار داشت؟ در کدام نقطه ادراک (از دور، از پایین، نزدیک) مورد نظر بوده است؟ آیا بخشی از یک مجموعه معماری یا مجسمه سازی است یا یک اثر مستقل است؟

18. آیا مجسمه برای دیدگاه های ثابت طراحی شده است، یا در هنگام راه رفتن کاملاً خود را نشان می دهد؟ او چند تا سیلوئت رسا تکمیل شده دارد؟ آنها چه هستند (بسته، فشرده، هندسی منظم یا زیبا، باز)؟ چه نسبتی با هم دارند؟

19. اگر این مجسمه "جان می گیرد" چه کاری می تواند انجام دهد (یا بگوید)؟

20. عنوان اثر چیست؟ به نظر شما معنی (نام) آن چیست؟ چه ارتباطی با طرح و نماد دارد؟

21. تفسیر موتیف (طبیعی، متعارف، دیکته شده توسط قانون، دیکته شده توسط مکان اشغال شده توسط مجسمه در محیط معماری آن، یا موارد دیگر) چیست؟

22. به نظر شما نویسنده اثر چه مواضع ایدئولوژیکی را می خواست به مردم منتقل کند؟

23. آیا تأثیر انواع دیگر هنر را در کار احساس می کنید: معماری، نقاشی؟

24. به نظر شما چرا دیدن مجسمه به طور مستقیم به جای عکس یا بازتولید ترجیح داده می شود؟ دلیل این جواب خود را بیان کنید.

اقلام هنر تزئینی و کاربردی

هنگام تجزیه و تحلیل اشیاء هنر تزئینی و کاربردی، باید به خاطر داشت که آنها در درجه اول نقش کاربردی در زندگی یک فرد ایفا می کنند و همیشه کارکرد زیبایی شناختی ندارند. در عین حال، شکل جسم و ویژگی های عملکردی آن بر ماهیت تصویر تأثیر می گذارد.

1. چنین موردی برای چیست؟

2. ابعاد آن چقدر است؟

3. تزیین آیتم چگونه قرار دارد؟ محوطه های تزئینات فیگوراتیو و زینتی در کجا قرار دارند؟ نحوه قرارگیری تصاویر با شکل جسم چگونه ارتباط دارد؟

4. چه نوع زیور آلات استفاده می شود؟ در چه قسمت هایی از جسم قرار دارند؟

5. تصاویر فیگوراتیو در کجا قرار دارند؟ آیا فضای بیشتری نسبت به موارد زینتی اشغال می کنند یا صرفاً جزو فهرست های زینتی هستند؟

6. ثبت با تصاویر فیگوراتیو چگونه ساخته می شود؟ آیا می توانیم بگوییم که در اینجا از تکنیک های ترکیب بندی آزاد استفاده شده است یا از اصل کنار هم قرار گرفتن (شکل ها در حالت های یکسان، حداقل حرکت، تکرار یکدیگر) استفاده شده است؟

7. شکل ها چگونه به تصویر کشیده شده اند؟ آیا آنها متحرک، یخ زده، سبک هستند؟

8. جزئیات ارقام چگونه منتقل می شود؟ طبیعی تر به نظر می رسند یا زینتی؟ برای انتقال ارقام از چه تکنیک هایی استفاده می شود؟

9. در صورت امکان به داخل جسم نگاه کنید. آیا در آنجا تصاویر و زیور آلات وجود دارد؟ آنها را با توجه به نمودار بالا توصیف کنید.

10. در ساخت زیورآلات و فیگورها از چه رنگ های اولیه و اضافی استفاده می شود؟ لحن خود خاک رس چیست؟ این چگونه بر شخصیت تصویر تأثیر می گذارد - آیا آن را زینتی تر می کند یا برعکس، طبیعی تر؟

11. سعی کنید در مورد تک تک الگوهای این نوع هنر تزئینی و کاربردی نتیجه گیری کنید.

الگوریتم های تجزیه و تحلیل آثار هنری

شرط اصلی کار با این الگوریتم این است که نام نقاشی برای کسانی که کار را انجام می دهند مشخص نباشد.

اسم این نقاشی را چه می گذارید؟

آیا عکس را دوست دارید یا نه؟ (پاسخ باید مبهم باشد).

این عکس را طوری به ما بگویید که کسی که آن را نمی داند بتواند در مورد آن ایده بگیرد.

این عکس چه حسی به شما دست می دهد؟

آیا می خواهید چیزی در پاسخ خود به سوال اول اضافه کنید یا تغییر دهید؟

به پاسخ سوال دوم برگردید. ارزیابی شما ثابت مانده یا تغییر کرده است؟ حالا چرا اینقدر به این عکس امتیاز می دهید؟

الگوریتم تجزیه و تحلیل آثار نقاشی

معنی عنوان نقاشی

وابستگی ژانر.

ویژگی های طرح تصویر. دلایل نقاشی در جستجوی پاسخی برای این سوال: آیا نویسنده ایده خود را به بیننده منتقل کرده است؟

ویژگی های ترکیب بندی نقاشی.

ابزار اصلی تصویر هنری: رنگ، طراحی، بافت، کیاروسکورو، قلم مو.

این اثر هنری چه تاثیری بر احساسات و روحیه شما داشت؟

این اثر هنری در کجا قرار دارد؟

الگوریتم تحلیل آثار معماری

درباره تاریخچه ایجاد ساختار معماری و نویسنده آن چه می دانیم؟

مشخص کنید که این اثر متعلق به دوران فرهنگی-تاریخی، سبک هنری یا جنبشی است.

چه تجسمی در این کار فرمول ویتروویوس یافت شد: قدرت، سود، زیبایی؟

به ابزارها و تکنیک های هنری برای ایجاد یک تصویر معماری (تقارن، ریتم، تناسبات، نور و سایه و مدل سازی رنگ، مقیاس)، سیستم های تکتونیکی (پس تیر، طاق نوک تیز، گنبد قوسی) اشاره کنید.

نوع معماری را مشخص کنید: سازه های حجمی (عمومی: مسکونی، صنعتی)؛ منظره (باغبانی یا اشکال کوچک)؛ برنامه ریزی شهری.

ارتباط بین ظاهر خارجی و داخلی یک سازه معماری، ارتباط بین ساختمان و نقش برجسته، ماهیت منظر را نشان دهید.

از دیگر اشکال هنر در طراحی ظاهر معماری آن چگونه استفاده می شود؟

اثر چه تاثیری روی شما گذاشت؟

تصویر هنری چه تداعی هایی را برمی انگیزد و چرا؟

سازه معماری در کجا قرار دارد؟

الگوریتم تجزیه و تحلیل آثار مجسمه سازی

تاریخچه خلق اثر.

متعلق به دوران هنری.

معنی عنوان اثر.

متعلق به انواع مجسمه ( یادگاری، یادبود، سه پایه).

استفاده از مواد و تکنولوژی پردازش.

ابعاد مجسمه (اگر دانستن آن مهم است).

شکل و اندازه پایه.

این مجسمه در کجا قرار دارد؟

این کار چه تاثیری روی شما گذاشت؟

تصویر هنری چه تداعی هایی را برمی انگیزد و چرا؟

تحلیل تاریخچه فیلم.

بخش اول تحلیل تاریخچه ظهور. ایده کارگردان همکاری با فیلمنامه نویس و فیلمبردار.

1. تجزیه و تحلیل شخصیت شخصیت ها.

