Impressionistisk stadsbild. Målningar av Konstantin Korovin
I den här artikeln kommer du att se St. Petersburg urban presenteras i konstgalleri"Art-Breeze". Här finns samlade verk av olika författare, som är gjorda i olika stilar och tekniker. Alla dessa verk har en sak gemensamt - de föreställer S:t Petersburg, som konstnären såg det.
Stadsbild, som en genre av måleri, bildades ganska sent, på 1700-talet. Det var då som städerna började få sin moderna karaktär och antalet stadsbor började öka snabbt. Innan detta var det bara ett fåtal medeltida konstnärer som avbildade städer på sina dukar. Dessa bilder var mycket primitiva, de saknade topografisk noggrannhet och de tjänade till att ange platsen för de händelser som bildens handling var tillägnad. Förfäder stadsbild i måleriet kan vi namnge de holländska konstnärerna från 1600-talet Wermeer av Delft, J. Goyen och J. Ruisdael. Det är i deras verk som man kan hitta stadslandskapet som vi är vana vid att se det i moderna målningar.
Samtida konstnärer som ställer ut sina egna stadsbilder på St. Petersburgs konstgalleri Ar-Breeze framställer S:t Petersburg som i första hand en dimmig kuststad med myllrande liv och magnifik arkitektur. De flesta av målningarna skapades i stil med impressionism och klassiker. Riken av färger och förmågan att fylla duken med ljus, som tillhandahålls av den impressionistiska målartekniken, gör att du till fullo kan reflektera andan i denna stad på Neva!
Den fortsatta utvecklingen av det europeiska måleriet förknippas med impressionism. Denna term föddes av en slump. Anledningen var titeln på landskapet av C. Monet "Impression. Sunrise" (se bilaga nr 1, fig. 3) (från det franska intrycket - intryck), som visades på den impressionistiska utställningen 1874. Detta första offentliga framträdande av en grupp artister, som inkluderade C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro och andra, möttes av officiell borgerlig kritik med oförskämd förlöjligande och förföljelse. Det är sant att redan från slutet av 1880-talet plockades de formella teknikerna för deras målning upp av representanter för akademisk konst, vilket gav Degas en anledning att notera bittert: "Vi blev skjutna, men samtidigt genomsöktes våra fickor."
Nu när heta debatter om impressionism är ett minne blott, kommer knappast någon att våga bestrida att den impressionistiska rörelsen var ett ytterligare steg i utvecklingen av det europeiska realistiska måleriet. "Impressionism är först och främst konsten att observera verkligheten som har nått oöverträffad sofistikering" (V.N. Prokofiev). I strävan efter maximal spontanitet och noggrannhet i att förmedla den synliga världen, började de måla främst utomhus och lyfte vikten av skisser från livet, som nästan ersatte traditionell typ målningar omsorgsfullt och långsamt skapade i ateljén.
Genom att konsekvent förtydliga sin palett befriade impressionisterna måleriet från jordnära och bruna lacker och färger. Konventionell "museal" svärta i deras dukar ger vika för ett oändligt varierat spel av reflexer och färgade skuggor. De har utökat möjligheterna oändligt mycket visuella konsterna, avslöjar inte bara en värld av sol, ljus och luft, utan också dimmornas skönhet, den hektiska atmosfären i storstadslivet, spridningen av nattljus och rytmen av kontinuerliga rörelser.
På grund av själva metoden att arbeta i det fria, intog landskapet, inklusive stadslandskapet de upptäckte, en mycket viktig plats i impressionisternas konst. I vilken utsträckning tradition och innovation organiskt smälter samman i impressionisternas konst, bevisas först och främst av den enastående 1800-talsmålaren Edouard Manets (1832-1883) verk. Visserligen ansåg han sig själv inte som en representant för impressionismen och ställde alltid ut separat, men i ideologiska och ideologiska termer var han utan tvekan både föregångare och ideologisk ledare för denna rörelse.
I början av sin kreativa karriär blev E. Manet utfryst (förlöjligande av samhället). I den borgerliga allmänhetens och kritikernas ögon blir hans konst synonymt med det fula, och konstnären själv kallas "en galning som målar en bild, skakar i delirium tremens" (M. de Montifaud) (se bilaga nr 1, Fig. 4). Endast de mest insiktsfulla hjärnorna på den tiden kunde uppskatta Manets talang. Bland dem var Charles Baudelaire och den unge E. Zola, som förklarade att "Mr. Manet är avsedd för en plats i Louvren."
