다양한 연도의 사진. 앤디 워홀
돌리 파튼, 1985. 실크스크린 © Andy Warhol
1960년대 초, 메트로폴리탄 미술관의 한 전시회에서 관장인 토마스 호빙(Thomas Hoving)은 연설을 통해 당시 사회를 지배했던 일반적인 분위기를 다음과 같이 공식화했습니다. “한때 지식인은 그렇지 않다는 오래된 생각이 있었습니다. 다른 사람이 무슨 일을 하는지 알아라.” 세상 - 대중문화의 세계... 이제 모두가 같은 문화의 일부가 되었습니다.” 아이러니하게도 최초의 팝 아티스트는 영국인 Eduardo Paolozzi와 Richard Hamilton이었지만 큰 명성은 더 도발적인 미국인인 Jasper Johns, Robert Rauschenberg 및 Andy Warhol에게 돌아갔습니다.
대중문화 이미지, 예술의 심각성에 대한 부정, 진부한 사물의 사용이나 복제는 팝아트, 즉 대중예술(Popular Art)의 피상적인 정의에 불과하다. 각 저자는 자신의 방식으로 이러한 방향을 설명하고 제시했습니다. 워홀에게 팝아트는 “사물에 대한 사랑”에 관한 것입니다. Andy는 자신을 사진작가라고 칭한 적이 없지만 1980년에 매우 예상치 못한 말을 했습니다. "나는 예술을 믿지 않지만 사진은 믿습니다."
팝아트 예술가들은 작품의 필수적인 부분이자 소스로서 사진을 작품에 자주 사용했습니다. 그러나 신문 스크랩, 인기 스타 카드, 사진 기계의 스냅샷, 폴라로이드에서 나이트클럽과 여행의 다큐멘터리에 이르기까지 다양한 형태의 사진이 워홀의 작업과 불가분의 관계에 있다고 확실히 말할 수 있는 것은 워홀뿐입니다.
1960년대 초 워홀은 실크스크린 인쇄를 사용하여 인기 있는 "영웅"의 초상화(영화 - 마릴린 먼로, 리즈 테일러, 워렌 비티, 정치인 - 재키 케네디, 마오쩌둥, 기타) 및 죽음에 대한 이미지(자동차 및 비행기 추락, 전기의자, 식중독, 자살, 핵버섯 등)를 포함합니다. 반복적으로 반복되는 이미지는 유사한 다른 이미지와 분리되어 격자 구조를 닮은 작품으로 형성되었다. 이렇게 고의적으로 분리된 이미지가 유포되면서 그 안에 존재하는 대중문화 이미지의 진부함과 평범함을 강화할 뿐이었다. 워홀은 자신이 겪은 일련의 재난에 대해 “끔찍한 그림을 계속해서 보면 감동이 사라집니다.”라고 말했습니다.
워홀은 신문 스크랩, 광고 포스터, 영화배우 사진 컬렉션에서 이미지를 빌려 확대하여 실크로 옮겼습니다. "129 Killed in Plane Crash"는 원본 이미지를 가져온 New York Mirror의 페이지를 공개적으로 모방합니다. "The Electric Chair"의 출처는 뉴욕 공립 도서관 기록보관소에서 워홀이 특별히 발견한 스파이 커플 로젠버그의 처형 사진이었습니다. 흑백 사진 시리즈 "13명의 수배자"의 프로토타입과 자료는 13명의 수배범에 대한 설명이 담긴 FBI 소책자였습니다. 이들의 정면 사진과 프로필 사진은 1964년 세계 박람회의 뉴욕관 정면에서 촬영되었으나 곧 제거되었습니다. 같은 해 실크스크린 판화 '미국인, 또는 왓슨 파월의 초상'에서 워홀은 역시 특정 모델의 사진을 바탕으로 '전형적인 미국인'의 집단적 이미지를 만들어낸다.