فیلم پر از شخصیت است. ویژگی های شخصیت های اصلی (جزئیات شخصیت پردازی). ویژگی های شخصیت های فرعی (کارکرد آنها در رابطه با شخصیت های اصلی، نسبت به اکشن فیلم). بازیگرانی که روی نقش های خود کار می کنند. تحلیل بازیگران از بازی

2. تحلیل فیلم به عنوان بازتابی از ذهنیت کارگردان

سینمای برجسته به عنوان یک اثر هنری مستقل. نویسنده، یعنی موقعیت کارگردان (بیشتر در مصاحبه های او خود را نشان می دهد؛ می توان آن را در مصاحبه ها، خاطرات و مقالات شرکت کنندگان در خلق فیلم یافت). تأثیر رویدادهای واقعی بر شخصی و زندگی اجتماعیبه فیلم انعکاس دنیای درونیکارگردان

قبل از شروع یک تجزیه و تحلیل عملی، لازم است یک نکته قابل توجه بیان شود: در یک تصویر نباید به دنبال چیزی بود که در آن نیست، یعنی به هیچ وجه نباید اقدام به تنظیم یک اثر زنده با یک طرح خاص کرد. هنگام بحث در مورد فرم ها و ابزارهای ترکیب بندی، حرکات و گزینه های ممکن برای اقدامات هنرمند را فهرست کردیم، اما اصلاً اصرار نکردیم که همه آنها لزوماً در نقاشی استفاده شوند. تحلیلی که ما ارائه می کنیم به سادگی برخی از ویژگی های اثر را آشکار می کند و در صورت امکان، قصد ترکیبی هنرمند را توضیح می دهد.

چگونه یک موجود زنده را به قطعات تقسیم کنیم؟ می توانید از مجموعه اقدامات سنتی استفاده کنید: برای تعیین مرکز هندسی تصویر، محورهای مورب را بکشید، مکان های روشن و تاریک، زنگ های سرد و گرم را برجسته کنید، مرکز معنایی ترکیب را تعیین کنید، در صورت لزوم، محورهای ترکیبی را مشخص کنید و غیره. سپس ایجاد ساختار رسمی تصویر آسان تر است.

2.1. تجزیه و تحلیل ترکیب طبیعت بی جان

برای پوشش گسترده‌تر تکنیک‌های مختلف در ساخت یک طبیعت بی‌جان، بیایید طبیعت بی‌جان کلاسیک قرن هفدهم و سپس طبیعت بی‌جان سزان و ماشکوف را در نظر بگیریم.

2.1.1. وی.خدا. صبحانه با پای شاه توت. 1631

پس از ترسیم مورب اول، متذکر می شویم که ترکیب طبیعت بی جان در آستانه خطا ساخته شده است، اما هنرمند به طرز درخشانی با کار متعادل کردن کنار آمد و روشن شدن تدریجی پس زمینه را به سمت چپ و بالا معرفی کرد. با بررسی جداگانه نقاط روشن و تیره تعمیم یافته، به یکپارچگی توناژ نور ترکیب متقاعد می شویم و می بینیم که چگونه پارچه سفید و سطح روشن پایه گلدان خوابیده، لهجه های اصلی را حفظ کرده و شرایط را برای ترتیب ریتمیک لکه های تیره یک نقطه روشن بزرگ به تدریج به جرقه های کوچک نور تبدیل می شود. محل لکه های تاریک با استفاده از همین طرح ساخته شده است.

گرما و سردی طبیعت بی جان در چارچوب یک نقاشی تقریبا تک رنگ بسیار ظریف و ظریف در جزئیات بیان شده و به توده های بزرگ در سمت چپ و راست تقسیم می شود. برای حفظ یکپارچگی رنگ، هدا سایه های سرد اشیاء را در سمت چپ، "گرم" تصویر و بر این اساس، رنگ های گرم را در سمت راست، سمت "سرد" معرفی می کند.

شکوه این طبیعت بی جان، که تزئینی از گالری درسدن است، نه تنها در مادی بودن مطلق اشیاء، بلکه در ترکیب بندی دقیق تصویر نیز نهفته است.

2.1.2. پی سزان. هلو و گلابی. اواخر دهه 1880.

در این طبیعت بی جان، دو مرکز ثابت را می توان ردیابی کرد: اول، یک حوله سفید که روی آن میوه ها و ظروف گذاشته شده است، و دوم، هلو در بشقاب در مرکز تصویر. این یک رویکرد ریتمیک سه طرفه چشم به نقطه کانونی تصویر ایجاد می کند: از پس زمینه کلی به حوله، سپس به هلوهای داخل بشقاب، سپس به گلابی های نزدیک.

در مقایسه با طبیعت بی جان هدا، آثار سزان دارای طیف رنگی گسترده تری است، بنابراین گرما و سردی طبیعت بی جان در تمام سطح نقاشی پخش شده و جدا کردن آرایه های محلی رنگ های گرم و سرد دشوار است. جایگاه ویژه ای در طبیعت بی جان را یک نوار تیره و پهن مایل در پس زمینه اشغال می کند. به نوعی ضد غالب ترکیب است و در عین حال بر سفیدی پارچه در هایلایت ها و خلوص رنگ ها در سایه ها تاکید دارد. کل ساختار نقاشی خشن است و ردپای عمداً آشکاری از قلم مو را در خود دارد - این بر ماهیت دست ساز و آشکار شدن فرآیند ایجاد نقاشی تأکید می کند. زیبایی‌شناسی ترکیب‌بندی‌های سزان، که بعداً به کوبیسم آمد، در برهنگی سازنده قاب قوی قالب‌بندی رنگی فرم نهفته است.

2.1.3. I. Mashkov. غذای مسکو 1924

ترکیب یک طبیعت بیجان متقارن است. پری کل فضای تصویر فراتر از قاب نمی رود؛ ترکیب بندی محکم در داخل می نشیند و خود را به صورت دایره ای یا مربعی نشان می دهد (آرایش نان ها). به نظر می رسد فراوانی غذا مرزهای تصویر را در هم می شکند، در حالی که در همان زمان نان گلدان سفید را به عنوان رهبر رنگ ترک می کند و در اطراف آن جمع می شود. رنگ غلیظ، اشباع و مواد متراکم نان ها، که توسط بافت دقیقا یافت شده محصولات پخته شده تاکید شده است، اشیاء را در یک نقطه انتگرال گرم به طور هماهنگ گروه بندی می کند و رنگ پس زمینه را تا حدودی خنک تر می کند. لکه سفید گلدان از صفحه خارج نمی شود؛ آنقدر بزرگ نیست که به مرکز معنایی تبدیل شود، اما آنقدر فعال است که ترکیب را محکم نگه دارد.

در نقاشی دو نقطه مستطیلی تیره وجود دارد که عمود بر یکدیگر قرار گرفته اند: این یک تکه پارچه آویزان بر روی دیوار و سطح میز است. با ترکیب رنگ، "پراکندگی" اشیاء را مهار می کنند. همان جلوه بازدارنده و متحد کننده توسط دو نوار افقی در کنار قفسه و میز ایجاد می شود.

اگر طبیعت بی جان سزان و ماشکوف را با هم مقایسه کنید، این تصور را به دست می آورید که با استفاده از دستاوردهای رنگی سزان بزرگ، ایلیا ماشکوف نیز به رنگ گرایی باشکوه هدا "تک رنگ" روی می آورد. البته این فقط یک تصور است. هنرمند بزرگی مانند ماشکف کاملاً مستقل است، دستاوردهای او به طور طبیعی از طبیعت هنری او رشد کرده است.

2.2. ترکیب منظره

یک قانون سنتی در مناظر وجود دارد: آسمان و منظره باید از نظر جرم ترکیبی نابرابر باشند. اگر هنرمندی هدف خود را نشان دادن فضا، فضای بی‌کران قرار دهد، بیشتر تصویر را به آسمان می‌دهد و توجه اصلی را به آن می‌دهد. اگر وظیفه اصلی هنرمند انتقال جزئیات منظره باشد، معمولاً مرز چشم انداز و آسمان در تصویر به طور قابل توجهی بالاتر از مرکز نوری ترکیب قرار دارد. اگر مرز در وسط قرار گیرد، تصویر به دو قسمت تقسیم می شود و به همان اندازه ادعای تسلط دارد - اصل تبعیت از ثانویه به اصلی نقض می شود. این اظهار نظر کلی به خوبی توسط کار P. Bruegel نشان داده شده است.