Impressionismen fick sitt mest konsekventa, men också långtgående uttryck i Claude Monets (1840-1926) verk. Hans namn är ofta förknippat med sådana prestationer av denna målningsmetod som överföringen av svårfångade övergångstillstånd av belysning, vibrationen av ljus och luft, deras inbördes förhållande i processen med ständiga förändringar och transformationer. "Detta var utan tvekan en stor seger för den moderna tidens konst", skriver V.N. Prokofiev och tillägger: "Men också dess slutliga seger." Det är ingen slump att Cezanne, om än något polemiskt skärpt sin ståndpunkt, senare hävdade att Monets konst "bara är ögat".
Monets tidiga verk är ganska traditionella. De innehåller fortfarande mänskliga gestalter, som senare alltmer förvandlas till personal och gradvis försvinner från hans målningar. På 1870-talet tog konstnärens impressionistiska stil äntligen form, och från och med nu ägnade han sig helt åt landskapet. Sedan dess har han nästan uteslutande arbetat utomhus. Det är i hans verk som typen av stor målning - skissen - slutligen etableras.
Monet var en av de första som skapade en serie målningar där samma motiv upprepas vid olika tider på året och dygnet, under olika ljus- och väderförhållanden (se bilaga nr 1, bild 5, 6). Alla av dem är inte lika, men de bästa målningarna i dessa serier förvånar med friskheten i deras färger, intensiteten i deras färger och konstnärligheten i deras ljuseffekter.
Under den sena perioden av kreativitet i Monets målning intensifierades tendenserna till dekorativism och platthet. Färgernas ljushet och renhet förvandlas till sin motsats, en sorts vithet uppträder. På tal om de sena impressionisternas missbruk av "lätt ton, förvandla vissa verk till en missfärgad duk," skrev E. Zola: "Och idag finns det inget annat än plein air... bara fläckar kvar: porträttet är bara en fläck, figurer är bara fläckar, bara fläckar.” .
Andra impressionistiska konstnärer var också mestadels landskapsmålare. Deras arbete förblev ofta oförtjänt i skuggorna bredvid den verkligt färgstarka och imponerande gestalten Monet, även om de inte var honom underlägsna i sin vaksamhet över syn på naturen och i sina målarfärdigheter. Bland dem bör namnen på Alfred Sisley (1839-1899) och Camille Pissarro (1831-1903) nämnas först. Verken av Sisley, en engelsman till födseln, kännetecknas av en speciell bildlig elegans. En briljant mästare på plein air, han visste hur man förmedlar den genomskinliga luften från en klar vintermorgon, det lätta diset av solvärmd dimma och moln som rann över himlen en blåsig dag. Dess utbud kännetecknas av dess rikedom av nyanser och trohet i toner. Konstnärens landskap är alltid genomsyrade av en djup stämning, vilket återspeglar hans väsentligen lyriska uppfattning av naturen (se bilaga nr 1, fig. 7, 8, 9).
Det var mer komplicerat kreativ väg Pissarro, den enda konstnären, som deltog i impressionisternas alla åtta utställningar, kallade J. Rewald honom för denna rörelses "patriark". Med början i landskap som liknar Barbizons målning, började han, under inflytande av Manet och hans unga vänner, arbeta utomhus och gradvis lätta upp paletten. Efter hand utvecklar han sin egen impressionistiska metod. Han var en av de första som övergav användningen av svart färg. Pissarro var alltid benägen till ett analytiskt förhållningssätt till måleri, därav hans experiment i färgnedbrytningen - "divisionism" och "pointellism". Han återgår dock snart till det impressionistiska sätt som hans bästa fungerar- underbar serie av stadslandskap i Paris (se bilaga nr 1, fig. 10,11,12,13). Deras komposition är alltid genomtänkt och balanserad, deras målning är förfinad i färg och mästerlig i teknik.
I Ryssland upplystes det urbana landskapet i impressionismen av Konstantin Korovin. "Paris kom som en chock för mig... impressionisterna... i dem såg jag vad jag blev utskälld för i Moskva." Korovin (1861-1939) tillsammans med sin vän Valentin Serov var centrala figurer rysk impressionism. Under den franska rörelsens stora inflytande skapade han sin egen stil, som blandade den franska impressionismens huvudelement med den tidens ryska konsts rika färger (se bilaga nr 1, fig. 15).