워홀이 그토록 점령했던 예술품을 (산업적인 의미에서) 복제하고 생산한다는 아이디어는 그의 "공장"에서 구체화되었습니다. 이 스튜디오는 상업 기업으로 운영되어 하루 최대 80장의 실크스크린 판화를 제작하고 예술 작품을 스트리밍으로 선보였습니다. "기계처럼" 그림을 그리려는 워홀의 열망은 작업 과정의 기술화, 작품의 익명성, 일반적인 생산 제품과의 동화로 이어져야 했습니다. 이 경우 특정 저작물의 저작자와 동등성에 대한 문제는 부차적인 것으로 판명되었습니다. "자동" 이미지 생성 과정은 다다이스트의 "자동" 글쓰기 이론을 연상시켰습니다. 작가는 "가능한 한 많은 사람들이 실크스크린 인쇄에 참여하게 되기를, 누구도 자신 앞에 있는 그림이 내 그림인지 아니면 다른 사람의 그림인지 짐작할 수 없게 되는 것"을 꿈꿨습니다.
1960년대 초, 워홀은 이 아이디어를 완전히 실현할 수 있는 이상적인 방법, 즉 일반 도시 사진 부스에서 자신의 모델을 촬영하는 이상적인 방법을 고안했습니다. 이 아이디어는 Harper's Bazaar 잡지가 그에게 "예술의 새로운 얼굴"이라는 주제에 대한 삽화를 주문했을 때 그에게 떠올랐고, 같은 정신으로 "현대 십대"라는 주제에 대한 작업이 Time에 수행되었습니다. 사진 부스의 사진은 1963년부터 1966년 사이에 수많은 초상화와 자화상을 실크스크린으로 인쇄하는 이미지의 원천이 되었습니다. 실제로 고객은 촬영 중에 가능한 모든 방법으로 즉흥적으로 사진을 찍었습니다. 완성된 사진 "스트립"은 워홀에게 주어졌고, 이를 바탕으로 그는 자신의 "예술 제품"을 만들었습니다. 이 "스트립" 사진은 그 자체로 확실히 19세기 움직이는 사진과 <엠파이어>와 같은 워홀의 초기 영화적 노력을 연상시킵니다. 이 초상화의 첫 번째 모델 중 하나는 예술가의 친구 Ethel Scull과 미래의 유명한 갤러리 소유자인 Holly Solomon이었습니다. 둘 다 초상화에 대한 워홀의 "작업 방식"에 대한 인상적인 증거를 남겼습니다. 워홀은 브로드웨이 모퉁이와 42번가 등 자신의 공장 근처에 있는 자판기를 선호했습니다. Ethel Scull은 Warhol의 실용적인 "튜토리얼"을 회상합니다. "우리는 밝은 색상과 어두운 색상으로 사진을 찍도록 노력할 것입니다. 당신을 부스에 넣고 빨간불을 봐야 할 것입니다." 그녀는 계속해서 다음과 같이 설명합니다.
“나는 서서 빨간불을 바라보며 움직이기가 두려웠습니다. Andy가 들어와 나를 자극했고, 마침내 나는 긴장을 풀었습니다. “놀고 웃으면 돈이 든다”고 그는 말했다. 우리는 부스에서 부스로 달려갔고, 그는 내 사진을 찍었고, 완성된 사진은 곳곳에 말려 있었습니다. 내가 나왔을 때 그는 "글쎄, 좀 볼래? "라고 말했습니다. 너무 좋아서 이제는 그곳에서만 사진을 찍을 것 같아요. 초상화가 준비되자 부분적으로 배달되었고 Bob은 그에게 이렇게 말했습니다. "어떻게 하시겠습니까... 우리가 그것을 올바르게 만들 수 있도록 도와주실 수 있나요?" 그는 “어, 아니. 그 사람이 특별히 수집하러 왔으니, 그 사람 마음대로 하게 해주세요.” - “하지만 앤디, 이게 당신 초상화예요.” - "상관없어요".
