Return of the Prodigal Son: målningar och ikoner. Berättelsen om en målning Rembrandt
Rembrandt. Den förlorade sonens återkomst. 1668 Statens Eremitagemuseum , Sankt Petersburg.
"Den förlorade sonens återkomst" Den gamle fadern fann lugnet igen. Hans yngste son har kommit tillbaka. Han tvekar inte att förlåta honom för hans bortkastade arv. Inga förebråelser. Bara nåd. Allförlåtande faderskärlek.
Och hur är det med sonen? Han nådde extrem förtvivlan. Tiggare och trasig glömde han stoltheten. Han föll på knä. Känner en otrolig lättnad. För att han blev accepterad.
Rembrandt skrev "Den förlorade sonen" några månader före sin död. Detta är kulmen på hans kreativitet. Hans främsta mästerverk. Framför vilken en folkmassa samlas varje dag. Vad är det som lockar folk så mycket?
Särskild tolkning av liknelsen
Före oss är en handling från en biblisk liknelse. Fadern hade två söner. Den yngre krävde en del av sitt arv. Efter att ha fått lätta pengar gick han för att se världen och njuta av livet. Fester, kortspel, mycket sprit. Men pengarna försvann snabbt. Det fanns inget kvar att leva på.
Nästa - hunger, kyla, förnedring. Han anställde sig själv som svinskötare. Att äta grismat. Men det här livet visade sig vara så hand i mun att sonen förstod. Enda utvägen är att återvända till min far. Och han kommer att be om att få vara hans arbetare. De är trots allt mer välnärda än han, hans egen son.
Och här är han hemma hos sin far. Träffar sin pappa. Det var detta ögonblick av liknelsen som många konstnärer valde för sina målningar. Men Rembrandts verk är helt annorlunda än hans samtidas verk.
Ta en titt på Jan Steens målning.
Jan Steen. Den förlorade sonens återkomst. 1668-1670 Privat samling. wikiart.org Till skillnad från Rembrandt var Jan Steen väldigt populär. För det motsvarade helt och hållet kundernas smaker på den tiden. Som ville se kul. Ditt goda och välnära liv.
Därav fruktkorgen på kvinnans huvud. Och en kalv, som den förtjusta fadern beordrade att slaktas i samband med att hans son kom tillbaka. Och de blåser till och med i hornet. För att meddela grannarna om en glädjefylld händelse i familjen.
Jämför nu denna vardagliga scen med en målning av Rembrandt. Som inte lagt till mindre detaljer. Vi ser inte ens vår sons ansikte. Rembrandt gör allt för att vi ska fokusera på huvudsaken. Om huvudkaraktärernas känslor.
Liknande smaker rådde i andra länder. Konstnärerna lade till spektakulära detaljer. Således målade den spanska konstnären Murillo till och med kläder på en bricka. Som fadern beordrade att ge till sin återvändande son.
Vi ser också samma stackars kalv. Som de vill förbereda till ära av en glädjefylld händelse.
Murillo. Den förlorade sonens återkomst. 1667-1670 National Gallery Washington, USA. nga.org Kan du föreställa dig denna kalv av Rembrandt?
Självklart inte. Rembrandts målning handlar om något helt annat. Inte om generositetens yttre egenskaper. Och om faderns inre känslor.
Det är mycket svårare att förmedla detta. Men Rembrandt lyckas så bra att alla yttre attribut verkar löjliga. Det här är hans geni.
Rembrandts teknik
Rembrandt är helt fokuserad på rendering inre värld deras hjältar. Detta återspeglas i hans teknik. Vi ser inget standardfärgschema. Vi ser en fusion av röda, bruna och gyllene nyanser.
Målardragen appliceras abrupt, som om de är slarvigt. Konstnären döljer dem inte. Ingen sliskighet.
Chiaroscuro på bilden är också ovanlig. Huvudpersonerna är upplysta av en svag ljuskälla. Den ljusaste punkten är min fars panna. Det är skymning runt om. Som bleknar till nästan beckmörker i bakgrunden. Sådana övergångar från ljus till skugga tillför emotionalitet.