18-19 århundraden markerade den europeiska konstens storhetstid. I Frankrike beordrade kejsar Napoleon III återuppbyggnaden av Paris efter fientligheterna under det fransk-preussiska kriget. Paris blev snabbt samma "glänsande stad" som den hade varit under det andra imperiet och utropade sig återigen till centrum för europeisk konst. Därför vände sig många impressionistiska konstnärer till temat den moderna staden i sina verk. I sina verk är den moderna staden inte ett monster, utan ett hemland där människor bor. Många av verken är genomsyrade av en stark känsla av patriotism.
Detta kan särskilt ses i målningarna av Claude Monet. Han skapade mer än 30 målningar med utsikt över Rouens katedral i en mängd olika ljus och atmosfäriska förhållanden. Till exempel, 1894 målade Monet två målningar - "Rouen Cathedral at Noon" och "Rouen Cathedral in the Evening". Båda målningarna föreställer samma fragment av katedralen, men i olika toner - i de varma gulrosa tonerna på middag och i de kalla blåaktiga nyanserna av det döende skymningsljuset. I målningarna löser den färgglada fläcken upp linjen helt, konstnären förmedlar inte stenens materiella vikt, utan så att säga en ljus färgstark gardin.
Impressionisterna försökte få målningen att se ut som ett öppet fönster genom vilket man kan se verkliga världen. Ofta valde de en utsikt från fönstret mot gatan. Den berömda "Boulevard des Capucines" av C. Monet, målad 1873 och visade på den första impressionistiska utställningen 1874, är ett utmärkt exempel på denna teknik. Det finns mycket innovation här - utsikten över en stor stadsgata valdes som motiv för landskapet, men konstnären är intresserad av dess utseende som helhet, och inte dess attraktioner. Hela massan av människor avbildas med glidande drag, på ett generaliserat sätt, där det är svårt att urskilja enskilda figurer.
Monet förmedlar i detta verk ett ögonblickligt, rent visuellt intryck av den knappt märkbara vibrerande luften, av gator, människor och avgående vagnar som går djupare ner i djupet. Det förstör idén om en platt duk, skapar en illusion av rymd och fyller den med ljus, luft och rörelse. Det mänskliga ögat rusar in i oändligheten, och det finns ingen gräns där det kan stanna.
Den höga synvinkeln gör att konstnären kan överge förgrunden och han förmedlar det briljanta solljuset i kontrast till de blålila skuggorna i husen som ligger på gatans trottoar. Monet ger solsidan orange, gyllene-varm, skuggsidan violett, men ett enda ljus-luft-dis ger hela landskapet tonal harmoni, och konturerna av hus och träd kommer fram i luften, genomsyrade av solens strålar.
1872, i Le Havre, målade Monet "Impression. Sunrise" - en vy över hamnen i Le Havre, senare presenterad på impressionisternas första utställning. Här har konstnären, tydligen, äntligen befriat sig från den allmänt accepterade idén om bildobjektet som en viss volym och ägnat sig helt åt att förmedla atmosfärens momentana tillstånd i blå och rosa-orange toner. Faktum är att allt verkar bli immateriellt: Le Havre-piren och fartygen smälter samman med ränderna på himlen och reflektionen i vattnet, och silhuetterna av fiskare och båtar i förgrunden är bara mörka fläckar, gjord med flera intensiva slag. Förkastandet av akademisk teknik, målning i det fria och valet av ovanliga ämnen möttes av fientlighet av den tidens kritiker. Louis Leroy, författare till en rasande artikel som dök upp i tidningen "Charivari", använde för första gången i samband med just denna målning termen "impressionism" som en definition av en ny rörelse inom måleriet.
Ett annat enastående verk tillägnat staden var Claude Monets målning "Gare Saint-Lazare". Monet målade över tio målningar baserade på tågstationen i Saint-Lazare, varav sju ställdes ut på den tredje impressionistiska utställningen 1877.
Monet hyrde en liten lägenhet på Monsey Street, nära stationen. Konstnären fick fullständig handlingsfrihet. Tågens rörelse stannade ett tag, och han kunde tydligt se perrongerna, ugnarna på rykande lok, som var fyllda med kol - så att ånga skulle strömma ut ur skorstenarna. Monet "bosatte sig" bestämt på stationen, passagerare såg honom med respekt och vördnad.