2.2.1. پیتر بروگل بزرگ. سقوط ایکاروس حدود 1560

ترکیب منظره پیچیده و در عین حال بسیار طبیعی است، در نگاه اول تا حدودی جزئیات آن کاهش می یابد، اما پس از تجزیه و تحلیل دقیق، بسیار دقیق طراحی شده است. پارادوکس پیتر بروگل در جابجایی مرکز معنایی تصویر (ایکاروس) به پیرامون و شخصیت ثانویه (شخم زن) به مرکز ترکیب بندی ظاهر شد. ریتم رنگ های تیره تصادفی به نظر می رسد: بیشه در سمت چپ، سر شخم زن، درختان در لبه آب، بدنه کشتی. با این حال، دقیقاً این ریتم است که به چشم بیننده اجازه نمی دهد تصویر را در امتداد نوار مورب تیره در امتداد لبه تاریک قسمت مرتفع ساحل ترک کند. ریتم دیگری با زنگ های گرم مناطق نور بوم و همچنین با تقسیم واضح فضای چشم انداز به سه صفحه ساخته می شود: ساحل، دریا، آسمان.

با جزئیات زیاد، ترکیب با یک تکنیک کلاسیک پشتیبانی می شود - لهجه رنگی که توسط پیراهن قرمز شخم زن ایجاد شده است. بدون اینکه وارد شوم توصیف همراه با جزئیاتجزئیات تصویر، نمی توان سادگی درخشان بیان معنای عمیق کار را تحسین کرد: جهان متوجه سقوط ایکاروس نشد.

2.2.2. فرانچسکو گواردی ایزولا دی سان جورجیو در ونیز. دهه 1770

از نظر رنگ، این یکی از باشکوه ترین نقاشی ها در کل تاریخ نقاشی است، اما کمال تصویری بدون یک ترکیب بندی زیبا که مطابق با تمام قوانین کلاسیک باشد، به دست نمی آمد. تعادل مطلق با عدم تقارن، عظمت حماسی با ریتم پویا، نسبت دقیق توده های رنگی، گرمای جادویی و سردی هوا و دریا - این کار یک استاد بزرگ است.

تجزیه و تحلیل نشان می دهد که ریتم در ترکیب به دو صورت عمودی، افقی و مورب ساخته شده است. ریتم عمودی را برج ها، ستون ها و تقسیم دیوارهای کاخ مطابق با دکل های قایق ها تشکیل می دهند. ریتم افقی با قرار گرفتن قایق ها در امتداد دو خط افقی خیالی، پای قصر و خطوط پشت بام ها در محل اتصال آنها به دیوارها تعیین می شود. ریتم مورب بالای برج ها، گنبد، مجسمه های بالای رواق، پرسپکتیو دیوار سمت راست، قایق ها در سمت راست تصویر بسیار جالب است. برای متعادل کردن ترکیب، یک ریتم مورب جایگزین از قایق سمت چپ به گنبد مرکزی کاخ و همچنین از تله کابین نزدیک به بالای دکل ها در سمت راست معرفی شده است.

رنگ داغ دیوارهای کاخ و طلایی پرتوهای خورشید در نماهای رو به روی بیننده به طور هماهنگ و قدرتمند ساختمان را در برابر پس زمینه رنگ غنی کلی دریا و آسمان برجسته می کند. هیچ مرزی بین دریا و آسمان وجود ندارد - این امر به کل چشم انداز هوا می بخشد. انعکاس قصر در آب های آرام خلیج تعمیم یافته و کاملاً خالی از جزئیات است که به چهره های پاروزنان و ملوانان اجازه می دهد گم نشوند.

2.2.3. جی نیسکی. منطقه مسکو. فوریه. 1957

نیسکی آثار خود را به صورت تصنیف های ناب خلق کرد؛ او آنها را مستقیماً از زندگی ننوشت، و همچنین طرح های اولیه زیادی را ساخت. او مناظر را حفظ کرد، آنها را بیشتر در آگاهی خود جذب کرد ویژگی های شخصیتیو جزئیات، حتی قبل از شروع کار در آسانسور، یک انتخاب ذهنی انجام داد.

نمونه ای از چنین ترکیب تصفیه شده "Podmoskovye" است. محل بودن توده های رنگی، جدایی واضح سایه های سرد طولانی و سفیدی مایل به صورتی برف، شبح های کاملاً مدرج درختان صنوبر در میانه زمین و جنگل دوردست، قطار باری که در اطراف یک پیچ می چرخد، مانند یک بزرگراه بتنی. کشیده شده در امتداد یک خط کش - همه اینها احساس مدرنیته ایجاد می کند ، در پشت این می توان عصر صنعتی را دید ، اگرچه غزلیات منظره زمستانی با برف ناب ، سکوت صبحگاهی ، آسمان بلند به ما اجازه نمی دهد تصویر را به عنوان یک اثر طبقه بندی کنیم. از هنر موضوع تولید:

از نکات قابل توجه، روابط رنگ در پس‌زمینه است. به عنوان یک قاعده، فاصله ها با لحنی سردتر از پیش زمینه نوشته می شود، در حالی که در Nyssa جنگل دور در حفظ می شود. رنگهای گرم. هل دادن یک شی به اعماق تصویر با چنین رنگی دشوار به نظر می رسد، اما اگر به رنگ صورتی مایل به نارنجی آسمان توجه کنید، هنرمند باید قاعده کلی ساخت فضا را زیر پا می گذارد تا جنگل در برابر پس‌زمینه‌ی آسمان به‌شدت خودنمایی نمی‌کرد، بلکه با آن ترکیب می‌شد. استاد چهره اسکی باز را با ژاکت قرمز در پس زمینه قرار داد. این نقطه روشن، در یک منطقه بسیار کوچک، به طور فعال ترکیب را نگه می دارد و به آن عمق فضایی می بخشد. تقسيم توده هاي افقي كه به سمت چپ تصوير همگرا مي شوند و در كنار هم قرار گرفتن با عمودهاي درختان صنوبر به اثر درام تركيبي مي دهد.

2.3. ترکیب پرتره

هنرمندان از یک پرتره به عنوان یک اثر تعبیر می کنند. برخی فقط به شخص توجه می کنند، بدون اینکه جزئیاتی از موقعیت اطراف ارائه کنند، روی پس زمینه ای خنثی نقاشی می کنند، برخی دیگر محیط اطراف را وارد پرتره می کنند و آن را به عنوان یک نقاشی در نظر می گیرند. ترکیب در تفسیر دوم، به عنوان یک قاعده، پیچیده تر است؛ از ابزارها و تکنیک های رسمی بسیاری استفاده می کند که قبلا ذکر شد، اما حتی در یک تصویر ساده در یک پس زمینه خنثی، وظایف ترکیبی از اهمیت تعیین کننده ای برخوردار است.

آنگیشولا سوفونیسبا. سلف پرتره

2.3.1. تینتورگتو. پرتره یک مرد. 1548

هنرمند تمام توجه خود را معطوف به انتقال بیان پر جنب و جوش چهره دارد. در واقع چیزی جز سر در پرتره به تصویر نمی‌کشد؛ لباس‌ها و پس‌زمینه آن‌قدر با هم تفاوت چندانی ندارند که چهره نورانی تنها نقطه روشن اثر است. در این شرایط، مقیاس و تعادل ترکیب اهمیت ویژه ای پیدا می کند. این هنرمند با دقت ابعاد قاب را با طرح کلی تصویر اندازه گیری کرد، مکان صورت را با دقت کلاسیک تعیین کرد و در یکپارچگی رنگ، نیم تنه ها و سایه ها را با رنگ های داغ حجاری کرد. ترکیب ساده و کامل است.

2.3.2. رافائل پرتره یک مرد جوان (پیترو بمبو). حدود 1505

در سنت رنسانس عالی، پرتره ها در پس زمینه چشم انداز ایتالیایی ایجاد شدند. در برابر پس زمینه است و نه در محیط طبیعت. کنوانسیون خاصی از نور، حفظ مقیاس شکل در رابطه با قاب، که در پرتره‌های بدون محیط ایجاد شده است، به استاد اجازه می‌دهد تا فردی را که به تصویر کشیده می‌شود بسیار نزدیک، با تمام جزئیات مشخصه نشان دهد. این "پرتره مرد جوان" رافائل است.

