Sedan 1540-talet börjar sen renässansperiod. Italien föll på den tiden under främmande makters styre och blev den feodal-katolska reaktionens främsta fäste. Endast den rika venetianska republiken, fri både från påvens makt och från interventionisters dominans, säkerställde utvecklingen av konst i denna region. Renässansen i Venedig hade sina egna särdrag.

Redan från 1200-talet. Venedig var en kolonialmakt som ägde territorier vid kusterna i Italien, Grekland och öarna i Egeiska havet. Hon handlade med Bysans, Syrien, Egypten och Indien. Tack vare intensiv handel strömmade enorma rikedomar till henne. Venedig var en kommersiell oligarkisk republik, och den härskande kasten försvarade sin position med hjälp av extremt grymma och förrädiska åtgärder. Öppen för alla influenser från väst och öst, har republiken länge hämtat från kulturerna olika länder något som kunde dekorera och glädja - Bysantinsk elegans och gyllene glans, mönstret av moriska monument, den fantastiska naturen hos gotiska tempel.

En passion för lyx, dekorativitet och en motvilja mot vetenskaplig forskning försenade penetrationen av konstnärliga idéer och praktiker från den florentinska renässansen i Venedig. Grundläggande karaktärsdrag verk av målare, skulptörer och arkitekter i Florens och Rom motsvarade inte den smak som hade utvecklats i Venedig. Här drevs renässanskonst av kärlek inte till antiken, utan till dess stad, bestämd av dess egenskaper. Den blå himlen och havet, eleganta fasader av palats bidrog till bildandet av en speciell konstnärlig stil, manifesterad i en passion för färg, dess nyanser och kombinationer. Venetianska konstnärer, som bara var målare, såg färgglatthet och färg som grunden för måleriet. Förkärleken för färg förklaras också av den invanda kärleken till rika dekorationer, ljusa färger och riklig förgyllning i konstverk från öst. Venetiansk renässans Det visade sig också vara rikt på stora målare och skulptörer. Titian, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini arbetade i denna era.

Giorgione(riktiga namnet Giorgio de Castelfranco) blev den första mest känd konstnär Högrenässans i Venedig. I hans arbete vinner slutligen den sekulära principen, vilket manifesteras i dominansen av mytologiska och litterära teman. Det är i Giorgiones verk som födelsen av stafflimålningen inträffar, med vilken särdragen i konstnärens arbete är förknippade: ämnena för hans målningar kännetecknas av frånvaron av en tydligt definierad handling och aktiv handling; i tolkningen av handlingen ligger huvudvikten på förkroppsligandet av subtila och komplexa känslor som ger Giorgiones målningar en speciell stämning - elegiskt drömmande eller lugnt fokuserade.

Det har ännu inte klarlagts exakt hur många verk som tillhör mästarens pensel, deras antal sträcker sig från fyra till 61. Forskare av konstnärens verk är dock överens om att hans bästa verk är "Judith" och "Sleeping Venus". I målningen "Judith" illustrerar Giorgione inte innehållet i den berömda myten. Den aktiva sidan av Judiths bedrift ligger åt sidan. Framför oss är bara resultatet av händelsen: den ensamma gestalten av en ung kvinna, som står i djupa tankar på en stenterrass, bakom vilken ligger ett fantastiskt vackert landskap. Hennes attribut - svärdet och Holofernes huvud - drar nästan ingen uppmärksamhet. Målningens färg med dess genomskinliga och delikata färger, med de fantastiska nyanserna av Judiths klänning, får enorm konstnärlig betydelse.

"Sleeping Venus" är Giorgiones mest kända verk, där en naken kvinnlig figur för första gången presenterades utan någon handling: mitt på en kuperad äng ligger en vacker ung kvinna på ett mörkrött överkast med vitt satinfoder. Hennes nakna figur är placerad diagonalt mot bakgrunden av ett landskap dominerat av gröna och bruna toner. Venus är nedsänkt i en lugn sömn, vilket innebär själens anlag för sublim förening med Gud. Frid och lugn fyller naturen med dess oändliga himmel, vita moln och avstånd som sträcker sig ner i djupet.

Verk av Titian Vecemio(han gick in i konsthistorien inte under sitt efternamn, utan under eget namn) blev höjdpunkten i Venedig. Denna konstnär med enorm kreativ potential gick igenom en svår och dramatisk livsväg, under vilken hans världsbild förändrades avsevärt. Titian utvecklades som person och konstnär under eran av den högsta kulturella blomningen i Venedig. Hans första verk är fyllda med bullriga och pulserande liv, medan senaste verken full av känslor av dyster ångest och förtvivlan.

Konstnären levde ett långt liv (cirka 90 år) och lämnade ett stort arv. Han skapade kompositioner på religiösa och mytologiska teman och var samtidigt en utmärkt mästare i en av de mest komplexa genrerna - naken (på franska - naken, avklädd) - bilder av den nakna kroppen. I renässansmålningen representerades vanligtvis forntida gudinnor och mytologiska hjältinnor på detta sätt. Hans "Liggande Venus" och "Danae" är bilder av fängslande, friska venetianska kvinnor i interiören av rika venetianska hus.

Titian gick till kulturhistorien som en stor porträttmålare och psykolog. Hans pensel innehåller ett omfattande galleri med porträttbilder - kejsare, kungar, påvar, adelsmän. Om han i sina tidiga porträtt, som var brukligt, glorifierade skönheten, styrkan, värdigheten och integriteten i hans modellers natur, så kännetecknas hans senare verk av bildernas komplexitet och inkonsekvens. De sammanflätar andlighet, förfinad intellektualitet, adel med bitterheten av tvivel och besvikelse, sorg och dold ångest. I målningarna skapade av Titian i senaste åren kreativitet, låter som en äkta tragedi. Mest berömt verk Tizians målning av denna period är "Saint Sebastian".

Sista fjärdedelen av 1500-talet. för renässansens kultur blev det en tid av nedgång. Arbetet av konstnärer som kallades "manerister" (från italienska manierismo - pretentiöshet), och hela rörelsen - "manerism", fick en sofistikerad, pretentiös karaktär. Den venetianska målarskolan stod emot manérismens penetration längre än andra och förblev trogen renässansens traditioner. Men hennes bilder blev också mindre sublima och heroiska, mer jordiska, kopplade till det verkliga livet.

