Fotografii din ani diferiți. Andy Warhole
Dolly Parton, 1985. Serigrafie © Andy Warhol
La începutul anilor ’60, la una dintre expozițiile de la Metropolitan Museum of Art, directorul său Thomas Howing a ținut un discurs în care a formulat starea generală de spirit care domnea în societate la acea vreme: „A existat cândva această veche idee că intelectualii nu o fac. știi ce se întâmplă cu alți oameni.” lume – lumea culturii populare... Acum toată lumea a devenit parte a aceleiași culturi.” În mod ironic, primii artiști pop au fost englezii Eduardo Paolozzi și Richard Hamilton, dar marea faimă a ajuns la americanii mai provocatori - Jasper Johns, Robert Rauschenberg și Andy Warhol.
Imaginile culturii populare, negarea seriozității artei și utilizarea sau reproducerea obiectelor reale banale sunt doar o definiție superficială a artei pop, cu alte cuvinte, a artei populare (Arta Populară). Fiecare autor a descris și a prezentat această direcție în felul său. Pentru Warhol, arta pop „este despre dragostea pentru lucruri”. Și deși Andy nu s-a numit niciodată fotograf, în 1980 a făcut o declarație foarte neașteptată: „Nu cred în artă, dar cred în fotografie”.
Artiștii de artă pop au folosit adesea fotografia în munca lor, atât ca parte integrantă a lucrării, cât și ca sursă. Cu toate acestea, doar cu Warhol se poate spune cu siguranță că fotografia în diferitele sale manifestări - de la tăieturi de ziare, cărți populare de vedete, instantanee într-o mașină fotografică și polaroid până la documentare în cluburi de noapte și călătorii - este inseparabilă de munca sa.
La începutul anilor 1960, Warhol și-a creat faimoasa serie, realizată prin serigrafie, care a exploatat două motive principale: portretele „eroilor” populari (cinema - Marilyn Monroe, Liz Taylor, Warren Beatty; politicieni - Jackie Kennedy, Mao Zedong și multe altele) și imagini ale morții (accidente de mașină și de avion, scaune electrice, toxiinfecții alimentare, sinucidere, ciuperci nucleare etc.). O imagine repetată în mod repetat, izolată de altele asemănătoare cu ea, a fost transformată într-o lucrare asemănătoare cu o structură de grilă. Aceste imagini detașate în mod deliberat vehiculate nu au făcut decât să întărească banalitatea și banalitatea imaginilor culturii de masă prezente în ele. „Când vezi o imagine teribilă din nou și din nou, aceasta încetează să impresioneze”, a spus Warhol despre seria sa de dezastre.
Warhol a împrumutat imagini din decupaje din ziare, postere publicitare și colecția sa de fotografii cu vedete de cinema, care au fost mărite și transferate pe mătase. „129 Killed in Plane Crash” imită deschis o pagină din New York Mirror, din care a fost luată imaginea originală; Sursa pentru „Scaunul electric” au fost fotografii de arhivă de la execuția cuplului de spioni Rosenberg, găsite special de Warhol în arhivele Bibliotecii Publice din New York. Prototipul și materialul pentru seria de fotografii alb-negru „13 Most Wanted People” a fost o broșură FBI cu descrieri a 13 criminali căutați. Fotografiile frontale și de profil ale acestora au fost făcute pe fațada Pavilionului din New York pentru Expoziția Universală din 1964, dar au fost îndepărtate în curând. În același an, în serigrafia „Un american sau portretul lui Watson Powell”, Warhol creează o imagine colectivă a unui „american tipic”, de asemenea, pe baza fotografiilor unui anumit model.
Ideea de a reproduce și produce (în sens industrial) artă, care l-a ocupat atât de mult pe Warhol, a fost întruchipată în „Fabrica” sa. Studioul a funcționat ca o întreprindere comercială, producând până la 80 de imprimeuri serigrafiate pe zi, punând opere de artă în flux. Dorința lui Warhol de a picta „ca o mașină” ar fi trebuit să ducă la tehnificarea procesului, la anonimatul lucrării și la asimilarea acesteia la un produs obișnuit de producție. În acest caz, problema autorului și echivalenței unei anumite lucrări s-a dovedit a fi secundară. Procesul de creare a imaginii „automat” amintea de teoria dadaiștilor despre scrierea „automatică”. Artistul a visat „că cât mai mulți oameni posibil se vor angaja în serigrafie: nimeni nu ar trebui să ghicească dacă poza din fața lui este a mea sau a altcuiva”.
