कलाकार की दृष्टि. विज्ञान एवं शिक्षा की आधुनिक समस्याएँ

प्रकृति में प्रकाश-छाया और रंग संबंधों का निर्धारण एक साथ तुलना की विधि द्वारा प्राप्त किया जाता है। इस पद्धति की प्रभावशीलता प्रकृति की एक विशेष दृष्टि के कारण है - दृष्टि की अखंडता, या, जैसा कि कलाकार कहते हैं, "व्यापक दृष्टि", "समग्र सामान्यीकृत धारणा", "आँखें खोलना"। जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, सामान्य दृष्टि से विचाराधीन परिदृश्य उन हिस्सों में स्पष्ट और निश्चित रूप से दिखाई देता है जहां हमारी नजर निर्देशित होती है।

इसका मतलब यह है कि रंग की विपरीतता और परिभाषा, दृश्य केंद्र (रेटिना पर पीला धब्बा, जिसे केंद्रीय फोविया कहा जाता है) के करीब आने पर वस्तुओं की राहत बढ़ जाती है और उससे दूर जाने पर घट जाती है। इसलिए, यदि पेंटिंग की प्रक्रिया में हम दृश्य केंद्र को लगातार एक वस्तु से दूसरी वस्तु में स्थानांतरित करते हैं, तो हम संबंधों का सही निर्धारण नहीं कर पाएंगे।

चित्रकार को व्यक्तिगत वस्तुओं, विशिष्टताओं पर अपना ध्यान केंद्रित नहीं करना चाहिए, बल्कि संपूर्ण प्रकृति को एक साथ समग्र रूप से अपनाना चाहिए, हल्केपन, रंग, राहत आदि में वस्तुओं में अंतर की तुलना और ध्यान देना चाहिए। ऐसी सामान्यीकृत व्यापक दृष्टि के परिणामस्वरूप , वस्तुओं का पूरा समूह अस्पष्ट रूप से देखा जाएगा। हालाँकि, इस सामान्यीकृत "स्पॉट" में वस्तुओं के रंग अंतर, एक रंग की गतिविधि और मौनता, दूसरे की अधीनता, योजनाओं की राहत को देखना और निर्धारित करना आसान है।

"दृश्यमान के व्यापक दायरे के साथ, कलाकार हर बिंदु पर ध्यान नहीं देता है," बी.वी. इओगन्सन ने लिखा, "लेकिन सामान्यीकृत तरीके से देखता है... एक ही समय में हर चीज को अपनी नजर से कवर करते हुए, कलाकार अचानक ध्यान देता है कि विशेष रूप से क्या है उज्ज्वल, पहली आवाज़ के अधिकार का दावा करता है, और जो मुश्किल से ध्यान देने योग्य है वह साथ गाता है... इस तथ्य के लिए धन्यवाद कि कलाकार समग्रता से आगे बढ़ा, उसे एक चीज़ की तुलना दूसरे से करने का अवसर मिला, जो कलाकार आगे बढ़ता है विवरण से वंचित है... केवल समग्र दृष्टि की एकता के साथ निरंतर तुलना के माध्यम से ही कोई पेंटिंग की सच्चाई सीख सकता है।

यही विचार एक बार के. ए. कोरोविन ने व्यक्त किया था: "... यह वह छाया नहीं है जिसे लेने की आवश्यकता है, बल्कि छाया के साथ सभी स्वरों का संबंध है।" अर्थात्, चित्रात्मक संबंधों की सूक्ष्म अंतरनिर्भरता को छेड़े बिना, एक ही समय में देखें... पहले आंख को थोड़ा-थोड़ा करके शिक्षित करें, फिर आंख को व्यापक रूप से खोलें, और अंत में कैनवास में शामिल सभी चीजों को एक साथ देखना होगा, और फिर जो सही ढंग से नहीं लिया गया वह झूठा होगा, ऑर्केस्ट्रा में एक बेवफा नोट की तरह। एक अनुभवी कलाकार एक ही समय में सब कुछ देखता है, जैसे एक अच्छा कंडक्टर एक वायलिन, एक बांसुरी, एक अलगोजा और अन्य वाद्ययंत्रों को एक साथ सुनता है। यह। इसलिए बोलने के लिए, निपुणता के शिखर तक, व्यक्ति को धीरे-धीरे पहुंचना चाहिए।

समग्र दृष्टि और निरंतर तुलना आपको व्यक्तिगत वस्तुओं या महत्वहीन विवरणों पर बहुत अधिक समय तक ध्यान केंद्रित करने की अनुमति नहीं देती है; किसी को पहले से ज्ञात रंग से ध्यान भटकाने में सक्षम होना चाहिए, उस रंग को देखने के लिए, उन रिश्तों को देखने में सक्षम होना चाहिए जिनमें अवलोकन के समय वस्तुएं स्थित होती हैं।

विभिन्न तकनीकें प्रकृति में दिखाई देने वाले संबंधों को सही ढंग से निर्धारित करने में मदद करती हैं। इस प्रकार, कई कलाकार अवलोकन के समय अपनी आँखों को तिरछा करने की सलाह देते हैं, उन वस्तुओं को देखें जो फ़ोकस में नहीं हैं, लेकिन जैसे कि "अतीत और तेज़ी से", "बिंदु पर नहीं, बल्कि पास में", आदि। समान उद्देश्यों के लिए, नौसिखिए कलाकार हैं कभी-कभी काले कांच, दर्पण, दृश्यदर्शी-फ़्रेम का उपयोग करने, प्रकृति के दृश्यमान रंगों की तुलना पैलेट के शुद्ध रंगों से करने की अनुशंसा की जाती है। उदाहरण के लिए, आप कांच या चित्रफलक पर शुद्ध पेंट रंग लगा सकते हैं।

चित्रित वस्तुओं पर कांच को इंगित करके और कांच पर शुद्ध पेंट के साथ उनके रंग की तुलना करके, आप प्रकृति के रंगों की ध्वनि निर्धारित कर सकते हैं। कभी-कभी, रंग संतृप्ति निर्धारित करने के लिए, कलाकार प्रकृति में किसी वस्तु के बगल में समान रंग की एक चित्रित वस्तु रखते हैं। ये तकनीकें आपको चित्रित वस्तुओं के रंग को अधिक सटीक रूप से निर्धारित करने की अनुमति देती हैं।

आइए हम अपनी दृश्य धारणा की कुछ विशेषताओं और शैक्षिक कार्यों में आने वाली संबंधित त्रुटियों का विश्लेषण करें। जब चित्रकार की दृष्टि प्रकृति की सुदूर योजना की ओर निर्देशित होती है, तो इस योजना की सभी वस्तुएँ और उनके विवरण, तानवाला और रंग विशेषताएँ स्पष्ट और निश्चित रूप से दिखाई देती हैं; अन्य वस्तुएँ कम दिखाई देती हैं। यदि टकटकी को चित्रित प्रकृति की पृष्ठभूमि या अग्रभूमि में वस्तुओं पर निर्देशित किया जाता है, तो वे रंग और राहत में स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं, जबकि पृष्ठभूमि में वस्तुएं, इसके विपरीत, अस्पष्ट और अस्पष्ट हैं।