Testa dig själv: gör onlinetestet
Ner med yttre skönhet
Rembrandt brydde sig inte yttre skönhet person. Hans förlorade son plågas verkligen av livet. Hans utseende är obehagligt. Hål i ryggen. Slitna fötter. Bar skalle.
Rembrandt. Den förlorade sonens återkomst. Fragment. 1669 Statens Eremitagemuseum Titta nu på den förlorade sonen Nikolai Losev.
Ja, hans kläder är utslitna. Till och med för mycket. Detta är mer en teatralisk egenskap. Falskt såklart. När allt kommer omkring, under denna håliga trasa finns en muskulös, vacker kropp. Välhårig också. Fadern i vita dräkter ser ut som en sagoprofet. Väldigt vacker. Till och med hunden är vacker.
Nikolay Losev. Den förlorade sonens återkomst. 1882 National Art Museum of Republic of Vitryssland. Wikipedia.org Jämför nu denna målning med Rembrandts verk. Och du kommer att förstå vem som kom ut mer sanningsenligt. Mer känslomässigt.
Rembrandts personliga tragedi
Rembrandt skapade "The Prodigal Son" omedelbart efter tragedin som drabbade honom. Hans son Titus dog. Han var knappt 26 år gammal.
Han föddes från sin första fru. Älskade Saskia. Som dog när pojken var 10 månader gammal. Barnet var mycket välkommet. Före honom förlorade paret tre barn i spädbarnsåldern.
Titus var en mycket kärleksfull son. Han trodde på sin fars genialitet. Och han gjorde allt för att hans far fortsatte att skapa.
Rembrandt. Titus som munk. 1660 Rijksmuseum, Amsterdam. Wikipedia.org Efter att borgenärerna tagit bort Rembrandts hus och hans rika samling, var han tvungen att flytta till utkanten av staden.
Titus, knappt vuxen, organiserade ett företag som sålde målningar. Min fars målningar sålde dåligt. Sonen bytte målningar av andra konstnärer. Så att pappa kunde arbeta lugnt i sin verkstad.
Skapandedatum: 1666–1669.
Typ: olja på duk.
Plats: Hermitage, St. Petersburg.
Detta mästerverk av biblisk konst bekräftar återigen Rembrandts status som en av de bästa konstnärerna genom tiderna och en utmärkt mästare i att skildra religiösa ämnen. Färdigställd under de sista åren av författarens liv, målningen skildrar en scen från en liknelse berättad i Lukasevangeliet, där fadern (personifierar Herren) förlåter alla synder av sin förlorade son.
Historisk referens
Den religiösa ikonoklasmen som följde på befrielsen av Holland från Spaniens och den katolska kyrkans koloniala ok resulterade i kyrkor med kala väggar, avsedda för predikningar och böner. De holländska myndigheterna hade ingen lust att dekorera altare och kyrkor med fresker, målningar eller någon annan form av konst. Istället blev landet känt för målerivärlden för sina realistiska målningar, inklusive porträtt och stilleben (särskilt Vanitas). Alla dessa verk innehöll olika moralistiska budskap. Det är inte förvånande att holländarna kom till "protestantisk konst". Det är just den typen av protestantisk konstnär han blev Rembrandt.
Även om det i Holland inte längre fanns något behov av kristen konst och altarkonst, med bilder av helgon, ärkeänglar, martyrer, rättfärdiga män, som den flamländska mästaren Peter Paul Rubens verk, var publiken fortfarande intresserad av teman från Gamla testamentet, full av dramatiska händelser och den bildade Rembrandt, med god kunskap bibliska berättelser, har upprepade gånger skapat verk baserade på berättelser från denna bok.