La începutul anilor 1960, Warhol a inventat modalitatea ideală de a realiza pe deplin această idee - să-și fotografieze modelele în cabinele foto obișnuite ale orașului. Această idee i-a apărut când revista Harper’s Bazaar i-a comandat ilustrații pe tema „fețe noi în artă”, apoi, în același spirit, au fost realizate lucrări pentru Time pe tema „adolescentii moderni”. Fotografiile din cabinele foto au devenit sursa de imagini pentru realizarea de serigrafii a numeroase portrete și autoportrete între 1963 și 1966. Clienții, de fapt, și-au făcut propriile fotografii, improvizând în toate felurile posibile în timpul filmării. „Fâșiile” fotografice finite au fost apoi date lui Warhol, pe baza cărora și-a creat „produsele de artă”. În sine, aceste fotografii „fâșii” amintesc cu siguranță atât de fotografiile în mișcare din secolul al XIX-lea, cât și de eforturile cinematografice timpurii ale lui Warhol, cum ar fi Empire. Unul dintre primele modele pentru aceste portrete au fost prietena artistului Ethel Scull și viitoarea galeristă celebră Holly Solomon. Ambele au lăsat dovezi impresionante ale „modului de lucru” al lui Warhol la portrete. Warhol a preferat automatele de lângă Fabrica sa, cum ar fi la colțul dintre Broadway și 42nd Street. Ethel Scull își amintește de „tutorialele” practice ale lui Warhol: „Vom încerca să facem o fotografie în culori deschise și în culori închise, te pun într-o cabină și va trebui să te uiți la o lumină roșie”. Ea continuă să descrie:
„Am stat și m-am uitat la semaforul roșu și mi-a fost frică să mă mișc. Andy a intrat și m-a agitat, apoi m-am relaxat în sfârșit. „Joacă-te și zâmbește, mă costă bani”, a spus el. Am alergat din cabină în cabină, mi-a făcut poze, iar fotografiile terminate se uscau peste tot. Când am ieșit, mi-a spus: „Păi, vrei să te uiți la ei?” Mi-a placut atat de mult incat acum cred ca o sa fac poze doar acolo. Când portretul a fost gata, a fost livrat în părți, iar Bob i-a spus: „Cum ți-ar plăcea... ne poți ajuta să-l facem corect?” El a spus: „Uh, nu. Acea persoană a venit special să-l colecteze, lasă-l să facă ce crede de cuviință.” - „Dar Andy, acesta este portretul tău.” - "Nu contează".
Și așa s-a așezat în bibliotecă, iar noi eram ocupați cu portretul. Apoi, desigur, a ieșit în sfârșit și a aruncat o privire critică asupra a ceea ce adunasem. „Ei bine, am crezut că asta va fi aici și asta va fi acolo.” Când totul s-a terminat, a spus: „Nu, într-adevăr, nu contează. Totul este pur și simplu grozav.”
Nud masculin, 1987 © Andy Warhol
Warhol își înfățișează toate modelele ca și cum s-ar juca, creându-și propria imagine împreună cu fotograful, prezentându-se lumii nu așa cum sunt, ci așa cum vor să fie văzute de ceilalți.
Întruchiparea fanteziilor modelelor sale, crearea de tot felul de ficțiuni a fost credo-ul fundamental al lui Warhol. Nu l-a trădat nici măcar în propriile sale autoportrete, ceea ce a făcut de-a lungul vieții sale creatoare. Și chiar și mărturisirea lui: „Dacă vrei să știi totul despre Andy, urmărește-mi filmele, picturile. Asta este tot ce sunt. Nu există nimic altceva” - nu ar trebui să ai încredere în el. După cum scrie Robert Rosemblum în eseul său, „Chiar și în primele sale autoportrete, Warhol s-a prezentat ca o celebritate urmărită de paparazzi”. Astfel, într-un autoportret din 1963 comandat de Florence Baron într-un aparat fotografic, Warhol alege diverse ipostaze spectaculoase și, ca o celebritate, își ascunde ochii sub ochelari de soare.
Experimentarea cu aspectul său este o parte integrantă a autoportretelor sale. Astfel, într-una dintre ele (1964), replicată prin serigrafie, Warhol repetă clar iconografia portretelor din dosare penale. Portretele și autoportretele artistului sunt un fel de teatru pentru el și pentru alții. În acest sens, Warhol amintește foarte mult de Rembrandt. Warhol, ca și Rembrandt, a experimentat în principal cu chipul, dându-i o expresie sau alta, jucându-se cu expresiile faciale. Artistul, ca un actor, a jucat anumite roluri, amestecând eul său real cu o imagine inventată, dorită.