Eftersom stationens utseende hela tiden förändrades gjorde Monet bara skisser på plats, och utifrån dem i ateljén målade han själva tavlorna. På duken ser vi en stor järnvägsstation, täckt med en baldakin monterad på järnstolpar. Det finns plattformar till vänster och höger: ett spår är avsett för pendeltåg, det andra för fjärrtåg. Den speciella atmosfären förmedlas genom kontrasten av svag belysning inuti stationen och det ljusa, bländande gatubelysningen. Plymer av rök och ånga spridda över hela duken balanserar de kontrasterande ränderna av belysning. Rök sipprar överallt, glödande moln virvlar mot byggnaders svaga silhuetter. Tjock ånga verkar ge form åt de massiva tornen och täcker dem med en lätt slöja, som det tunnaste spindelnätet. Bilden är målad i milda dämpade toner med subtila nyansövergångar. Snabba, precisa drag i form av kommatecken, karakteristiska för den tiden, uppfattas som en mosaik, betraktaren får intrycket att ångan antingen försvinner eller kondenserar.
En annan representant för impressionisterna, C. Pissarro, älskade, precis som alla impressionister, att måla staden, vilket fängslade honom med dess oändliga rörelse, luftströmmar och ljusets spel. Han uppfattade det som en levande, rastlös organism, kapabel att förändras beroende på årstiden och graden av belysning.
På vintern och våren 1897 arbetade Pissarro på en serie målningar som kallas "Boulevards of Paris". Dessa verk väckte berömmelse till konstnären och väckte uppmärksamhet från kritiker som förknippade hans namn med den divisionistiska rörelsen. Konstnären gjorde skisser till serien från fönstret på ett hotellrum i Paris och avslutade arbetet med målningarna i sin ateljé i Eragny i slutet av april. Denna serie är den enda i Pissarros verk där konstnären försökte fånga olika väder- och solljusförhållanden med maximal noggrannhet. Till exempel målade konstnären 30 målningar som föreställer Montmartre Boulevard och tittade på den från samma fönster.
I målningarna "Boulevard Montmartre i Paris" förmedlade mästare C. Pissarro mästerligt rikedomen av atmosfäriska effekter, den färgstarka komplexiteten och subtiliteten hos en molnig dag. Stadslivets dynamik, så övertygande förkroppsligad av målarens snabba pensel, skapar en bild av en modern stad - inte ceremoniell, inte officiell, utan upphetsad och levande. Stadslandskapet blev huvudgenren i denna enastående impressionists arbete - "Paris sångare".
Frankrikes huvudstad intar en speciell plats i Pissarros verk. Konstnären bodde ständigt utanför staden, men Paris lockade honom envist. Paris fängslar honom med sin oupphörliga och universella rörelse - fotgängares gång och vagnskörning, luftströmmars flöde och ljusets spel. Pissarros stad är inte en lista över anmärkningsvärda hus som kom in i konstnärens synfält, utan en levande och rastlös organism. Fängslade av detta liv inser vi inte banaliteten i byggnaderna som utgör Boulevard Montmartre. Konstnären finner en unik charm i Grand Boulevards rastlöshet. Pissarro erövrade Montmartre Boulevard som morgon och dag, kväll och natt, solbelyst och grå, och tittade på den från samma fönster. Ett tydligt och enkelt motiv av en gata som sträcker sig i fjärran skapar en tydlig kompositionsgrund som inte förändras från duk till duk. Cykeln av dukar som målades året efter från Louvrens fönster konstruerades helt annorlunda. I ett brev till sin son när han arbetade med cykeln betonade Pissarro den här platsens annorlunda karaktär än Boulevarderna, det vill säga torget i den franska teatern och det omgivande området. Faktum är att allt där rusar längs gatans axel. Här korsar torget, som fungerade som ändhållplatsen för flera omnibuslinjer, som mest olika riktningar, och istället för ett brett panorama med ett överflöd av luft, presenteras våra ögon med ett slutet förgrundsutrymme.
"Den nya världen föddes när impressionisterna målade den"
Henri Kahnweiler
XIX århundradet. Frankrike. Något oöverträffat hände i måleriet. En grupp unga konstnärer bestämde sig för att skaka 500-åriga traditioner. Istället för en tydlig ritning använde de ett brett, "slarvigt" slag.
Och de övergav helt de vanliga bilderna och föreställde alla i rad. Och damer med lätt dygd och herrar med tvivelaktigt rykte.