जब तुलना की जाती है और अलग से देखा जाता है, तो स्केच रंग के धब्बों और विरोधाभासों से भरा होता है; संपूर्ण छवि तल पर विवरणों पर समान सावधानी से काम किया जाता है; ऑप्टिकल और संरचना केंद्रों की कोई एकता नहीं है। एक सही ढंग से लिखा गया स्केच ऑप्टिकल और संरचना केंद्रों की एकता का सम्मान करते हुए एक समग्र सचित्र छवि का प्रतिनिधित्व करता है।

यह पता लगाना आवश्यक था कि खाते के साथ रेडीमेड एलएलसी कौन बनाता है; कोई समस्या नहीं थी; Google का उपयोग करने पर जानकारी तुरंत मिल गई।

क्या है रचनात्मक कार्य- किसी कलाकार द्वारा चित्रित पेंटिंग या संगीत रचनाजो हमारे अंदर प्रशंसा और प्रेरणा की भावना पैदा करता है? क्या यह सब हमें कुछ नया, कुछ अलग दिखाने की साधारण इच्छा से है, या क्या यह किसी व्यक्ति की वह व्यक्त करने की इच्छा है जो कलाकार ने स्वयं देखा और अन्य लोग नहीं देख सके? जैसा कि पाब्लो पिकासो ने एक बार कहा था: “कुछ लोग देखते हैं कि क्या है और पूछते हैं क्यों। मैं देखता हूं कि क्या हो सकता है और पूछता हूं 'क्यों नहीं?'" इस कथन के पीछे मुख्य विचार यह है कि कुछ लोग दूसरों की तुलना में अपने आस-पास की चीज़ों में अधिक अवसर देखते हैं। और यही रचनात्मकता की अवधारणा की केंद्रीय कड़ी है।

रचनात्मकता का परीक्षण करते समय, मनोवैज्ञानिक अक्सर भिन्न सोच परीक्षणों का उपयोग करते हैं। उदाहरण के लिए, एक व्यक्ति से कहा जाता है कि वह एक साधारण ईंट की तरह सबसे सरल चीज़ों का यथासंभव अधिक से अधिक उपयोग करे। यदि कोई व्यक्ति एक साधारण ईंट का उपयोग करने के लिए कई विकल्पों और संयोजनों के साथ आने में सक्षम है (उससे बार्बी गुड़िया के लिए ताबूत का ढक्कन बनाने तक), तो परीक्षण से पता चलेगा कि ऐसे व्यक्ति की तुलना में काफी अधिक विकसित भिन्न सोच होगी कोई है जो मानता है कि ईंटों का उपयोग केवल दीवारों और इमारतों के निर्माण जैसी सामान्य समस्याओं को हल करने के लिए किया जा सकता है।

उसी शोध के अनुसार, अनुभव के प्रति खुलापन, या बस नए अनुभवों के प्रति खुलापन, हमारे व्यक्तित्व का वह पहलू है जो हमारी रचनात्मकता को उत्तेजित करता है। पांच प्रमुख व्यक्तित्व लक्षणों (बहिर्मुखता-अंतर्मुखता, सहमतता, कर्तव्यनिष्ठा, विक्षिप्तता और अनुभव के लिए खुलापन) में से, खुलापन भिन्न सोच वाले कार्यों पर हमारे प्रदर्शन का सबसे अच्छा भविष्यवक्ता है।

जैसा कि अमेरिकी मनोवैज्ञानिक स्कॉट बैरी कॉफ़मैन और कैरोलिन ग्रेगोइरे ने अपनी पुस्तक "वायर्ड टू क्रिएट" में बताया है, लोगों में रचनात्मकता की इच्छा "किसी के संज्ञानात्मक अन्वेषण की इच्छा से आती है।" एक विश्वऔर चारों ओर की दुनिया।" कुछ चीजों के व्यापक अध्ययन की जिज्ञासा से किसी व्यक्ति के आसपास की दुनिया को औसत लोगों की तुलना में अलग देखने के खुलेपन के स्तर में वृद्धि हो सकती है। या, जैसा कि इस मुद्दे पर अन्य शोधकर्ताओं का कहना है, "संभावनाओं के एक जटिल समूह को देखने की क्षमता जो अन्य लोगों के लिए तथाकथित स्थापित "परिचित वातावरण" में किसी का ध्यान नहीं जाता है।"

रचनात्मक दृष्टि

जर्नल ऑफ रिसर्च इन पर्सनैलिटी में प्रकाशित अध्ययन से पता चलता है कि खुले दिमाग वाले लोग न केवल चीजों को एक अलग दृष्टिकोण से देखने और अपना दृष्टिकोण व्यक्त करने की कोशिश करते हैं, बल्कि वे वास्तव में अपने आसपास की दुनिया को भी देखते हैं। सामान्य की तुलना में अलग लोग।

विशेषज्ञ यह पता लगाना चाहते थे कि क्या खुलेपन और द्विनेत्री प्रतियोगिता जैसी घटना के बीच कोई संबंध है। यह घटना तब होती है जब एक ही समय में प्रत्येक आंख पर दो अलग-अलग छवियां प्रस्तुत की जाती हैं, उदाहरण के लिए, एक लाल कार्ड और एक हरा कार्ड। जब एक पर्यवेक्षक द्वारा दोनों छवियों को देखा जाता है, तो बाद के लिए एक दृश्य प्रभाव बनाया जाएगा, जिसमें एक आंख के लिए दिखाया गया कार्ड दूसरी आंख में जाता हुआ प्रतीत होगा और इसके विपरीत। यानी, किसी बिंदु पर ऐसा लगेगा कि दोनों आंखें हरे या लाल रंग की पृष्ठभूमि देख रही हैं।

दिलचस्प बात यह है कि इस तरह के प्रयोग में भाग लेने वाले कुछ लोगों के लिए, ऐसा लग सकता है कि दोनों पृष्ठभूमि या तो विलीन हो जाती हैं या एक दूसरे पर आरोपित हो जाती है, जिससे एक प्रकार की संरचित छवि बनती है, जैसा कि ऊपर केंद्रीय चित्र में देखा जा सकता है। और द्विनेत्री दमन के ऐसे क्षण, जब दोनों छवियां एक साथ दृश्यमान हो जाती हैं, को चेतना द्वारा पूरी तरह से अलग दृश्य उत्तेजनाओं (कार्ड वाले कार्ड) के रूप में प्रस्तुत समस्या का "रचनात्मक" समाधान खोजने के प्रयास के रूप में समझाया जा सकता है अलग - अलग रंगइस मामले में पृष्ठभूमि)।