În anii 1970, Warhol a realizat în principal portrete folosind aceeași metodă de imprimare serigrafică la comandă. Abia acum folosește ca bază fotografii făcute cu un Polaroid SX-70 Big Shot. Fotografia Polaroid l-a atras pe artist prin viteza, simplitatea și capacitatea sa de a crea o imagine aparent plată. Ședința foto a început întotdeauna și a continuat în același mod: modelul, de obicei o celebritate, a fost invitat în studio la prânz. Mick Jagger, Prințesa Caroline de Monaco, John Richardson, Francis Bacon, Candy Spelling, Liza Minnelli, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Robert Mapplethorpe și mulți alții au pozat pentru el ca modele. Apoi s-a făcut un machiaj, a cărui componentă integrală importantă a fost aplicarea unui strat generos de pudră pe față și pe gât. Într-un mod similar, Warhol și-a acoperit defectele feței, în același timp făcând-o să arate ca o mască. Pe fundalul unui perete alb gol, modelul a luat o ipostază atractivă, Warhol a făcut mai multe fotografii pentru a selecta apoi doar una ca bază pentru lucrare, fiecare dintre ele fiind și el pictată într-un mod special. Rezultatul a fost ambiguu, dar impresionant: în loc de portretul unui anumit personaj, a apărut o imagine afișă colectivă a unei vedete. Cu toate acestea, artistului îi plăcea să se concentreze asupra detaliilor care caracterizează cel mai mult personajul, de exemplu, ochii și fruntea lui Lichtenstein, buzele lui Minnelli.
Spre deosebire de portretele comandate, multe dintre polaroidele autoportrete ale lui Warhol nu au fost serigrafiate. Acestea erau fotografii personale, experimentale, care au rămas în arhiva lui. În 1979, Polaroid Corporation l-a invitat pe artist să facă mai multe portrete cu o cameră nouă direct în studioul lor. Camera a făcut posibilă realizarea de imagini color în 60 de secunde. În această zi, Warhol a făcut zece portrete, dintre care patru erau ale sale. Toate se remarcă prin prim-planuri extrem de apropiate, iar capul lui Warhol nu se încadrează în totalitate în spațiul cadrului. Într-una, privirea este ridicată brusc în sus, în cealaltă, capul și privirea sunt coborâte cu umilință. Aici găsim o juxtapunere contradictorie între prim-planul apropiat, care dezvăluie fără milă toate defectele pielii, și înșelăciunea deliberată, teatralitatea, lizibilă în reprezentația sa cu întoarcerea capului și privirea departe de cameră.
O teatralitate „revelatoare” este inerentă unei serii de autoportrete într-o perucă din 1980–1981, realizate în colaborare cu Christopher Makos. Aceasta este interpretarea lui Warhol asupra faimoasa fotografie a lui Man Ray cu Marcel Duchamp ca alter ego-ul său feminin, Roz Sélavy. De asemenea, Robert Mapplethorpe a abordat această temă în 1980, creându-și autoportretul ca o femeie în blană. În contrast cu aceste portrete și autoportrete, Warhol abia își ascunde trăsăturile faciale masculine cu machiaj. Pentru Warhol, a purta numeroase peruci de desene animate, care amintesc de coafura lui Marilyn Monroe, sau a lui Jane Fonda, este o privire asupra lui însuși într-o apariție diferită, posibilă, imaginară. Dar și aici își demonstrează nenumăratele măști mai degrabă decât pe el însuși în căutarea propriei identități. La urma urmei, sub această perucă va mai fi încă una - cea argintie de care Warhol nu s-a despărțit niciodată în public. Astfel, chipul său într-un autoportret serigrafiat din 1986 în culori albastru, roșu, verde, realizat pe baza unei fotografii Polaroid, cu expresiile feței pietrificate, seamănă cu ceva asemănător cu o mască mortală.
De asemenea, Warhol avea nevoie de Polaroid pentru a crea lucrări mai „personale” dedicate corpului masculin gol și eroticii homosexuale. Cele mai extraordinare imagini sunt create în seria sa de trunchi, care se referă nu doar la tema antichității, ci și la predecesorii și contemporanii fotografici, de exemplu Robert Mapplethorpe. La sfârșitul anilor 1970, Warhol a devenit interesat de fotografia documentară, ai cărei eroi erau locuitorii vedete ai cluburilor de noapte, a vederilor orașului și a clădirilor. Și, deși un număr de critici au văzut în Warhol doar „un loc gol cu o semnătură puternică”, semnificația figurii sale în cultura anilor 1960-1980 poate fi formulată în cuvintele cântecului trupei rock Velvet-Underground el. creat: „Voi fi oglinda ta”.
Portofoliu cu poze din cluburi de noapte, intalniri
artist, anii 1980 © Andy Warhol
Andy Warhol este o oglindă a anilor 70, un geniu al artei pop și al artei comerciale. Acest artist nu s-a sfiit niciodată să-și monetizeze arta. Și sunt multe de învățat de la el. Astăzi v-am pregătit TOP 10 al celor mai scumpe lucrări ale sale.
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 1. „Accident de mașină de argint (dezastru dublu)” (1963).
Vândut în noiembrie 2013 la Sotheby's pentru 105,4 milioane de dolari.
Andy Warhole. „Accident de mașină de argint (dezastru dublu)”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 2. „Opt elvisi” din 1963.
Vândut privat în octombrie 2008 prin consultantul francez de artă Philippe Segalot pentru 100 de milioane de dolari. La acea vreme, aceasta era o sumă record plătită pentru munca lui Andy Warhol.
Andy Warhole. „Opt elfizi”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 3. „Triple Elvis (Ferus Tipe)”, 1963.