Den förlorade sonens återkomst
En av mästarens sista målningar innehåller inte hans karaktäristiska dynamik. Liksom den gammaltestamentliga patriarken lägger fadern sina händer på den ångerfulles axlar, rakad och klädd i sjaskiga kläder. Hans gester åtföljs av tystnad, hans ögon är halvslutna. Förlåtelsen blir både en välsignelse och en försoning för synder, med hänvisning till idéerna om syndares förlåtelse i kristendomen. Den här bilden är extremt andlig och fri från alla anekdotiska aspekter. Den ångermans äldre bror, som stod till höger, enligt den ursprungliga källan, förebråade sin far, eftersom han själv tjänade honom i många år, utan att bryta buden, medan den förlorade sonen slösade bort pengar och betedde sig olämpligt, men Rembrandt lämnade detta samtalet åt sidan, fördjupa handlingen i fullständig tystnad. Rembrandt hade behandlat temat den förlorade sonen tidigare, som gravör, och även skapat skisser och teckningar, men i denna monumentala version kan man se den mest rörande och psykologiskt komplexa konfrontationen mellan bröderna. Den lysande Rembrandt återspeglar perfekt den förlorade sonens uppriktighet, såväl som känslorna hos en kärleksfull och barmhärtig far. En varm och harmonisk färgpalett, inklusive nyanser av ockra, guld, oliv och scharlakansröda toner, skapar en extraordinär känsla av lugn och ömhet.Return of the Prodigal Son, ca. 1666-69
"Den förlorade sonens återkomst" - berömd målning Rembrandt baserad på Nya testamentets liknelse om den förlorade sonen.
En man hade två söner; och den yngste av dem sade till sin far: Fader! ge mig nästa del av boet. Och fadern delade godset åt dem. Efter några dagar gick den yngste sonen, efter att ha samlat allt, till en annan sida och slösade bort sin egendom och levde upplöst. När han hade genomlevt allt, uppstod en stor hungersnöd i det landet, och han började vara i nöd; och han gick och tilltalade en av invånarna i det landet, och han sände honom till sina åkrar för att beta grisar; och han var glad över att fylla sin buk med de horn som grisarna åt, men ingen gav honom det. När han kom till besinning, sade han: "Hur många av min fars hyrestjänare har gott om bröd, men jag dör av hunger; Jag ska resa mig upp och gå till min far och säga till honom: Fader! Jag har syndat mot himlen och inför dig och är inte längre värdig att kallas din son; acceptera mig som en av dina hyrda tjänare.
Han reste sig upp och gick till sin far. Och medan han ännu var långt borta, såg hans far honom och förbarmade sig; och sprang, föll honom om halsen och kysste honom. Sonen sade till honom: Fader! Jag har syndat mot himlen och inför dig och är inte längre värdig att kallas din son. Och fadern sade till sina tjänare: Tag med den bästa manteln och kläd honom, och sätt en ring på hans hand och sandaler på hans fötter; och tag fram gödkalven och slakt den; Låt oss äta och ha kul! Ty denna min son var död och lever igen, han var förlorad och hittas. Och de började ha kul.
Hans äldste son var på fältet; och när han återvände, när han närmade sig huset, hörde han sång och fröjd; och ropade på en av tjänarna och frågade: vad är detta? Han sade till honom: "Din bror har kommit, och din far har slaktat gödkalven, eftersom han tog emot honom frisk." Han blev arg och ville inte gå in. Hans pappa kom ut och ropade på honom. Men han svarade sin far: Se, jag har tjänat dig i så många år och har aldrig brutit mot dina befallningar, men du gav mig aldrig ens ett barn så att jag kunde ha roligt med mina vänner; och när denna son till dig, som hade slösat bort sin rikedom med skökor, kom, slog du gödkalven åt honom. Han sade till honom: Min son! Du är alltid med mig, och allt som är mitt är ditt, och det var nödvändigt att glädjas och glädjas över att denna din bror var död och kom till liv, var förlorad och hittades.
Lukas 15:11-32
Handlingen i bilden
Målningen skildrar det sista avsnittet av liknelsen, när den förlorade sonen återvänder hem, ”och medan han fortfarande var långt borta såg hans far honom och hade medlidande; och sprang, föll honom om halsen och kysste honom”, och hans äldre rättfärdige bror, som blev kvar hos sin far, blev arg och ville inte komma in.
Beskrivning
Detta är Rembrandts största målning på ett religiöst tema. Till skillnad från sina föregångare Durer och Luke av Leiden, som skildrade den förlorade sonen festande antingen i upplöst sällskap eller med grisar, fokuserade Rembrandt på liknelsens kärna - mötet mellan far och son och förlåtelse.