प्रयोगों में, शोधकर्ताओं ने पाया कि खुले दिमाग वाले लोग औसत लोगों की तुलना में लंबे समय तक विलय या प्रतिच्छेदन छवियों को देखने में सक्षम थे। इसके अलावा, यदि किसी व्यक्ति के पास इस समय हो तो इसका प्रभाव और भी लंबे समय तक रहता है अच्छा मूड, जो पहले के अध्ययनों के अनुसार, रचनात्मकता में भी महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। इन अवलोकनों से, शोधकर्ताओं ने निष्कर्ष निकाला कि खुले दिमाग वाले लोगों की रचनात्मकता बुनियादी दृश्य धारणा तक फैली हुई है। और ऐसे खुले दिमाग वाले लोग औसत व्यक्ति की तुलना में मौलिक रूप से भिन्न दृश्य अनुभव का अनुभव करने में सक्षम होते हैं।

देखें कि दूसरे क्या नोटिस नहीं करते

एक अन्य प्रसिद्ध अवधारणात्मक घटना को असावधान अंधापन कहा जाता है। लोग इसका अनुभव तब कर सकते हैं जब वे किसी चीज़ पर इतनी तीव्रता से ध्यान केंद्रित करते हैं कि वे सचमुच अपनी आंखों के सामने अन्य चीज़ों पर ध्यान देना बंद कर देते हैं।

इस अवधारणात्मक गड़बड़ी का एक बड़ा उदाहरण एक प्रयोग है जिसमें लोगों को एक छोटा वीडियो देखने के लिए कहा जाता है। इसमें कई लोगों को एक-दूसरे पर बास्केटबॉल फेंकते हुए दिखाया गया है। पर्यवेक्षक को सफेद कपड़े पहने खिलाड़ियों के बीच पास की संख्या की गिनती करने का काम सौंपा गया है।

एक बिंदु पर, गोरिल्ला सूट में एक आदमी फ्रेम के ठीक बीच में दिखाई देता है और फिर चला जाता है। क्या आपने उस पर ध्यान दिया? यदि नहीं, तो चिंता न करें, आप इसमें अकेले नहीं हैं। मूल अध्ययन में भाग लेने वाले 192 प्रतिभागियों में से लगभग आधे भी गोरिल्ला सूट वाले व्यक्ति को नोटिस करने में विफल रहे। लेकिन कुछ लोगों को असावधानी अंधापन का अनुभव क्यों होता है और दूसरों को नहीं?

इस प्रश्न का उत्तर केवल हालिया शोध से मिलता है, जो दर्शाता है कि असावधानी से अंधेपन के प्रति आपकी संवेदनशीलता आपके व्यक्तित्व पर निर्भर करती है। और खुले दिमाग वाले लोगों को फ़्रेम में गोरिल्ला नज़र आने की अधिक संभावना होती है। फिर, इससे हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि अधिक दृश्य जानकारी उन लोगों में हमारे आस-पास की दुनिया की सचेत धारणा की प्रक्रिया में प्रवेश करती है जो अधिक खुले हैं - वे वह देखने में सक्षम हैं जो अन्य लोग नोटिस नहीं करते हैं।

अपना दिमाग खोलो। क्या ये जरूरी है?

ऐसा लग सकता है कि खुले लोगों के पास दूसरों की तुलना में अधिक अवसर हैं। लेकिन क्या जिन लोगों में शुरू में गैर-रचनात्मक व्यक्तित्व लक्षण होते हैं, वे इन क्षमताओं का विस्तार कर सकते हैं? क्या ये वाकई जरूरी है?

इस बात के पुख्ता सबूत हैं कि व्यक्तित्व को मिट्टी की तरह ढाला जा सकता है, ढाला जा सकता है और जैसा आप चाहते हैं वैसा बनाया जा सकता है। उदाहरण के लिए, पदार्थ साइलोसाइबिन (कुछ हेलुसीनोजेनिक मशरूम में मौजूद एक रासायनिक यौगिक) का उपयोग करके विशेष संज्ञानात्मक प्रशिक्षण के बाद, अवधारणात्मक खुलेपन में वृद्धि देखी गई है। कम चरम नोट पर, विदेश में पढ़ने वाले छात्रों के बीच खुलेपन का बढ़ा हुआ स्तर अक्सर देखा जाता है, जो इस विचार का समर्थन करता है कि यात्रा आपके दिमाग को व्यापक बना सकती है।

लेकिन वास्तव में, "चेतना के खुलेपन" में सब कुछ उतना गुलाबी नहीं है जितना पहली नज़र में लग सकता है। मनोवैज्ञानिक अक्सर खुलेपन को मानसिक बीमारी के कुछ पहलुओं से जोड़ते हैं, विशेष रूप से मतिभ्रम की बढ़ती प्रवृत्ति से। अधिक देखने की क्षमता और जो नहीं है उसे देखने की क्षमता के बीच एक बहुत महीन रेखा होती है। सामान्य तौर पर, विविध व्यक्तित्व होना अच्छी बात है। यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि एक व्यक्ति का दृष्टिकोण जरूरी नहीं कि दूसरे से बेहतर हो।

हालाँकि, कलाकार एक सौंदर्यपूर्ण छवि बनाने की प्रक्रिया में अपनी भावपूर्ण दृष्टि लाता है, जैसा कि हम पहले ही कह चुके हैं, जो दर्शाया गया है उसके प्रति उसका भावनात्मक रवैया। इस संबंध में उनका दृष्टिकोण अनिवार्य रूप से गहन व्यक्तिपरक रहता है, यह उनके व्यक्तित्व की छाप रखता है और इसलिए, किसी व्यक्ति की मानसिक संरचना की किसी भी अन्य अभिव्यक्ति की तरह, यह सार्वजनिक सौंदर्य आदर्शों के साथ सुसंगत और असंगत दोनों हो सकता है, यह प्रगतिशील और दोनों हो सकता है। सच्चा, और प्रतिक्रियावादी और झूठ। अचेतन पर निर्भरता कलाकार को दृष्टि की एक विशिष्ट तीक्ष्णता प्रदान करती है, लेकिन वह जो देखता है उसकी जो व्याख्या करता है, जो अर्थ वह अपने कार्यों को देता है, वह उसके व्यक्तित्व से निर्धारित होता है। इसलिए, कला के कार्यों की कलात्मक सत्यता की किसी भी तरह से अचेतन पर भरोसा करके बनाई गई संभावनाओं से गारंटी नहीं है। यह सत्यता एक सौंदर्य समीक्षा बनाने की मनोवैज्ञानिक प्रक्रिया की विशिष्टताओं का कार्य नहीं है, बल्कि उस स्थान का है जो इस छवि पर कब्जा करती है और युग के सौंदर्य मूल्यों की प्रणाली में यह भूमिका निभाती है।