Vândut în noiembrie 2014. Această lucrare - una dintre cele două vândute de Thomas Ammann unui cazinou german în anii '70 - a devenit lotul de top la licitația Christie's.
Andy Warhole. „Triplu Elvis (tipul Ferus)”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 4. „Turquoise Marilyn” (1964).
Fiind unul dintre mai multe portrete ale Marilyn Monroe de Andy Warhol, a fost achiziționat în mai 2007 de colecționarul Steven Cohen prin galeria Larry Gagosian la un preț de aproximativ 80 de milioane de dolari.
Andy Warhole. „Turcoaz Marilyn”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 5. „Accident de mașină verde” 1963.
De asemenea, a fost vândut în mai 2007, la New York, la Christie's, la un preț record de licitație de 71,7 milioane de dolari, de către colecționarul Philip Niarchos, fiul magnatului grecesc Stavros Niarchos.
Andy Warhole. „Accident de mașină verde”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 6. „Four Marlons” (1966).
Pictura a fost vândută la Christie's în noiembrie 2014 pentru 69,6 milioane de dolari, iar lucrarea a fost asociată cu „Triple Elvis” la licitație.
Andy Warhole. „Cei patru Marlons”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 7. „Bărbații în viața ei” (1962).
Un portret alb-negru al Elizabeth Taylor, înfățișând-o cu al treilea soț al ei Mike Todd și viitorul soț Eddie Fisher, a fost vândut unui cumpărător anonim din New York la o licitație Philipps de Pury & Co pentru 63,4 milioane de dolari. Lucrarea a fost trimisă unei anumite familii Mugrabi.
Andy Warhole. „Bărbații din viața ei”
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 8. „Race Riot” (în patru părți) 1964.
Pictura a fost vândută în mai 2014 la licitația Christie's pentru 62,8 milioane de dolari unui cumpărător, care a transformat-o într-o lucrare completă.
Andy Warhol "Race Revolts"
10 cele mai scumpe tablouri de Andy Warhol. 9. „200 de bancnote de un dolar” din 1962.
În noiembrie 2009, tabloul a fost vândut la Sotheby's unui cumpărător anonim cu 43,8 milioane de dolari.Achiziția a fost făcută la Londra prin colecționarul Pauline Karpidas, care a cumpărat lucrarea în 1986 pentru doar 385 de mii de dolari.
orașul Springfield din Missouri.
Un bărbat care a ridiculizat linia de asamblare cu aceeași linie de asamblare. Un bărbat care de aproape treizeci de ani este nemulțumit de forma nasului. Omul care a devenit regele artei pop. Toate acestea - Andy Warhole.
În 1928, nimeni nu și-ar fi putut imagina că Andrew Warhola, născut într-o familie de imigranți slovaci (acesta este numele real al artistului), a fost destinat să devină creatorul de facto al artei pop. El însuși a vorbit cel mai bine despre activitățile sale:
„Vreau să devin un mare artist? Nu. Aș prefera să fiu celebru.”
Warhol, spre deosebire de marii maeștri, a căutat inițial faima și bogăția. Și și-a atins scopul.
Părinții lui Andrew Warhole nu aveau nimic de-a face cu arta: tatăl său era muncitor, iar mama sa curată geamuri. Nici măcar nu știau bine engleza. Creșterea a patru copii a fost o sarcină dificilă pentru familie, iar sprijinul lor principal a fost creștinismul și credința în visul american. Micul Andrew Warhola a avut încredere în părinții săi și a crescut ca un copil foarte devotat.
Viitoarea celebritate a avut o sănătate precară încă din copilărie. La opt ani, din cauza unei boli a sistemului nervos central, i s-a prescris o perioadă lungă de repaus la pat, care ulterior se va repeta an de an.
În timpul bolilor, mama, pentru a-și înveseli cumva fiul, îi cumpăra cărți de colorat, benzi desenate, albume și fotografii ale unor actori celebri. Aceste imagini au fost stocate în capul micuțului Andrew și, după ce s-a maturizat puțin, a început să le întruchipeze pe hârtie. Părinții săi, observând capacitatea lui de a desena, au început să economisească bani pentru a plăti studiile superioare ale fiului lor în câțiva ani.
În ultimii săi ani de universitate, după ce și-a schimbat deja numele de familie în Warhol, Andy a studiat la Facultatea de Desen și Design. A ales un stil pseudo-naiv, semi-desen animat, pe care a început să-l folosească după antrenament, devenind un designer comercial de succes. Aceștia au fost primii pași către crearea stilului său celebru, când picturile par a fi lipsite de creator și de bucăți din sufletul său, pe care fiecare artist le pune de obicei în opera sa. Mai târziu, o astfel de artă va fi numită „mașinizată”.
În acei ani, Andy Warhol putea deja să câștige suficient, dar numele său era cunoscut doar în cercuri restrânse, iar mai multe încercări de a expune în galerii au eșuat. Acest lucru l-a nemulțumit artistului. Chiar și prietenii săi, Robert Rauschenberg și Jasper Johns, care au început și ei ca ilustrații, au devenit deja adevărate vedete. Andy era gelos. Și în multe privințe, invidia l-a ajutat să devină ceea ce știm că este.