Flera personer samlades på en liten yta framför huset. På bildens vänstra sida avbildas en knästående förlorad son med ryggen mot betraktaren. Hans ansikte är inte synligt, hans huvud är skrivet i profil perdu. Fadern rör försiktigt vid sonens axlar och kramar honom. Målningen är ett klassiskt exempel på en komposition där det viktigaste är starkt förskjutet från bildens centrala axel för att mest exakt avslöja verkets huvudidé. "Rembrandt lyfter fram det viktigaste i bilden med ljus och fokuserar vår uppmärksamhet på det. Kompositionscentrumet ligger nästan i kanten av bilden. Konstnären balanserar kompositionen med figuren av sin äldste son som står till höger. Att placera det huvudsakliga semantiska centret på en tredjedel av avståndet i höjd motsvarar lagen om det gyllene snittet, som konstnärer har använt sedan urminnes tider för att uppnå den största uttrycksfullheten i sina skapelser."
Den förlorade sonens huvud, rakat som en fångs, och hans trasiga kläder tyder på hans fall. Kragen behåller en antydan av tidigare lyx. Skorna är utslitna, och en berörande detalj är att den ena föll när sonen knäböjde. I djupet kan man urskilja en veranda och bakom den ens fars hus. Mästaren placerade huvudfigurerna i korsningen mellan de bildliga och verkliga utrymmena (senare placerades duken längst ner, men enligt författarens plan låg dess nedre kant i nivå med tårna på den knästående sonen). ”Rymdens djup förmedlas av en konsekvent försvagning av ljus och skugga och färgkontraster, med början från förgrunden. I själva verket är det byggt av figurer av vittnen till scenen för förlåtelse, som gradvis upplöses i skymningen.” ”Före oss ligger en decentraliserad sammansättning med huvudgruppen (händelsenoden) till vänster och en cesur som skiljer den från gruppen av vittnen till händelsen till höger. Händelsen får deltagarna i scenen att reagera olika. Tomten är byggd enligt kompositionsschemat "respons".
Förutom far och son föreställer bilden ytterligare 4 karaktärer. Det är mörka silhuetter som är svåra att urskilja mot en mörk bakgrund, men vilka de är förblir ett mysterium. Vissa kallade dem huvudpersonens "bröder och systrar". Det är karakteristiskt att Rembrandt undviker konflikt: liknelsen talar om en lydig sons svartsjuka, och bildens harmoni störs inte på något sätt.
Eremitagemedarbetaren Irina Linnik menar att Rembrandts duk har en prototyp i ett träsnitt av Cornelis Antonissen (1541), där även en knästående son och far är avbildade omgivna av figurer. Men på gravyren är dessa figurer inskrivna - Tro, hopp, kärlek, omvändelse och sanning. I himlen står gravyren "Gud" på grekiska, hebreiska och latin. En röntgenbild av Eremitagemålningen visade den initiala likheten mellan Rembrandts målning och detaljerna i den nämnda gravyren. En direkt analogi kan dock inte dras - bilden har bara en avlägsen likhet med en av Antonissens allegorier (den längsta och nästan försvinnande i mörkret), som liknar en allegori om kärlek, och dessutom har en röd medaljong i formen av ett hjärta. Kanske är detta en bild av den förlorade sonens mor.
De två figurerna i bakgrunden, placerade i mitten (uppenbarligen kvinna, kanske en piga eller annan personifierad allegori; och manlig), är svårare att gissa. Den sittande unge mannen med mustasch, om du följer liknelsens handling, kan vara den andra, lydiga brodern. Det finns spekulationer om att den andra brodern faktiskt är den tidigare "kvinnliga" figuren som kramar kolumnen. Dessutom kanske detta inte bara är en kolumn - till formen liknar den pelaren i Jerusalemtemplet och kan mycket väl symbolisera Lagens pelare, och det faktum att den rättfärdige brodern gömmer sig bakom den får en symbolisk betydelse.