Allmänheten var inte redo för impressionistisk målning. De blev förlöjligade och skällde ut. Och viktigast av allt, de köpte ingenting från dem.
Men motståndet bröts. Och några impressionister levde för att se deras triumf. Visserligen var de redan över 40. Som Claude Monet eller Auguste Renoir. Andra väntade på erkännande först i slutet av sina liv, som Camille Pissarro. Vissa levde inte för att se honom, som Alfred Sisley.
Vilken revolution utförde var och en av dem? Varför tog allmänheten så lång tid att acceptera dem? Här är de 7 mest kända franska impressionisterna som är kända för hela världen.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet. Självporträtt med palett. 1878 Privat samlingManet var äldre än de flesta impressionisterna. Han var deras främsta inspiration.
Manet själv gjorde inte anspråk på att vara revolutionärernas ledare. Han var socialist. Jag drömde om officiella utmärkelser.
Men han väntade väldigt länge på ett erkännande. Allmänheten ville i värsta fall se grekiska gudinnor eller stilleben så att de skulle se vackra ut i matsalen. Manet ville skriva modernt liv. Till exempel kurtisaner.
Resultatet blev "Frukost på gräset." Två dandies kopplar av i sällskap med damer av lätt dygd. En av dem, som om ingenting hade hänt, sitter bredvid de klädda männen.
Edouard Manet. Frukost på gräset. 1863, Paris Jämför hans Luncheon on the Grass med Thomas Coutures Romans in Decline. Coutures målning skapade en sensation. Konstnären blev omedelbart känd.
"Frukost på gräset" anklagades för vulgaritet. Gravida kvinnor rekommenderades absolut inte att titta på henne.
Thomas Couture. Romarna i sin nedgång. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru I Coutures målning ser vi akademismens alla attribut (traditionellt måleri från 1500-1800-talen). Kolumner och statyer. Människor med apollonskt utseende. Traditionella dämpade färger. Maner av poser och gester. En handling från ett helt annat folks avlägsna liv.
"Breakfast on the Grass" av Manet är av ett annat format. Före honom hade ingen avbildat kurtisaner så lätt. Nära respektabla medborgare. Även om många män på den tiden tillbringade sin fritid på detta sätt. Det var verkliga livet riktiga människor.
En gång porträtterade jag en respektabel dam. Ful. Han kunde inte smickra henne med en pensel. Damen blev besviken. Hon lämnade honom i tårar.
Edouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. Wikimedia.commons.org Så han fortsatte att experimentera. Till exempel med färg. Han försökte inte avbilda den så kallade naturliga färgen. Om han såg gråbrunt vatten som ljusblått, så avbildade han det som ljusblått.
Detta irriterade förstås publiken. "Även Medelhavet kan inte skryta med att vara så blått som Manets vatten", skämtade de.
Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Museum of Fine Arts, Tournai, Belgien. Wikipedia.org Men faktum förblir ett faktum. Manet ändrade radikalt syftet med målningen. Målningen blev förkroppsligandet av konstnärens individualitet, som målar som han vill. Att glömma mönster och traditioner.
Innovationer var inte förlåtna på länge. Han fick erkännande först i slutet av sitt liv. Men han behövde det inte längre. Han dog smärtsamt av en obotlig sjukdom.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Självporträtt i basker. 1886 Privat samling Claude Monet kan kallas läroboksimpressionist. Eftersom han var trogen denna riktning under hela sitt långa liv.
Han målade inte föremål och människor, utan en enda färgkonstruktion av höjdpunkter och fläckar. Separata slag. Luftskakningar.
Claude Monet. plaskdamm. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org Monet målade inte bara naturen. Han var också framgångsrik i stadslandskap. En av de mest kända - .
Det är mycket fotografi i den här bilden. Till exempel förmedlas rörelse genom en suddig bild.
Observera: avlägsna träd och figurer verkar vara i ett dis.
Claude Monet. Boulevard des Capucines i Paris. 1873 (Gallery of European and American Art of the 19th-20th century), Moskva Framför oss ligger ett fruset ögonblick i Paris livliga liv. Ingen iscensättning. Ingen poserar. Människor avbildas som en samling penseldrag. Sådan brist på handling och "frysram"-effekten är huvuddragen i impressionismen.
I mitten av 80-talet blev konstnärer desillusionerade av impressionismen. Estetik är förstås bra. Men bristen på handling deprimerade många.
