Ostrovsky kort biografi och kreativitet. Biografi – Ostrovsky Alexander Nikolaevich

Ostrovsky var intresserad av fiktion, var teaterintresserad. Medan han fortfarande var gymnasieelev började han besöka Moscow Maly Theatre, där han beundrade föreställningarna av M. S. Shchepkin och P. S. Mochalov. Artiklarna från V. G. Belinsky och A. I. Herzen hade ett stort inflytande på bildandet av den unge Ostrovskys världsbild. Som ung lyssnade Ostrovsky ivrigt till de inspirerade orden från professorer, bland vilka var briljanta, progressiva vetenskapsmän, vänner till stora författare, om kampen mot osanning och ondska, om sympati för "allt mänskligt", om frihet som målet för social utveckling. Men ju närmare han blev bekant med lagen, desto mindre gillade han karriären som advokat, och eftersom han inte hade en benägenhet för en juridisk karriär, lämnade Ostrovsky Moskvas universitet, som han gick in på sin fars insisterande 1835, när han kom in det 3:e året. Ostrovsky var oemotståndligt attraherad av konst. Tillsammans med sina kamrater försökte han att inte missa en enda intressant föreställning, läste mycket och bråkade om litteratur och blev passionerat kär i musik. Samtidigt försökte han själv skriva poesi och berättelser. Från och med då - och för resten av sitt liv - blev Belinsky den högsta auktoriteten inom konsten för honom. Tjänsten fängslade inte Ostrovsky, men den var till ovärderlig nytta för den blivande dramatikern och gav rikt material till hans första enheter. Redan i sina första verk visade Ostrovsky sig vara en anhängare av den "gogoliska trenden" i rysk litteratur, en anhängare av skolan för kritisk realism. Ostrovsky uttryckte sitt engagemang för ideologisk realistisk konst och sin önskan att följa V. G. Belinskys föreskrifter i litteraturkritiska artiklar från denna period, där han hävdade att ett drag i rysk litteratur är dess "anklagende karaktär". Uppkomsten av Ostrovskys bästa pjäser var en social händelse som väckte uppmärksamhet från progressiva kretsar och väckte indignation i det reaktionära lägret. Ostrovskys första litterära experiment i prosa präglades av inflytandet från den naturliga skolan ("Notes of a Zamoskvoretsky Resident", 1847). Samma år publicerades hans första dramatiska verk, "The Picture of Family Happiness" (i senare publikationer - "The Family Picture") i Moskvas stadslista. Ostrovskys litterära berömmelse kom från komedin "Vårt folk - låt oss numreras" som publicerades 1850. Redan innan publiceringen blev den populär. Komedin förbjöds att presenteras på scen (den sattes upp första gången 1861), och författaren, på personlig order av Nicholas I, sattes under polisöverinseende.

Han ombads lämna tjänsten. Ännu tidigare förbjöd censur "The Picture of Family Happiness" och Ostrovskys översättning av W. Shakespeares komedi "The Pacification of the Wayward" (1850).

I början av 50-talet, under åren av intensifierad regeringsreaktion, skedde ett kortsiktigt närmande mellan Ostrovsky och de "unga redaktörerna" av den reaktionära Slavophile tidningen "Moskvityanin", vars medlemmar försökte presentera dramatikern som en sångare av " den ursprungliga ryska handelsklassen och dess Domostrojevskij-grunder." Verken som skapades vid denna tid ("Stig inte i din egen släde", 1853, "Fattigdom är inte en last", 1854, "Lev inte som du vill", 1855) återspeglade Ostrovskys tillfälliga vägran att konsekvent och oförsonligt fördöma verkligheten. Men han befriade sig snabbt från inflytandet av reaktionära slavofila idéer. I dramatikerns avgörande och slutgiltiga återgång till den kritiska realismens väg, spelade revolutionär-demokratisk kritik en stor roll, och gav en arg tillrättavisning till liberal-konservativa "fans".

Ett nytt skede i Ostrovskys arbete är förknippat med eran av socialt uppsving i slutet av 50-talet och början av 60-talet, med uppkomsten av en revolutionär situation i Ryssland. Ostrovsky närmar sig det revolutionärt-demokratiska lägret. Sedan 1857 publicerade han nästan alla sina pjäser i Sovremennik, och efter dess stängning flyttade han till Otechestvennye zapiski, utgiven av N. A. Nekrasov och M. E. Saltykov-Shchedrin. Utvecklingen av Ostrovskys arbete påverkades starkt av artiklarna av N. G. Chernyshevsky, och senare av N. A. Dobrolyubov, arbetet av N. A. Nekrasov och M. E. Saltykov-Shchedrin.

Tillsammans med köpmanstemat vänder sig Ostrovsky till skildringen av byråkrati och adeln ("Lönsam plats", 1857, "Pupilite", 1859). Till skillnad från liberala författare, som var angelägna om att ytligt förlöjliga individuella övergrepp, kritiserade Ostrovsky i komedin "Profitable Place" djupt hela systemet med den tsariska byråkratin före reformen. Chernyshevsky berömde pjäsen och betonade dess "starka och ädla regi."

Förstärkningen av antiserfdomen och antiborgerliga motiv i Ostrovskys verk vittnade om en viss konvergens av hans världsbild med den revolutionära demokratins ideal.

"Ostrovsky är en demokratisk författare, utbildare, allierad med N. G. Chernyshevsky, N. A. Nekrasov och M. E. Saltykov-Shchedrin. Genom att måla upp oss en levande bild av falska relationer med alla deras konsekvenser, tjänar han genom detta som ett eko av strävanden som kräver en bättre struktur", skrev Dobrolyubov i artikeln "A Ray of Light in a Dark Kingdom." Det är ingen slump att Ostrovsky ständigt stötte på hinder när han publicerade och satte upp sina pjäser. Ostrovsky såg alltid på att hans skrivande och sociala aktiviteter fullgjorde en patriotisk plikt och tjänade folkets intressen. Hans pjäser speglade de mest angelägna frågorna i den samtida verkligheten: fördjupningen av oförsonliga sociala motsättningar, den svåra situationen för arbetare som är helt beroende av pengarnas makt, bristen på kvinnors rättigheter, dominansen av våld och godtycke i familje- och sociala relationer , tillväxten av självmedvetenhet hos arbetarklassens intelligentsian, etc.

Den mest fullständiga och övertygande bedömningen av Ostrovskys arbete gavs av Dobrolyubov i hans artiklar "The Dark Kingdom" (1859) och "A Ray of Light in the Dark Kingdom" (1860), som hade ett enormt revolutionärt inflytande på den yngre generationen av 60-talet. I Ostrovskys verk såg kritikern först och främst en anmärkningsvärt sanningsenlig och mångsidig verklighetsskildring. Med "en djup förståelse för det ryska livet och en stor förmåga att skarpt och levande skildra dess viktigaste aspekter", var Ostrovsky, enligt Dobrolyubovs definition, en verklig folkförfattare. Ostrovskys verk kännetecknas inte bara av dess djupa nationella karaktär, ideologiska anda och djärva fördömande av social ondska, utan också av dess höga konstnärlig skicklighet, som var helt underordnad uppgiften att realistisk reproduktion av verkligheten. Ostrovsky betonade upprepade gånger att livet i sig är en källa till dramatiska kollisioner och situationer.

Ostrovskys verksamhet bidrog till segern för livets sanning på den ryska scenen. Med stor konstnärlig kraft skildrade han konflikter och bilder typiska för den samtida verkligheten, och detta placerade hans pjäser i nivå med de bästa fungerar klassisk litteratur 1800-talet. Ostrovsky agerade en aktiv kämpe för utveckling nationalteatern inte bara som dramatiker, utan också som underbar teoretiker, som energisk offentlig person.

Den store ryske dramatikern, som skapade en verkligt nationell teaterrepertoar, var i nöd hela sitt liv, utstod förolämpningar från tjänstemän från det kejserliga teaterdirektoratet och mötte envist motstånd i de härskande sfärerna mot sina omhuldade idéer om den demokratiska omvandlingen av teatrala angelägenheter i Ryssland.

I Ostrovskys poetik smälte två element samman med anmärkningsvärd skicklighet: det grymma realistiska elementet i det "mörka riket" och romantiska, upplysta känslor. I sina pjäser porträtterar Ostrovsky sköra, milda hjältinnor, men samtidigt starka personligheter, som kan protestera och förlåta hela samhällets grund.

För att förbereda detta arbete användes material från webbplatsen http://www.studentu.ru

Alexander Nikolaevich Ostrovsky föddes den 12 april (31 mars, gammal stil) 1823 i Moskva.

Som barn fick Alexander en bra utbildning hemma - han studerade antik grekiska, latin, franska, tyska och senare engelska, italienska och spanska.