شکل بلند سینه یک مرد جوان به صورت ترکیبی بر روی ریتم چند جفت رنگ ساخته شده است: اول، یک کلاه قرمز و قسمت قابل مشاهده یک پیراهن قرمز وجود دارد. ثانیاً، در سمت راست و چپ یک جفت لکه های تیره وجود دارد که از موهای جاری و یک شنل تشکیل شده است. ثالثاً اینها دست ها و دو تکه از آستین چپ هستند. چهارم، این یک نوار یقه توری سفید و یک نوار کاغذ تا شده در دست راست. صورت و گردن که یک نقطه گرم مشترک را تشکیل می دهند، کانون رسمی و معنایی ترکیب هستند. چشم انداز پشت مرد جوان با رنگ های سردتر طراحی شده و طیف زیبایی را در زمینه رنگ کلی ایجاد می کند. منظره شامل جزئیات روزمره نیست؛ متروک و آرام است که بر حماسی بودن اثر تأکید می کند.

یک جزئیات در پرتره وجود دارد که قرن ها برای هنرمندان تبدیل به یک رمز و راز شده است: اگر یک طراح دقیق خط شانه و گردن را تا سر (در سمت راست) ردیابی کند، در آن صورت گردن از نظر حرفه ای مشخص می شود. کاملاً بی ربط به جرم سر. چنین متخصص عالی آناتومی مانند رافائل نمی توانست چنین اشتباه ساده ای مرتکب شود. سالوادور دالی تابلویی دارد که آن را «خود پرتره با گردن رافائل» نامیده است. در واقع، شکل گردن پرتره رافائل حاوی نوعی جذابیت پلاستیکی غیرقابل توضیح است.

2.3.3. K. Korovin. پرتره F.I. شالیاپین. 1911

بسیاری از این آثار برای بیننده ای که به نقاشی کلاسیک می پردازد غیرمعمول است. خود قالب قبلاً غیرمعمول است ، تکرار ترکیبی شکل خواننده ، طرح کلی میز و شاتر غیر معمول است و در نهایت ، مجسمه سازی زیبا از فرم ها بدون طراحی دقیق غیرمعمول است.

ریتم توده های رنگی از گوشه پایین سمت راست (تن داغ دیوار و کف) تا گوشه بالا سمت چپ (سبزی بیرون پنجره) سه مرحله طول می کشد و در جهت سرد تغییر می کند. برای متعادل کردن ترکیب و حفظ یکپارچگی رنگ، فلش های رنگ های گرم در منطقه سرد و بر این اساس، رنگ های سرد در منطقه گرم معرفی شدند.

هنرمند در جزئیات از ریتم رنگ دیگری استفاده می کند: لهجه های داغ در سراسر سطح تصویر (کفش - کمربند - شیشه - دست) چشمک می زنند.

مقیاس شکل در رابطه با قاب به ما اجازه می دهد تا محیط اطراف را نه به عنوان پس زمینه، بلکه به عنوان یک قهرمان تمام عیار تصویر در نظر بگیریم. احساس هوایی که در آن مرزهای اشیاء حل می شود، نور و رفلکس ها توهم بداهه پردازی آزاد را بدون ترکیب بندی عمدی ایجاد می کنند، اما پرتره همه نشانه های یک ترکیب بندی رسمی را دارد. استاد یک استاد است.

2.4. ترکیب تصویر داستان 2.4.1. رافائل سیستین مدونا. 1513

این نقاشی شاید مشهورترین نقاشی در جهان باشد که از نظر محبوبیت تنها با La Gioconda اثر لئوناردو داوینچی رقابت می کند. تصویر مادر خدا، روشن و پاک، زیبایی چهره های الهام گرفته شده، در دسترس بودن و سادگی ایده کار به طور هماهنگ با ترکیب واضح تصویر ادغام می شود.

این هنرمند از تقارن محوری به عنوان وسیله ای ترکیبی استفاده کرد و بدین ترتیب کمال اولیه و آرامش متوازن روح مسیحی را نشان داد و به پیروزی نهایی خیر اعتقاد داشت. تقارن به عنوان وسیله ای برای ترکیب به معنای واقعی کلمه در همه چیز مورد تاکید قرار می گیرد: در چیدمان فیگورها و پرده ها، در چرخش چهره ها، در تعادل توده های خود فیگورها نسبت به محورهای عمودی، در فراخوانی از زنگ های گرم.

بیایید شکل مرکزی را در نظر بگیریم. نوزادی که در آغوش مدونا است سمت چپ را از نظر ترکیبی سنگین‌تر می‌کند، اما رافائل شکل را با شبح دقیقاً محاسبه‌شده شنل متعادل می‌کند. شکل دختر سمت راست از نظر جرم تا حدودی کوچکتر از شکل سیکستوس در سمت چپ است، اما اشباع رنگ شکل سمت راست فعال تر است. از نقطه نظر تقارن توده ها، می توانید به چینش صورت های مدونا و مسیح کودک و سپس به چینش چهره فرشتگان در پایین تصویر نگاه کنید. این دو جفت صورت در پادفاز هستند.

اگر تصاویر چهره تمام چهره های اصلی تصویر را با خطوط به هم وصل کنید، یک لوزی منظم تشکیل می شود. پای تکیه گاه مدونا در محور تقارن تصویر قرار دارد. این طرح ترکیبی کار رافائل را کاملاً متعادل می کند و چیدمان فیگورها و اشیاء به صورت بیضی در اطراف مرکز نوری یکپارچگی ترکیب را حتی با برخی از عدم اتحاد اجزای آن حفظ می کند.

2.4.2. A.E. Arkhipov. در کنار رودخانه اوکا. 1890

ترکیب، باز و پویا حتی با فیگورهای ثابت، در امتداد مورب معکوس ساخته شده است: از راست به بالا به چپ. بخشی از قایق بلند رو به بیننده است، در زیر لبه پایین تصویر - این احساس حضور ما را مستقیماً در بین کسانی که روی قایق بلند نشسته اند ایجاد می کند. برای انتقال نور خورشید و یک روز روشن تابستانی، هنرمند از تضاد بین رنگ نور کلی و لهجه های سایه در فیگورها به عنوان وسیله ای برای ترکیب بندی استفاده می کند. پرسپکتیو خطی مستلزم کاهش ارقام روی کمان قایق دراز بود، اما پرسپکتیو هوایی (به خاطر توهم دوری ساحل) از وضوح چهره های روی کمان در مقایسه با ارقام نزدیک، یعنی در آنجا کم نکرد. عملاً چشم انداز هوایی در داخل قایق طولانی وجود ندارد. تعادل ترکیب با موقعیت نسبی بیضی ترکیبی تیره عمومی در سمت چپ وسط و نقطه تاریک فعال در سمت راست (بخش های سایه دو شکل و ظروف) تضمین می شود. علاوه بر این، اگر به دکل دقت کنید، در امتداد محور تصویر قرار گرفته است و در سمت راست و چپ در فاصله، لهجه های رنگ روشن متقارن وجود دارد.

2.4.3. N. Eryshev. تغییر دادن. 1975

ترکیب بندی بر اساس ریتم عمودی ها ساخته شده است. ساختمان های صنعتی (به هر حال، بسیار معمولی)، یک درخت، چهره های انسانی - همه چیز به طور مشخص به سمت بالا کشیده شده است، فقط در قسمت پایین تصویر چندین خط افقی وجود دارد که توسط صفحات بتنی، لوله ها و افق تشکیل شده است. نقطه کانونی این ترکیب گروهی از گردشگران نوجوان است که تقریباً به طور متقارن در دو طرف سرکارگر کار قرار دارند. تاسیسات پالایشگاه نفت به همراه پیراهن سفید این دو نوجوان مستطیل عمودی را تشکیل می دهند. نویسنده گویی این مستطیل را محدود می کند، دو مرد جوان را با لباس های تراس رنگ قرار داده است. تقارن عجیبی با قرار دادن شکل استاد بر روی یک محور عمودی و کنار هم قرار دادن یک درخت صاف ایستاده با ساختار لوله‌ای شکل در سمت راست ایجاد می‌شود.

هم ترازی مستقیم، مرسوم بودن عمدی موقعیت، ماهیت ایستا و واضح در نظر گرفته شده چهره ها را می توان نکات بحث برانگیز در ارائه واقعی زندگی در نظر گرفت، اما این اثر دارای ویژگی های یک جهت طراحی تاریخی است، جایی که همه اینها ارگانیک، منطقی و منطقی است. لازم است. از نقطه نظر ترکیب، در اینجا از ابزارهای واضح و به طور رسمی بی عیب و نقص استفاده می شود، از گروه بندی گرفته تا درجه بندی ها و تقسیم بندی های ریتمیک.