Pentru a deveni faimos, a trebuit să îndeplinești cerințele mulțimii. Warhol a observat că interesele oamenilor au început să se schimbe de la expresionism la obiecte de zi cu zi și detalii din cultura pop. La sfârșitul anilor cincizeci, Andy a prezentat publicului o serie de lucrări realizate cu respectarea tuturor criteriilor necesare pentru a atrage publicul de atunci.
Erau imagini simple ale lucrurilor de zi cu zi: aspiratoare, conserve, sticle, televizoare și multe altele. Așa că Warhol și-a găsit practic nișa, la începutul anilor șaizeci a început să folosească în lucrările sale conservele acum neschimbabile de supă Campbell, Coca-Cola, semnul dolarului și Marilyn Monroe.
Andy nu i-a fost frică de principiul mecanic al creării lucrărilor; dimpotrivă, el doar l-a subliniat, dând noului său studio din Manhattan numele de „Factory”. Diverși artiști underground, scriitori și muzicieni au atârnat în mod constant acolo, urmându-l pe faimosul Warhol ca pe un anturaj.
La Fabrică, Andy a stabilit că tehnica lui preferată era imprimarea serigrafică. Și datorită utilizării preselor de tipar, lucrările lui Warhol au început să fie puse în flux, fără autor sau original. Reprezentând zeci de cutii identice de supă și sticle de cola în picturile sale și expunând linia de asamblare fără suflet a producției moderne, Andy însuși a creat lucrări exact în același mod, pentru care mulți aveau plângeri împotriva lui. Picturile sale erau ca niște icoane ale societății de consum care au început să înflorească în acei ani.
Deși nu putem spune că a vrut să expună ceva. Poate că nu-i păsa deloc ce desenează, principalul lucru a fost că mulțimii i-a plăcut. Și cu cât mai multe picturi, cu atât mai mult profit. Mașinile au fost cea mai bună soluție în cazul lui.
Andy Warhol și-a petrecut cea mai mare parte a timpului lucrând în atelierul său, făcând mai mult decât pictură. (FOTO - Warhol cu un aparat foto). A făcut printuri, polaroid, a filmat documentare și lungmetraje și a înregistrat, de asemenea, un număr mare de conversații pe un magnetofon, de care nu s-a despărțit niciodată. Filmările i-au influențat foarte mult destinul.
În 1968, la Fabrică a venit Valerie Solanas, o feministă convinsă care a jucat uneori în filmele lui Warhol. Ea a scos brusc o armă, s-a apropiat de artist și l-a împușcat în stomac de trei ori la rând, spunând că el i-a furat scenariul. Solanas nu se grăbea să fugă de la locul crimei - a așteptat poliția și a recunoscut că l-a împușcat pe Andy Warhol.
Artistul a supraviețuit atât decesului clinic, cât și unei operații de mai multe ore, dar nu a depus mărturie împotriva lui Valerie. Toate organele sale interne au fost afectate, făcându-l pe Andy să experimenteze dureri constante. Din acel moment, a devenit foarte retras în sine, aproape că a încetat să mai lase pe cineva să intre în „Fabrică” și a început să acorde atenție în lucrările sale temelor morții și lipsei de sens a vieții.
„Întotdeauna am bănuit că mă uit la televizor în loc să trăiesc”- a spus Andy Warhol atunci.
În ultimii ani, a cheltuit o mulțime de bani și timp ajutând artiști talentați în curs de dezvoltare, printre care Jean-Michel Basquiat și Julian Schnabel, care mai târziu a devenit regizor care a realizat un film despre Basquiat și Warhol.
Mulți dintre contemporanii lui Andy nu i-au apreciat munca și nu au înțeles mesajele unor astfel de lucrări. Cum poate o cutie de transport să fie o sculptură? Cum pot portretele lui Marilyn Monroe să fie o pictură, cu atât mai puțin un diptic, așa cum l-a numit Warhol?
Artistul însuși a răspuns într-unul dintre interviurile sale că este mai ușor așa. Și asta îl ajută să-și petreacă timpul liber.
În ciuda tuturor ciudățeniei și atitudinii ambigue din partea societății, Andy Warhol a făcut totuși o revoluție în cultură, făcând obiecte de artă cât mai îndepărtate de artă. El a distrus linia care despărțise de mult cultura de viața de zi cu zi, amestecând idealul cu materialul. Dar nu a fost în zadar că a făcut-o?
Dacă ai văzut vreodată picturile lui Andy Warhol, nu le vei uita niciodată. Undeva în rafturile adânci ale memoriei tale subconștiente vor rămâne amintiri ale acestor picturi neobișnuite, foarte vii. Dar nu toți cei care i-au văzut picturile știu cine este Andy Warhol.