1835-1840 studerade Alexander Ostrovsky vid Första Moskvagymnasiet.

1840 gick han in på Moskvas universitet vid Juridiska fakulteten, men 1843, på grund av en kollision med en av professorerna, lämnade han sina studier.

1943-1945 tjänstgjorde han i Moskvas samvetsrättsdomstol (en provinsdomstol som behandlade civila mål genom förlikningsförfarandet och vissa brottsliga sådana).

1845-1851 - arbetade på kontoret för Moskvas handelsdomstol och avgick med rang som provinssekreterare.

1847 publicerade Ostrovsky i tidningen "Moscow City Listok" det första utkastet till den framtida komedin "Vårt folk - låt oss räkna tillsammans" med titeln "The Insolvent Debtor", sedan komedin "Picture of Family Happiness" (senare "Family Picture" ) och prosauppsatsen "Anteckningar från Zamoskvoretsky" bosatt."

Ostrovsky fick erkännande från komedin "Our People - We Will Be Numbered" (originaltitel "Bankrupt"), som slutfördes i slutet av 1849. Innan pjäsen publicerades fick pjäsen positiva recensioner från författarna Nikolai Gogol, Ivan Goncharov och historikern Timofey Granovsky. Komedin publicerades 1950 i tidningen "Moskvityanin". Censurerna, som såg verket som en förolämpning mot köpmansklassen, tillät inte dess produktion på scenen – pjäsen sattes upp första gången 1861.

Sedan 1847 samarbetade Ostrovsky som redaktör och kritiker med tidningen "Moskvityanin", och publicerade sina pjäser i den: "The Morning of a Young Man", "An Unexpected Case" (1850), komedin "Poor Bride" (1851) , "Not on Your Sleigh" sitt ner" (1852), "Poverty is not a last" (1853), "Lev inte som du vill" (1854).

Efter att publiceringen av "Moskvityanin" upphörde, flyttade Ostrovsky 1856 till "Russian Messenger", där hans komedi "En baksmälla vid någon annans fest" publicerades i den andra boken det året. Men han arbetade inte länge för denna tidning.

Sedan 1856 har Ostrovsky varit en permanent bidragsgivare till tidningen Sovremennik. 1857 skrev han pjäserna "A Profitable Place" och "A Festive Sleep Before Dinner", 1858 - "The Characters Didn't Along", 1859 - "The Kindergarten" och "The Thunderstorm".

På 1860-talet vände sig Alexander Ostrovsky till historiskt drama och ansåg att sådana pjäser var nödvändiga i teaterrepertoaren. Han skapade en cykel av historiska pjäser: "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk" (1861), "The Voevoda" (1864), "Dmitry the Pretender och Vasily Shuisky" (1866), "Tushino" (1866), det psykologiska dramat " Vasilisa Melentyeva" (1868).

Materialet utarbetades utifrån information från RIA Novosti och öppna källor

Den största ryske dramatikern Alexander Nikolaevich Ostrovsky föddes den 31 mars (12 april) 1823 i Moskva på Malaya Ordynka.

Början av vägen

Alexander Nikolaevichs far tog examen först från Kostroma Theological Seminary, sedan från Moskvas teologiska akademi, men till slut började han arbeta och sa modernt språk, advokat. 1839 erhöll han adelsgrad.

Den framtida dramatikerns mor var dotter till yngre kyrkoarbetare; hon dog när Alexander inte ens var åtta år gammal.

Familjen var rik och upplyst. Mycket tid och pengar ägnades åt att utbilda barn. Sedan barndomen kunde Alexander flera språk och läste mycket. Redan tidigt kände han lust att skriva, men hans far såg honom i framtiden bara som en advokat.

1835 gick Ostrovsky in i det första Moskvagymnasiet. Efter 5 år blir han juridikstudent vid Moskvas universitet. Det framtida yrket lockar honom inte, och kanske är det därför som en konflikt med en av lärarna blir anledningen till att 1843 lämnade läroverket.

På sin fars insisterande tjänstgjorde Ostrovsky först som skrivare i Moskvas samvetsgranna domstol, sedan i handelsdomstolen (fram till 1851).

Att observera sin fars klienter och sedan titta på berättelserna som behandlades i rätten gav Ostrovsky en mängd material för framtida kreativitet.

1846 tänkte Ostrovsky först på att skriva en komedi.

Kreativ framgång

Hans litterära åsikter bildades under hans studentår under inflytande av Belinsky och Gogol - Ostrovsky beslutar omedelbart och oåterkalleligt att han bara kommer att skriva på ett realistiskt sätt.

1847, i samarbete med skådespelaren Dmitry Gorev, skrev Ostrovsky sin första pjäs, "Anteckningar från en Zamoskvoretsky-boende." Nästa år flyttar hans släktingar för att bo på familjegodset Shchelykovo i Kostroma-provinsen. Alexander Nikolaevich besöker också dessa platser och förblir under ett outplånligt intryck av naturen och Volgavidderna för resten av sitt liv.

1850 publicerade Ostrovsky sin första stora komedi, "Vårt folk - låt oss bli numrerade!" i tidningen "Moskvityanin". Pjäsen blev en stor framgång och fick strålande recensioner från författare, men förbjöds att omredigeras och sättas upp på grund av ett klagomål från köpmän som skickades direkt till kejsaren. Författaren avskedades från tjänst och ställdes under polisövervakning, som hävdes först efter Alexander II:s trontillträde. Ostrovskys allra första pjäs avslöjade huvuddragen i hans dramatiska verk, som var karakteristiska för allt efterföljande arbete: förmågan att visa de mest komplexa allryska problemen genom personliga och familjekonflikter, att skapa minnesvärda karaktärer av alla karaktärer och att "rösta" dem med livligt vardagstal.

Positionen för de "opålitliga" förvärrade Ostrovskys redan svåra angelägenheter. Sedan 1849, utan sin fars välsignelse och utan att gifta sig i en kyrka, började han leva med en enkel borgerlig Agafya Ivanovna. Fadern berövade helt sin son materiellt stöd, och den unga familjens ekonomiska situation var svår.

Ostrovsky inleder ett permanent samarbete med tidningen Moskvityanin. 1851 publicerade han Den fattiga bruden.

Under inflytande av tidningens främsta ideolog, A. Grigoriev, börjar Ostrovskys pjäser från denna period inte så mycket låta som motiven för att avslöja klasstyranni, utan snarare idealiseringen av antika seder och ryskt patriarkat (”Sitt inte i din egen släde", "Fattigdom är inte en last" och andra). Sådana känslor minskar kritikaliteten i Ostrovskys verk.

Ändå blir Ostrovskys dramaturgi början på en "ny värld" inom all teaterkonst. En enkel vardag med ”levande” karaktärer och vardagsspråk kommer in på scenen. De flesta skådespelare accepterar Ostrovskys nya pjäser med förtjusning, de känner deras nyhet och vitalitet. Sedan 1853, nästan varje säsong, har nya pjäser av Ostrovsky dykt upp på Moscow Maly Theatre och Alexandrinsky Theatre i St. Petersburg i 30 år.

1855-1860 kom dramatikern de revolutionära demokraterna nära. Han flyttar till tidningen Sovremennik. Den huvudsakliga "händelsen" i Ostrovskys pjäser från denna period är dramat om en vanlig man som motsätter sig "denna världs makt". Vid denna tidpunkt skriver han: "Det är baksmälla på någon annans fest", "En lönsam plats", "Åskväder" (1860).

År 1856, på order av storhertig Konstantin Nikolaevich, sändes de bästa ryska författarna på en affärsresa runt om i landet med uppgiften att beskriva industriell produktion och livet i olika regioner i Ryssland. Ostrovsky färdas med ångfartyg från Volgas övre delar till Nizhny Novgorod och gör många anteckningar. De blir verkliga encyklopediska anteckningar om kulturen och ekonomin i regionen. Samtidigt förblir Ostrovsky en ordkonstnär - han överför många beskrivningar av naturen och vardagen till sina verk.

1859 publicerades de första samlade verken av Ostrovsky i 2 volymer.

Tilltala historien

Hus-museum: A.N. Ostrovsky.

På 60-talet vände Alexander Nikolaevich ett speciellt intresse för historia och träffade den berömda historikern Kostomarov. Vid denna tid skrev han det psykologiska dramat "Vasilisa Melentyeva", de historiska krönikorna "Tushino", "Dmitry the Pretender och Vasily Shuisky" och andra.

Han slutade inte skapa vardagliga komedier och dramer ("Hårda dagar" - 1863, "Djupet" - 1865, etc.), såväl som satiriska pjäser om adelns liv ("Enkelhet räcker för varje vis man" - 1868, "Mad Money" - 1869, "Wolves and Sheep", etc.).