Till skillnad från konsten i centrala Italien, där måleriet utvecklades i nära anslutning till arkitektur och skulptur, i Venedig på 1300-talet. måleriet dominerade. I verk av Giorgione och Titian skedde en övergång till stafflimålning. En av anledningarna till övergången bestämdes av klimatet i Venedig, där fresken är dåligt bevarad. En annan anledning är att stafflimålning dyker upp i samband med framväxten av sekulära teman och utvidgningen av utbudet av föremål som ingår i målarnas uppmärksamhet. Tillsammans med etableringen av stafflimålning ökade mångfalden av genrer. Således skapade Titian målningar baserade på mytologiska ämnen, porträtt och kompositioner baserade på bibliska ämnen. I arbetet med representanter för den sena renässansen - Veronese och Tintoretto, skedde en ny ökning av monumentalmålning.

Giorgio da Castelfranco, med smeknamnet Giorgione (1477-1510), levde ett kort liv. Namnet Giorgione kommer från ordet "zorzo", som på den venetianska dialekten betydde "en person av lägsta börd". Hans ursprung har inte fastställts exakt, och det finns inga tillförlitliga uppgifter om åren av hans lärlingstid hos Bellini. Giorgione var väl inom Venedigs kulturella skikt. Ämnena i hans målningar som "Åskvädret" och "Tre filosofer" är svårtolkade. 1510 dog Giorgione av pesten.

Stafflimåleri är en typ av målning vars verk har en självständig betydelse och uppfattas oavsett omgivning. Den huvudsakliga formen av stafflimålning är en bild som är separerad av en ram från omgivningen.

Titian Vecelli (1476/77-1576). Tizian kommer från staden Cadore vid foten av Dolomiterna. Konstnären studerade med Giovanni Bellini. År 1507 gick Tizian in i Giorgiones verkstad, som anförtrodde Tizian fullbordandet av sina verk. Efter Giorgiones död slutförde Titian några av sina verk och accepterade ett antal av hans beställningar och öppnade sin egen verkstad.
Vid den här tiden, i ett antal porträtt, inklusive "Salome", "Lady at the Toilet" och "Flora", förkroppsligade han sin idé om skönhet. År 1516 skapade konstnären "The Ascension of Our Lady" (Assunta) för kyrkan Santa Maria Gloriosa dei Frari i Venedig - målningen visar hur en grupp animerade gesterande apostlar ser Guds Moder stiga upp till himlen omgiven av änglar. År 1525 gifte sig Tizian med Cecilia, sin älskade, med vilken han fick två söner.

Vid den här tiden älskade Titian friska, sensuella bilder och använde klangfulla, djupa färger. Efter Bellinis död övergick ställningen som konstnär vid republikens venetianska skola till Titian. Titian utvecklar målningsreformen, som initierades av Giorgione: konstnären föredrar stora dukar som tillåter en bred och fri applicering av färger. På det inledande lagret, direkt efter att det hade torkat, applicerade han mer eller mindre täta men flytande drag, blandade med genomskinliga och glänsande lacker, och avslutade bilden med att intensifiera de ljusaste tonerna och skuggorna med drag som fick en nästan korpusliknande karaktär. Skissen stämde överens med den allmänna känslomässiga förberedelsen, men var komplett i sig.

På inbjudan av påven Paulus III flyttade Tizian till Rom. Nya teman dyker upp i hans konst - kampens drama, spänningen. Sålunda, i målningen "Här är en man", överför konstnären evangeliets handling till en modern miljö, som föreställer Pietro Aretino i bilden av Pilatus och den venetianska dogen i skepnad av en av fariséerna. Detta misshagar påven, och Tizian och hans son åker till Augsburg för att besöka Karl V. Vid Karl V:s hov skriver Tizian mycket, får särskilt många order från Spanien, kung Filip II beställer honom flera målningar. I början av 50-talet. Titian återvänder till Venedig, men fortsätter att arbeta för den spanske kungen. Titians porträtt kännetecknas av vitalitet. "Porträtt av påven Paul III med Alexandro och Ottavio Farnese" visar mötet mellan tre personer, som var och en är kopplad till andra hemliga känslor. År 1548 målade Tizian två porträtt av Karl V. I det ena framställs han som en triumferande, efter att ha vunnit en seger - klädd i rustning, i en hjälm med en plym, rider Charles på en häst till skogskanten.
När Tizian målade ett porträtt av kejsar Karl V tappade han sin pensel och kejsaren tog upp den. Då sa konstnären: "Ers Majestät, er tjänare förtjänar inte en sådan ära." Till vilket kejsaren påstås svara: "Titian är värdig att betjänas av Caesar."

Det andra porträttet visar kejsaren i en traditionell spansk svart kostym, sittande i en stol med en loggia i bakgrunden.
I början av 50-talet. Tizian, på uppdrag av Filip II, som blev kejsare efter sin far Karl V:s abdikering, målade sju dukar om mytologiska ämnen, som han kallade "poesi", och tolkade mytologiska ämnen som metaforer mänskligt liv. Bland dikterna finns "The Death of Actaeon", "Venus and Adonis", "The Rape of Europa". De sista åren av sitt liv bodde Titian i Venedig. Ångest och besvikelse växer i hans verk. I religiösa målningar vänder sig Tizian alltmer till dramatiska ämnen - scener av martyrskap och lidande, där också tragiska toner hörs.

Sen renässans. Paolo Veronese (1528-1588). P. Caliari, med smeknamnet Veronese efter sin födelseort, föddes i Verona 1528. När han anlände till Venedig fick han omedelbart ett erkännande för sitt arbete i Doges Palazzo. Fram till slutet av sitt liv, i 35 år, arbetade Veronese med att dekorera och glorifiera Venedig. Veroneses målning är helt byggd på färg. Han visste hur man ställer individuella färger ihop på ett sådant sätt att detta närmande skapade ett särskilt intensivt ljud. De börjar brinna som ädelstenar. Till skillnad från Titian, som främst var stafflimålare, är Veronese en född dekoratör. Före Veronese placerades individuella stafflimålningar på väggarna för att dekorera interiörer och det fanns ingen övergripande dekorativ enhet, en syntetisk sammansmältning av måleri och arkitektur. Veronese var den första av de venetianska konstnärerna som skapade hela dekorativa ensembler, målade väggarna i kyrkor, kloster, palats och villor från topp till botten, och införlivade hans målning i arkitekturen. För dessa ändamål använde han fresktekniken. I sina målningar och främst i sina lampskärmar använde Veronese starka förkortningar, djärva rumsliga snitt, utformade för att titta på bilden från botten till toppen. I sina lampskärmar "öppnade han himlen".