केवल इन परिस्थितियों को ध्यान में रखते हुए, जैसा कि हमें लगता है, कला में तर्कहीन की उपस्थिति की पद्धतिगत रूप से पर्याप्त रूप से व्याख्या करना, एक सौंदर्यवादी छवि के निर्माण की मनोवैज्ञानिक प्रक्रिया पर विचार करते समय इस तर्कहीनता से अमूर्त होने की असंभवता को समझना संभव है और साथ ही इस अतार्किकता के कारण कलाकार द्वारा निर्मित कला के किसी कार्य के सामाजिक मूल्य का निर्धारण न होना।

(2) उपरोक्त के साथ, हमने कलात्मक रचनात्मकता की प्रक्रियाओं और अचेतन की गतिविधि के बीच संबंध की गहराई पर जोर देने की कोशिश की। हमने यह भी नोट किया कि इस संबंध में अचेतन की भूमिका को समझने के करीब पहुंचना तभी संभव हो सका जब अचेतन के कार्यों के बारे में अधिक कठोर मनोवैज्ञानिक विचारों का विकास शुरू हुआ।

सोवियत साहित्य में, जैसा कि सर्वविदित है, कई दशकों तक अचेतन की अवधारणा का विकास इस विचारक और उनके स्कूल द्वारा समर्थित मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण के विचार के साथ, डी. एन. उज़्नाद्ज़े के नाम से जुड़ा रहा है। मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण के सिद्धांत के आधार पर, अचेतन के बारे में विचारों के कठिन क्षेत्र में निष्पक्षता और प्रयोगवाद की भावना को पेश करना और इन विचारों के विचार और व्याख्या को सिद्धांतों और तर्क के अधीन करना संभव हो गया। अपनी सख्त वैज्ञानिक समझ में संज्ञानात्मक प्रक्रिया। हम अब और देर नहीं कर सकते सामान्य विशेषताएँइस वैचारिक दृष्टिकोण पर पिछले विषयगत अनुभागों के परिचयात्मक लेखों में विभिन्न अवसरों पर पहले ही चर्चा की जा चुकी है, और हम मोनोग्राफ के अंतिम लेख में इस पर लौटेंगे। हम अचेतन मानसिक गतिविधि के विचार के केवल दो पहलुओं पर जोर देंगे, जो सीधे तौर पर मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण के विचार से संबंधित हैं और विशेष रूप से तब स्पष्ट रूप से प्रकट होते हैं जब कला के साथ अचेतन के संबंध की जांच की जाती है।

यह, सबसे पहले, कलाकार में कई अलग-अलग और यहां तक ​​​​कि विरोधाभासी निर्देशित अचेतन मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोणों के एक साथ अस्तित्व की संभावना है - एक ऐसी परिस्थिति, जिससे सारगर्भित रूप से सौंदर्य छवि की उत्पत्ति या कार्यात्मक संरचना को समझना अक्सर असंभव होता है। कलाकार द्वारा निर्मित; दूसरे, अचेतन की अभिव्यक्ति की संभावना - मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण की विभिन्न प्रकृति के संबंध में - कलात्मक रचनात्मकता के संगठन के विभिन्न स्तरों पर: दोनों उच्चतम स्तर पर, जिस पर निर्मित सौंदर्य छवियों की सामग्री एक की मानसिक गतिविधि है व्यक्ति अपनी व्यक्तिगत और सामाजिक अभिव्यक्तियों की सभी जटिलताओं में, और अधिक प्राथमिक अभिव्यक्तियों में, जिसमें एक छवि का सौंदर्य मूल्य मुख्य रूप से उसके भौतिक गुणों (ज्यामितीय संरचना, रंग टोन, आदि) द्वारा निर्धारित होता है। इन विभिन्न स्तरों पर विकसित रचनात्मक गतिविधि में अचेतन की भागीदारी काफी हद तक मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण के बहुरूपता के कारण होती है, मानसिक अवस्थाओं के पदानुक्रम के सभी स्तरों पर उनका प्रतिनिधित्व, व्यक्तित्व विशेषताओं को व्यक्त करने से लेकर सीधे निर्धारित होने तक। शारीरिक प्रभावों से.

यदि हम इन दोनों को ध्यान में नहीं रखते हैं विशेषताएँअचेतन की गतिविधि से, हम आसानी से इसकी अभिव्यक्तियों की एकतरफ़ा और इसलिए सरलीकृत समझ में आ सकते हैं। आइए सबसे पहले इनमें से पहले बिंदु पर ध्यान दें।

कई वर्ष पहले फ़्रांस में आयोजित एक संगोष्ठी में, विशेष रूप से कला और मनोविश्लेषण के बीच संबंधों की समस्या को समर्पित, विभिन्न दृष्टिकोणयह जटिल विषय. उनमें से एक, जिसने जीवंत चर्चा का कारण बना, सीधे तौर पर उन मुद्दों से संबंधित था जिन पर हम चर्चा कर रहे थे।

एन. ड्रेकोलाइड्स के संदेश में "मनोविश्लेषण के अधीन एक कलाकार का काम," एक प्रश्न उठाया गया था और बहुत ही सरलता से हल किया गया था, जो हमें फ्रायड के मूल विचारों की ओर लौटाता है। इस संदेश के लेखक ने उस थीसिस का बचाव किया जिसके अनुसार कलाकार की रचनात्मकता उसके साथ हुए दर्दनाक अनुभवों से प्रेरित होती है। स्टेंडल के विचार के बाद "कला को ऐसे लोगों की आवश्यकता होती है जो थोड़े उदासीन और काफी दुखी होते हैं," एन. ड्रेकुलाइड्स का तर्क है कि जीवनियों और रचनात्मकता का अध्ययन हमें सभी प्रकार की निराशाओं और अभावों पर विचार करने के लिए मजबूर करता है, विशेष रूप से उन लोगों पर जो काफी गहरे मानसिक आघात के चरित्र रखते हैं। कलाकार की प्रतिभा एक प्रकार के उत्प्रेरक के रूप में होती है, जो प्रतिभाओं की क्षमता को बढ़ाती है। इस समझ के साथ, कलात्मक रचनात्मकता मानसिक संघर्षों पर काबू पाने और जीवन की विफलताओं को अपनाने के एक विशेष रूप के रूप में प्रकट होती है। जब दर्दनाक अनुभव सहज हो जाते हैं या गायब हो जाते हैं, तो रचनात्मकता के लिए प्रोत्साहन कमजोर हो जाता है। आम तौर पर अत्यधिक व्यापक सामान्यीकरणों से जुड़े महत्वपूर्ण खतरों की उपेक्षा करते हुए, एन. ड्रेकुलाइड्स ऐसे अनूठे सामाजिक-मनोवैज्ञानिक सामान्यीकरण पर भी नहीं रुकते हैं: "कला कम भाग्यशाली लोगों के बीच पनपती है।"