Așadar, să încercăm să ne cufundăm în lumea uimitoare a Artistului și chiar, dacă nu să-i dezlegăm personalitatea, atunci măcar să simțim membranele tulburătoare ale sufletului său.
Este banal să vorbim despre locul unde s-a născut, a studiat și a trăit. Dar sunt necesare măcar câteva informații scurte. Trei țări consideră artistul extraordinar al lor - America, Slovacia, Ucraina. Dar, probabil, un lucru poate fi spus fără greș - moștenirea creativă a lui Andy Warhol nu aparține unei anumite țări, ci lumii.
Andy (Andrey Vargola) s-a născut la Pistburg într-o familie de ruși din Carpați. Mama lui Yulia Vargola avea atunci 36 de ani. Tatăl viitorului artist a lucrat într-o companie de construcții. Andy era cel mai mic copil; în familie erau și doi fii mai mari. Între 4 și 8 ani, Andy a suferit o serie de boli grave, dintre care cea mai gravă a fost boala dansului Sfântului Vitus. Din această cauză, suferind mai des de atacuri vara, Andy a fost nevoit să-și petreacă zilele în pat, jucându-se cu păpușile decupate și ascultând radioul. Mama lui a desenat diverse imagini pentru Andy, ceea ce i-a insuflat fiului ei gustul pentru desen. Puțin mai târziu, din propriile câștiguri, Julia și-a cumpărat fiului ei un mic proiector de film, cu ajutorul căruia el putea urmări povești în imagini chiar pe peretele camerei sale.
Așa creativitatea lui Andy a început încet să se dezvolte în copilărie. La vârsta de nouă ani, băiatul a început să urmeze cursuri gratuite de artă. După absolvirea școlii, tânărul a intrat la Institutul de Tehnologie Carnegie în departamentul de desen și design. Acolo studentul a avut o poziție activă de viață - a participat la petreceri, orchestre simfonice și a fost interesat de balet.
Creativitatea artistului este postmodernă, neîngrădită, liberă.
„The Naked King”, modă și film
Care este secretul creativității lui Warhol? De ce aceste picturi presupuse simple sunt încă cunoscute în întreaga lume? Opera sa: îndrăzneață, șocantă, sesizează momentul, conține straturi, subterane, tridimensionale, create în stilul filmului. Există o astfel de teorie: desenează ceva nebunesc, de neînțeles și vei deveni celebru. Acesta este principiul „regelui gol”, când nimeni nu înțelege subtextul, „mesajul” care este încorporat în lucrare. Și din cauza neînțelegerii, este considerată înaltă, incredibilă, o capodopera. Acest lucru este tipic pentru „Pătratul Negru” al lui Malevici. Dar acest principiu nu se aplică lucrării lui Warhol.
Andy a trăit pentru modă, cultura pop și film. Chiar și în tinerețe, artistul a creat schițe de pantofi futuriști, foarte strălucitori, cu tocuri. Acestea au fost idei de design. Principalul punct culminant au fost liniile curbe, prin care cunoscătorii au recunoscut de fapt „stilul Warhol” în design. Moda a fost pasiunea lui. Poate că artistul a perceput chiar realitatea din jurul său prin ochelarii subconștienți ai ochelarilor la modă. Era homosexual și nu a ascuns asta. Prin urmare, a fost și mai ușor de înțeles tendințele modei. Era înglobat în cromozomii lui, în sufletul lui.
Cinematografia a constituit, de asemenea, o fațetă importantă a esenței sale. Filmul a devenit un mijloc de înțelegere a lumii, de înțelegere a realității. Andy avea degetul pe pulsul vieții. Acest lucru este evidențiat de picturile sale: „Scaunul electric”, „Revolte rasiste”, „Kens Soup” și multe alte picturi care reflectau realitatea actuală. El a prezentat evenimentele în fotografii cu o combinație neobișnuită de culori și linii neclare. Nu așa cum l-au văzut toată lumea. Artistul, parcă, ne captează atenția, ne face să ne gândim la fenomenele cotidiene și să încercăm să le înțelegem diferit. Și poate fi îngrozit. Scaunul electric, intoleranța rasială, alimentele procesate - totul era tipic pentru societatea americană de atunci. Și oamenii obișnuiți nu mai acordau prea multă atenție acestui lucru; erau îngrijorați de propriile lor vieți, de propriile lor probleme. Andy a făcut apel la inima tuturor și nu a fost greu să-i recunoști „mesajul”. A creat artă de masă și de elită în același timp.
Staruri pop oneste și „colorate”.