قسمت چهارم

ترکیب و هنر

اکنون زمان آن فرا رسیده است که از آن کیفیت های اثر که در واقع حامل ارزش های زیبایی شناختی، پری معنوی و سرزندگی تصاویر هنری هستند صحبت کنیم. این یک موضوع ظریف است، در اینجا چیزهای زیادی وجود دارد که گریزان است، در انرژی معنوی هنرمند، فردیت و نگرش او به جهان دخیل است. نقش ترکیب به سواد، توانایی بیان آنچه برنامه ریزی شده به زبان زیبایی و هماهنگی، به توانایی ساختن یک فرم خوب و قوی می رسد.

1. تعمیم و نوع

در سنت های تمرین هنری کلاسیک، مرسوم است که از انباشته شدن حوادثی که یکپارچگی تصویر، قطعیت نمادین آن را از بین می برد، اجتناب شود. طرح به عنوان وسیله ای برای جمع آوری مطالب واقعی، به عنوان هوشمندی در اردوگاه واقعیت عینی، به خودی خود حاوی گزارش بیش از حد، بی واسطه بودن و گاه پرحرفی است. نویسنده با انتخاب شاخص ترین ویژگی های اثر تمام شده، تعمیم ها و تغییر تأکید، به بیشترین شباهت با ایده هنری خود دست می یابد. در نتیجه تعمیم و انتخاب، یک تصویر معمولی متولد می شود، نه منزوی، نه تصادفی، بلکه عمیق ترین، کلی ترین، واقعی را جذب می کند.

به این ترتیب، یک نوع قهرمان یا منظره متولد می شود، مانند شماس اولیه در پرتره I. Repin یا منظره کاملاً روسی در نقاشی های I. Levitan.