Bara Monet fortsatte att framhärda och överdrev impressionismen. Detta utvecklades till en serie målningar.
Han skildrade samma landskap dussintals gånger. Vid olika tider på dygnet. Vid olika tider på året. Att visa hur temperatur och ljus kan förändra samma art till oigenkännlighet.
Så här dök otaliga höstackar ut.
Målningar av Claude Monet på Museum of Fine Arts i Boston. Vänster: Höstackar vid solnedgången i Giverny, 1891. Höger: Höstack (snöeffekt), 1891.
Observera att skuggorna i dessa målningar är färgade. Och inte grått eller svart, som det var brukligt innan impressionisterna. Detta är en annan av deras uppfinningar.
Monet lyckades njuta av framgång och materiellt välbefinnande. Redan efter 40 glömde han bort fattigdomen. Fick ett hus och en vacker trädgård. Och han skapade för sitt eget nöje långa år.
Läs om mästarens mest ikoniska målning i artikeln
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Självporträtt. 1875 Sterling och Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impressionism är den mest positiva målningen. Och den mest positiva bland impressionisterna var Renoir.
Du hittar ingen dramatik i hans målningar. Han använde inte ens svart färg. Bara glädjen att vara. Även de mest banala sakerna i Renoir ser vackra ut.
Till skillnad från Monet målade Renoir människor oftare. Landskapen var mindre viktiga för honom. I målningarna kopplar hans vänner och bekanta av och njuter av livet.
Pierre-Auguste Renoir. Roddarfrukost. 1880-1881 Phillips Collection, Washington, USA. Wikimedia.commons.org Du kommer inte att hitta något djupt i Renoir. Han var mycket glad över att ansluta sig till impressionisterna, som helt övergav ämnen.
Som han själv sa har han äntligen möjlighet att måla blommor och kalla dem helt enkelt "Blommor". Och hitta inte på några historier om dem.
Pierre-Auguste Renoir. Kvinna med ett paraply i trädgården. 1875 Thyssen-Bormenis Museum, Madrid. arteuam.com Renoir mådde bäst i kvinnors sällskap. Han bad sina pigor att sjunga och skämta. Ju dummare och mer naiv låten var, desto bättre för honom. Och mäns prat tröttade honom. Det är inte förvånande att Renoir är känd för sina nakenmålningar.
Modellen på målningen "Naken i solljus" verkar framstå mot en färgstark abstrakt bakgrund. För för Renoir är ingenting sekundärt. Modellens öga eller en del av bakgrunden är likvärdiga.
Pierre-Auguste Renoir. Naken i solljus. 1876 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org Renoir levde ett långt liv. Och jag lägger aldrig ner min pensel och palett. Även när hans händer var helt fjättrade av reumatism, band han borsten vid handen med ett rep. Och han ritade.
Liksom Monet väntade han på erkännande efter 40 år. Och jag såg mina målningar i Louvren, bredvid verk av kända mästare.
Läs om ett av de mest charmiga porträtten av Renoir i artikeln
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Självporträtt. 1863 Calouste Gulbenkian-museet, Lissabon, Portugal. cultured.com Degas var inte en klassisk impressionist. Han gillade inte att arbeta utomhus (utomhus). Du kommer inte hitta en medvetet lättad palett med honom.
Tvärtom älskade han en tydlig linje. Han har mycket svart. Och han arbetade uteslutande i studion.
Men ändå ställs han alltid på rad med andra stora impressionister. För att han var en gests impressionist.
Oväntade vinklar. Asymmetri i arrangemanget av föremål. Karaktärer överraskade. Dessa är huvudattributen för hans målningar.
Han stoppade livets ögonblick och lät inte karaktärerna komma till sinnes. Se bara på hans "Operaorkester".
Edgar Degas. Operaorkester. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org I förgrunden finns en stolsrygg. Musikerns rygg är till oss. Och i bakgrunden passade inte ballerinorna på scenen in i "ramen". Deras huvuden är skoningslöst "avskurna" vid kanten av bilden.
Så hans favoritdansare är inte alltid avbildade i vackra poser. Ibland stretchar de bara.
Men sådan improvisation är inbillad. Naturligtvis tänkte Degas noga igenom kompositionen. Detta är bara en frysrameffekt, inte en riktig frysram.