Forskarnas uppmärksamhet uppmärksammas på figuren av det sista vittnet, placerad till höger i bilden. Hon leker viktig roll i kompositionen och skriven nästan lika ljust som den huvudsakliga tecken. Hans ansikte uttrycker sympati, och resekappan han har på sig och staven i händerna antyder att han, liksom den förlorade sonen, är en ensam vandrare. Den israeliska forskaren Galina Luban tror att denna bild är förknippad med figuren av den evige juden. Enligt andra antaganden är han den äldste sonen, vilket inte sammanfaller med åldersbeskrivningen av Nya testamentets karaktär, även om han också är skäggig och klädd som sin far. Men denna rika klädsel är också ett vederläggande av versionen, eftersom han enligt evangeliet, efter att ha hört om sin brors återkomst, kom springande direkt från fältet, där han troligen var i arbetskläder. Vissa forskare ser i denna figur ett självporträtt av Rembrandt själv.
Det finns också en version att de två figurerna på höger sida av bilden: en ung man i basker och en stående man är samma far och son som är avbildade på andra halvan, men bara innan den förlorade sonen lämnar huset mot fest. Sålunda verkar duken kombinera två kronologiska planer. Det har föreslagits att dessa två figurer är en bild av publikanen och fariséen från evangeliets liknelse.
I profil, i form av en basrelief, på höger sida om det stående vittnet, avbildas en musiker som spelar flöjt. Hans figur påminner kanske om musiken som om några ögonblick kommer att fylla hans fars hus med ljud av glädje.
Skapelsens omständigheter
Etsning från 1636
Detta är inte konstnärens enda verk i detta ämne, även om han skapade verk med en annan komposition. 1636 skapade han en etsning och 1642 en teckning (Teyler Museum i Haarlem).
Ritning från 1642
1635 skapade han målningen "Självporträtt med Saskia på knäna", som återspeglade en episod av legenden om den förlorade sonen som slösade bort sin fars arv.
Omständigheterna kring målningen är mystiska. Det tros ha skrivits in Förra året en konstnärs liv. Ändringar och korrigeringar av målningens ursprungliga koncept, märkbara på röntgen, indikerar dukens äkthet.
Den traditionella dateringen av 1668-1669 anses dock vara kontroversiell av vissa. Konsthistorikerna G. Gerson och I. Linnik föreslog att målningen skulle dateras till 1661 eller 1663.
Självporträtt med Saskia i knät
Barockmålning
Målning av den holländska målaren Rembrandt van Rijn "The Return of the Prodigal Son". Målningsstorlek 262 x 205 cm, olja på duk. Från hertig Antoine d'Ansezyuns samling i Paris 1766. Används upprepade gånger av Rembrandt i gravyrer, teckningar och målningar, liknelsen om den förlorade sonen är i centrum för förståelsen av mänskligheten som Bergspredikanens anda personifierar, med sin poetiska dialektik av synd och omvändelse, tillit till tillit och frälsande kärlek till sin nästa, med sin antidogmatiska, effektivt sprängande liv, verkligt kreativa solidaritet. Därför är det inte förvånande att denna liknelse blev Rembrandts närmaste tema.
Den här bilden kröner honom utan tvekan senare kreativitet och strävanden, om sonens ångerfulla återkomst, om faderns osjälviska förlåtelse, avslöjar tydligt och övertygande historiens djupa mänsklighet. (Dateringen är dock kontroversiell; istället för 1668-1669 gjordes ett förslag av konsthistorikerna G. Gerson och I. Linnik att datera målningen till 1661 eller 1663). Bilden domineras av "bara en figur - fadern, avbildad framifrån, med en bred, välsignande gest av sina händer, som han placerar nästan symmetriskt på sin sons axlar. Denne, avbildad från baksidan, knäböjer framför sin far och bildar med honom en monumental grupp som kunde gjutas i brons. Ingenstans har den förenande mänskliga kraften hos monumentala former demonstrerats med en sådan känsla. Fadern är en värdig gammal man, med ädla drag, klädd i kungligt klingande röda dräkter.
Men även denna monumentalitet i Rembrandt sönderfaller, sköljd bort av en mäktig ström av mänsklighet som hälls på detta till synes så hårt svetsade block. Från faderns ädla huvud, från hans dyrbara dräkt, vår blick går ner till det avklippta huvudet, sonens kriminella skalle, till hans trasor som slumpmässigt hänger på hans kropp, till hans fotsulor, djärvt utsatta för betraktaren, blockerar hans sikt... Gruppen kapsejsar på toppen. En far som lägger händerna på sin sons smutsiga skjorta som om han utför ett heligt sakrament, överväldigad av djupet av känslor, han borde hålla om sin son såväl som om honom...