1863 tilldelades Ostrovsky Uvarov-priset, tilldelat för historiska verk, och valdes till motsvarande ledamot av St. Petersburgs vetenskapsakademi.

Nästa år gläder honom med födelsen av hans första son, Alexander. Totalt kommer Ostrovsky att bli far till sex barn.

Från 1865-1866 (det exakta datumet är inte fastställt) skapade Alexander Nikolaevich en konstnärlig cirkel i Moskva, från vilken många begåvade teaterarbetare senare skulle dyka upp. År 1870 (enligt andra källor - 1874) Society of Russian Dramatic Writers och operakompositörer, vars regissör dramatikern kommer att sitta kvar till slutet av sitt liv. Under denna period stannade hela blomman i det ryska kultursamhället i Ostrovskys hus. I.S. Turgenev, F.M. Dostoevsky, P.M. Sadovsky, M.N. Ermolova, L.N. Tolstoy och många andra enastående personligheter i vår tid kommer att bli hans uppriktiga vänner och bekanta.

År 1873 skrev Alexander Nikolaevich Ostrovsky och den unge kompositören Pjotr ​​Iljitsj Tjajkovskij på några månader operan "Snöjungfrun", fantastisk i sin skönhet i stil och ljud, baserad på folksägner och tullen. Både dramatikern och kompositören kommer att vara stolta över sitt skapande hela livet.

Med teatern - till slutet

I senaste åren livet Ostrovsky vänder sig ofta till kvinnors öden i sina verk. Han skriver komedier, men mer - djupa sociopsykologiska dramer om ödet för andligt begåvade kvinnor i en värld av praktisk och egenintresse. "Dowryless", " Det sista offret", "Talanger och fans" och andra pjäser.

År 1881 organiserades en särskild kommission under direktionen för kejserliga teatrar för att skapa nya lagar för driften av teatrar i hela landet. Ostrovsky tar en aktiv del i kommissionens arbete: han skriver många "anteckningar", "överväganden" och "projekt" om ämnet att organisera arbete på teatrar. Tack vare honom antas många förändringar som avsevärt förbättrar skådespelarnas lön.

Sedan 1883 fick Ostrovsky av kejsar Alexander III rätten till en årlig pension på tre tusen rubel. Samma år publicerades Alexander Nikolaevichs sista litterära mästerverk - pjäsen "Gilty Without Guilt" - en klassisk melodrama som förvånar med styrkan hos karaktärerna i dess karaktärer och en imponerande handling. Detta var en ny uppgång av stor dramatisk talang under inflytande av en minnesvärd resa till Kaukasus.

Efter 2 år utsågs Ostrovsky till chef för repertoaravdelningen för teatrarna i Moskva och chef för teaterskolan. Dramatikern försöker bilda en ny skola för realistiskt skådespeleri i landet och lyfter fram de mest begåvade skådespelarna.

Ostrovsky arbetar med teatraliska gestalter, han har många idéer och planer i huvudet, han är upptagen med att översätta utländsk (inklusive antik) litteratur. dramatisk litteratur. Men hans hälsa sviker honom allt oftare. Kroppen är utmattad.

Den 2 juni (14), 1886, i Shchelykovo-godset, dör Alexander Nikolaevich Ostrovsky av angina pectoris.

Han begravdes på kyrkans kyrkogård nära St Nicholas the Wonderworker-kyrkan i byn Nikolo-Berezhki, Kostroma-provinsen.

Begravningen genomfördes med medel från Alexander III. Änkan och barnen fick pension.

Intressanta fakta om Ostrovsky:

Sedan barndomen kunde dramatikern grekiska, franska och tyska. Senare lärde han sig engelska, italienska och spanska.

Pjäsen "Åskvädret" rensades inte omedelbart av censorerna. Men kejsarinnan gillade det, och censorn gjorde eftergifter till författaren.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky är en rysk dramatiker och författare, vars arbete spelade en viktig roll i utvecklingen av den ryska nationalteatern. Han är författare till flera kända verk, av vilka en del ingår i litteraturen för skolans läroplan.

Författarfamilj

Ostrovskys far, Nikolai Fedorovich, son till en präst, tjänstgjorde som advokat i huvudstaden och bodde i Zamoskvorechye. Han tog examen från Moscow Theological Seminary, liksom seminariet i Kostroma. Hans mamma kom från en ganska fattig familj och dog när Ostrovsky var sju år gammal. Förutom Alexander föddes ytterligare tre barn i familjen. När deras mor dog, ett par år senare gifte deras far om sig, och friherrinnan Emilia Andreevna von Tessin blev hans utvalda. Hon tog också hand om barnen och tog på sig besväret att uppfostra dem och få en ordentlig utbildning.

1835 gick Alexander Ostrovsky in i Moskvas gymnasium, och 5 år senare gick han in på universitetet i huvudstaden för att studera juridik. Det var under denna tid som han började uppleva ett ökat intresse för teateruppsättningar. Unga Ostrovsky besöker ofta teatrarna Petrovsky och Maly. Hans studier avbryts plötsligt av att han inte klarade en examen och ett bråk med en av lärarna, och han lämnar universitetet av egen vilja, varefter han får jobb som skrivare vid en domstol i Moskva. 1845 finner han arbete i en handelsdomstol, i kansliavdelningen. Hela denna tid samlar Ostrovsky information för sitt framtida litterära arbete.

Under sitt liv var författaren gift två gånger. Han bodde med sin första fru, Agafya, vars efternamn inte har överlevt till denna dag, i cirka 20 år. Hans barn från detta äktenskap dog tyvärr medan de fortfarande var mycket unga. Hans andra fru var Maria Bakhmetyeva, från henne hade han sex barn - två döttrar och fyra söner.

Kreativ aktivitet

Den första litterära publikationen, "Väntar på brudgummen", dök upp 1847 i Moskvas stadslista, och beskrev scener från den tidens handelsliv. Nästa år avslutar Ostrovsky komedin "Our People - We Will Be Numbered!" Den sattes upp på teaterscenen och fick betydande framgångar, vilket fungerade som ett incitament för Alexander att äntligen komma till beslutet att ägna all sin energi åt dramatik. Samhället reagerade varmt och med intresse på detta arbete, men det blev också orsaken till förföljelse från myndigheternas sida, på grund av dess alltför uppriktiga satir och oppositionella karaktär. Efter den första visningen förbjöds pjäsen från produktion på teatrar, och författaren var under polisövervakning i cirka fem år. Som ett resultat av detta ändrades pjäsen 1859 avsevärt och återutgavs med ett helt annat slut.

År 1850 besökte dramatikern en krets av författare, där han fick den outtalade titeln sångare i en civilisation orörd av falskhet. Sedan 1856 blev han författare till tidskriften Sovremennik. Samtidigt reste Ostrovsky och hans kollegor på en etnografisk expedition, vars uppgift var att beskriva folken som lever på stranden av Rysslands floder, i dess europeiska del. I grund och botten studerade författaren livet för folken som bodde på Volga, i samband med vilket han skrev ett stort verk, "Resan längs Volga från dess ursprung till Nizhny Novgorod", som i det återspeglar de huvudsakliga etniska dragen hos folket från de platser, deras liv och seder.

1860 släpptes Ostrovskys mest berömda pjäs, "Åskvädret", vars handling utspelar sig precis vid stranden av Volga. 1863 fick han pris och hedersmedlemskap i S:t Petersburgs vetenskapsakademi.
Ostrovsky dog ​​1886 och begravdes i byn Nikolo-Berezhki.

• Ostrovskys konceptuella syn på teater är konstruktionen av scener baserade på konventioner, med användning av det ryska talets rikedomar och dess kompetenta användning för att avslöja karaktärer;
• Teaterskolan, som Ostrovskij grundade, utvecklades vidare under ledning av Stanislavskij och Bulgakov;
• Alla skådespelare svarade inte bra på dramatikerns innovationer. Till exempel lämnade grundaren av realismen i rysk teaterkonst, skådespelaren M. S. Shchepkin, generalrepetitionen av "The Thunderstorm", som hölls under ledning av Ostrovsky.

A.N. Ostrovsky föddes den 31 mars (12 april), 1823 i Moskva, i familjen till en person från prästerskapet, en tjänsteman och senare en advokat vid Moskvas handelsdomstol. Familjen Ostrovsky bodde i Zamoskvorechye, ett köpmans- och borgerligt distrikt i gamla Moskva. Av naturen var dramatikern en hemkropp: han bodde nästan hela sitt liv i Moskva, i Yauza-delen, och reste regelbundet, förutom flera resor runt Ryssland och utomlands, bara till Shchelykovo-godset i Kostroma-provinsen. Här dog han den 2 (14) juni 1886 mitt i arbetet med en översättning av Shakespeares pjäs Antony och Cleopatra.

