Французский художник автор картины голубая жара. Пикассо

В начале XX века Пикассо со своим другом К. Касахемасом покидает Испанию и приезжает в Париж. Здесь Пабло вплотную знакомится с работами французских импрессионистов, в частности, А. Тулуз-Лотрека и Э. Дега, которые в свое время окажут серьезное влияние на развитие творческой мысли художника.

К несчастью, влюбленный во француженку и отвергнутый ею, Касахемас в феврале 1901 года совершает самоубийство. Грани реальной жизни и искусство для Пикассо всегда были неразрывны, и это трагическое событие, глубоко потрясшее художника, нашло отражение в последующих его работах.

С 1901 с полотен Пикассо уходят многоцветные краски, уступая место оттенкам сине-зеленой палитры. В творчестве художника наступает «голубой» период.

Глубокая, холодная и сумрачная гамма изумрудных, синих, голубых, зеленых цветов и оттенков как нельзя лучше передает главные темы творчества Пикассо этого периода – человеческие страдания, смерть, старость, нищета и уныние. Картины наполняются образами слепых, проституток, нищих и алкоголиков, пропитываются ощущением тоски и безысходности. В этот период художник, не прекращая вести богемный образ жизни, работает, создавая до трех картин в день. «Синяя комната» (1901), «Завтрак слепого» (1903), «Нищий старик с мальчиком» (1903), «Трагедия» (1903), «Двое» (1904) и, конечно, знаменитая «Любительница абсента» (1901) – все это яркие примеры картин «голубого» периода.

В 1904 году Пикассо поселяется в Бато-Лавуар — знаменитом общежитии на Монмартре, где находили свое пристанище многие художники. В это время он встречает свою музу — модель Фернанду Оливье, ставшую вдохновительницей многих известных его произведений. А знакомство с поэтами М. Жакобом и Г. Аполлинером дарит новую тему, нашедшую воплощение в его картинах – цирк и жизнь цирковых артистов. Так, постепенно в жизнь и творчество художника начинают проникать новые краски. На смену «голубому» приходит «розовый» период художественных исканий мастера.

В это время художник обращается к более жизнерадостным тонам – розовому, дымчато-розовому, золотисто-розовому, охристому. Героями картин становятся клоуны, акробаты, гимнасты, арлекины: «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семья акробатов с обезьяной» (1905), «Шут» (1905). Тема романтической жизни бродячих артистов раскрывается в одной из самых знаковых и узнаваемых его картин – «Девочка на шаре» (1905).

Позже, в конце «розового» периода художник пишет картины в духе античного наследия – «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906).

«Голубой» и последующий «розовый» периоды творческой жизни Пабло Пикассо стали выражением его исканий в передаче настроения и своего видения мира при помощи цвета.

Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.

Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.

Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.

Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.

«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.

Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.

В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение - картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.

В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.

Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.

Картины Пабло Пикассо:

Мальчик с трубкой, 1905 год

Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.

Старый гитарист, 1903 год

Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.

Авиньонские девицы, 1907 год

Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.

Бутылка рома, 1911 год

Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.

Голова, 1913 год

Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.

Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.

Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Это портрет молодой любовницы Пикассо - Марии-Терезы Вальтер. Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.

Герника, 1937 год

Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.

Плачущая женщина, 1937 год

Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».

Акробат и молодой Арлекин 1905

«Голубой» и «розовый» периоды в творчестве испанского художника Пабло Пикассо - это время формирования индивидуального стиля художника. В это время происходит отход от импрессионизма, наследования стилистик Тулуз-Лотрека, Дега и других известных художников.

«Голубой» период (1901-1904)

Автопортрет. 1901

Свое название он получил из-за общей тональности картин, выполненных в сине-голубой гамме, объединенных настроением отчаяния и одиночества. Одними из первых работ этого периода стали «Автопортрет» (1901) и «Любительница абсента» (1901). Большая часть героев картин Пикассо – это представители низших слоев общества, обездоленные, больные или порочные люди. Среди более поздних «голубых» работ стоит отметить картины «Голова женщины» (1902-1903), «Завтрак слепого» (1903), «Старый еврей с мальчиком» (1903), «Гладильщица» (1904). В эстетическом отношении важным является переход к новым способам изображения, исключение из композиции лишних деталей, и ряд других решений, позволяющих сосредоточить внимание зрителя на эмоциях, вызываемых картиной. В тоже время в полной мере считать эти работы Пикассо самобытными нельзя, т.к. в них частично использованы мотивы и приемы, характерные для испанской живописи. На формирование такого эмоционального настроя картин сильно повлияли жизненные реалии. Начало «голубого» периода связано с самоубийством близкого друга художника Карлоса Касагемаса в 1901 году. Близость смерти, одиночество, вынужденное возвращение в Барселону в 1903 году из-за нехватки средств оказали влияние на депрессивность картин.