इस पतझड़ में, फ्रैंकफर्ट के निवासी और मेहमान जर्मन फिल्म संग्रहालय (डॉयचेस फिल्मम्यूजियम) में आयोजित "विज़न" नामक प्रतिभाशाली मॉस्को कलाकार मिशा लेविन की पेंटिंग्स की जर्मनी में पहली प्रदर्शनी का दौरा कर सकते थे। चार साल की उम्र में पेंटिंग शुरू करने वाली, युवा प्रतिभा, जिसे आलोचकों ने एक समय में आधुनिक मैटिस कहा था, आज पेंटिंग का मास्टर माना जाता है; उनकी पेंटिंग मॉस्को, लंदन, जिनेवा, सिनसिनाटी और दुनिया भर के अन्य शहरों में प्रदर्शित की जाती हैं। मिशा लेविन की पेंटिंग एलिजाबेथ द्वितीय, प्रिंस चार्ल्स, व्लादिमीर स्पिवकोव के साथ-साथ जर्मनी, जापान और अमेरिका के कला पारखी लोगों के निजी संग्रह में रखी गई हैं। फ़्रैंकफ़र्ट में एक निजी प्रदर्शनी के उद्घाटन के अवसर पर वर्निसेज़ में, हमें बातचीत करने का अवसर मिला रूसी कलाकारउनके काम, सफलता की कहानी, प्रेरणा के स्रोत और भविष्य की योजनाओं के बारे में।

मिशा, क्या यह पहली बार है जब आप जर्मनी में अपनी पेंटिंग प्रस्तुत कर रही हैं? आपने फ़्रैंकफ़र्ट को क्यों चुना?

हाँ, जर्मनी में यह मेरी पहली प्रदर्शनी है। फ्रैंकफर्ट में फ़िल्में प्रस्तुत करने का प्रस्ताव जर्मन फ़िल्म संग्रहालय के सह-निदेशक डॉ. हेंसल की ओर से आया, जिनसे हमारा परिचय हमारे परिवार के दोस्तों ने कराया था। एक बार मॉस्को पहुंचने और मेरे कार्यों को देखने के बाद, उन्हें दिलचस्पी हो गई और उन्होंने उन्हें संग्रहालय के मुख्य हॉल में प्रदर्शित करने की पेशकश की, जहां जगह कई बड़े-प्रारूप वाले चित्रों को प्रदर्शित करने की अनुमति देती है। मुझे बहुत खुशी है कि वर्निसेज हुआ - यह ऊपर किए गए कार्यों को प्रस्तुत करने का एक अच्छा अवसर है पिछले साल का, इतनी बड़ी मात्रा में.

फ़्रैंकफ़र्ट ने आप पर क्या प्रभाव डाला?

मेरी पत्नी और मुझे फ्रैंकफर्ट रहने के लिए एक आरामदायक और सुखद शहर लगा। बेशक, यह अपनी वास्तुकला की सुंदरता से आश्चर्यचकित नहीं करता है, लेकिन फिर भी यहां बहुत अच्छा माहौल है। मिश्रण के कई आलोचकों के विपरीत, यह अलग है स्थापत्य शैलीमैं हमेशा काफी कम इमारतों, जो स्पष्ट रूप से युद्ध से बच गईं, और गगनचुंबी इमारतों के बीच दृश्य विरोधाभास से आकर्षित हुआ हूं। शहर उबाऊ नहीं लगता.

आपको किस उम्र में एहसास हुआ कि आप अपना पूरा जीवन ललित कला को समर्पित करना चाहते हैं?

दरअसल, कला में मेरी रुचि बहुत पहले ही शुरू हो गई थी। मैं एक संगीत परिवार में बड़ा हुआ और छह साल की उम्र में वायलिन बजाना सीखना शुरू कर दिया। मेरी संगीत क्षमताओं के बावजूद, मुझे ये गतिविधियाँ पसंद नहीं आईं। इसके अलावा, मंच पर डर और अत्यधिक चिंता के कारण, मैं प्रदर्शन में उतना अच्छा प्रदर्शन नहीं कर सका जितना मैं रिहर्सल में कर सकता था। जब मैं ग्यारह साल का था, मेरे पिता ने एक और असफल परीक्षा के बाद कहा कि वह मुझे ललित कला और संगीत के बीच एक विकल्प देने के लिए तैयार हैं। मैंने सचमुच तीन साल की उम्र में चित्र बनाना शुरू कर दिया था, इसलिए बिना किसी हिचकिचाहट के मैंने पेंटिंग को चुना। और मुझे इसका एक पल के लिए भी अफसोस नहीं हुआ। हालाँकि, निश्चित रूप से, यह पेशा बहुत कठिन है और कई नुकसानों से भरा है। जब ललित कला की बात आती है, तो अधिकांश लोग इस प्रश्न से भयभीत हो जाते हैं कि आजीविका कैसे अर्जित की जाए। चूँकि अब मैं बहुत कुछ पढ़ाता हूँ, इसलिए मैं किसी तरह अपने छात्रों को डिज़ाइन में नहीं, बल्कि ललित कला में संलग्न होने के लिए प्रेरित करने का प्रयास कर रहा हूँ। बेशक, इसकी कोई गारंटी नहीं है कि हर कोई निश्चित रूप से एक सफल कलाकार बन जाएगा, लेकिन मैं भाग्यशाली हूं: मैं अपने अभ्यास और शिक्षण को जोड़ सकता हूं, जो आवश्यक स्थिरता प्रदान करता है।

क्या यह सच है कि उत्कृष्ट संगीतकार व्लादिमीर स्पिवकोव ने आपके करियर की शुरुआत में आपकी मदद की थी?

हाँ, मेरे पिता उनके साथ सेंट्रल में पढ़ते थे संगीत विद्यालय, और बाद में बीस वर्षों से अधिक समय तक उनके ऑर्केस्ट्रा "मॉस्को वर्चुओसी" में बजाया। व्लादिमीर टेओडोरोविच युवा प्रतिभाओं के लिए एक धर्मार्थ फाउंडेशन के प्रमुख हैं, जिसका मैं सदस्य था। विदेश में मेरी पहली एकल प्रदर्शनी उनके संगीत समारोह में आयोजित की गई थी, जो फ्रांस के कोलमार में हर साल होता है। मैं तब दस साल का था.

दस साल की उम्र में एक एकल प्रदर्शनी?