Edgar Degas. Två balettdansare. 1879 Shelburne Museum, Vermouth, USA Edgar Degas älskade att måla kvinnor. Men sjukdom eller egenskaper hos kroppen tillät honom inte att ha fysisk kontakt med dem. Han har aldrig varit gift. Ingen har någonsin sett honom med en dam.
Frånvaro verkliga historier i hans personliga liv lade han en subtil och intensiv erotik till hans bilder.
Edgar Degas. Balettstjärna. 1876-1878 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org Observera att i målningen "Ballet Star" är endast ballerinan själv avbildad. Hennes kollegor bakom kulisserna syns knappt. Bara några ben.
Det betyder inte att Degas inte färdigställde målningen. Det här är mottagningen. Håll bara det viktigaste i fokus. Få resten att försvinna, oläsligt.
Läs om andra målningar av mästaren i artikeln
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edouard Manet. Porträtt av Berthe Morisot. 1873 Marmottan-Monet Museum, Paris. Berthe Morisot placeras sällan i första rangen av de stora impressionisterna. Jag är säker på att det är oförtjänt. Det är i hennes arbete som du hittar impressionismens alla huvuddrag och tekniker. Och om du gillar den här stilen kommer du att älska hennes arbete av hela ditt hjärta.
Morisot arbetade snabbt och häftigt och överförde sina intryck till duken. Figurerna verkar vara på väg att lösas upp i rymden.
Berthe Morisot. Sommar. 1880 Fabray Museum, Montpellier, Frankrike. Liksom Degas lämnade hon ofta vissa detaljer ofärdiga. Och även delar av modellens kropp. Vi kan inte skilja flickans händer i målningen "Sommar".
Morisots väg till självuttryck var svår. Inte bara ägnade hon sig åt "vårdslöst" måleri. Hon var fortfarande en kvinna. På den tiden var det meningen att en kvinna skulle drömma om äktenskap. Varefter alla hobbyer glömdes bort.
Därför vägrade Bertha äktenskap under lång tid. Tills hon hittade en man som respekterade hennes yrke. Eugene Manet var bror till konstnären Edouard Manet. Han bar plikttroget ett staffli och målar bakom sin fru.
Berthe Morisot. Eugene Manet med sin dotter i Bougival. 1881 Marmottan-Monet Museum, Paris. Men ändå var detta på 1800-talet. Nej, jag bar inte Morisot-byxor. Men hon hade inte råd med fullständig rörelsefrihet.
Hon kunde inte gå till parken för att arbeta ensam, utan att ha sällskap av någon i hennes närhet. Jag kunde inte sitta ensam på ett café. Därför är hennes målningar av personer från familjekretsen. Man, dotter, släktingar, barnskötare.
Berthe Morisot. En kvinna med ett barn i en trädgård i Bougival. 1881 Nationalmuseum Wales, Cardiff. Morisot väntade inte på erkännande. Hon dog vid 54 års ålder av lunginflammation, utan att sälja nästan något av sitt arbete under sin livstid. På hennes dödsattest stod det ett streck i kolumnen "yrke". Det var otänkbart att en kvinna skulle kallas konstnär. Även om hon faktiskt var det.
Läs om mästarens målningar i artikeln
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Självporträtt. 1873 Musée d'Orsay, Paris. Wikipedia.org Camille Pissarro. Icke-konflikt, rimligt. Många uppfattade honom som en lärare. Inte ens de mest temperamentsfulla kollegorna talade illa om Pissarro.
Han var en trogen anhängare av impressionismen. I stor nöd, med fru och fem barn, arbetade han fortfarande hårt i sin favoritstil. Och han gick aldrig över till salongsmålning för att bli mer populär. Det är inte känt var han fick styrkan att helt tro på sig själv.
För att inte alls dö av hunger målade Pissarro fläktar, som ivrigt köptes upp. Men verkligt erkännande kom till honom efter 60 år! Sedan kunde han äntligen glömma sitt behov.
Camille Pissarro. Diligens i Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris Luften i Pissarros målningar är tjock och tät. En extraordinär blandning av färg och volym.
Konstnären var inte rädd för att måla de mest föränderliga naturfenomen, som dyker upp för ett ögonblick och försvinner. Först snö, frostig sol, långa skuggor.
Camille Pissarro. Glasera. 1873 Musée d'Orsay, Paris Hans mest kända verk är utsikter över Paris. Med breda boulevarder och en myllrande brokig skara. På natten, på dagen, i olika väder. På något sätt återspeglar de en serie målningar av Claude Monet.