I början av 1840-talet. Ostrovsky studerade vid Juridiska fakulteten vid Moskvas universitet, men slutförde inte kursen och gick in i tjänsten på Moskvas samvetsgranna domstols kontor 1843. Två år senare förflyttades han till Moskvas handelsdomstol, där han tjänstgjorde till 1851. Juridisk praxis gav den blivande författaren ett omfattande och varierat material. Nästan alla hans första pjäser om modernitet utvecklade eller skisserade kriminalitet. Ostrovsky skrev sin första berättelse vid 20 års ålder, sin första pjäs vid 24 års ålder. Efter 1851 var hans liv kopplat till litteratur och teater. Dess huvudsakliga händelser var rättstvister med censur, beröm och skäll från kritiker, premiärer och dispyter mellan skådespelare om roller i pjäser.

I nästan 40 år kreativ aktivitet Ostrovsky skapade en rik repertoar: cirka 50 originalpjäser, flera pjäser skrivna i samarbete. Han var också involverad i översättningar och bearbetningar av pjäser av andra författare. Allt detta utgör "Ostrovsky-teatern" - så här definierades omfattningen av det som skapades av dramatikern I.A. Goncharov.

Ostrovsky älskade passionerat teater och ansåg det vara den mest demokratiska och effektiva formen av konst. Bland den ryska litteraturens klassiker var han den första och är fortfarande den enda författare som helt ägnade sig åt dramatik. Alla pjäser han skapade var inte "pjäser för läsning" - de skrevs för teatern. För Ostrovsky är scenkonst en oföränderlig lag för dramaturgin, därför tillhör hans verk i lika hög grad två världar: litteraturens värld och teaterns värld.

Ostrovskys pjäser publicerades i tidskrifter nästan samtidigt med deras teateruppsättningar och uppfattades som ljusa fenomen av både litterära och teaterlivet. På 1860-talet. de väckte samma livliga allmänintresse som Turgenevs, Goncharovs och Dostojevskijs romaner. Ostrovsky gjorde dramaturgin till "riktig" litteratur. Före honom, i repertoaren av ryska teatrar, fanns det bara ett fåtal pjäser som tycktes ha stigit ner på scenen från litteraturens höjder och förblev ensamma ("Wee from Wit" av A.S. Griboyedov, "The Inspector General" och "Marriage" av N.V. Gogol). Teaterrepertoaren fylldes antingen med översättningar eller verk som inte hade några märkbara litterära förtjänster.

På 1850-1860-talen. ryska författares drömmar om att teater skulle bli en mäktig bildningskraft, ett sätt att forma den allmänna opinionen, fann verklig mark. Drama har en bredare publik. Kretsen av läskunniga har utökats – både läsare och de för vilka seriös läsning ännu inte var tillgänglig, men teater är tillgängligt och begripligt. Ett nytt socialt skikt höll på att bildas - den vanliga intelligentsian, som visade ett ökat intresse för teatern. Den nya allmänheten, demokratisk och brokig i jämförelse med den första allmänheten hälften av 1800-taletårhundradet, gav en "social ordning" för socialt och vardagligt drama från det ryska livet.

Det unika med Ostrovskys ställning som dramatiker är att han, genom att skapa pjäser baserade på nytt material, inte bara tillfredsställde nya tittares förväntningar, utan också kämpade för en demokratisering av teatern: teater är trots allt det mest populära skådespelet - på 1860-talet. förblev fortfarande elitistisk, det fanns ingen billig offentlig teater ännu. Repertoaren för teatrarna i Moskva och St. Petersburg berodde på tjänstemän från direktoratet för kejserliga teatrar. Ostrovsky, som reformerade ryskt drama, reformerade också teatern. Han ville se inte bara intelligentian och upplysta köpmän som åskådare till sina pjäser, utan också "ägare av hantverksanläggningar" och "hantverkare". Ostrovskys idé var Moscow Maly Theatre, som förkroppsligade hans dröm om en ny teater för en demokratisk publik.

Det finns fyra perioder i Ostrovskys kreativa utveckling:

1) Första perioden (1847-1851)- tiden för de första litterära experimenten. Ostrovsky började helt i tidens anda – med berättande prosa. I sina essäer om Zamoskvorechye liv och seder förlitade sig debutanten på Gogols traditioner och den kreativa erfarenheten av den "naturliga skolan" på 1840-talet. Under dessa år skapades de första dramatiska verken, inklusive komedin "Bankrut" ("Vi kommer att räkna vårt eget folk!"), som blev huvudverket under den tidiga perioden.

2) Andra perioden (1852-1855) kallas "Moskvityanin", eftersom Ostrovsky under dessa år kom nära de unga anställda i tidningen Moskvityanin: A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, B.N. Almazov och E.N. Edelson. Dramatikern stödde det ideologiska programmet för den "unga redaktionen", som försökte göra tidskriften till ett organ för en ny trend social tanke- "soilism". Under denna period skrevs bara tre pjäser: "Gå inte i din egen släde", "Fattigdom är ingen last" och "Lev inte som du vill."

3) Tredje perioden (1856-1860) präglat av Ostrovskys vägran att söka efter positiva principer i de patriarkala köpmännens liv (detta var typiskt för pjäser skrivna under första hälften av 1850-talet). Dramatikern, som var känslig för förändringar i det sociala och ideologiska livet i Ryssland, kom nära ledarna för den gemensamma demokratin - de anställda i tidskriften Sovremennik. Det kreativa resultatet av denna period var pjäserna "Vid någon annans fest en baksmälla", "Lönsam plats" och "Åskväder", "den mest avgörande", enligt N.A. Dobrolyubov, Ostrovskys verk.

4) Fjärde perioden (1861-1886)- den längsta perioden av Ostrovskys kreativa aktivitet. Genreomfånget har utökats, poetiken i hans verk har blivit mer mångsidig. Under loppet av tjugo år har pjäser skapats som kan delas in i flera genre- och temagrupper: 1) komedier från köpmanslivet ("Maslenitsa är inte för alla", "Sanningen är bra, men lyckan är bättre", " Hjärtat är inte en sten"), 2) satiriska komedier ("Enkelhet räcker för varje vis man", "Varmt hjärta", "Galna pengar", "Vargar och får", "Skog"), spelar den Ostrovsky själv kallade "bilder av livet i Moskva" och "scener från livet i vildmarken": de förenas av temat "små människor" ("En gammal vän är bättre än två nya", "Hårda dagar", "Jokers". " och trilogin om Balzaminov), 4) historiska pjäs-krönikor ("Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk", "Tushino" etc.), och slutligen 5) psykologiska dramer ("Hämgift", "Det sista offret", etc.) .). Sagospelet "Snöjungfrun" skiljer sig åt.

Ursprunget till Ostrovskys kreativitet ligger i den "naturliga skolan" på 1840-talet, även om Moskvaskribenten inte var organisatoriskt kopplad till den kreativa gemenskapen av unga Sankt Petersburg-realister. Från och med prosa insåg Ostrovsky snabbt att hans sanna kallelse var drama. Redan tidiga prosaexperiment är ”scen”, trots detaljerade beskrivningar liv och moral, kännetecknande för ”naturskolans” uppsatser. Till exempel är grunden för den första uppsatsen, "Sagan om hur kvartalsvaktaren började dansa, eller ett steg från det stora till det löjliga" (1843), en anekdotisk scen med en helt komplett handling.

Texten i denna uppsats användes i det första publicerade verket - "Anteckningar från en Zamoskvoretsky-boende" (publicerad 1847 i tidningen "Moscow City Listok"). Det var i "Anteckningar..." som Ostrovsky, kallad av sina samtida "Columbus från Zamoskvorechye", upptäckte ett "land" som tidigare var okänt i litteraturen, bebott av köpmän, småborgerliga och småtjänstemän. "Tills nu var endast detta lands position och namn känt", noterade författaren, "när det gäller dess invånare, det vill säga deras sätt att leva, språk, moral, seder, utbildningsgrad, allt detta täcktes i det okändas mörker." En utmärkt kunskap om livsmaterial hjälpte prosaförfattaren Ostrovsky att skapa en detaljerad studie av köpmannalivet och historien, som föregick hans första pjäser om köpmännen. I "Notes of a Zamoskvoretsky Resident" finns det två egenskaper Ostrovskys kreativitet: uppmärksamhet på den vardagliga miljön som bestämmer livet och psykologin för karaktärer "skrivna från livet", och den speciella, dramatiska karaktären hos skildringen av vardagslivet. Författaren kunde i vanliga vardagsberättelser se potential, oanvänt material för en dramatiker. Uppsatserna om Zamoskvorechye liv följdes av de första pjäserna.