Jacopo Tintoretto. Riktigt namn Jacopo Robusti (1518-1594). Tintorettos målning markerar fullbordandet av den italienska versionen av renässansen. Tintoretto drogs mot bildcykler av komplex tematisk karaktär; han använde sällsynta och tidigare oerhörda ämnen. Sålunda, i den utökade berättelsen om den enorma cykeln Scuola di San Rocco, tillsammans med många välkända episoder från Gamla och Nya testamentet, introduceras mindre vanliga och till och med helt nya motiv - "The Temptation of Christ" och landskapskompositioner med Magdalena och Maria av Egypten. Cykla om mirakel St. Frimärket i Venetian Academy och i Milanos Brera presenteras i former som är långt ifrån de vanliga visuella lösningarna.

Dogepalatset som visar strider visar ett överflöd av variation och djärv design. I det antika mytologiska temat fortsatte Tintoretto den fria poetiska tolkningen av motiv, som började med Tizians "poesi". Ett exempel på detta är målningen "Vintergatans ursprung". Han använde nya handlingskällor. Sålunda, i målningen "Räddningen av Arsinoe", utgick konstnären från anpassningen av dikten av den romerske författaren Lucan i den franska medeltida legenden, och "Tancred och Clorinda" skrev han baserat på dikten av Tasso.

Tintoretto vände sig upprepade gånger till handlingen i Nattvarden. Om i den högtidliga frisformade "Sista måltiden" i kyrkan Santa Maria Marcuola presenteras en debatt om hur man förstår lärarens ord, då i målningen från kyrkan Santa Trovaso Kristi ord, som slag, spridda de chockade lärjungarna, och på duken från Scuola di San Rocco, kombinerar den den dramatiska aspekten av handlingen och sakramentets symbolik; i kyrkan San Giorgio Maggiore fick nattvardens sakrament kvaliteten av en universell andliggörande kraft. Om målare av den klassiska typen tenderar att förmedla tid, som inte har någon början eller slut, så använder Tintoretto principen att förmedla en händelse. En specifik egenskap hos Tintorettos verk är suggestivitet, dynamik, uttrycksfull ljusstyrka hos naturliga motiv och rumslig mångdimensionalitet.

När det gäller överflöd av begåvade hantverkare och omfattningen av konstnärlig kreativitet var Italien före på 1400-talet. alla andra europeiska länder. Konsten i Venedig representerar en speciell version av utvecklingen av renässansens konstnärliga kultur i förhållande till alla andra centra för renässanskonst i Italien.

Redan från 1200-talet. Venedig var en kolonialmakt som ägde territorier vid kusterna i Italien, Grekland och öarna i Egeiska havet. Hon handlade med Bysans, Syrien, Egypten och Indien. Tack vare intensiv handel strömmade enorma rikedomar till henne. Venedig var en handelsoligarkisk republik. I många århundraden levde Venedig som en fantastiskt rik stad, och dess invånare kunde inte överraskas av överflöd av guld, silver, värdefulla stenar, tyger och andra skatter, men trädgården vid palatset uppfattades av dem som den yttersta gränsen för rikedom, eftersom det fanns mycket lite grönska i staden. Människor var tvungna att överge det till förmån för att öka sitt livsutrymme, utöka staden, som redan var begränsad av vatten överallt. Det är förmodligen därför venetianerna blev mycket känsliga för skönhet, och varje konstnärlig stil nådde en ganska hög nivå i sin dekorativa förmåga. Konstantinopels fall till turkarna skakade i hög grad Venedigs handelsposition, och ändå gjorde den enorma monetära rikedomen som ackumulerats av venetianska köpmän det att behålla sin självständighet och renässansens levnadssätt under stora delar av 1500-talet.

Kronologiskt utvecklades renässanskonsten i Venedig något senare än i de flesta andra stora centra i Italien under denna tid, men den varade också längre än i andra centra i Italien. Den utvecklades i synnerhet senare än i Florens och i Toscana i allmänhet. Renässansen i Venedig hade som sagt sina egna särdrag, den hade litet intresse för vetenskaplig forskning och utgrävningar av antika antikviteter. Den venetianska renässansen hade andra ursprung. Bildandet av principerna för renässansens konstnärliga kultur i Venedigs sköna konster började först på 1400-talet. Detta bestämdes inte av Venedigs ekonomiska efterblivenhet, tvärtom var Venedig, tillsammans med Florens, Pisa, Genua och Milano, ett av de mest ekonomiskt utvecklade centra i Italien vid den tiden. Det var Venedigs tidiga utveckling till en stor handelsmakt som var skyldig till denna försening, eftersom ökad handel, och motsvarande större kommunikation, med östländer påverkade dess kultur. Kulturen i Venedig var nära förbunden med den storslagna storheten och högtidliga lyxen i den kejserliga bysantinska kulturen, och delvis med den raffinerade dekorativa kulturen i arabvärlden. Den konstnärliga kulturen i Venedig på 1300-talet var en märklig sammanvävning av de storslagna och festliga formerna av monumental bysantinsk konst, livad upp av inflytandet från österns färgstarka ornament och en särdeles graciös omtolkning dekorativa element mogen gotisk konst. Naturligtvis kommer detta också att återspeglas i den venetianska konstnärliga kulturen under renässansen. Bland konstnärerna i Venedig kommer färgproblem i förgrunden, bildens materialitet uppnås genom färggraderingar.

Den venetianska renässansen var rik på stora målare och skulptörer. De största venetianska mästarna under den höga och sena renässansen är Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) "Cultural Studies sid. 193.

1 av 34

Presentation om ämnet:

Bild nr 1

Bildbeskrivning:

Bild nr 2

Bildbeskrivning:

Bild nr 3

Bildbeskrivning:

Unik naturliga förhållanden till stor del bestämd egenskaper Venetiansk arkitektur. Staden, som ligger på 118 öar, är uppdelad av 160 kanaler, över vilka cirka 400 broar kastas. De flesta byggnaderna här är byggda på pålar, husen trycks tätt ihop.