«Девочка на шаре» - равновесие между жизнью и смертью

Девочка на шаре. 1905

Эта картина, написанная в 1905 году, является характерным произведением переходного периода. Времени, когда боль, отчаяние и страдание в картинах художника постепенно уходят, их заменяет интерес к живым человеческим радостям, олицетворением которых стали циркачи и артисты. Содержание этого произведения, построенного на контрастах (движение и статика, девочка и атлет, легкость и тяжесть и др.), вполне соответствует символике перехода между горечью смерти и радостями жизни.

«Розовый» период (1904 - 1906)

Постепенный переход к «розовому» периоду в творчестве обозначился еще 1904 году, когда в жизни художника стали происходить позитивные перемены: переезд в кипучий центр авангардной жизни – в общежитие художников на Монмартре, влюбленность в Фернанду Оливье, знакомство со множеством интересных людей, среди которых были Матисс и Гертруда Стайн. Главной темой работ этого периода, выполненных розовых, красных, жемчужных тонах становятся комедианты цирка Медрано. Картины отличаются разнообразием сюжетов, динамикой и движением. При этом художник продолжает развивать индивидуальный стиль, сформированный еще в «голубом» периоде. К этому времени относятся работы «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семейство комедиантов» (1905), «Шут» (1905) и др. В конце «розового» периоа в картинах Пикассо появляются образы, навеянные античными мифами: «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), проявляется интерес к изображению обнаженной натуры «Причесывание» (1906), Обнаженный мальчик (1906).

Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности.

Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией. В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел отнюдь не платонический роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой, общался с тем же, что и он, кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... Все это во многом послужило тем "сором", из которого вырос "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв".

Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой "голубой" специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов.

В свои права "голубой период" вступал постепенно: в работах Пикассо появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к "трехмерности" изображений, стал уходить от классической перспективы. Постепенно его палитра становится все менее разнообразной, все сильнее звучат акценты синего. Началом собственно "голубого периода" считается созданный в том же 1901 г. "Портрет Хайме Сабартеса" .

Сам Сабартес сказал об этой работе: "Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, - это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне".

Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются "одиночество", "боль", "страх", "вина", примером тому может служить "Автопортрет"

мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону.

В январе 1902 г. он вернется в Испанию, не сможет остаться - слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянно тяжелых месяцев. Работы не продавались, жилось очень тяжело. Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться там на целых 15 месяцев.

Столица Каталонии встретила Пикассо высоким напряжением, со всех сторон его окружала нищета и несправедливость. Социальное брожение, охватившее на рубеже веков Европу, захватило и Испанию. Вероятно, это тоже сказалось на мыслях и настроениях художника, который работал на родине чрезвычайно много и плодотворно. Здесь созданы такие шедевры "голубого периода", как "Свидание (Две сестры)" ,

Образ Касагемаса еще раз возникает в картине "Жизнь" ;

она была написана поверх работы "Последние мгновения", экспонировавшейся на Всемирной выставке 1900 г. в Париже и ставшей поводом для первой поездки Пикассо и Касагемаса в столицу Франции. В периоды безденежья художник не раз записывал свои старые холсты, но в данном случае это "варварство", вполне возможно, имело и некое символическое значение как знак прощания со старым искусством и с Карлосом, тоже навсегда оставшимся в прошлом.

Весной 1904 г. появилась возможность снова уехать в Париж, и Пикассо не медлил. Именно в Париже ждали его новые ощущения, новые люди, интересы и новый - "розовый" - период, который ведет свой отсчет с осени 1904 г.

«Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касаджемас мертв», – признавался Пикассо позже. «Период с 1901 по 1904 год в творчестве Пикассо обычно называют «голубым» периодом, так как большинство картин этого времени написано в холодной сине-зеленой гамме, усугубляющей настроение усталости и трагической нищеты» . То, что позже назвали «голубым» периодом, приумножалось изображениями печальных сцен, картинами, полными глубокой меланхолии. На первый взгляд все это несовместимо с огромной жизненной силой самого художника. Но вспоминая автопортреты молодого человека с огромными печальными глазами, мы понимаем, что полотна «голубого» периода передают эмоции, владевшие художником в то время. Личная трагедия обострила его восприятие жизни и горя страдающих и обездоленных людей.

Парадоксально, но факт: несправедливость жизненного устройства остро чувствуют не только те, кто с детства пережил гнет жизненных тягот или еще хуже – нелюбовь близких, но и вполне благополучные люди. Пикассо – яркий тому пример. Мать обожала Пабло, и эта любовь стала для него непробиваемой броней до самой смерти. Отец, постоянно испытывавший материальные затруднения, умел из последних сил помочь сыну, хотя тот порой двигался совершенно не в том направлении, которое указывал дон Хосе. Любимый и благополучный юноша не стал эгоцентриком, хотя атмосфера декадентской культуры, в которой он формировался в Барселоне, казалось бы, способствовала тому. Напротив, он с огромной силой ощущал социальное нестроение, громадную пропасть между бедными и богатыми, несправедливость устройства общества, антигуманность его – словом, все то, что привело к революциям и войнам XX в.

«Обратимся к одному из центральных произведений Пикассо того времени – к картине «Старик нищий с мальчиком», выполненной в 1903 г. и находящейся сейчас в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. На плоском нейтральном фоне изображены две сидящие фигуры – дряхлый слепой старик и маленький мальчик. Образы даны здесь в их резко контрастном противопоставлении: изборожденное морщинами, как бы вылепленное мощной игрой светотени лицо старика с глубокими впадинами слепых глаз, его костлявая, неестественно угловатая фигура, ломающиеся линии его ног и рук и, как противоположность ему, широко открытые глаза на нежном, мягко промоделированном лице мальчика, плавные, текучие линии его одежды. Мальчик, стоящий на пороге жизни, и дряхлый старик, на которого смерть уже наложила свой отпечаток, – эти крайности объединены в картине какой-то трагической общностью. Глаза мальчика широко открыты, но они кажутся такими же невидящими, как и страшные провалы глазниц старика: он погружен в такое же безрадостное раздумье. Тусклый голубой цвет еще больше усиливает то настроение скорби и безысходности, которое выражено в печально сосредоточенных лицах людей. Цвет не является здесь цветом реальных предметов, он не является также цветом реального света, заливающего пространство картины. Одинаково тусклыми, мертвенно холодными оттенками синего цвета передает Пикассо и лица людей, и их одежды, и фон, на котором они изображены» .

Изображение жизнеподобно, но в нем немало условностей. Гипертрофированы пропорции тела старика, неудобная поза подчеркивает его изломанность. Худоба неестественна. Слишком упрощенно переданы черты лица мальчика. «Художник ничего не сообщает нам о том, кто эти люди, какой стране или эпохе они принадлежат и зачем они, вот так прижавшись друг к другу, сидят на этой голубой земле. И тем не менее картина говорит о многом: в контрастном противопоставлении старика и мальчика мы видим и печальное, безрадостное прошлое одного, и безнадежное, неминуемо мрачное будущее другого, и трагическое настоящее их обоих. Само скорбное лицо нищеты и одиночества смотрит на нас своими печальными глазами с картины. В своих работах, созданных в этот период, Пикассо избегает дробности, детализации и стремится всячески подчеркнуть главную идею изображаемого. Эта идея остается общей для подавляющего большинства его ранних произведений; так же как и в «Старике нищем с мальчиком», она заключается в раскрытии неустроенности, скорбного одиночества людей в трагическом мире нищеты» .

В «голубой» период, помимо уже указанных полотен («Старик нищий с мальчиком», «Кружка пива (Портрет Сабартеса)» и «Жизнь») были созданы также «Автопортрет», «Свидание (Две сестры)», «Голова женщины», «Трагедия» и др.