Ostrovsky ansåg att den mest minnesvärda dagen i sitt liv var den 14 februari 1847: denna dag, på en kväll med den berömda slavofile professorn S.P. Shevyrev, läste han sin första korta pjäs, "Familjebild". Men den unga dramatikerns verkliga debut är komedin "We Will Be Numbered Our Own People!" (den ursprungliga titeln var "The Bankrupt"), som han arbetade på från 1846 till 1849. Teatercensuren förbjöd omedelbart pjäsen, men precis som "Woe from Wit" av A.S. Griboyedov blev den omedelbart en stor litterär händelse och blev en succé läste i Moskvas hus vintern 1849/50. av författaren själv och stora skådespelare - P.M. Sadovsky och M.S. Shchepkin. 1850 publicerades komedin av tidningen "Moskvityanin", men först 1861 sattes den upp på scenen.

Det entusiastiska mottagandet av den första komedin från köpmanslivet orsakades inte bara av det faktum att Ostrovsky, "Columbus of Zamoskvorechye", använde helt nytt material, men också hans fantastiska mognad dramatisk skicklighet. Efter att ha ärvt traditionerna från komikern Gogol, definierade dramatikern samtidigt tydligt sin syn på principerna för att skildra karaktärer och handlingen och sammansättningen av vardagsmaterial. Den gogoliska traditionen känns i själva konfliktens natur: handelsmannen Bolshovs bedrägeri är en produkt av köpmansliv, proprietär moral och skurkhjältars psykologi. Bolynov förklarar sig själv i konkurs, men detta är en falsk konkurs, resultatet av hans konspiration med kontoristen Podkhalyuzin. Affären slutade oväntat: ägaren, som hoppades öka sitt kapital, blev lurad av kontoristen, som visade sig vara en ännu större bedragare. Som ett resultat fick Podkhalyuzin både handen från köpmannens dotter Lipochka och kapital. Gogol-principen är påtaglig i homogeniteten i pjäsens komiska värld: det finns ingen godsaker, som i Gogols komedier, kan den enda sådana "hjälten" kallas skratt.

Den största skillnaden mellan Ostrovskys komedi och hans stora föregångares pjäser är rollen som komisk intriger och attityd till den. tecken. I ”Vårt folk...” finns karaktärer och hela scener som inte bara är onödiga för utvecklingen av handlingen, utan tvärtom saktar ner den. Dessa scener är dock inte mindre viktiga för att förstå verket än intrigen baserad på Bolshovs påstådda konkurs. De är nödvändiga för att mer fullständigt beskriva köpmännens liv och seder, de förhållanden under vilka huvudhandlingen äger rum. För första gången använder Ostrovsky en teknik som upprepas i nästan alla hans pjäser, inklusive "The Thunderstorm", "The Forest" och "The Dowry" - en utökad slowmotion-exposition. Vissa karaktärer introduceras inte alls för att komplicera konflikten. Dessa "situationens personligheter" (i pjäsen "Vårt folk - Låt oss numreras!" - matchmakern och Tishka) är intressanta i sig själva, som representanter för den vardagliga miljön, moralen och sederna. Deras konstnärliga funktion liknar funktionen av hushållsartiklar i berättande verk: de kompletterar bilden handelsvärlden små men ljusa, färgglada inslag.

De vardagliga, välbekanta sakerna intresserar dramatikern Ostrovsky inte mindre än något utöver det vanliga, till exempel Bolshovs och Podkhalyuzins bluff. Han hittar ett effektivt sätt att dramaturgiskt skildra vardagen och utnyttjar ordets möjligheter maximalt från scenen. Samtalen mellan mor och dotter om kläder och brudgummar, käbblarna dem emellan, den gamla barnskötarens gnällande förmedlar perfekt den vanliga atmosfären hos en köpmansfamilj, omfånget av intressen och drömmar hos dessa människor. Karaktärernas muntliga tal blev en exakt "spegel" av vardagen och moralen.

Det är karaktärernas samtal om vardagliga ämnen, som om de "uteslutits" från handlingen i handlingen, som spelar en exceptionell roll i alla Ostrovskys pjäser: de avbryter handlingen, drar sig tillbaka från den, fördjupar läsaren och betraktaren i den vanliga människans värld. relationer, där behovet av verbal kommunikation inte är mindre viktigt än behovet av mat, mat och kläder. Både i den första komedin och i efterföljande pjäser bromsar Ostrovsky ofta medvetet utvecklingen av händelser, eftersom han anser att det är nödvändigt att visa vad karaktärerna tänker på, i vilken verbal form deras tankar uttrycks. För första gången i rysk dramatik blev dialoger mellan karaktärer ett viktigt sätt att karaktärisera.

Vissa kritiker ansåg att den omfattande användningen av vardagliga detaljer var ett brott mot scenlagarna. Den enda motiveringen, enligt deras åsikt, kunde vara att den blivande dramatikern var köpmanslivets pionjär. Men denna "kränkning" blev lagen för Ostrovskys dramaturgi: redan i den första komedin kombinerade han intrigernas svårighetsgrad med många vardagliga detaljer och övergav inte bara denna princip senare, utan utvecklade den också och uppnådde maximal estetisk effekt av båda komponenterna i pjäsen - en dynamisk handling och statiska "konversationsscener".

"Vårt folk - vi kommer att räknas!" – en anklagande komedi, en satir över moral. Dock i början av 1850-talet. dramatikern kom till idén om behovet av att överge kritiken av köpmännen, från den "anklagande riktningen." Enligt hans åsikt var synen på livet som uttrycktes i den första komedin "ung och för tuff." Nu motiverar han ett annat tillvägagångssätt: en rysk person ska glädja sig när han ser sig själv på scenen, och inte vara ledsen. "Det kommer att finnas korrigerare även utan oss," betonade Ostrovsky i ett av sina brev. – För att ha rätt att tillrättavisa människorna utan att kränka dem, behöver du visa dem att du vet det goda i dem; Det här är vad jag gör nu, att kombinera det sublima med det komiska." "Höga", enligt hans uppfattning, är folkliga ideal, sanningar som det ryska folket förvärvat under många århundraden av andlig utveckling.

Det nya kreativitetskonceptet förde Ostrovsky närmare de unga anställda i tidningen Moskvityanin (utgiven av den berömda historikern M.P. Pogodin). I verken av författaren och kritikern A.A. Grigoriev bildades begreppet "soilism", en inflytelserik ideologisk rörelse på 1850-1860-talet. Grunden för "pochvennichestvo" är uppmärksamhet på det ryska folkets andliga traditioner, till traditionella livsformer och kultur. Köpmännen var av särskilt intresse för de "unga redaktörerna" av "Moskvityanin": trots allt var denna klass alltid ekonomiskt oberoende och upplevde inte livegenskapets skadliga inflytande, som "jordfolket" ansåg som det ryska folkets tragedi. Det var i handelsmiljön, enligt "moskoviterna", som man borde leta efter äkta moraliska ideal, utvecklad av det ryska folket, inte förvrängd av slaveri, som livegna bönder, och separation från folkets "jord", som adeln. Under första hälften av 1850-talet. Ostrovsky var starkt influerad av dessa idéer. Nya vänner, särskilt A.A. Grigoriev, pressade honom att uttrycka den "inhemska ryska synen" i sina pjäser om köpmännen.

I pjäserna från den "muskovitiska" perioden av kreativitet - "Gå inte i din släde", "Fattigdom är inte en last" och "Lev inte som du vill" - försvann inte Ostrovskys kritiska inställning till köpmännen , men var kraftigt uppmjukad. En ny ideologisk trend dök upp: dramatikern skildrade moderna köpmäns moral som ett historiskt föränderligt fenomen, och försökte ta reda på vad som bevarats i denna miljö från den rika andliga erfarenhet som det ryska folket ackumulerat under århundradena, och vad som deformerats eller försvann. .

En av topparna i Ostrovskys kreativitet är komedin "Fattigdom är inte en last", vars handling är baserad på en familjekonflikt. Gordey Tortsov, en imponerande tyrannhandlare, föregångaren till Dikiy från Groza, drömmer om att gifta sig med sin dotter Lyuba med afrikanske Korshunov, en köpman i en ny, "europeisk" formation. Men hennes hjärta tillhör någon annan - den stackars kontoristen Mitya. Gordeys bror, Lyubim Tortsov, hjälper till att bryta äktenskapet med Korsjunov, och tyrannfadern hotar i ett anfall av ilska att ge sin upproriska dotter i äktenskap till den första personen han möter. Av en lycklig slump visade det sig att det var Mitya. För Ostrovsky är en framgångsrik komedi-intrig bara ett "skal" som hjälper till att förstå sann mening händer: kollision folkkultur med den "halvkultur" som utvecklades bland köpmännen under inflytande av mode "för Europa". Exponenten för den falska handelskulturen i pjäsen är Korshunov, försvararen av den patriarkala "jord"-principen - Lyubim Tortsov, pjäsens centrala karaktär.