हाँ। व्लादिमीर टेओडोरोविच कला के बहुत बड़े प्रेमी हैं और, कोई कह सकता है, मेरे पहले पारखी लोगों में से एक हैं। मैंने बड़ी संख्या में रूसी परियोजनाओं में भी भाग लिया। मॉस्को में एक धर्मार्थ फाउंडेशन "न्यू नेम्स" है, जिसके अध्यक्ष आज डेनिस मात्सुएव हैं। फाउंडेशन को धन्यवाद, मेरी व्यक्तिगत प्रदर्शनी थाईलैंड में हुई, और इसके अभियान के हिस्से के रूप में, राष्ट्रपति बी.एन. येल्तसिन और महारानी एलिजाबेथ द्वितीय को कृतियाँ दान की गईं।

ऐसा कैसे हुआ कि आपकी पेंटिंग ग्रेट ब्रिटेन की रानी के साथ समाप्त हुई?

1994 में, के पतन के बाद एलिजाबेथ द्वितीय की रूस की पहली आधिकारिक यात्रा हुई सोवियत संघ. सेंट पीटर्सबर्ग में आधिकारिक स्वागत समारोह में, न्यू नेम्स फाउंडेशन ने एक संगीत कार्यक्रम का आयोजन किया। मैं, आठ साल का लड़का, रानी के पास ले जाया गया और व्यक्तिगत रूप से मेरा परिचय कराया गया। नहीं जानना अंग्रेजी में, मैंने वह भाषण याद कर लिया जो मैंने दिया था: “महाराज, आपसे मिलकर मुझे बहुत खुशी हुई। मैं आपको वेस्टमिंस्टर कैथेड्रल से निकलते हुए आपकी एक पेंटिंग देना चाहता हूं।" पहले तो उसे एहसास ही नहीं हुआ कि यह मेरी पेंटिंग है। (हंसते हुए) बाद में, जब मैं प्रिंस चार्ल्स द्वारा स्थापित एकेडमी ऑफ ड्राइंग में पढ़ रहा था, मुझे विंडसर पैलेस में एक रिसेप्शन में आमंत्रित किया गया, जहां शाही परिवार के उपहारों का पूरा संग्रह रखा गया है। मेरे अनुरोध पर, उन्होंने अभिलेखों को देखा और मेरी पेंटिंग ढूंढ ली। चौदह साल बाद भी यह वहीं था।

आपने रूस और ग्रेट ब्रिटेन दोनों में चित्रकला का अध्ययन किया। भाग्य आपको फ़ॉगी एल्बियन में कैसे ले आया?

जब मैं तेरह या चौदह साल का था, तो सवाल उठा कि कौन सा शैक्षणिक संस्थान चुना जाए। मैंने शुरू में मॉस्को में सुरीकोव या स्ट्रोगानोव स्कूल में प्रवेश के बारे में सोचा था, हालांकि मैं हमेशा हमारे कला विश्वविद्यालयों में शिक्षा प्रणाली का विरोधी रहा हूं, जिसके अनुसार एक छात्र को व्यक्ति बनने से पहले तकनीक में एक फार्मूलाबद्ध प्रशिक्षण से गुजरना होगा। मेरा मानना ​​था कि मेरे पास कला के प्रति एक विशेष दृष्टिकोण था, इसलिए पंद्रह साल की उम्र में मैं विदेश में अध्ययन करने चला गया। वह दो साल तक ऑक्सफ़ोर्ड में रहे, अनुकूलन किया, स्कूल में अध्ययन किया, अतिरिक्त भाषा का अध्ययन किया और विश्वविद्यालय में प्रवेश के लिए एक निश्चित संख्या में परीक्षाएँ उत्तीर्ण कीं। चार साल की स्कूली शिक्षा के बाद दृश्य कलामैंने अपनी स्नातक की डिग्री लंदन की स्लेड यूनिवर्सिटी से प्राप्त की।

कुछ आलोचक आपको आधुनिक मैटिस कहते हैं। आपकी राय में, किस गुरु के काम ने आपको सबसे अधिक प्रभावित किया? आप सबसे अधिक किसको पहचानते हैं? आत्मा में आपके अधिक निकट कौन है?

एक बच्चे के रूप में, मैंने प्रसिद्ध कलाकारों की नकल करने की कोशिश की। उदाहरण के लिए, छह से ग्यारह साल की उम्र तक मुझे रेम्ब्रांट से प्यार था, मेरी रुचि केवल चित्रण में थी बाइबिल की कहानियाँ. बाद में उनकी रुचि प्रभाववादियों और उत्तर-प्रभाववादियों में हो गई। उम्र के साथ, निश्चित रूप से, आपको एहसास होता है कि आप इतने मजबूत प्रभाव में नहीं आ सकते, क्योंकि किसी न किसी तरह आप सिर्फ एक नकलची बन जाते हैं। और एक कलाकार के लिए सबसे महत्वपूर्ण लक्ष्य अपने व्यक्तित्व को बचाए रखना है। हालाँकि आपको कला का पालन जरूर करना होगा। इसलिए अब मैं किसी एक चित्रकार को अपना गुरु या प्रेरणास्रोत नहीं कह सकता. सामान्य तौर पर, मैं समकालीन जर्मन चित्रकला के बहुत करीब हूं, मुझे नियो राउच, डैनियल रिक्टर, मैक्स बेकमैन और ओटो डिक्स जैसे जर्मन कलाकारों का काम पसंद है।

आप अपनी पेंटिंग शैली का वर्णन कैसे करेंगे?

आप कह सकते हैं कि यह एक प्रकार का नव-अभिव्यक्तिवाद है। आप नवशास्त्रवाद और नवपॉप के प्रभाव का भी पता लगा सकते हैं। यानी यह एक ऐसा विनिगेट है, लेकिन मैं चाहूंगा कि यह मेरी अपनी शैली हो। (हंसते हुए) मेरे लिए, किसी भी मामले में, सबसे महत्वपूर्ण बात लगातार खोज करना है, न कि किसी निश्चित शैली तक पहुंच कर रुक जाना। इसलिए, प्रदर्शनी विभिन्न तकनीकों में किए गए कार्यों को प्रस्तुत करती है। लेकिन वे मुख्य चीज़ से एकजुट होते हैं - मानव व्यक्तित्व, कथानक में छवि, जो कुछ स्थानों पर अधिक यथार्थवादी हो जाती है, और दूसरों में अमूर्त कला में बदल जाती है।

एक पेंटिंग ख़त्म करने में आपको कितना समय लगता है?

अलग ढंग से. कभी-कभी कोई पेंटिंग सचमुच तीन या चार दिनों में पूरी हो जाती है, लेकिन कभी-कभी आप एक साल के भीतर काम पर लौट आते हैं। आमतौर पर कोई मकसद, विचार या कथानक कई कार्यों में परिलक्षित होता है। कभी-कभी एक श्रृंखला एक अलग परियोजना बन जाती है, जिसमें दस से पंद्रह पेंटिंग शामिल होती हैं। ऐसा प्रत्येक प्रोजेक्ट मेरे लिए रचनात्मकता का एक नया पृष्ठ है।

अंत में, मैं आपकी योजनाओं के बारे में जानना चाहूंगा। क्या आप यूरोप में अन्य एकल प्रदर्शनियों की योजना बना रहे हैं?