انواع تحلیل تاریخی هنر و احتمالات
درخواست آنها در دروس MHC
نیاز به نوآوری های روش شناختی و آشنایی دانشجویان با دانش نظری مدرن در زمینه تاریخ هنر به دلایلی بسیار ضروری است. یکنواختی ایدئولوژیک ارزیابی پدیده های فرهنگی و هنری به گذشته تبدیل شده است و در ارتباط با این موضوع، نیاز به جهت گیری دقیق به هنر رئالیسم انتقادی و سوسیالیستی از بین رفته است. علاوه بر این، رسانه‌های مدرن، اینترنت و تولید انبوه مؤسسات انتشاراتی کتاب اهمیت زیادی در پخش و تکثیر هنر پیدا کرده‌اند.
واقعیت های فرهنگ مدرن نیز تغییر کرده است. اخیراً محیط زندگی، چیزی کمتر از یک اثر هنری، به شکلی از وجود برای هنر تبدیل شده است. ارتباط با هنر از نهادهای تخصصی به حوزه زندگی روزمره در حال حرکت است. همچنین یک فرآیند متقابل وجود دارد - ورود هنر به زندگی. در نتیجه، مفهوم "فرهنگ هنری" در حال گسترش است، نه تنها پدیده های فرهنگ عالی، بلکه حقایق فرهنگ روزمره را نیز در بر می گیرد که مشکلات فرهنگ توده، جایگاه و نقش آن در زندگی جامعه را نیز شامل می شود. از نزدیک در هم تنیده شده است.
در این زمینه معلم موقعیت خود را به عنوان مرجع انحصاری ارزشیابی و منبع اصلی اطلاعات در مورد هنر از دست می دهد. اما در عین حال، وضعیت یک ناوبر را به دست می آورد که نشان دهنده دستورالعمل های اصلی برای توسعه و فعالیت های دانش آموزان است.
D. S. Likhachev نوشت: "هنر زندگی انسان را روشن می کند و در عین حال تقدیس می کند. اما درک آثار هنری چندان آسان نیست. شما باید این را یاد بگیرید - برای مدت طولانی، تمام زندگی خود را یاد بگیرید ... همیشه برای درک آثار هنری باید شرایط خلاقیت، اهداف خلاقیت، شخصیت هنرمند و دوران را بشناسید. . بیننده، شنونده، خواننده باید مسلح به دانش، اطلاعات باشد... و من به ویژه می خواهم بر اهمیت جزئیات تأکید کنم. گاهی اوقات چیزهای کوچک به ما اجازه می دهند تا به چیز اصلی نفوذ کنیم. چقدر مهم است که بدانیم چرا این یا آن چیز نوشته یا ترسیم شده است!»
بنابراین، هنگام تجزیه و تحلیل اثر هنریشما فقط با یک مقاله نمی توانید به نتیجه برسید دید خودشیء هنری با این پیشینه، استفاده از روش های تحلیل تاریخی هنر در آموزش تاریخ هنر موضوعیت پیدا می کند.
انواع اصلی تحلیل تاریخی هنر مورد استفاده در دروس MHC می تواند تطبیقی ​​تاریخی، شمایل نگاری رسمی، ساختاری باشد.
1. تحلیل تطبیقی ​​تاریخی
این یکی از موثرترین انواع تحلیل است. از یک سو، بر اساس مقایسه - ساده ترین عملیات شناختی برای شناسایی شباهت ها و تفاوت های اشیاء، و از سوی دیگر، بر اصول تاریخ گرایی استوار است، که بر اساس آن واقعیت از منظر تغییر مداوم نگریسته می شود. زمان.
ساده ترین نوع روابطی که در نتیجه مقایسه به وجود می آید - روابط هویتی (برابری) و تفاوت ها - برای هر شیء قابل مشاهده و تصور قابل استفاده است. در نتیجه، عملیات مقایسه به خودی خود امکان ارائه جهان را به عنوان یک تنوع منسجم فراهم می کند. این عملیات اولیه و نتایج حاصل از کاربرد آن برای درک فرهنگ هنری به عنوان یک کل بسیار مهم است.
در هر پدیده فرهنگی باید هم منحصر به فرد بودن و ویژگی های آن و هم اشتراک آن با کل فرهنگ را دید. مقایسه یک عملیات پویا است. در ابتدا نوعی مخالفت را پیش‌فرض می‌گیرد.
برای درک فرهنگ خود، باید طوری به آن نگاه کنید که گویی از بیرون به آن نگاه کنید.
مقایسه، بر خلاف توصیف، تقابل دو شی را پیش‌فرض می‌گیرد، که از نظر خلاقیت بیشتر تولید می‌کند. هر چه از نظر زمان، سبک، دورتر باشد، وسیله بیانیبا زبان هنری، آثاری که برای مقایسه در اختیار دانش‌آموزان قرار می‌گیرد، مقایسه آسان‌تر و نتایج آن بدیع‌تر و غیرمنتظره‌تر می‌شود. در عین حال، حداقل در یک پارامتر، آثار باید چیزی مشترک داشته باشند - این می تواند یک ژانر مشترک (پرتره، منظره، طبیعت بی جان)، گونه شناسی فرم ها (هرم مصر باستان و آمریکای باستان)، یک هدف مشترک و عملکرد (یک معبد در فرهنگ های مختلف، یک سنگ قبر یادبود)، طرح، ثابت های نمادین، قالب (عمودی، افقی، روندو) و غیره.
تفاوت پتانسیل به ویژه در مراحل اول آشنایی دانش آموزان با مشکلات MHC قابل توجه است، زمانی که آنها هنوز از مشکلات خاص موضوع آگاه نیستند. دانش آموزان تجربه کافی برای مقایسه چیزهایی که از نظر سبک مشابه هستند را ندارند. بنابراین، مقایسه پرتره های کرامسکوی و پروف بعید است موثر باشد. گرفتن پرتره از افراد ناشناخته برای دانش آموزان و تنها پس از تکمیل تجزیه و تحلیل برای معرفی آنها با سرنوشت آنها مفیدتر است و در نتیجه شرایطی برای تأمل بیشتر توسط دانش آموزان در مورد کیفیت تجزیه و تحلیل آنها و توانایی قضاوت در مورد شخص در جنبه نمادین ایجاد می شود. میدان یک سیستم نشانه متفاوت
تکنیک‌های تحلیل تاریخی تطبیقی ​​نیز می‌تواند برای ایجاد و ثبت تصویر احساسی خود دانش‌آموزان از یک اثر هنری، عصر، سبک استفاده شود. بنابراین، مقایسه معماری معبد نووگورود و ولادیمیر-سوزدال به ما امکان می دهد تا ویژگی های تفاوت، ویژگی ها، اشتراکات را جدا کنیم و در نتیجه تصویری از یک و معماری دیگر ایجاد کنیم و عاطفی خاصی را ایجاد کنیم. کد در کودک
اشکال اصلی روش تاریخی تطبیقی ​​عبارتند از:
- تجزیه و تحلیل مقایسه ای؛
- مقایسه تاریخی-تیپولوژیکی و تاریخی- ژنتیکی.
- شناسایی شباهت ها بر اساس تأثیر متقابل.
تجزیه و تحلیل مقایسه ای و مقایسه ای شامل مقایسه اشیاء غیر مشابه است. این می تواند یک مقایسه باشد:
- مناطق بزرگ فرهنگی (شرق-غرب)؛
- مناطق فرهنگی (روسیه - اروپای غربی)؛
- فرهنگ های ناهمگون صحنه (فرهنگ فولکلور سنتی و فرهنگ ادیان جهانی از نوع "بت پرستی - مسیحیت").
- سبک ها (رنسانس-باروک، باروک-کلاسیک و غیره)؛
- انواع مختلف هنر و قابلیت های بیانی آنها.
این نوع مقایسه با هدف شناسایی مشکلات بزرگ و عمیق انجام می شود.
هدف مقایسه تاریخی-گونه‌شناختی شناسایی مشترک بودن پدیده‌هایی است که در منشأ نامرتبط هستند. به عنوان مثال، فرهنگ های مصر باستان، بین النهرین و آمریکای مرکزی از نظر ژنتیکی به هم مرتبط نیستند و شباهت های آنها به دلیل تعلق گونه شناختی آنها به یک تمدن مشخص می شود. دنیای باستان.
در یک مقایسه تاریخی-گونه‌شناختی، دو فرآیند مکمل مهم هستند: تجزیه و تحلیل با هدف شناسایی تفاوت‌ها و سنتز با هدف شناخت اشتراک.
ویژگی های مشترک فرهنگ های جهان باستان عبارتند از:
- شخصیت جادویی آنها؛
- سلسله مراتب، متعارف بودن و سنت گرایی؛
- غلبه اشکال تریومورفیک و زئومورفیک در اساطیر.
- تسلط جمع بر فرد.
در معماری، اشکال طبیعی بازتولید می شود و اصول فیگوراتیویته حاکم است (هرم - کوه، ستون - درخت، پناهگاه - غار، کاخ - هزارتوهای غار).
تصویر کوه جهان الگوی اساسی کلی جهان (زیگورات، هرم، استوپا) است و کهن الگوی درخت جهانی اساس سازماندهی نمادین فضا است.
هدف مقایسه تاریخی-ژنتیکی شناسایی شباهت‌های ناشی از نسب مشترک است. در فعالیت های آموزشی، این روش در ارتباط با تغییر اساسی در مبانی هنری فرهنگ روسیه در دو نقطه عطف در تاریخ آن مرتبط است.
پذیرش مسیحیت منجر به گذار به قوانین بیزانسی شد و اصلاحات پیتر منجر به نوعی جهش از چندین مرحله و درک زبان رسمی هنر اروپای غربی در دوران مدرن به عنوان یک واقعیت سیستمی از قبل تثبیت شده شد.
مقایسه معماری باستانی روسیه با مکاتب معماری مشابه ارمنستان، گرجستان و بلغارستان قرون وسطی می تواند به نتیجه گیری های جالب و غنی سازی ادراک زیبایی شناسی منجر شود. مدل اصلی آنها نوع معبد گنبدی متقاطع است که در بیزانس ایجاد شده است. کلیساهای گنبدی متقاطع با استفاده از تکنیکی که در ایران به کار می‌رفت و گنبد را بر بخش‌هایی از دیوارهای داخلی قرار می‌دادند، شکل گرفتند. این اصل ساخت حجمی-فضایی ساختمان، آشنا برای معماران آسیای غربی، به عنوان پایه ای برای توسعه طرح ترکیبی ساختمان های اولین کلیساهای مسیحی عمل کرد.