Vi älskar Tortsov - en fyllare som skyddar moraliska värderingar, - lockar betraktaren med sitt tjafs och dårskap. Hela händelseförloppet i pjäsen beror på honom; han hjälper alla, inklusive att främja den moraliska "återhämtningen" för sin tyrannbror. Ostrovsky visade honom som den mest "ryska" av alla karaktärer. Han har inga anspråk på utbildning, som Gordey, han tänker helt enkelt förnuftigt och agerar enligt sitt samvete. Ur författarens synvinkel räcker detta helt för att sticka ut från handelsmiljö, för att bli "vår man på scen."

Författaren själv trodde att en ädel impuls är kapabel att avslöja enkla och tydliga moraliska egenskaper hos varje person: samvete och vänlighet. Omoral och grymhet moderna samhället han kontrasterade rysk "patriarkal" moral, därför är pjäsvärlden under den "moskovitiska" perioden, trots den vanliga precisionen i vardagliga "instrumentering" för Ostrovsky, till stor del konventionell och till och med utopisk. Dramatikerns främsta prestation var hans version av det positiva folklig karaktär. Bilden av den berusade sanningens herold, Lyubim Tortsov, skapades på intet sätt enligt trötta schabloner. Detta är inte en illustration för Grigorievs artiklar, utan en fullblods konstnärlig bild Det är inte konstigt att rollen som Lyubim Tortsov lockade skådespelare i många generationer.

Under andra hälften av 1850-talet. Ostrovsky vänder sig om och om igen till temat handlarna, men hans inställning till denna klass har förändrats. Han tog ett steg tillbaka från "moskoviternas" idéer och återvände till skarp kritik av styvheten i handelsmiljön. Den levande bilden av tyrannköpmannen Tit Titych ("Kita Kitych") Bruskov, vars namn har blivit ett känt namn, skapades i den satiriska komedin "There's a Hangover at Someone Else's Feast" (1856). Ostrovsky begränsade sig dock inte till "satir på ansikten". Hans generaliseringar blev bredare: pjäsen skildrar ett sätt att leva som häftigt gör motstånd mot allt nytt. Detta, enligt kritikern N.A. Dobrolyubov, " mörka rike", lever efter sina egna grymma lagar. Hycklande försvarar patriarkatet, tyranner försvarar sin rätt till obegränsad godtycke.

Det tematiska utbudet av Ostrovskys pjäser utökades, och representanter för andra klasser och sociala grupper kom in i hans synfält. I komedin "Profitable Place" (1857) tog han först upp ett av ryska komikers favoritteman - satirisk bild tjänstemannaskapet, och i komedin "The Kindergarten" (1858) upptäckte han livet som en jordägare. I båda verken är paralleller med "handlare" lätt synliga. Således är hjälten i "A Profitable Place" Zhadov, en avslöjare av tjänstemäns korruption, typologiskt nära den sanningssökande Lyubim Tortsov, och karaktärerna i "The Pupil" - tyrannjordägaren Ulanbekova och hennes offer, eleven Nadya - liknar karaktärerna i Ostrovskys tidiga pjäser och tragedin "The Thunderstorm" skriven ett år senare ": Kabanikha och Katerina.

Som en sammanfattning av resultaten från det första decenniet av Ostrovskys arbete skrev A.A. Grigoriev, som argumenterade med Dobrolyubovs tolkning av Ostrovsky som en avslöjare av tyranner och det "mörka riket", "Namnet på denna författare, för en så stor författare, trots att hans tillkortakommanden, är ingen satiriker, utan nationalpoet. Ordet för ledtrådar till hans verksamhet är inte "tyranni" utan "nationalitet". Endast detta ord kan vara nyckeln till att förstå hans verk. Allt annat - mer eller mindre snävt, mer eller mindre teoretiskt, godtyckligt - begränsar kretsen av hans kreativitet."

"The Thunderstorm" (1859), som följde på tre anklagande komedier, blev höjdpunkten i Ostrovskys förreformdrama. För att återgå till skildringen av köpmännen skapade författaren den första och enda sociala tragedin i sitt verk.

Ostrovskys verk från 1860-1880-talen. exceptionellt mångsidig, fastän i hans världsbild estetiska synpunkter det fanns inga så skarpa svängningar som före 1861. Ostrovskys dramaturgi förbluffar med sin shakespeareska problembredd och klassiska perfektion konstnärliga former. Man kan notera två huvudtrender som tydligt manifesterade sig i hans pjäser: förstärkningen av det tragiska ljudet av komedi som är traditionellt för författaren och tillväxten av det psykologiska innehållet i konflikter och karaktärer. "Ostrovskys teater", förklarade "föråldrad", "konservativ" av dramatiker från den "nya vågen" på 1890- och 1900-talen, utvecklade i själva verket just de trender som blev ledande inom teatern i början av 1900-talet. Det var inte alls av misstag att Ostrovskys vardagliga och moraliskt beskrivande pjäser var rika på filosofiska och psykologiska symboler, från och med "Åskvädret". Dramatikern kände akut otillräckligheten av scenisk "vardaglig" realism. Utan att bryta mot scenens naturlagar, bibehålla avståndet mellan skådespelare och åskådare - grunden för den klassiska teaterns grunder, i dess bästa pjäserna han närmade sig det filosofiska och tragiska ljudet av de romaner som skapades på 1860-1870-talen. hans samtida Dostojevskij och Tolstoj, till konstnärens visdom och organiska styrka, som Shakespeare var en förebild för honom.

Ostrovskys innovativa strävanden är särskilt märkbara i hans satiriska komedier och psykologiska dramer. Fyra komedier om postreformadelns liv - "Enough Simplicity for Every Wise Man", "Wolves and Sheep", "Mad Money" och "Forest" - hänger samman av ett gemensamt tema. Ämnet för satiriskt förlöjligande i dem är den okontrollerbara profittörsten, som också grep de adelsmän, som hade förlorat sin stödpunkt - livegnas tvångsarbete och " galna pengar", och människor i en ny formation, affärsmän som samlar sitt kapital på ruinerna av kollapsat livegenskap.

Komedier skapar levande bilder av "affärsmänniskor" för vilka "pengar inte luktar" och rikedom blir det enda målet i livet. I pjäsen "Every Wise Man has Enough Simplicity" (1868) dök en sådan person upp som den fattiga adelsmannen Glumov, som traditionellt drömmer om att få ett arv, en rik brud och en karriär. Hans cynism och affärsmannaskap strider inte mot den gamla ädla byråkratins levnadssätt: han är själv en ful produkt av denna miljö. Glumov är smart i jämförelse med dem som han tvingas böja sig för - Mamaev och Krutitsky, han är inte motvillig att håna deras dumhet och svindlande, han kan se sig själv utifrån. "Jag är smart, arg, avundsjuk," erkänner Glumov. Han söker inte sanningen, utan drar helt enkelt nytta av andras dumhet. Ostrovsky visar på ett nytt socialt fenomen som är karakteristiskt för Ryssland efter reformen: det är inte molchalernas "måttlighet och noggrannhet" som leder till "galna pengar", utan Chatskys frätande sinne och talang.

I komedin "Mad Money" (1870) fortsatte Ostrovsky sin "Moskva-krönika". Yegor Glumov dök upp igen i den med sina epigram "för hela Moskva", såväl som ett kalejdoskop av satiriska Moskvatyper: socialister som har levt genom flera förmögenheter, damer redo att bli hållna tjänare till "miljonärer", älskare av gratis sprit, lediga talare och vällustiga människor. Dramatikern skapade ett satiriskt porträtt av ett sätt att leva där heder och integritet ersätts av en otyglad längtan efter pengar. Pengar bestämmer allt: karaktärernas handlingar och beteende, deras ideal och psykologi. Den centrala karaktären i pjäsen är Lydia Cheboksarova, som lägger ut både sin skönhet och sin kärlek till försäljning. Hon bryr sig inte om vem hon ska vara - en fru eller en bevarad kvinna. Det viktigaste är att välja en tjockare pengapåse: trots allt, enligt hennes åsikt, "du kan inte leva utan guld." Lydias korrupta kärlek i "Mad Money" är samma sätt att få pengar som Glumovs sinne i pjäsen "Enkelhet räcker för varje vis man." Men den cyniska hjältinnan, som väljer ett rikare offer, befinner sig själv i en dum position: hon gifter sig med Vasilkov, förförd av skvaller om hans guldgruvor, blir lurad av Telyatev, vars förmögenhet bara är en myt, föraktar inte smekningarna av " pappa” Kuchumov och slog honom på pengar. Den enda motpolen till "galna pengar"-fångarna i pjäsen är den "ädle" affärsmannen Vasilkov, som talar om "smarta" pengar, erhållna genom ärligt arbete, sparade och klokt använda. Denna hjälte gissas av Ostrovsky ny typ"ärlig" borgerlig.