Bild nr 4

Bildbeskrivning:

I volymen av ett underbart panorama, Flytande palats och tempel, Som om fartyg var förankrade, Som om de väntade på en lagom vind för att röra i sina segel! Den ärevördiga skönheten tittar eftertänksamt och vagt på Palatsen! På deras väggar finns flera hundra år gammal handstil, Men deras berlocker har inget pris, När deras kontur är tecknad Under månens vita sken. Mejseln gav dessa dystra fästen mjukhet, konvexitet och kant, Och deras stentyg lyser igenom som genomskinlig spets. Hur mystiskt allt är, hur konstigt I detta rike av underbar skönhet: skuggan av en poetisk dröm faller ständigt över allt... P. A. Vyazemsky. "Fotografi av Venedig"

Bild nr 5

Bildbeskrivning:

Jacopo Sansovino bibliotek i San Marco 1536 Venedig. Med deltagande av den berömda arkitekten Jacopo Sansovino (1486-1570), en student av Bramante, fullbordades bildandet av staden. Han byggde byggnaden av det nya biblioteket i San Marco här. Den tvåvåningsbyggnaden med genombruten fasad dekorerades med antika ordensarkader. På bottenvåningen bakom galleriet fanns butikslokaler och på andra våningen fanns själva biblioteket. Stora bågar, skulpturala dekorationer, reliefer på friser - allt detta ger byggnaden en speciell elegans och festlighet.

Bild nr 6

Bildbeskrivning:

Bild nr 7

Bildbeskrivning:

Bild nr 8

Bildbeskrivning:

Bild nr 9

Bildbeskrivning:

Bild nr 10

Bildbeskrivning:

Den största arkitekten i Venedig var Andrea Palladio (1508-1580), vars stil kännetecknas av perfektion i konstruktionen av forntida ordningar, naturlig fullständighet och strikt ordning av kompositioner, klarhet och ändamålsenlighet i planeringen och kopplingen av arkitektoniska strukturer med omgivningen natur.

Bild nr 11

Bildbeskrivning:

Bild nr 12

Bildbeskrivning:

Dogepalatset i Venedig Palatset inrymde inte bara hemkvarteren för stadens chef, dogen. Men också stad och rättssalar, ett fängelse. Och även den gigantiska Sala del Maggiorio Consiglio - residenset för de folkvalda representanterna i det venetianska parlamentet. Det genombrutna mönstret i form av ett galler ger ett orientaliskt intryck, men att öppna fasaden genom arkader hade redan en lång tradition i Venedig och nådde sin höjdpunkt i byggandet av sengotiska palats.

Bild nr 13

Bildbeskrivning:

Bild nr 14

Bildbeskrivning:

Ca d'Oro. Venedig. 1421-1440 "Gyllene huset" - så här översätts Ca d'Oro - en av de äldsta byggnaderna i Venedig. Den byggdes på order av Mariino Contarini, åklagare vid katedralen San Marco. Dess namn uppstod eftersom ornamenten och skulpturala dekorationer till en början var förgyllda. Intrycket förstärktes ytterligare av att huset, glänsande med blå och röda färger, reflekterades i kanalens vatten.

Bild nr 15

Bildbeskrivning:

Bild nr 16

Bildbeskrivning:

Bild nr 17

Bildbeskrivning:

Giovanni Bellini (ca 1430-1516) Giovanni Bellini (ca 1430-1516) anses med rätta vara grundaren av den venetianska målarskolan, vars stil utmärks av raffinerad adel och strålande färg. Han skapade många målningar som föreställer madonnor, enkla och allvarliga, lite eftertänksamma och alltid sorgliga. Han äger ett antal porträtt av sina samtida – framstående medborgare i Venedig som drömde om att se sig fångas på den store mästarens dukar.

Bild nr 18

Bildbeskrivning:

Ta en närmare titt på de extremt uttrycksfulla dragen hos Doge Leonardo Loredano, regeringschef i Republiken Venedig. Dogen är koncentrerad och lugn avbildad i detalj - från de djupa rynkorna i hans åldrade ansikte till den rika brokaden i hans kläder. Tunna ansiktsdrag och tätt sammanpressade läppar förråder isoleringen av hans natur. De kalla tonerna i de ceremoniella dräkterna framträder tydligt mot den azurblå bakgrunden. Konstnären lyckades mästerligt förkroppsliga dragen hos en man som gick till historien som en förföljare av vetenskap och upplysning. Giovanni Bellini. Porträtt av Doge Leonardo Loredano. 1501 National Gallery, London

Bild nr 19

Bildbeskrivning:

Bellini hade många elever som han generöst förmedlade sin rika kreativa erfarenhet till. Bland dem stack två artister ut särskilt – Giorgione och Titian. Giorgiones (1476/1477-1510) liv, höljt i mystik, var kort och ljust. I skicklighet tävlade han med Leonardo själv. Enligt Vasari, "naturen begåvade honom med en talang så lätt och glad, hans färg i olja och fresk var ibland livlig och ljus, ibland mjuk och jämn och så skuggad i övergångar från ljus; till skuggan av att många av de dåvarande mästarna kände igen honom som en konstnär född för att blåsa liv i figurer...”

Bild nr 20

Bildbeskrivning:

Bild nr 21

Bildbeskrivning:

Giorgione. Judith. 1502 Den vackra och ödmjuka Judith är inte alls krigisk. Hennes blick är vänd mot marken, och i hennes ödmjuka ställning finns ingen antydan till grymhet eller våld. Tvärtom, hon uppfattas som personifierande av högsta rättvisa och barmhärtighet. Har artisten verkligen glömt bort biblisk berättelse? Det enda som påminner om honom är den läskiga trofén som Judith försiktigt trampar under hennes fot! Vi har svårt att tro att denna kvinna skulle kunna begå ett så brutalt mord. Judith njuter inte av segern, men slöt ögonen och lyssnar och ler lätt mot läpparna. Denna andliga bild har allt: ömhet och värdighet, ödmjukhet och ånger, inre styrka och charm. Stämningen i bilden förstärks av det lyriska landskapet. En mild luftig bakgrund, en knappt rosa morgonhimmel, en kraftfull trädstam avskuren av ramens kant och noggrant ritad vegetation är designade för att skapa en elegisk stämning och uppmärksamma psykologisk aspekt biblisk legend.

Bild nr 22

Bildbeskrivning:

Giorgione. Sovande Venus. 1507"-1508. Det sanna mästerverket i Giorgiones verk är "Sleeping Venus" - en av de mest perfekta kvinnliga bilder Renässans. Mitt på en kuperad äng ligger den uråldriga kärlekens och skönhetens gudinna, Venus, på en mörkröd filt.