در 1017-1037 در زمان یاروسلاو حکیم، کلیسای جامع سنت سوفیا در کیف ساخته شد. هیچ مشابه مستقیمی برای این سازه در بیزانس وجود نداشت، اگرچه هسته کلیسای جامع بر اساس طرح گنبدی متقاطع شکل گرفته بود.
از نقطه نظر روش شناختی، مقایسه معماری قدیمی روسیه با سایر نمونه های ملی، درک اصالت آن را تشدید می کند، که در آموزش سنتی سری داخلی مدارس منطقه ای - ولادیمیر-سوزدال، نوگورود و غیره اتفاق نمی افتد. ویژگی های مدارس به دانش آموزان احساس یکنواختی معماری قدیمی روسیه را می دهد. مشکلات مربوط به ویژگی های ملی فرهنگ هنری داخلی، دستاوردهای هنری اصلی آن باعث افزایش علاقه در بین دانش آموزان مدرسه می شود. در مقابل، آسان تر است که جوهر پاسخ به این سوال را به آنها منتقل کنیم: "اجداد ما دقیقا چه چیزی را خلق کردند؟"
تأثیر متقابل در فرهنگ نوع دیگری است تحلیل مقایسه ای، با هدف شناسایی ارگانیک بودن جذب وام های خارجی و اصالت تفسیر. هنگام بحث در مورد این موضوعات، پربارترین مفهوم مفهوم Y. Lotman است که معتقد بود «مردمی که فرهنگ توسعه یافته خود را دارد، اصالت خود را از تلاقی با فرهنگ های بیگانه از دست نمی دهد، بلکه برعکس، خود را غنی تر می کند. هویت. هویت نه با شناخت دیگران، بلکه با ثروت خود فرد به دست می آید. سپس بیگانه در واقع دیگر بیگانه نیست.»
2.تحلیل رسمی
اولین گام در بررسی ویژگی های زبان انواع مختلف هنرهای زیبا توسط مکتب به اصطلاح رسمی نقد هنری برداشته شد. دستاوردهای او برای آموزش MHC بسیار مرتبط است. اولاً، تجزیه و تحلیل مبتنی بر اصول اساسی مکتب رسمی اولین گام در درک مقاصد نویسنده و وظایف خاص آن دوران است که در یک اثر هنری رمزگذاری شده است. ثانیاً، با کمک مقوله‌های تحلیل رسمی، درک زبان استعاری هنرهای تجسمی و همچنین بررسی واکنش‌ها و ارزیابی‌های خود به خودی دانش‌آموزان امکان‌پذیر می‌شود.
سیستم تجزیه و تحلیل رسمی آثار معماری، مجسمه سازی و نقاشی شامل پارامترهایی مانند مواد، قالب، اندازه، تناسبات، بافت، نور، رنگ، سازمان ریتمیک و ترکیبی، طراحی، تعامل با محیط خارجی، نسبت داخلی و خارجی است. ساختار و فضا، دستورالعمل های موقت برای ادراک و زندگی.
پارامترهای فوق تحلیل رسمی در متن استانداردهای نسل جدید در هنرهای زیبا برای دبیرستان. اما، متأسفانه، اغلب ما، به عنوان معلم، فراموش می کنیم که به دانش آموزان روش شناسی تجزیه و تحلیل را آموزش دهیم، و آن را با شرح مقاله ای از یک اثر هنری یا توصیف احساسات در مورد آن جایگزین می کنیم. حداقل یک بار، دانش آموزان باید به طور مستقل یک اثر معماری، مجسمه سازی و نقاشی را در مختصات داده شده تجزیه و تحلیل کنند. در غیر این صورت نمی توان از آموزش مبتنی بر فعالیت، مسئله محور یا تمرین محور صحبت کرد.
مجموعه پارامترها برای هر نوع هنر با توجه به ویژگی های آن کمی متفاوت است.
تحلیل معماری
با توجه به ماهیت انتزاعی (هیچ گونه قیاسی در طبیعت) معماری که وظیفه اصلی آن سازماندهی فضا است، نکات اصلی تحلیل آن باید عبارتند از:
- هدف و عملکرد ساختار؛
- ابعاد مطلق و رابطه با محیط.
- مواد انتخاب شده برای ساخت و ساز و ویژگی های تفسیر مجازی آن؛
- طرح؛
- سازماندهی کلی فضا و توده ها (چه چیزی غالب است: اول یا دوم و چرا؟)؛
- طراحی و ایده های موجود در آن؛
- مقیاس ساختمان (همبستگی با اندازه یک فرد، با محیط)؛
- نسبت ها (رابطه بین اجزای ساختمان و رابطه آنها با کل)؛
- ریتم (فضا و توده ها، سلول های فضایی مختلف، تقسیم سازه ها، دهانه ها و غیره)؛
- سازماندهی نور و سایه نماها و فضای داخلی؛
- نقش رنگ و صدا؛
- رابطه با مجسمه سازی و نقاشی یادبود؛
- سازماندهی موقت درک یک ساختار و زندگی در آن جریان دارد.
تجزیه و تحلیل معماری همچنین به تجربه شخصی کار یا مقدار بسیار زیادی از مواد بصری نیاز دارد - پلان ها، مقاطع، عکس های منظره، عکس های نما از چندین نقطه نظر، عکس های داخلی و غیره.
تحلیل نقاشی
هنگام تجزیه و تحلیل نقاشی، باید در نظر داشت که از یک سو، نه با انتزاعات، بلکه با تصاویر قابل تشخیص از واقعیت عمل می کند، اما از سوی دیگر، یک تصویر تصویری یک تصویر توهمی است (یعنی نه کمتر انتزاعی). تصویر در یک صفحه دو بعدی، تفسیر خاصی از واقعیت، تصویر تغییر یافته آن.
اغلب، شناخت واقعیت ها و طرح داستان، تصور نادرستی از دسترسی آسان به رمزگشایی پیام نویسنده ایجاد می کند. این باید در هنگام تجزیه و تحلیل در نظر گرفته شود. تحلیل رسمی که در مورد یک اثر هنری اعمال می شود باید اساساً با بازگویی ابتدایی طرح که در کلاس اول تدریس می شود متفاوت باشد.
بهتر است تجزیه و تحلیل را با تصمیم گیری در مورد نوع تصویر تصویری شروع کنیم: آن چیست - نقاشی دیواری یا نقاشی سه پایه؟ در مرحله بعد، ما باید روی کارکردهای تصویری و بیانی-تزیینی تصویر تصویری بمانیم که با طراحی یک صفحه دو بعدی - سطح نقاشی مرتبط است.
ابعاد، فرمت (افقی، دایره عمودی و گزینه‌های دیگر) و کادر (قاب به عنوان یک شی سه‌بعدی) پارامترهای آستانه رابطه بین تصاویر وهمی و واقعی را تعیین می‌کنند.
مقوله‌های استعاری و نمادین مهم اغلب با پایه‌ای که تصویر بر روی آن اعمال می‌شود (سنگ، چوب، گچ، شیشه) و با تکنیکی که در آن نقاشی انجام شده است (فرسکو، تمپر، موزاییک، روغن، پاستل و غیره) مرتبط است. . مشکلات بافت نه تنها مشکلات طراحی سطح، بلکه مشکلات تفسیر داخلی تصویر هستند.
سوالات زیر با سازماندهی فضایی (فضای مسطح یا توهم) مرتبط است:
- تفسیر خط، شبح، حجم های پلاستیکی، نور و سایه؛
- انتخاب نقطه نظر، خط افق؛
- سازماندهی سمت راست و چپ تصویر (ورودی ها و ورودی های اصلی از فضای تصویری)؛
- ساختار ریتمیک و ترکیب به عنوان یک کل.
تجزیه و تحلیل مجسمه
ویژگی مجسمه سازی واقعیت و مادی بودن آن، حجم سه بعدی و تمرکز بر تأثیر و تجربه لمسی است. موضوع اصلیمجسمه سازی چهره انسان است و زبان آن زبان است بدن انسانو حالات چهره
می توان گفت که این یکی از انسان نماترین اشکال هنر است. اما مجسمه ساز کورکورانه شکل انسان را در اشکال واقعی آن تکرار نمی کند، بلکه یک واقعیت ایده آل خاص را ایجاد می کند، یک شکل ایده آل که در آن ایده ها به شکل لخته هایی از انرژی پلاستیکی تجسم می یابند. تمرکز انحصاری بر شخص، از یک سو، تعداد پارامترهای تجزیه و تحلیل را بسیار محدود می کند، و از سوی دیگر، نیاز به تفسیر بسیار عمیق از هر مورد دارد.
با تصمیم گیری در مورد نوع مجسمه (مجسمه یادبود یا مجسمه کوچک، پیکره آزاد، گروه مجسمه یا نقش برجسته)، لازم است ابعاد و روابط آن با فضای اطراف، معماری و مقیاس انسانی به وضوح ثبت شود تا نقاط مربوط به آن مشخص شود. نمای برنامه ریزی شده توسط نویسنده
انتخاب متریال (سنگ، برنز، چوب، سرامیک و سایر مصالح مدرن) در مجسمه سازی بسیار مهم است و یکی از مواضع اصلی ایدئولوژیک نویسنده را به ما نشان می دهد. روش پردازش (پلاستیک یا مجسمه سازی)، امکان استعاره های برش و رنگ، سازماندهی ساختار درونی (قاب)، رابطه توده ها با سازه و بین خود، رابطه بین دینامیک و استاتیک، گشتاورهای تکتونیکی. و لحظات تنش و آرامش حرکتی تا حد زیادی به آن بستگی دارد.
مشکل پایه (یا فقدان آن) در مجسمه سازی مشابه مشکل قاب در نقاشی است - این حلقه اتصال بین دنیای هنر و دنیای واقعیت است.
طرح در مجسمه سازی ثانویه است، زیرا در بالای هر طرح خاص یک طرح اصلی و مشترک برای کل مجسمه وجود دارد - عمل ایجاد یک فرم سه بعدی، ایجاد بدن انسان.