Brödernas och systrarnas mindre figurer finns också med på bilden, men tar inte någon del i handlingen. De är bara på gränsen till vad som händer, bara fascinerade stumma vittnen, bara den omgivande världen som försvinner...” (Richard Hamann). Enligt forskaren Bob Haack är det möjligt att Rembrandt "representerade dessa figurer endast i skisser, och en annan konstnär fullbordade dem", men i huvudgruppens målningar, som i "The Jewish Bride", kombinerades form och ande oefterhärmligt. Allt här är verkligen och högst symboliskt: det blockformade och samtidigt inre instabila, enheten i faderns och sonens gestalter som flyter från ett element till ett annat, den rombiska, diamantslipade inramningen av sonens huvud med faderns händer, den sonderande gesten av händerna på detta oersättliga mänskliga organ. "Allt som dessa händer upplevde - glädje, lidande, förhoppningar och rädslor, allt som de skapade eller förstörde, som de älskade eller hatade, allt detta uttrycks i denna tysta omfamning" (Germain Bazin). Och slutligen, denna omfattande röda färg på kappan, full av tröst och förlåtelse, den klangfulla kärnan i Rembrandts "testamente för mänskligheten" (Hamann), detta döende spår av en osjälvisk, human själ, denna uppmaning till handling, den röda färgen av hopp, kärlekens lovande ljus.
Enligt liknelsen ville sonen, den yngste i familjen, en dag börja ett självständigt liv och krävde sin del av arvet. I huvudsak symboliserade detta att han önskade att hans far skulle dö, eftersom delning av egendom sker först efter döden av den äldsta i familjen. Den unge mannen fick vad han bad om och lämnade sin fars hus. Att leva över sina tillgångar och den försämrade ekonomiska situationen i landet där han befann sig ledde till att den unge mannen snart slösade bort allt han hade. Han stod inför ett val - död eller omvändelse: "Hur många av min fars hyrestjänare har gott om bröd, men jag dör av hunger; Jag ska resa mig upp och gå till min far och säga till honom: Fader! Jag har syndat mot himlen och inför dig och är inte längre värdig att kallas din son; acceptera mig som en av dina hyrda tjänare."
När fadern träffade sin son beordrade han att den bästa kalven skulle slaktas och att en helgdag skulle hållas. Samtidigt uttalar han en fras som är sakramental för all kristendom: "Denna son till mig var död och lever, han var förlorad och hittas." Detta är en allegori om förlorade syndares återkomst till kyrkans fålla.
"Den förlorade sonen i krogen", 1635. (Pinterest)
Den äldsta sonen, som återvände från fältarbete och fick veta varför semestern började, blev arg: "Jag har tjänat dig i så många år och aldrig brutit mot dina order, men du gav mig aldrig ens ett barn så att jag kunde ha kul med min vänner; och när denna son till dig, som slösade bort sin rikedom med skökor, kom, slog du gödkalven åt honom.” Och även om hans far kallade honom till barmhärtighet, får vi inte veta av liknelsen vilket beslut den äldste sonen fattar.
Rembrandt tillät sig att gå bort från den klassiska texten. För det första framställde han sin far som blind. Texten säger inte direkt om mannen var seende eller inte, men av att han såg sin son på långt håll kan vi dra slutsatsen att han ändå inte hade problem med synen.
För det andra är Rembrandts äldste son närvarande vid mötet - den långe mannen till höger. I den klassiska texten kommer han när huset redan förbereder sig för firandet av återkomsten yngre bror.
"Den förlorade sonens återkomst", 1666−1669. (Pinterest)
För det tredje beskrivs själva mötet annorlunda. Den förtjusta pappan springer ut för att möta sin son och faller på knä framför honom. I Rembrandt ser vi en ung man som ödmjukt står på marken och hans far tyst lägger händerna på hans axlar. Dessutom ser en handflata ut som en mjuk, smekande, moderlig, och den andra ser ut som en stark, hållande, faderlig.
Den äldsta sonen förblir distanserad. Hans händer är hårt knutna - den inre kampen som pågår i honom är synlig. Arg på sin far måste den äldste sonen göra ett val - att acceptera sin yngre bror eller inte.