मैं प्लान कर रहा हूं। मैं एक बड़े प्रोजेक्ट पर काम कर रहा हूं - रूसी संग्रहालय में एक प्रदर्शनी, जिसका विचार 2009 में रखा गया था। मैं वियना में एक प्रोजेक्ट में भी हिस्सा लूंगा. रूसी सांस्कृतिक हस्ती रोमन फेडचिन ने अगले वसंत में "पेंटिंग के रूसी उस्तादों की नज़र से ऑस्ट्रिया" एक बड़ी प्रदर्शनी आयोजित करने की योजना बनाई है, जिसमें पंद्रह कलाकारों की कृतियाँ प्रस्तुत की जाएंगी। वियना यहूदी संग्रहालय के निदेशक के साथ मेरी प्रदर्शनी के संबंध में भी बातचीत चल रही है। कई योजनाएं हैं, लेकिन प्रदर्शनियों का आयोजन करना, दुर्भाग्य से, एक बहुत ही जटिल प्रक्रिया है जिसमें महीनों लग जाते हैं और इसमें बातचीत, चित्रों का परिवहन और कई अन्य विवरण शामिल होते हैं।

प्रत्येक ऐतिहासिक युगअपना प्रकार दिखाता है कलात्मक दृष्टिऔर तदनुरूप विकसित होता है भाषा का मतलब है. साथ ही, किसी भी ऐतिहासिक चरण में कलात्मक कल्पना की संभावनाएं असीमित नहीं हैं: प्रत्येक कलाकार अपने युग की विशिष्ट "ऑप्टिकल संभावनाएं" पाता है, जिसके साथ वह खुद को जुड़ा हुआ पाता है। समकालीनों के प्रमुख विचार (दुनिया की तस्वीर) कलात्मक प्रथाओं की सभी विविधता को एक निश्चित फोकस में "खींचते" हैं और मौलिक आधार के रूप में कार्य करते हैं सांस्कृतिक ऑन्कोलॉजी कलात्मक चेतना (अर्थात होने के तरीके, संबंधित सांस्कृतिक समुदाय की सीमाओं के भीतर कलात्मक चेतना की रचनात्मक अभिव्यक्ति)।

किसी विशेष युग की कला में रचनात्मक प्रक्रियाओं की एकता उद्भव को निर्धारित करती है कलात्मक अखंडताविशेष प्रकार. कलात्मक अखंडता का प्रकार, बदले में, संबंधित की मौलिकता को समझने के लिए बहुत प्रतिनिधि साबित होता है संस्कृति का बल क्षेत्र.इसके अलावा, कलात्मक रचनात्मकता की सामग्री के आधार पर न केवल खोज करना संभव हो जाता है चरित्र लक्षणचेतना और आत्म-जागरूकता युग का मूल व्यक्तित्व,बल्कि उनकी सांस्कृतिक सीमाओं, ऐतिहासिक सीमाओं को भी महसूस करना है, जिसके परे एक अलग प्रकार की रचनात्मकता शुरू होती है। कलात्मक चेतना का ऐतिहासिक ऑन्कोलॉजी एक ऐसा स्थान है जिसमें कलात्मक और सामान्य सांस्कृतिक का पारस्परिक संपर्क होता है: यह प्रत्यक्ष और विपरीत प्रभाव दोनों की कई "केशिकाओं" को प्रकट करता है।

इसलिए, कलात्मक दृष्टि की परतों का अपना इतिहास होता है, और इन परतों की खोज को कला के सौंदर्यशास्त्र और सांस्कृतिक अध्ययन का सबसे महत्वपूर्ण कार्य माना जा सकता है। कलात्मक दृष्टि के परिवर्तन का अध्ययन मानसिकता के इतिहास पर प्रकाश डाल सकता है। कलात्मक दृष्टि की अवधारणा काफी सामान्य है; इसमें रचनात्मक व्यक्तित्व की कुछ विशेषताओं को ध्यान में नहीं रखा जा सकता है। यह स्थापित करके कि अलग-अलग लेखक एक ही ऐतिहासिक प्रकार की कलात्मक दृष्टि से संबंधित हैं, सौंदर्य विश्लेषण अनिवार्य रूप से व्यक्तिगत आंकड़ों के कई विशिष्ट गुणों को "सीधा" करता है, और उनमें जो समानता है उसे उजागर करता है।

जी. वोल्फ्लिन, जिन्होंने इस अवधारणा के विकास के लिए बहुत प्रयास किए, का मानना ​​था कि कला के विकास का सामान्य पाठ्यक्रम अलग-अलग बिंदुओं में विभाजित नहीं होता है, अर्थात। रचनात्मकता के व्यक्तिगत रूप. अपनी सारी मौलिकता के बावजूद कलाकार अलग-अलग समूहों में एकजुट हैं। "एक दूसरे से भिन्न, बॉटलिकली और लोरेंजो डी क्रेडी, जब किसी भी वेनिस के साथ तुलना की जाती है, तो फ्लोरेंटाइन की तरह समान हो जाते हैं: उसी तरह, हॉबेमा और रेयेडल, उनके बीच जो भी विसंगति हो, तुरंत संबंधित हो जाते हैं यदि वे, डच , इसकी तुलना कुछ फ्लेमिंग से की जाती है, उदाहरण के लिए रूबेन्स।" कलात्मक दृष्टि की अवधारणा के विकास में पहला कदम, जो कला के सांस्कृतिक अध्ययन के क्षेत्र में आधुनिक अनुसंधान के लिए बेहद उपयोगी है, 20 वीं शताब्दी के पहले दशकों में कला इतिहास के जर्मन और विनीज़ स्कूलों द्वारा रखी गई थी।