دامنه تجربه توسط مخالف "ایستا - حرکت" محدود می شود، اما شدت تجربه بسیار بیشتر از سایر اشکال هنری است و به تمرکز قابل توجهی از اراده بیننده نیاز دارد. این ویژگی باید در درک و تجزیه و تحلیل مجسمه مورد توجه قرار گیرد.
3. تحلیل شمایل شناختی
علاوه بر «شکل ناب»، هنر به عنوان یک ساختار اطلاعاتی خاص، راه‌های بیشتری برای ذخیره و انتقال اطلاعات و همچنین تأثیرگذاری بر بیننده دارد.
برای بیننده بی‌تجربه قرون وسطایی، جنبه‌های کاملاً متفاوت زبان هنر مرتبط‌تر بود، یعنی طرح‌های طرح‌های رسمی معمولی، یا به عبارت دیگر، شمایل نگاری تصویر شخصیت‌ها یا رویدادهای کتاب مقدس. "آگاهی قرون وسطایی، که با ایده سلسله مراتب نفوذ کرده است، در قرون 11 تا 2 سلسله مراتبی از مقدسین، نمادها و حتی رنگ ها را تشکیل می دهد. بدون دانستن این نماد، نمی‌توانیم محتوای نماد را به طور کامل درک کنیم؛ این نماد از ما فرار خواهد کرد. این یکی از پایه های ساختار فیگوراتیو شمایل است. و اگر در یک نقاشی، رنگ نقش احساسی و آموزنده ایفا می کند، در سلسله مراتب شمایل نگاری نقشی متعارف دارد.
طرح‌های متعارف در هنر کلیسا نوعی ابرفرم، ابرمتن است که با سرعت رعد و برق بیننده را تحت تأثیر قرار می‌دهد و به او اجازه می‌دهد تقریباً بلافاصله محتوای تصویر مقدس را از یک سو و قداست آن، یعنی متعلق به دنیایی دیگر را درک کند. ، از سوی دیگر.
شمایل نگاری به جنبه های متعارف زبان هنر در نقد هنری می پردازد. روش‌های آن توصیف و نظام‌بندی ویژگی‌های گونه‌شناختی و الگوهای اتخاذ شده در هنگام به تصویر کشیدن یک شخص یا طرح‌های طرح، تجزیه و تحلیل مجموعه‌ای از تصاویر یک شخص، ویژگی هنر یک دوره یا جنبش خاص است.
برای معلم MHC در این روش، نتیجه نهایی بسیار مهم است، که لازم است دانش آموزان با آن آشنا شوند. این به دانش آموزان اجازه می دهد تا از یک سو بهتر "خواندن" و درک شمایل نگاری، تصاویر متعارف بودیسم و ​​هندوئیسم، رمزگشایی آثار رنسانس شمالی و ایتالیایی را داشته باشند و از سوی دیگر، آنها را نسبت به تغییرات حساس تر می کند. در چارچوب قانون و به ارزیابی مجدد دستاوردهای هنر رنسانس و خود این واقعیت که یک قانون کاملاً تنظیم شده را رد می کند، کمک خواهد کرد.
شمایل‌شناسی به‌عنوان جهتی در نقد هنری، گسترده‌تر از شمایل‌نگاری است، زیرا نه تنها قوانینی را که توسط فرقه‌های مذهبی ایجاد شده است، بلکه هرگونه طرح‌های پایدار و نقوش بصری در آثار هنری (طرح‌های ترکیبی، قطعات نمودارها، مضامین، طرح‌ها، صفات، نمادها و نشانه های هرالدیک)، از عصری به عصر دیگر، از نوعی هنر به هنر دیگر، از استادی به استاد دیگر می گذرد. این عناصر پایدار زبان هنر توسط مکتب شمایل‌شناختی نقد هنری به‌عنوان حامل‌های منحصربه‌فرد حافظه‌ی فرم‌ها یا به عبارتی «شکل نمادین» که حاوی «معانی و پیام‌های پنهان» فرهنگ، رمزهای رمزگذاری‌شده از فرهنگ به شمار می‌رود. هنر
علیرغم پیچیدگی های روش شمایل شناسی، در درس های MHC برای دانش آموزان کاملاً قابل دسترسی است. واقعیت این است که همه کودکانی که در دوران کودکی افسانه می خوانند، دانش اولیه خاصی در مورد حافظه شکل دارند. همه می دانند که خدایان و قهرمانان اساطیر، حماسه و افسانه ها دارای اشیایی با ویژگی های جادویی خاص هستند که نه تنها به آنها کمک می کند تا وظایف خود را انجام دهند، بلکه اغلب حاوی نیروی حیاتی آنها هستند.
ثبات صفات را می توان در مواردی به کار برد که شخصیت های اساطیری تصویر یکپارچه خود را از دست می دهند و در فرهنگ زمان های بعدی به صورت تکه تکه به حیات خود ادامه می دهند. در این مورد، ویژگی ها می توانند به عنوان یک رشته راهنما برای تفسیر بسیاری از پدیده های فرهنگی عمل کنند و به ردیابی تداوم تصاویر به ظاهر ناسازگار کمک کنند.
تحلیل ساختاری
تحلیل ساختاری بر اساس نظام‌های نشانه‌ای انجام می‌شود و در نتیجه ارتباط نزدیکی با نشانه‌شناسی (علم نظام‌های نشانه‌ای) و معناشناسی (علم معنا) دارد. توجه به تاریخ هنر از نقطه نظر الگوهای توسعه سیستم های نشانه ای و نمادین مرتبط با مفاهیمی مانند کدهای فرهنگی، تقابل های دوتایی، کهن الگو، اسطوره شناسی، از یک سو امکان تقویت مولفه معنایی و ماهوی را فراهم می کند. مطالعه فرهنگ هنری که در وهله اول نوجوان را نگران می کند و از سوی دیگر بر خوانش شخصی این محتوا تاکید می کند.
از نقطه نظر جهت گیری های ارزشی، درک وحدت کل فرهنگ هنری جهان منجر به ایجاد نگرش مداراتر نسبت به اشکال و ارزش های فرهنگ های خارجی می شود. نمونه های اولیه مشترک برای همه فرهنگ ها مانند درخت جهانی، جاده، زمین مادر، سایه، پیرمرد خردمند، پیرزن خردمند، آنیما، قهرمان، ضد قهرمان در فرآیند فعالیت های آموزشی و پروژه ای مستقل در چارچوب MHC، تقویت کننده جزء فعالیت در یادگیری و کار برای افزایش علاقه شخصی دانش آموزان .
اشیاء بتنی بدون از دست دادن انضمام خود می توانند به نشانه (رمز) اشیا و مفاهیم دیگر تبدیل شوند و به طور نمادین جایگزین آنها شوند.
یکی از کهن ترین آنها رمز نمادهای هندسی و نمادهای عددی نزدیک به آن است.
کدها می توانند بسیار متفاوت باشند: زئومورفیک، گیاهی، رنگی، غذایی، شیمیایی، عددی، هندسی و غیره.
هنگامی که در دروس MHC استفاده می شود، تجزیه و تحلیل ساختاری مهم است زیرا عملیات تبدیل به منصه ظهور می رسد، که از نظر توسعه تفکر دانش آموزان بسیار مهم است. دانش آموزان با انجام عملیاتی مانند شناسایی مجموعه اولیه اشیاء، تقسیم اشیاء به عناصر اولیه، شناسایی روابط تبدیل، توانایی های تحلیلی، توانایی دیدن کلیات، ساختار و نظام مند کردن دانش خود را توسعه می دهند.
پتانسیل رشد این دوره در فرهنگ هنری جهان مستقیماً با ماهیت ایدئولوژیک خود موضوع، خلاقیت و خودشناسی مرتبط است. در این شرایط معلم به یک فرد همراه، به نوعی ناظر علاقه مند به کار مستقل دانش آموزان تبدیل می شود.
تحلیل تاریخی هنر به دانش‌آموزان این امکان را می‌دهد که مسیر فکری خود را بر اساس آشنایی منظم با بناهای فرهنگی انتخاب کنند تا تصویری جامع و چند بعدی از رشد معنوی بشریت به دست آورند و بر این اساس ، نسخه خود را از توسعه توسعه دهند. معلم MHC باید دانش تخصصی متنوعی در زمینه تاریخ هنر داشته باشد. این به یک مشکل خاص تبدیل می شود، زیرا هیچ دانشگاه آموزشی خاصی تخصص "معلم MHC" را آماده نمی کند. امروزه معلمانی که جرات تدریس این مبحث را دارند، مشمول خودآموزی شدید و دائمی هستند. این نه تنها در مورد روش های تدریس، بلکه در مورد مطالعه موضوع تاریخ هنر نیز صدق می کند.
محدود کردن تحلیل یک اثر هنری به چارچوب فرم و محتوا، یا به ادراک مقاله‌ای نمی‌تواند تنها روش منتخب برای شناخت، چه بیشتر مطالعه، یک موضوع هنری باشد.
از سوی دیگر، تحلیل یک اثر هنری بدون دانش گسترده در زمینه حقایق و مبانی نظری ابتدایی غیرممکن است. در این مورد، انواع کارت های آموزنده و آموزنده، استفاده از روش های جستجوی تدریس و استفاده از فناوری اطلاعات می تواند نقش زیادی داشته باشد. در واقع، با ورود جامعه به عصر اطلاع‌رسانی، یکی از الزامات ضروری برای معلم MHC، تسلط بر انواع روش‌های کسب، کار و استفاده از اطلاعات (برنامه‌های رایانه‌ای برای اهداف آموزشی، اینترنت، رسانه‌های سمعی و بصری و غیره) است.
با توجه به این شرایط، آموزش MHC در مدرسه به حل مشکلات آموزشی مولد کمک می کند، که کودکان را قادر می سازد به طور مستقل فرمول های مسئله را بسازند، حل مسئله را در یک زمینه عملی تجزیه و تحلیل کنند، و در نتیجه تفکر انتقادی سازنده را توسعه دهند.