Dar cele mai faimoase picturi ale lui Andy sunt portrete ale vedetelor pop, realizate folosind tehnica lui obișnuită de „colorare foto”. Cele mai faimoase din această serie sunt imaginile cu Marilyn Monroe și Elvis Presley. Artistul pare să privească în sufletul oamenilor pe care îi înfățișează. Și dacă te uiți cu atenție, poți simți tragedia personalității lui Marilyn Monroe. Vioi colorată și cu fața roz, arată mizerabilă. Adevărul este ascuns în ochi. Se uită de sub gene, cumva stânjeniți și confuzi. Poate că Merlin nu a găsit niciodată sensul vieții. Iar această pudră, vopsea excesivă pe față este doar o mască în spatele căreia se ascunde adevărata esență a vedetei, pe care nimeni nu a vrut să o vadă. La fel și cu poza cu Elvis. Este realizat in tonuri mai inchise, in gri. Adesea imaginea este pe jumătate ștearsă. Cântărețul a îndreptat pistolul spre privitor, cu fața distorsionată. Poate că Elvis vrea să se apere?
15 cadre ale unui portret „în direct”.
Nu este de mirare că, cu o astfel de percepție a lumii, artistul a creat filme. Și acest film a uimit și lumea! De exemplu, portretele oamenilor. Andy a filmat o persoană nemișcată timp de trei minute, apoi a editat-o astfel încât să fie 15 cadre pe secundă. Imaginea s-a dovedit lentă, oarecum suprarealistă. În acest fel, persoana poate fi înțeleasă; acestea erau portrete „vii”. Sau o lovitură monotonă timp de 8 ore. Totul era aici: culoarea, mișcarea norilor, spațiul, chiar și un avion care zbura. Dar camera nu s-a mișcat. Am urmărit pur și simplu o bucată de lume, cum exact în acest loc începe dimineața, trece ziua și cade amurgul. Acestea erau vrăjile realității. Nu toată lumea a reușit să înțeleagă acest film; este o adevărată casă de artă. Dar acum, Andy este comparat cu impresioniștii. Când Monet „s-a jucat și cu culoarea” când a pictat fațada Catedralei din Rouen. A pictat structura în diferite momente ale zilei. Și de fiecare dată imaginea a ieșit diferit.
Andy Warhol nu este doar un artist, el este artă însuși. Nu i-a fost frică de experimente, de idei nebune și nu i-a fost frică să se arate lumii. Artistul nu este doar întruchiparea postmodernismului, el a făcut multe pentru dezvoltarea acestei direcții. Și să spună cineva că munca lui este anormală, imorală, neinteresantă. Dar cei cărora nu le este frică să spargă stereotipurile și să pună o nouă bază pentru artă rămân de obicei în memoria generațiilor. Standard, stereotip, corect nu este artă, este doar un surogat pe care ni l-a impus realismul socialist. Nu există limite ale potențialului uman, pentru că toți ne inspirăm din adâncurile vaste ale spațiului, cu care suntem de fapt conectați. „Inconștientul colectiv” există în fiecare dintre noi, dar nu toată lumea poate auzi pe deplin această voce.
Astăzi se împlinesc 86 de ani de la nașterea lui Andy Warhol, celebrul artist american, designer, sculptor, producător, regizor, scriitor, editor de reviste, fondator al ideologiei „homouniversale” și autor al unor lucrări care au devenit deja sinonime cu conceptul de artă pop comercială. Andy Warhol a făcut arta accesibilă maselor, astfel încât oamenii să învețe să vadă frumusețea lucrurilor de zi cu zi și să înțeleagă că tot ceea ce le înconjoară este frumos în esența sa. Cu ocazia zilei de naștere a geniului provocator, ne-am amintit de 10 dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale.
1. Dipticul Marilyn
Dipticul Marilyn, 1962
Pânza a fost pictată imediat după moartea lui Marilyn Monroe. Andy Warhol a combinat două tablouri: cincizeci de portrete aproximativ colorate, replicate ale actriței și exact aceleași, dar în alb și negru. Pe a doua pânză, majoritatea portretelor sunt slab vizibile sau neclare. Astfel, artista a reușit să arate imaginea morții care o bântuia pe Marilyn și să sublinieze contrastul cu viața ei. Tabloul se află acum la Londra, la Tate Gallery.
2. O cutie de supă Campbell
Cutie de supă Campbell, 1962
Acest tablou, potrivit artistului, a fost cea mai bună lucrare a lui. Totul a început cu o poză, apoi s-a născut o serie întreagă. Ea exprimă dorința lui Warhol de a dezvălui esența superficială a lucrurilor și de a permite tuturor să înțeleagă că un fier de călcat sau un aspirator este la fel de frumos ca dealurile verzi sau o pajiște cu flori. Warhol și-a explicat foarte simplu pasiunea pentru pictarea cotidianului: „Lucrez cu ceea ce îmi place”. Și îi plăceau foarte mult supele Campbell; le mânca direct din cutie. Acest tablou a fost vândut cu 24 de milioane de dolari după moartea lui Warhol. Autorul însuși la un moment dat, fără să bănuiască nimic, a vândut altele similare cu 100 de dolari.