Komedin "Skogen" (1871) är tillägnad det populära i rysk litteratur på 1870-talet. temat för utrotningen av de "ädla bon" där de "sista mohikanerna" från den gamla ryska adeln bodde.

Bilden av "skogen" är en av Ostrovskys mest rymliga symboliska bilder. Skogen är inte bara bakgrunden mot vilken händelserna utspelar sig i godset, som ligger fem mil från stadsdelsstaden. Detta är föremål för en affär mellan den äldre damen Gurmyzhskaya och köpmannen Vosmibratov, som köper upp deras förfäders land från fattiga adelsmän. Skogen är en symbol för den andliga vildmarken: skogsgodset "Penki" når nästan inte återupplivandet av huvudstäderna, "åldriga tystnad" råder fortfarande här. Den psykologiska innebörden av symbolen blir tydlig om vi korrelerar "skogen" med "vildmarken" av oförskämda känslor och omoraliska handlingar från invånarna i "ädelskogen", genom vilka adel, ridderlighet och mänsklighet inte kan bryta igenom. ”... – Och egentligen, bror Arkady, hur kom vi in ​​i den här skogen, in i denna täta fuktiga skog? - säger tragikern Neschastlivtsev i slutet av pjäsen, - Varför, bror, skrämde vi bort ugglorna och örnugglorna? Varför störa dem? Låt dem leva som de vill! Allt är bra här, broder, som det ska vara i skogen. Gamla kvinnor gifter sig med gymnasieelever, unga flickor dränker sig från bittert liv med sina släktingar: skog, bror” (D. 5, Upp. IX).

"Skog" - satirisk komedi. Komedin manifesterar sig i en mängd olika handlingssituationer och handlingssvängar. Dramatikern skapade till exempel en liten men mycket aktuell social tecknad serie: nästan gogoliska karaktärer diskuterar ämnet för zemstvos aktiviteter, populära under efterreformens tider - den dystra misantropgodsägaren Bodaev, som påminner om Sobakevich, och Milonov, som vacker- hjärta som Manilov. Men huvudobjektet för Ostrovskys satir är livet och sederna i "ädelskogen". Pjäsen använder en beprövad handling - berättelsen om den stackars eleven Aksyusha, som är förtryckt och förödmjukad av den hycklande "välgöraren" Gurmyzhskaya. Hon talar ständigt om sin änka och renhet, även om hon i själva verket är ond, vällustig och fåfäng. Motsättningarna mellan Gurmyzhskayas påståenden och den sanna essensen av hennes karaktär är källan till oväntade komiska situationer.

I första akten sätter Gurmyzhskaya upp en slags show: för att visa sin dygd inbjuder hon sina grannar att skriva under ett testamente. Enligt Milonov, "pryder Raisa Pavlovna hela vår provins med hennes livs stränghet; vår moraliska atmosfär, så att säga, ljuger om hennes dygder.” "Vi var alla rädda för din dygd här," ekar Bodaev och minns hur de väntade hennes ankomst till gården för flera år sedan. I den femte akten får grannarna veta om den oväntade metamorfosen som inträffade med Gurmyzhskaya. En femtioårig dam, som slarvigt talade om föraningar och förestående död ("om jag inte dör idag, inte imorgon, åtminstone snart"), meddelar sitt beslut att gifta sig med en avhoppad gymnasieelev, Alexis Bulanov. Hon betraktar äktenskapet som ett självuppoffring, "för att ordna godset och så att det inte hamnar i orätta händer." Men grannarna märker inte komedin i övergången från den döende viljan till äktenskapet av "orubblig dygd" med "den ömma, unga grenen av den ädla barnkammaren." "Detta är en heroisk bedrift! Du är en hjältinna! – utbrister Milonov patetiskt och beundrar den hycklande och depraverade matronen.

En annan knut i komedihandlingen är historien om tusen rubel. Pengarna gick runt i en cirkel, vilket gjorde det möjligt att sätta viktiga detaljer på porträtten av en mängd olika människor. Köpmannen Vosmibratov försökte plocka in tusenlappar samtidigt som han betalade för det köpta virket. Neschastlivtsev, efter att ha lugnat och "provocerat" köpmannen ("hedern är oändlig. Och du har den inte"), uppmanade honom att lämna tillbaka pengarna. Gurmyzhskaya gav ett "bortfallande" tusen till Bulanov för en klänning, sedan tog tragedianen, som hotade den olyckliga ungdomen med en falsk pistol, pengarna i avsikt att slösa bort dem med Arkady Schastlivtsev. Till slut blev tusentalet Aksyushas hemgift och... återvände till Vosmibratov.

Den helt traditionella komiska situationen för "skiftaren" gjorde det möjligt att kontrastera den olycksbådande komedin för invånarna i "skogen" med en hög tragedi. Den patetiske "komikern" Neschastlivtsev, Gurmyzhskayas brorson, visade sig vara en stolt romantiker som ser på sin moster och hennes grannar genom ögonen på en ädel man, chockad av "ugglor och ugglors" cynism och vulgaritet. De som behandlar honom med förakt och betraktar honom som en förlorare och en överlöpare, beter sig som dåliga skådespelare och vanliga jävlar. "Komiker? Nej, vi är artister, ädla artister, och ni är komikerna”, slänger Neschastlivtsev argt i ansiktet på dem. – Om vi ​​älskar, så älskar vi; om vi inte älskar, bråkar vi eller slåss; Om vi ​​hjälper till är det med vår sista krona. Och du? Hela ditt liv pratar du om samhällets bästa, om kärlek till mänskligheten. Vad gjorde du? Vem matade du? Vem tröstades? Du roar bara dig själv, du roar dig själv. Ni är komiker, gycklare, inte vi” (D. 5, Rev. IX).

Ostrovsky kontrasterar den råa farsen som Gurmyzhsky och Bulanov spelade med den verkligt tragiska uppfattningen av världen som Neschastlivtsev representerar. I femte akten förvandlas den satiriska komedin: om tragedianen tidigare demonstrativt betedde sig med "clownerna" på ett buffligt sätt, betonade sitt förakt för dem, illvilligt ironiserade deras handlingar och ord, så i pjäsens final, scenen, utan att upphöra att vara ett utrymme för komisk action, förvandlas till en tragisk teater för en skådespelare, som börjar sin sista monolog som en "ädel" artist, misstas för en gycklare, och slutar som en "ädel rövare" från dramat om F. Schiller - med Karl Moors berömda ord. Citatet från Schiller talar återigen om "skogen", eller mer exakt, om alla "blodtörstiga invånare i skogarna". Deras hjälte skulle vilja "gå berserk mot denna helvetesgeneration" som han mötte i adligt gods. Citatet, som inte känns igen av Neschastlivtsevs lyssnare, betonar den tragikomiska innebörden av det som händer. Efter att ha lyssnat på monologen utbrister Milonov: "Men ursäkta mig, du kan hållas ansvarig för dessa ord!" "Ja, bara till polisen. Vi är alla vittnen”, svarar Bulanov, ”född att befalla”, som ett eko.

Neschastlivtsev är en romantisk hjälte, det finns mycket i honom från Don Quijote, "den sorgliga bildens riddare." Han uttrycker sig pompöst, teatraliskt, som om han inte tror på framgången för sin kamp med "väderkvarnar". "Var kan du prata med mig", vänder sig Neschastlivtsev till Milonov. "Jag känner och talar som Schiller, och du gillar en kontorist." Komiskt när han spelar på Karl Moors nyss talade ord om "blodtörstiga skogsinvånare", lugnar han Gurmyzhskaya, som vägrade ge honom handen för en avskedskyss: "Jag kommer inte att bita, var inte rädd." Allt han kan göra är att komma bort från människor som enligt hans åsikt är värre än vargar: ”Ge mig en hand, kamrat! (Räcker handen till Schastlivtsev och går). Sista ord och Neschastlivtsevs gest är symbolisk: han sträcker sin hand till sin kamrat, "komikern", och vänder sig stolt bort från invånarna i "ädelskogen" som han inte är på samma väg med.