Bild nr 23

Bildbeskrivning:

Giorgione. Sovande Venus. 1507"-1508 Bildgalleri, Dresden Hon sover lugnt. Naturbilden ger denna bild en speciell upphöjdhet och kyskhet. Bakom Venus, vid horisonten, finns en rymlig himmel med vita moln, en låg ås av blå berg, en mjuk stig som leder till ett område bevuxet med vegetationskulle. En brant klippa, en bisarr profil av en kulle, som ekar konturerna av en gudinnas gestalt, en grupp till synes obebodda byggnader, gräs och blommor på en äng skapades omsorgsfullt av konstnär. När jag tittar på den här bilden vill jag upprepa efter A. S. Pushkin: Allt i den är harmoni, allt är fantastiskt, Allt över världen och passioner. Hon vilar blygsamt i sin högtidliga skönhet. Imponerad av Giorgiones "Sovande Venus", konstnärer av olika generationer - Titian och Durer, Poussin och Velazquez, Rembrandt och Rubens, Gauguin och Manet - skapade sina verk om detta ämne.

Bild nr 24

Bildbeskrivning:

Konstvärlden Tizian spansk konstnär från 1600-talet. Diego Velazquez skrev: "I Venedig finns all skönhetens perfektion! Jag ger måleriet första platsen, där Titian är fanbärare.” Titian levde ett långt (nästan ett sekel!) liv (1477-1576) och vann världsomspännande berömmelse tillsammans med andra titaner från högrenässansen. Hans samtida var Columbus och Copernicus, Shakespeare och Giordano Bruno. Vid nio års ålder skickades han till en mosaikerverkstad, studerade i Venedig med Bellini och blev senare Giorgiones assistent. Det kreativa arvet från konstnären, som hade ett sprudlande temperament och fantastiskt hårt arbete, är omfattande. Genom att arbeta i en mängd olika genrer lyckades han uttrycka andan och stämningen från sin era.

Bild nr 25

Bildbeskrivning:

Bild nr 26

Bildbeskrivning:

Hur var Titian? Titta på hans självporträtt (1567-1568), gjort vid 90 års ålder. Vi ser en lång gubbe med stora, maskulina drag. Han lutade sig lite under tyngden av sina mörka, vikta kläder. En smal remsa av krage skär som en stråle till ett frodigt silverskägg. Den svarta kepsen framhäver intensiteten i hans starka profil. Fingrar höger hand krama försiktigt den ömtåliga borsten. Utan tvekan, framför oss är en aktiv, kreativ natur, full av törst efter livet. Konstnären lutade sig framåt, som om han kikade in i ansiktet på sin samtalspartner. Den genomträngande blicken hos en man som är klok av livserfarenhet är majestätisk och lugn. Den svarta dräkten är rik och elegant, den kombinerar harmoniskt med silverfärgschemat för den övergripande färgen. En hel del studier har skrivits om Titians behärskning av färg. cyanogen. Självporträtt. 67-1568 Prado, Madrid ”I färg har den ingen motsvarighet... den håller jämna steg med naturen själv. I hans målningar tävlar färg och leker med skuggor, som händer i naturen själv” (L. Dolce).

Bild nr 27

Bildbeskrivning:

Bild nr 28

Bildbeskrivning:

"Venus of Urbino" är ett sant mästerverk av konstnären. Samtida sa om denna målning att Tizian, till skillnad från Giorgione, under vars inflytande han utan tvekan var, "öppnade Venus ögon och vi såg den våta blicken på en förälskad kvinna, som lovade stor lycka." Sannerligen glorifierade han den strålande skönheten hos en kvinna och målade henne i det inre av ett rikt venetianskt hus. I bakgrunden är två pigor upptagna med hushållssysslor: de tar toalettartiklar till sin älskarinna ur en stor kista. Vid Venus fötter, uppkrupen i en boll, slumrar en liten hund. Allt är vanligt, enkelt och naturligt, och samtidigt sublimt symboliskt.

Bild nr 29

Bildbeskrivning:

Ansiktet på en kvinna som ligger på en sovande säng är vackert. Stolt och lugnt tittar hon rakt på betraktaren, inte alls generad över sin bländande skönhet. Det finns nästan inga skuggor på hennes kropp, och det skrynkliga lakanet framhäver bara den graciösa slankheten och värmen i hennes elastiska kropp. Det röda tyget under lakanet, den röda gardinen, de röda kläderna från en av pigorna och mattor i samma färg skapar en het och livfull färg. Bilden är full av symbolik. Venus är gudinnan för äktenskaplig kärlek, många detaljer talar om detta. En vas med myrten på fönstret symboliserar beständighet, en ros i Venus hand är ett tecken på långvarig kärlek, och en hund uppkrupen vid hennes fötter är en traditionell symbol för trohet.

Bild nr 30

Bildbeskrivning:

"Botterfulla Maria Magdalena" Titians målning "Botfärdiga Maria Magdalena" föreställer en stor syndare som en gång tvättade Kristi fötter med sina tårar och generöst blev förlåten av honom. Från och med då, fram till Jesu död, lämnade inte Maria Magdalena honom. Hon berättade för människor om hans mirakulösa uppståndelse. Lägger hon åt sidan den Heliga Skrift, ber hon uppriktigt och vänder blicken mot himlen. Hennes tårfläckade ansikte, vågor av tjockt flödande hår, en uttrycksfull gest tryckt mot hennes bröst vacker hand, enkla kläder målas av konstnären med särskild omsorg och skicklighet. En glaskanna och en dödskalle är avbildade i närheten - en symbolisk påminnelse om det jordiska livets och dödens förgänglighet. Den dystra stormhimlen, klippiga berg och träd som vajar från vinden understryker dramatiken i det som händer. Tizian. Ångerfulla Maria Magdalena. Omkring 1565 Statens Eremitagemuseum, Sankt Petersburg

Bild nr 31

Bildbeskrivning:

Bild nr 32

Bildbeskrivning:

"Porträtt av en ung man med en handske" är en av Titians bästa skapelser. De rådande strikta, mörka tonerna är designade för att förstärka känslan av ångest och spänning. Händerna och ansiktet som fångas i ljuset gör att du kan ta en närmare titt på personen som porträtteras. Utan tvekan, framför oss finns en spiritualiserad personlighet, som kännetecknas av intelligens, adel på samma gång - bitterheten av tvivel och besvikelser. I den unge mannens ögon finns en orolig tanke på livet, en modig och beslutsam mans mentala kaos. En spänd blick "inåt" indikerar en tragisk oenighet i själen, ett smärtsamt sökande efter sitt "jag". Under de sista åren av sitt liv, efter att ha behärskat färgelementet perfekt, arbetade Titian på ett speciellt sätt. Så här pratade en av hans elever om det:

Bild nr 33

Bildbeskrivning:

Titian arbetade på ett speciellt sätt. Så här pratade en av hans elever om det: "Titian täckte sina dukar med en färgstark massa, som om han tjänade... som en grund för vad han ville uttrycka i framtiden. Jag har själv sett sådana energiskt gjorda undermålningar, utförda med en tjockt mättad pensel, antingen i en ren röd ton, som var avsedd att konturera halvtonen, eller med vitt.Med samma pensel, doppa den i rött, sedan svart, sedan gult måla framkallade han de reliefbelysta delarna. Med samma stora skicklighet, med hjälp av endast fyra färger, framkallade han ur glömskan löftet om en vacker figur... De sista retuscherna gjorde han med lätta fingrarnas slag, utjämnade övergångarna från de ljusaste högdagrarna till halvtoner och gnugga en ton in i en annan. Ibland applicerade han med samma fingret en tjock skugga i något hörn för att förstärka denna plats... Mot slutet målade han verkligen mer med fingrarna än med en borsta."

Bild nr 34

Bildbeskrivning:

Venedig är en av de mest fantastiska städerna i världen: en stad vid vattnet. Det gränslösa havet, den vidsträckta himlen och de små platta öarna - detta är det minimum av naturliga förmåner som ödet har skänkt Venedig. Och eftersom det fanns en mycket stor befolkning, och väldigt lite mark, blev varje träd en lyxvara, som fick växa där något kunde byggas.

Venedig levde i många århundraden som en fantastiskt rik stad, och dess invånare kunde inte överraskas av överflöd av guld, silver, ädelstenar, tyger och andra skatter, men trädgården vid palatset uppfattades alltid av dem som den yttersta gränsen för rikedom, eftersom det fanns försumbar grönska i staden: människor jag var tvungen att ge upp den i kampen för bostadsyta. Det är förmodligen därför venetianerna blev mycket mottagliga för skönhet och varje konstnärlig stil bland dem nådde maximalt av sina dekorativa möjligheter. Kärleken till skönhet, förkroppsligad i konsten, har gjort Venedig till den sanna "Adriatiska havets pärla".

Venedig spelade en aktiv roll i internationell politik: 1167 blev det en del av Lombardförbundet, skapat av norditalienska städer för att bekämpa kejsar Fredrik I Barbarossa; Påven Alexander III var också en fiende till kejsaren, som motsatte sig honom till en annan påve, Paschal III.

Medan i centrala och södra Italien den kortlivade "guldåldern" av högrenässansen fullbordades under de första tre decennierna av 1500-talet, och under de efterföljande åren, tillsammans med sin största topp - Michelangelos verk - en dekadent manneristisk riktning utvecklats, i norra Italien, i Venedig, bär hög- och senrenässansens humanistiska konst frukt.

Konstantinopels fall under turkarnas angrepp skakade kraftigt handelspositionen för "drottningen av Adriatiska havet". Och ändå den enorma rikedom som ackumulerats av de venetianska köpmännen kontanter tillät Venedig att behålla sin självständighet och renässansens levnadssätt under stora delar av 1500-talet.

Högrenässansen i Venedig är ett intressant och unikt ögonblick av renässansen i Italien. Här började det lite senare, men varade längre. De gamla traditionernas roll i Venedig var den minsta, och kopplingen till den efterföljande utvecklingen av europeisk målning var den mest direkta.

Venedig var inte intresserad av utgrävningar och att studera kulturen som den "återupplivar" - dess renässans hade annat ursprung. Kulturen i Bysans hade ett särskilt uttalat inflytande på utvecklingen av Venedigs kultur, men den stringens som var inneboende i Bysans slog inte rot - Venedig absorberade mer dess färgsprakande och gyllene glans. Venedig omarbetade både gotiska och orientaliska traditioner i sin fålla. Denna stad utvecklade sin egen stil, som drog från överallt, dras mot färgstarkhet, mot romantisk pittoreska. Men smaken för det fantastiska och blommiga modererades och strömlinjeformades av andan av affärsmässig nykterhet, den verkliga livsåskådningen som är karakteristisk för de venetianska köpmännen.

Från allt som Venedig absorberade, från väst och öst, vävde det sin renässans, sin rent sekulära, protoborgerliga kultur, som i slutändan kom nära italienska humanisters forskning. Detta hände inte tidigare än under andra hälften av 1400-talet - först då började den kortlivade venetianska "Quattrocento", som snart gav vika för högrenässansens kultur. Många som bekantar sig med det venetianska måleriet gillar verken från den tidiga venetianska renässansen ännu mer än de berömda målningarna av Titian, Veronese och Tintoretto. Quattrocentisternas verk är mer återhållsamma och subtilare, deras naivitet fängslar, de har mer musikalitet. Konstnären, övergången från tidig renässans till högrenässans, Giovanni Bellini, väcker alltmer uppmärksamhet med tiden, även om han under lång tid överskuggades av sina yngre samtida med sin frodiga sensuella briljans.

Giorgione, en elev till Giovanni Bellini, en konstnär som anses vara den första mästaren under högrenässansen i Venedig, tillhörde en ras av drömmare. Giorgiones stil har något gemensamt med både Raphael och Leonardo da Vinci: Giorgione är "klassisk", tydlig, balanserad i sina kompositioner, och hans teckning kännetecknas av en sällsynt jämn linje. Men Giorgione är mer lyrisk, mer intim, han har en egenskap som länge varit kännetecknande för den venetianska skolan och som han lyfte till en ny nivå – kolorismen. Venetianernas kärlek till färgens sensuella skönhet ledde steg för steg till en ny bildprincip, när bildens materialitet uppnås inte så mycket genom chiaroscuro som genom färggraderingar. Dels har Giorgione redan detta.