Förutom huvudpersonerna avbildade Rembrandt andra människor på duken. Det är omöjligt att säga exakt vilka de är. Det är möjligt att dessa är tjänare, med hjälp av vilka konstnären ville förmedla rörelsen och den ljusa stämningen före semestern.
Sammanhang
Den förlorade sonens återkomst är kanske Rembrandts sista målning. Arbetet med det föregicks av en rad förluster som sträckte sig över 25 år: från döden av hans första, älskade fru Saskia och alla barn hon födde till nästan fullständig ruin och frånvaron av kunder.
De rika kläderna som hjältarna avbildas i var en del av konstnärens samling. På 1600-talet var Holland den starkaste ekonomin i världen. Dess köpmäns fartyg verkade vara överallt - det förekom till och med handel med Japan (Japan handlade inte med någon annan vid den tiden). Besynnerliga varor strömmade till holländska hamnar. Konstnären gick regelbundet dit och köpte ovanliga tyger, smycken och vapen. Allt detta användes senare i arbetet. Även för självporträtt klädde Rembrandt ut sig i främmande kläder och provade nya bilder.
Belsassars högtid, 1635. (Pinterest)
Konstnärens öde
Rembrandt föddes i Leiden i familjen till en förmögen holländare som ägde en kvarn. När pojken meddelade sin pappa att han tänkte bli konstnär stöttade han honom - då var det prestigefyllt och lönsamt i Holland att vara konstnär. Folk var redo att gå hungriga, men snålade inte med målningar.
Efter att ha studerat i tre år (vilket räckte för att starta eget, som man trodde då) med sin farbror, en professionell konstnär, öppnade Rembrandt och en vän en verkstad i Leiden. Även om det fanns order var de ganska monotona och fängslade inte. Arbetet började koka efter flytten till Amsterdam. Där träffade han snart Saskia van Uylenburch, dotter till borgmästaren i Leeuwarden, och utan att tänka två gånger gifte han sig.
"Nattvakt", 1642. (Pinterest)
Saskia var hans musa, hans inspiration, hans fackla. Han målade hennes porträtt i olika dräkter och bilder. Samtidigt kom hon från en förmögen familj, vilket också tillät dem att leva i storslagen stil. Den sistnämnda omständigheten irriterade Saskias släktingar - klassiska flamlänningar som inte kunde stå ut med ett ohämmat liv över sina tillgångar. De stämde till och med Rembrandt och anklagade honom för slöseri, men konstnären presenterade, som de skulle säga idag, ett inkomstbevis och bevisade att hans och hans frus arvode räckte för alla deras infall.
Efter Saskias död föll Rembrandt en tid i depression och slutade till och med arbeta. Med en redan obehaglig karaktär blev han helt skoningslös mot andra - han var galen, envis, egensinnig och till och med oförskämd. Det är till stor del därför som samtida försökte att inte skriva något om Rembrandt - dåliga saker är oanständiga, men tydligen fanns det inget gott.
Hendrikje Stoffels, 1655. (Pinterest)
Efter hand vände Rembrandt nästan alla mot sig själv: kunder, fordringsägare och andra artister. En sorts konspiration utvecklades runt honom - han drevs nästan målmedvetet till konkurs, vilket tvingade honom att sälja av hela sin samling för nästan ingenting. Till och med huset gick under hammaren. Om det inte vore för studenterna som bildade och hjälpte mästaren att köpa enklare bostäder i det judiska området, riskerade Rembrandt att stanna kvar på gatan.
Idag vet vi inte ens var konstnärens kvarlevor finns. Han begravdes på en fattigkyrkogård. Endast hans dotter Cornelia från Hendrikje Stoffels, hans tredje hustru (inte officiell, men, kan man säga, civil) gick i begravningståget. Efter Rembrandts död gifte sig Cornelia och åkte till Indonesien. Där går spåren av hennes familj förlorade. När det gäller information om Rembrandt själv, alltså senaste decennierna den samlas bokstavligen bit för bit - under konstnärens livstid gick mycket förlorat, för att inte tala om det faktum att ingen målmedvetet skrev hans biografi.