Hjälten i "Skogen" är en av de första i rysk litteratur som "bröt ut", "förlorade barn" i sin klass. Ostrovsky idealiserar inte Neschastlivtsev och påpekar sina vardagliga tillkortakommanden: han, liksom Lyubim Tortsov, är inte motvillig till att snåla, är benägen att lura och beter sig som en arrogant gentleman. Men huvudsaken är att det är Neschastlivtsev, en av de mest älskade hjältarna i Ostrovskys teater, som uttrycker höga moraliska ideal, helt bortglömda av gycklarna och fariséerna från skogsgården. Hans idéer om en persons heder och värdighet ligger författaren själv nära. Som om han bröt "spegeln" av komedi, ville Ostrovsky, genom munnen på en provinstragedian med det sorgliga efternamnet Neschastlivtsev, påminna människor om faran med lögner och vulgaritet, som lätt ersätter det verkliga livet.

Ett av Ostrovskys mästerverk, det psykologiska dramat "Dowry" (1878), är, liksom många av hans verk, ett "köpmannaspel". Den ledande platsen i den upptas av dramatikerns favoritmotiv (pengar, handel, köpmans "mod"), traditionella typer som finns i nästan alla hans pjäser (köpmän, en mindre tjänsteman, en flicka i äktenskaplig ålder och hennes mor, som försöker att "sälja" sin dotter till ett högre pris, en regional skådespelare). Intrigen liknar också tidigare använda plotenheter: flera rivaler kämpar för Larisa Ogudalova, som var och en har sitt eget "intresse" för flickan.

Men till skillnad från andra verk, till exempel komedin "Forest", där den fattiga eleven Aksyusha bara var en "karaktär av situationen" och inte tog en aktiv del i händelserna, hjältinnan i "Dowry" - central karaktär pjäser. Larisa Ogudalova är inte bara en vacker "sak", som skamlöst bjuds ut på auktion av sin mor Kharita Ignatievna och "köpt" av rika köpmän i staden Bryakhimov. Hon är en rikt begåvad person, tänker, känner djupt, förstår det absurda i sin situation och samtidigt en motsägelsefull natur, som försöker jaga "två flugor i en smäll": hon vill ha både hög kärlek och ett rikt, vackert liv . Den kombinerar romantisk idealism och drömmar om borgerlig lycka.

Den största skillnaden mellan Larisa och Katerina Kabanova, som hon ofta jämförs med, är valfriheten. Hon måste själv göra sitt val: att bli den rika köpmannen Knurovs bevarade kvinna, en deltagare i den "briljante mästaren" Paratovs vågade underhållning, eller frun till en stolt icke-enhet - en officiell "med ambitioner" Karandyshev. Staden Bryakhimov, liksom Kalinov i "Åskvädret", är också en stad "på Volgas höga strand", men detta är inte längre det "mörka kungariket" för en ond, tyrann kraft. Tiderna har förändrats - de upplysta "nya ryssarna" i Bryakhimov gifter sig inte med hemgiftsflickor, utan köper dem. Hjältinnan kan själv bestämma om hon vill delta i auktionen eller inte. En hel "parad" av friare passerar framför henne. Till skillnad från den obesvarade Katerina försummas inte Larisas åsikt. Med ett ord, de "sista tiderna" som Kabanikha fruktade så mycket har kommit: den gamla "ordningen" har kollapsat. Larisa behöver inte tigga sin fästman Karandyshev, eftersom Katerina bad Boris ("Ta med mig härifrån!"). Karandyshev själv är redo att ta henne bort från stadens frestelser - till den avlägsna Zabolotye, där han vill bli fredsdomare. Träsket, som hennes mamma föreställer sig som en plats där det inte finns annat än skog, vind och ylande vargar, verkar för Larisa vara en byidyll, ett slags sumpigt ”paradis”, ett ”tyst hörn”. I hjältinnans dramatiska öde flätas det historiska och vardagliga, tragedin med ouppfylld kärlek och borgerlig fars, subtilt psykologiskt drama och patetisk vaudeville samman. Det ledande motivet för pjäsen är inte omgivningens och omständigheternas kraft, som i "Åskvädret", utan motivet för människans ansvar för sitt öde.

"The Dowry" är först och främst ett drama om kärlek: det var kärleken som blev grunden för handlingsintrigen och källan till hjältinnans interna motsättningar. Kärlek i "Dowry" är ett symboliskt, mångvärdigt koncept. "Jag letade efter kärlek och hittade den inte" - det här är den bittra slutsatsen Larisa gör i slutet av pjäsen. Hon menar kärlek-sympati, kärlek-förståelse, kärlek-medlidande. I Larisas liv äkta kärlek ersatt "kärlek" som läggs ut till försäljning, kärlek som en vara. Förhandlingen i pjäsen beror just på henne. Endast de som har mer pengar kan köpa sådan "kärlek". För de "europeiserade" köpmännen Knurov och Vozhevatov är Larisas kärlek en lyxvara som köps för att förse deras liv med "europeisk" chic. Småheten och försiktigheten hos dessa "barn" till Dikiy manifesteras inte i osjälviska svordomar över ett öre, utan i fula kärleksförhandlingar.

Sergei Sergeevich Paratov, den mest extravagante och hänsynslösa bland köpmännen som avbildas i pjäsen, är en parodifigur. Det här är "handlaren Pechorin", en hjärteknare med en förkärlek för melodramatiska effekter. Han betraktar sitt förhållande med Larisa Ogudalova som ett kärleksexperiment. "Jag vill veta hur snart en kvinna glömmer sin passionerade älskade: dagen efter separationen från honom, en vecka eller en månad senare," säger Paratov. Kärlek, enligt hans åsikt, är endast lämplig "för hushållsbruk." Paratovs egen "resa till kärlekens ö" med hemgiften Larisa var kortlivad. Hon ersattes av stökigt tjafs med zigenare och äktenskap med en rik brud, eller snarare hennes hemgift - guldgruvor. ”Jag, Mokiy Parmenych, har ingenting omhuldat; Jag kommer att hitta en vinst, så jag säljer allt, vad som helst” - det här är livsprincipen Paratov, den nya "vår tids hjälte" med vanorna hos en trasig kontorist från en modebutik.

Larisas fästman, den "excentriske" Karandyshev, som blev hennes mördare, är en ynklig, komisk och samtidigt olycklig person. Den blandar olika scenbilders "färger" i en absurd kombination. Detta är en karikatyr av Othello, en parodi på en "ädel" rånare (på en kostymfest "klädde han ut sig till en rånare, tog en yxa i händerna och kastade brutala blickar på alla, särskilt Sergei Sergeich") och samtidigt tid som "filiste bland adeln". Hans ideal är en "vagn med musik", en lyxig lägenhet och middagar. Detta är en ambitiös tjänsteman som befann sig på en orolig köpmansfest, där han fick ett oförtjänt pris - den vackra Larisa. Kärleken till Karandyshev, den "reserv" brudgummen, är kärlek-fåfänga, kärlek-skydd. För honom är Larisa också en "grej" som han skryter med och presenterar den för hela staden. Själva pjäsens hjältinna uppfattar hans kärlek som förnedring och en förolämpning: ”Hur vidrig du är mot mig, om du bara visste!... För mig är den allvarligaste förolämpningen ditt beskydd; Jag har inte fått några andra förolämpningar från någon."

Huvuddraget som visas i Karandyshevs utseende och beteende är ganska "Chekhovian": det är vulgaritet. Det är denna funktion som ger tjänstemannens figur en dyster, olycksbådande smak, trots hans medelmåttighet jämfört med andra deltagare på kärleksmarknaden. Larisa dödas inte av den provinsiella "Othello", inte av den patetiska komikern som lätt byter masker, utan av den vulgaritet som förkroppsligas i honom, vilket - tyvärr! - blev för hjältinnan det enda alternativet kärlekens paradis.

Inte ett enda psykologiskt drag hos Larisa Ogudalova har nått fullbordandet. Hennes själ är fylld av mörka, vaga impulser och passioner som hon själv inte helt förstår. Hon kan inte göra ett val, acceptera eller förbanna den värld hon lever i. När hon tänkte på självmord kunde Larisa aldrig kasta sig i Volga, som Katerina. Till skillnad från tragisk hjältinna"Thunderstorms", hon är bara en deltagare i ett vulgärt drama. Men pjäsens paradox är att det var just vulgariteten som dödade Larisa som i de sista stunderna av hennes liv också gjorde henne till en tragisk hjältinna, som höjde sig över alla karaktärer. Ingen älskade henne som hon skulle vilja, men hon dör med ord av förlåtelse och kärlek och skickar en kyss till människorna som nästan tvingade henne att avsäga sig det viktigaste i hennes liv - kärlek: "Du måste leva, men jag behöver leva.” ... dö. Jag klagar inte på någon, jag tar inte illa upp av någon... y'all goda människor... jag älskar er alla... alla... (Skickar en kyss). Denna sista, tragiska suck från hjältinnan besvarades endast av en "hög kör av zigenare", en symbol för hela den "zigenare" livsstil som hon levde i.