संस्कृति में किसी विशेष समस्या का निरूपण हमेशा एक निश्चित ऐतिहासिक क्षण के अधीन होता है, चाहे वह रचनात्मकता के किसी भी क्षेत्र से संबंधित हो। इस स्थिति के आधार पर, उदाहरण के लिए, ओ. बेन्स ने कला की आलंकारिक संरचना में कुछ तत्वों की खोज करने का प्रयास किया। शैलीगत (समय,जो कला और विज्ञान दोनों के लिए सामान्य होगा। "विचारों का इतिहास," बेन्स ने लिखा, "हमें सिखाता है कि समान आध्यात्मिक कारक सांस्कृतिक गतिविधि के विभिन्न क्षेत्रों को रेखांकित करते हैं। यह हमें कलात्मक और वैज्ञानिक घटनाओं के बीच समानताएं खींचने और इससे उनकी पारस्परिक व्याख्या की उम्मीद करने की अनुमति देता है। हर दिए गए में रचनात्मक चेतना ऐतिहासिक क्षण कुछ निश्चित रूपों में सन्निहित है, जो कला और विज्ञान के लिए असंदिग्ध हैं।" यहां एक ऊर्ध्वाधर बनाया गया है: कलात्मक दृष्टि का प्रकार अंततः कला के माध्यम से चेतना के सामान्य सांस्कृतिक मापदंडों का कार्यान्वयन है। मुद्दा यह है कि कलात्मक सोच और धारणा के जिन तरीकों ने खुद को कला में प्रमुख के रूप में स्थापित किया है, वे किसी न किसी तरह से धारणा और सोच के सामान्य तरीकों से जुड़े हुए हैं जिनमें यह युग खुद को पहचानता है।

कलात्मक दृष्टि स्वयं को मुख्य रूप से कला के किसी कार्य के निर्माण के तरीकों में प्रकट करती है। यह कलात्मक अभिव्यक्ति के तरीकों में है कि कलाकार का मॉडल और वास्तविकता के प्रति दृष्टिकोण उसकी व्यक्तिपरक सनक के रूप में नहीं, बल्कि ऐतिहासिक कंडीशनिंग के उच्चतम रूप के रूप में प्रकट होता है। साथ ही इतिहास में कलात्मक दृष्टि के प्रकारों के अध्ययन के मार्ग में भी अनेक समस्याएँ उत्पन्न होती हैं। इस प्रकार, कोई भी इस तथ्य को ध्यान में रखे बिना नहीं रह सकता कि एक ही युग में समान लोगों के बीच अलग - अलग प्रकारकलात्मक दृष्टि सह-अस्तित्वउदाहरण के लिए, यह विभाजन 16वीं शताब्दी में जर्मनी में देखा जा सकता है: ग्रुनवल्ड, जैसा कि कला ऐतिहासिक अध्ययन से पता चलता है, ड्यूरर की तुलना में एक अलग प्रकार के कलात्मक कार्यान्वयन से संबंधित था, हालांकि वे दोनों समकालीन थे। यह ध्यान दिया जा सकता है कि कलात्मक दृष्टि का यह विखंडन उस समय जर्मनी में मौजूद विभिन्न सांस्कृतिक और रोजमर्रा की संरचनाओं के अनुरूप भी था। यह एक बार फिर न केवल कला, बल्कि समग्र रूप से संस्कृति की प्रक्रियाओं को समझने के लिए कलात्मक दृष्टि की अवधारणा के विशेष महत्व की पुष्टि करता है।

रूप की भावना, जो कलात्मक दृष्टि की अवधारणा का केंद्र है, किसी तरह राष्ट्रीय धारणा की नींव के संपर्क में आती है। व्यापक सन्दर्भ में कलात्मक दृष्टि को इस प्रकार समझा जा सकता है सामान्य सांस्कृतिक मानसिकता का स्रोत उत्पन्न करनायुग. अवधारणाओं की संबंधित सामग्री के बारे में विचार कलात्मक रूपऔर कलात्मक दृष्टि ए. श्लेगल द्वारा बहुत पहले व्यक्त की गई थी, जो न केवल इसके बारे में बात करना संभव मानते थे शैलीबारोक, लेकिन इसके बारे में भी जीवन का एहसासबारोक, और यहां तक ​​कि व्यक्तिबारोक. इस प्रकार, कलात्मक दृष्टि का एक सुस्थापित विचार सीमा रेखा अवधारणाअपने भीतर अंतर-कलात्मक और सामान्य सांस्कृतिक कंडीशनिंग दोनों को लेकर चलता है।

हालाँकि कलात्मक रचनात्मकता में विकासवादी प्रक्रियाएँ कभी नहीं रुकी हैं, कला में गहन खोज के युगों और अधिक सुस्त कल्पना वाले युगों का पता लगाना मुश्किल नहीं है। समस्या यह है कि कलात्मक दृष्टि के प्रकारों के इस इतिहास में हम न केवल कलात्मक समस्याओं को ठीक से हल करने की सुसंगत प्रक्रिया को समझ सकते हैं, जैसा कि इस या उस लेखक ने उन्हें समझा, बल्कि उस संस्कृति की सार्वभौमिकता को समझने की कुंजी भी खोज सकते हैं जिसने इसे जन्म दिया। उन्हें, एक निश्चित समय और स्थान में कार्य करते हुए, मानव चेतना की सांस्कृतिक सत्तामीमांसा में प्रवेश करने के लिए। इतिहास की प्रगति के साथ, विचाराधीन समस्या अधिक से अधिक जटिल हो जाती है, क्योंकि कला द्वारा पहले से ही खोजी गई तकनीकों के शस्त्रागार के विस्तार के साथ, कलात्मक रचनात्मकता की आत्म-प्रगति की क्षमता भी बढ़ जाती है। धारणा की सुस्ती का विरोध करने और दर्शकों पर गहरा प्रभाव डालने की आवश्यकता प्रत्येक कलाकार को अपनी रचनात्मक तकनीकों को बदलने के लिए मजबूर करती है; इसके अलावा, पाया गया प्रत्येक प्रभाव अपने आप में एक नया कलात्मक प्रभाव पूर्व निर्धारित करता है। यह दर्शाता है कि viutriartistic कंडीशनिंगकलात्मक दृष्टि के बदलते प्रकार।

कला के काम के रूप के तत्व सामग्री की मनमानी सजावट के रूप में कार्य नहीं करते हैं; वे उस समय के सामान्य आध्यात्मिक अभिविन्यास, इसकी कलात्मक दृष्टि की बारीकियों से गहराई से पूर्वनिर्धारित होते हैं। किसी भी युग में - तीव्र और सुस्त कल्पना दोनों के साथ - कोई भी कलात्मक रूप में सक्रिय रुझान देख सकता है, जो इसकी सांस्कृतिक-रचनात्मक क्षमताओं की गवाही देता है। सांस्कृतिककला की (या संस्कृति-निर्माण) संभावनाएँ तब प्रकट होती हैं जब नए आदर्श, अभिविन्यास और स्वाद कलात्मक क्षेत्र में पैदा होते हैं और अंकुरित होते हैं, जो तब विस्तार में फैलते हैं और संस्कृति के अन्य क्षेत्रों द्वारा उठाए जाते हैं। इसी अर्थ में वे बात करते हैं सांस्कृतिक विशिष्टताकला, यह ध्यान में रखते हुए कि कला, संस्कृति के अन्य रूपों के विपरीत, अपने आप में संचित होती है संस्कृति के सभी पहलू -भौतिक और आध्यात्मिक, सहज और तार्किक, भावनात्मक और तर्कसंगत।

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