Giorgiones konst inledde högrenässansen i Venedig. Jämfört med den tydliga rationaliteten i Leonardos konst är Giorgiones målning genomsyrad av djup lyrik och kontemplation. Landskapet, som intar en framträdande plats i hans verk, bidrar till avslöjandet av poesin och harmonin i hans perfekta bilder. Den harmoniska kopplingen mellan människa och natur är ett viktigt inslag i Giorgiones verk. Efter att ha bildats bland humanister, musiker, poeter och en extraordinär musiker själv, finner Giorgione den mest subtila musikaliteten av rytmer i sina kompositioner. Färg spelar en stor roll i dem. Ljudfärger, applicerade i transparenta lager, mjukar upp konturerna. Konstnären använder mästerligt egenskaperna oljemålning. Mångfalden av nyanser och övergångstoner hjälper honom att uppnå enhet av volym, ljus, färg och rymd. Bland hans tidiga verk lockar "Judith" (cirka 1502, St. Petersburg, Eremitaget) med sin milda drömska och subtila lyrik. Den bibliska hjältinnan avbildas som en ung vacker kvinna mot bakgrund av lugn natur. Men en märklig, alarmerande ton introduceras i denna till synes harmoniska komposition av svärdet i hjältinnans hand och fiendens avhuggna huvud som hon trampat på.

I målningarna "The Thunderstorm" (cirka 1505, Venedig, Accademia Gallery) och "Rural Concert" (cirka 1508-1510, Paris, Louvren), vars ämnen förblev oidentifierade, skapas stämningen inte bara av människor utan också av naturen: förstorm - i den första och lugnt strålande, högtidlig - i den andra. Mot bakgrund av landskapet avbildas människor, nedsänkta i tankar, som om de väntar på något eller spelar musik och bildar en oupplöslig helhet med naturen omkring dem.

Kombinationen av det ideala och harmoniska med det konkreta och individuella i en persons egenskaper utmärker porträtten som målats av Giorgione. Attraherar med tankedjupet, karaktärens ädla karaktär, drömmen och andligheten hos Antonio Brocardo (1508-1510, Budapest, Museum) bild och form). Bilden av perfekt sublim skönhet och poesi får sin idealiska gestaltning i "Sovande Venus" (cirka 1508-1510, Dresden, Bildgalleri). Hon presenteras mot bakgrund av ett lantligt landskap, nedsänkt i en fridfull sömn. Den mjuka rytmen av de linjära konturerna av hennes figur harmoniserar subtilt med de mjuka linjerna i de mjuka kullarna, med naturens eftertänksamma lugn. Alla konturer är mjukade, plasticitet är idealiskt vacker, försiktigt modellerade former är proportionerliga. Subtila nyanser av gyllene toner förmedlar värmen från en naken kropp. Giorgione dog i bästa av sina kreativa krafter från pesten, utan att fullborda sin mest perfekta målning. Landskapet i målningen fullbordades av Titian, som också fullföljde andra beställningar som anförtrotts Giorgione.

På långa år Konsten av dess huvud, Tizian (1485/1490-1576), bestämde utvecklingen av den venetianska målarskolan. Tillsammans med Leonardo, Raphael och Michelangelos konst verkar det vara höjdpunkten av högrenässansen. Tizians lojalitet mot humanistiska principer, tro på människans vilja, förnuft och förmåga och kraftfulla kolorism ger hans verk en enorm attraktionskraft. Hans verk avslöjar slutligen det unika med realismen i den venetianska målarskolan. Konstnärens världsbild är fullblods, hans kunskap om livet är djup och mångfacetterad. Hans talangs mångsidighet manifesterades i utvecklingen av olika genrer och teman, lyriska och dramatiska.

Till skillnad från Giorgione, som dog tidigt, levde Titian ett långt, lyckligt liv, fullt av inspirerat kreativt arbete. Han föddes i staden Cadore, bodde hela sitt liv i Venedig och studerade där - först med Bellini och sedan med Giorgione. Bara för en kort tid, efter att ha blivit berömmelse, reste han på inbjudan av kunder till Rom och Augsburg, och föredrar att arbeta i atmosfären av sitt rymliga, gästvänliga hem, där hans humanistiska vänner och konstnärer ofta samlades, bland dem författaren Aretino och arkitekten Sansovino.

Tizians tidiga verk präglas av en poetisk världsbild. Men till skillnad från sin föregångares drömmande lyriska hjältar skapar Titian bilder som är mer fullblodiga, aktiva och glada. I målningen "Earthly and Heavenly Love" (1510-talet, Rom, Borghese Gallery) presenteras två kvinnor mot bakgrund av ett vackert idylliskt landskap. En av dem, överdådigt klädd, eftertänksamt avslappnad, lyssnar på den andra, guldhårig, klarögd, den perfekta skönheten i hennes nakna kropp sätts igång av en scharlakansröd kappa som rinner från hennes axel. Handlingen i denna allegori, liksom ett antal av Giorgiones målningar, har inte en enda tolkning. Men det ger konstnären möjlighet att avbilda två olika karaktärer, konstaterar, två idealiska bilder, subtilt harmoniserande med frodig natur upplyst av varmt ljus.

Tizian bygger kompositionen "Denarius av Caesar" (1515-1520, Dresden, Bildgalleri) på motstånd från två karaktärer: Kristi ädla och sublima skönhet framhävs av det rovgiriga ansiktsuttrycket och den fula fariséen. Efter period kreativ mognad Titian inkluderar ett antal altartavlor, porträtt och mytologiska kompositioner. Tizians berömmelse spred sig långt utanför Venedigs gränser, och antalet beställningar ökade ständigt. I hans verk från 1518-1530 kombineras grandiost omfång och patos med kompositionens dynamik, högtidlig storhet, med överföringen av varelsens fullhet, rikedomen och skönheten hos rika färgharmonier. Sådan är "Marias antagande" ("Assunta", 1518, Venedig, Santa Maria dei Frari-kyrkan), där livets kraftfulla andedräkt känns i själva atmosfären, i de rinnande molnen, i skaran av apostlar, tittar med beundran och förvåning över gestalten av Maria som stiger upp i himlen, strikt majestätisk, patetisk. Ljus- och skuggmodelleringen av varje figur är energisk, de komplexa och breda rörelserna fyllda med passionerad impuls är naturliga. Djupa röda och blå toner är högtidligt klangfulla. I "Madonna of the Family of Pesaro" (1519-1526, Venedig, Santa Maria dei Frari-kyrkan), överge den traditionella centriska konstruktionen av altarbilden, ger Titian en asymmetrisk men balanserad komposition förskjuten åt höger, full av ljus vitalitet . Kryddad porträttegenskaper begåvad av kunderna som står framför Maria - familjen Pesaro.