3. Pistol
Pistol, 1981-1982
Pe 3 iunie 1968, Andy Warhol a supraviețuit unui atentat asupra vieții sale - a primit trei răni de glonț în stomac. O întâlnire apropiată cu moartea l-a inspirat pe inovatorul pop art să creeze mai multe tablouri, inclusiv faimosul „Pistol” - o copie a revolverului cu care a fost aproape împușcat. Pe un fundal roșu există o imagine șablonată a unui revolver în scheme de culori alb-negru. Astăzi această lucrare este estimată la 6-7 milioane de dolari.
4. Banană
Banana, 1967
Warhol a fost producător pentru Velvet Underground. Principala sa contribuție a fost crearea copertii albumului de debut The Velvet Underground și Nico. Pe ea au fost descrise pentru prima dată celebra banană galben strălucitor, semnătura artistului și inscripția „Coaja încet și vezi”. Iar primele ediții ale albumului au fost echipate cu o banană galbenă lipită de plicuri, ruperea ei a scos la iveală un alt fruct - de data aceasta roz și decojit.
5. 200 de bancnote de un dolar
200 de bancnote de un dolar, 1962
Warhol a spus: „I-am rugat pe câțiva dintre prietenii mei să sugereze teme pentru munca mea. În cele din urmă, un prieten a pus întrebarea potrivită: „Ascultă, ce iubești cel mai mult?” Așa am început să trag bani!” Andy Warhol, în calitate de promotor al tot ceea ce are un caracter de masă, nu putea ignora un lucru atât de familiar pentru americani precum o bancnotă de un dolar. În această imagine a dezvăluit maxim tema valorilor spirituale și materiale. Nu este nimic în imagine decât bani. Totuși, această lucrare este printre cele mai scumpe: a fost vândută cu 43,8 milioane de dolari. Astfel, Warhol și-a dovedit ideea principală: „arta este profit dacă se vinde bine”.
6. Opt Elvizi
Opt Elvisi, 1963
Palma dintre cele mai scumpe lucrări ale lui Warhol aparține picturii „The Eight Elvises”, pe care artistul a fost inspirat de regele rock and roll-ului decedat prematur. Acești câțiva Presley valorează 108,1 milioane de dolari. Artistul a vrut nu numai să-și amintească de Elvis, ci și să reflecte tema sa preferată în artă - tema fragilității faimei, repetarea monotonă a imaginilor identice și frica de moarte. Warhol a pictat tabloul în culoarea lui preferată – argintiu.
7. Sticle verzi de Coca-Cola
Sticle verzi de Coca-Cola, 1962
Ce ar putea fi mai simplu - descrieți doar o sticlă binecunoscută? Dar acesta a fost întregul secret al artei lui Andy Warhol - ar trebui să fie de înțeles pentru toată lumea și toată lumea bea Coca-Cola: de la președinte la muncitorul obișnuit. Artistul a pariat nu pe elitism, ci pe apelul de masă și a avut dreptate. „Lucrul uimitor la această țară este că a dat naștere unei noi tradiții de consum – bogații cumpără exact aceleași produse ca și săracii. Președintele bea Cola, Liz Taylor bea Cola și, gândește-te, bei și tu Cola”, a spus el.
8. Lenin Roșu
Lenin Roșu, 1987
De la celebrități, pe care Andy Warhol le-a pictat foarte des, artistul a trecut la politicieni. Una dintre lucrările sale ulterioare a fost pictura „Lenin roșu”, care până de curând i-a aparținut lui Boris Berezovsky. Chiar înainte de moartea sa, oligarhul a vândut opera de artă, iar „Lenin roșu” a intrat sub ciocan pentru aproape 202 mii de dolari unui colecționar privat. Inițial, reproducerea serigrafiată a lui Warhol a fost estimată la 45-75 de mii de dolari.
9. Regina Elisabeta a II-a
Regina Elisabeta a II-a, 1985
Imaginile de 100 x 80 de centimetri ale Elisabetei a II-a au fost bazate pe o fotografie a reginei din 1975 realizată de fotograful Peter Grujon și au fost incluse în colecția Reigning Queens a lui Warhol. Include, de asemenea, portretele sale ale Reginei Beatrix a Țărilor de Jos, Margrethe II a Danemarcei și Ntombi Twala a Swazilandului. Regina britanică este înfățișată în lucrările artistului purtând Tiara Vladimir, care a aparținut cândva reprezentanților casei imperiale rusești Romanov. Recent, Elisabeta a II-a a cumpărat patru portrete ale ei de Andy Warhol pentru Colecția Regală.
10. Che Guevara
Che Guevara, 1968
Puțini oameni știu că celebra versiune a posterului „Heroic Guerrilla” al lui Che Guevara nu i-a aparținut lui Andy Warhol. Cert este că tovarășul său Gerard Malanga a creat această lucrare în stilul lui Warhol, trecând lucrarea drept un desen al acestuia din urmă pentru profit. Dar escrocheria lui Gerard a fost dezvăluită și închisoarea îl aștepta. Apoi Warhol a salvat situația - a fost de acord să recunoască falsul ca fiind opera sa, cu condiția ca toate veniturile din vânzare să ajungă la el.