Under åren 1530-1540 ersattes patos och dynamik i Titians tidiga kompositioner av livskraftiga spontana bilder, tydlig balans och långsamt berättande. I målningar på religiösa och mytologiska teman introducerar konstnären en specifik miljö, folktyper och exakt observerade detaljer i vardagen. I scenen för inträdet i templet (1534-1538, Venedig, Accademia Gallery) avbildas lilla Maria när hon går uppför den breda trappan till översteprästerna. Och omedelbart, bland den bullriga skaran av stadsbor som samlats framför templet, framträder figuren av en gammal handlare, som sitter på trappan bredvid hennes varor - en korg med ägg. I målningen "Venus of Urbino" (cirka 1538, Florens, Uffizi) förs bilden av en sensuell naken skönhet ner från poetiska höjder genom att introducera figurer av pigor i bakgrunden, som tar något ur en kista. Färgskalan, samtidigt som klangen bibehålls, blir återhållsam och djup.

Under hela sitt liv vände sig Titian till porträttgenren och blev en innovatör på detta område. Han fördjupar egenskaperna hos de porträtterade, och noterar det unika med hållning, rörelser, ansiktsuttryck, gester och sätt att bära kostym. Hans porträtt utvecklas ibland till målningar som avslöjar psykologiska konflikter och relationer mellan människor. Redan i det tidiga porträttet av "Ung man med en handske" (1515-1520, Paris, Louvren) får bilden individuell specificitet, och samtidigt uttrycker den de typiska dragen hos en renässansman, med sin beslutsamhet, energi, känsla av självständighet verkar den unge mannen ställa en fråga och vänta på ett svar. Komprimerade läppar, glänsande ögon och kontrasten av vitt och svart i kläder skärper karaktäriseringen. Stor dramatik och komplexitet inre värld, kännetecknas psykologiska och sociala generaliseringar av porträtt från den sena perioden, när temat för människans konflikt med omvärlden föds i Titians verk. Fantastisk i sin uppenbarelse av subtilitet andliga världen porträtt av Ippolito Riminaldi (slutet av 1540-talet, Florens, Pitti-galleriet), vars bleka ansikte imperialistiskt attraherar med sin komplexitet av karaktärisering och vördnadsfull andlighet. Det inre livet är koncentrerat i en blick som är både spänd och frånvarande, innehållande bitterheten av tvivel och besvikelse.

Ett gruppporträtt i full längd av påven Paul III med hans brorsöner, kardinalerna Alessandro och Ottavio Farnese (1545-1546, Neapel, Capodimonte-museet), uppfattas som ett unikt dokument från eran, som avslöjar själviskhet och hyckleri, grymhet och girighet, makt och servilitet, avskräckthet och envishet -- allt som förbinder dessa människor. Det heroiska ryttarporträttet av Karl V (1548, Madrid, Prado) i riddarrustning, mot bakgrund av ett landskap upplyst av den nedgående solens gyllene reflektioner, är levande realistiskt. Detta porträtt hade en enorm inverkan på utvecklingen av barockporträtt på 1600- och 1700-talen.

På 1540-1550-talet ökade särdragen av pittoreska kraftigt i Titians arbete, han uppnådde en fullständig enhet av plastiskt ljus och skugga och färgglada lösningar. Kraftfulla ljusinslag får färgerna att lysa och skimra. I livet självt finner han idealet om fullblod, mogen skönhet, förkroppsligad i mytologiska bilder - "Venus framför spegeln" (cirka 1555, Washington, National Gallery of Art), "Danae" (cirka 1554, Madrid, Prado).

Förstärkningen av den feodal-katolska reaktionen och den djupa krisen som den venetianska republiken upplevt orsakar en förvärring av det tragiska inslaget i konstnärens senare verk. De domineras av teman om martyrskap och lidande, oförenlig oenighet med livet, stoiskt mod; "S:t Lawrences plåga" (1550-1555, Venedig, Jesuitkyrkan), "Penitent Magdalene" (1560-talet, St. Petersburg, Eremitaget), "Törnkrona" (cirka 1570, München, Pinakothek), "St. Sebastian" (cirka 1570, St. Petersburg, Hermitage), "Pieta" (1573-1576, Venedig, Accademia Gallery). Bilden av en person i dem har fortfarande kraftfull styrka, men förlorar funktionerna i inre harmonisk balans. Kompositionen är förenklad, byggd på kombinationen av en eller flera figurer med en arkitektonisk eller landskapsbakgrund, nedsänkt i skymningen; kvälls- eller nattscener belyses av olycksbådande blixtar och fackelljus. Världen uppfattas i variation och rörelse. I dessa målningar avslöjades konstnärens senare målarstil fullt ut, fick en friare och bredare karaktär och lade grunden till 1600-talets tonmåleri. Han vägrar ljusa, jublande färger och vänder sig till grumliga, ståliga, olivkomplexa nyanser och underordnar allt en allmän gyllene ton. Han uppnår en slående enhet av den färgglada ytan på duken, med hjälp av olika texturtekniker, varierande de finaste glasyrerna och tjocka impasto-öppna färgdrag, en skulpterande form som löser upp det linjära mönstret i en miljö med lätt luft, vilket ger livets spänning. till formuläret. Och i sina senare verk, även de mest tragiska i sin klang, tappade Tizian inte tron ​​på det humanistiska idealet. För honom förblev människan tillvarons högsta värde till slutet. Full av medvetenhet om sin egen värdighet, tro på förnuftets triumf och klok med livserfarenhet, framträder konstnären framför oss i "Självporträtt" (cirka 1560, Madrid, Prado), som bar humanismens ljusa ideal under hela sin tid. liv.

Efter att ha nått höjderna av sin utveckling under högrenässansen undkom inte renässanskulturen krisfenomen. De är tydliga i den framväxande dramatiska spänningen konstnärliga bilder, som senare nådde gränsen för tragedi, i en bitter önskan att visa meningslösheten i till och med människans heroiska ansträngningar i kampen mot de ödesdigra krafter som stod emot honom. Tecken på framväxande krisfenomen är också tydliga i de kontraster som växte fram vid den tiden. social tanke: rationalism och en nykter syn på verkligheten kombineras med ett intensivt utopiskt sökande efter en idealisk jordisk stad.