그래서 그는 도서관에 앉아 있었고 우리는 초상화를 그리느라 바빴습니다. 그리고 물론 그는 마침내 나와서 우리가 수집한 것을 비판적으로 살펴보았습니다. “글쎄, 나는 이것이 여기에 있을 것이고 이것은 저기에 있을 것이라고 생각했습니다.” 모든 일이 끝났을 때 그는 “아니요, 사실은 상관없어요. 모든 것이 정말 훌륭해요."
남성 누드, 1987 © Andy Warhol
워홀은 자신의 모든 모델이 마치 놀고 있는 것처럼 묘사하며, 사진작가와 함께 자신만의 이미지를 만들어내고, 있는 그대로의 모습이 아닌 다른 사람들에게 보여지기를 원하는 모습을 세상에 선보입니다.
모델의 환상을 구현하고 온갖 종류의 허구를 창조하는 것이 워홀의 기본 신조였습니다. 그는 창작 생활 전반에 걸쳐 자신의 자화상에서도 그를 배신하지 않았습니다. 그리고 그의 고백도 이렇습니다. “앤디에 대한 모든 것을 알고 싶다면 내 영화와 그림을 보세요. 이것이 나의 전부입니다. 다른 건 없어요.” – 정말 신뢰해서는 안 됩니다. 로버트 로제블럼(Robert Rosemblum)은 자신의 에세이에서 “워홀은 초기 자화상에서도 자신을 파파라치가 쫓는 유명인사로 표현했다”고 썼습니다. 따라서 1963년 플로렌스 바론(Florence Baron)이 사진 기계로 의뢰한 자화상에서 워홀은 다양한 멋진 포즈를 선택하고 유명인처럼 선글라스 아래로 눈을 숨깁니다.
그의 외모를 실험하는 것은 그의 자화상에서 없어서는 안될 부분입니다. 따라서 실크스크린 인쇄를 사용하여 복제된 그 중 하나(1964)에서 워홀은 형사 사건의 초상화 도상학을 명확하게 반복합니다. 작가의 초상과 자화상은 자신과 타인을 위한 일종의 연극이다. 이 점에서 워홀은 렘브란트를 매우 연상시킵니다. 렘브란트와 마찬가지로 워홀은 주로 얼굴을 실험하여 얼굴 표정을 가지고 놀면서 이런 저런 표정을 짓습니다. 예술가는 배우처럼 자신의 실제 모습과 원하는 이미지를 혼합하여 특정 역할을 수행했습니다.
1970년대 워홀은 주문제작 방식과 동일한 실크스크린 인쇄 방식을 사용해 초상화를 주로 제작했다. 이제 그는 Polaroid SX-70 Big Shot으로 찍은 사진을 기본으로 사용합니다. 폴라로이드 사진은 속도, 단순성, 겉보기에 평면적인 이미지를 만들어내는 능력으로 예술가를 매료시켰습니다. 사진 촬영은 항상 같은 방식으로 시작되고 진행되었습니다. 일반적으로 유명인인 모델이 점심 식사에 스튜디오에 초대되었습니다. Mick Jagger, 모나코의 Caroline 공주, John Richardson, Francis Bacon, Candy Spelling, Liza Minnelli, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Robert Mapplethorpe 등 많은 사람들이 그를 모델로 삼았습니다. 그런 다음 메이크업이 이루어졌습니다. 그 중 중요한 필수 구성 요소는 얼굴과 목에 넉넉한 파우더 층을 바르는 것이었습니다. 비슷한 방식으로 워홀은 얼굴의 결점을 가리면서 동시에 가면처럼 보이도록 만들었다. 텅 빈 흰 벽을 배경으로 모델은 매력적인 포즈를 취했고, 워홀은 여러 장의 사진을 찍은 후 작품의 기초로 삼을 단 한 장을 선택했고, 각 사진 역시 특별한 방식으로 그려졌습니다. 결과는 모호했지만 인상적이었습니다. 특정 캐릭터의 초상화 대신 스타의 집단 포스터 이미지가 나타났습니다. 그러나 작가는 리히텐슈타인의 눈과 이마, 미넬리의 입술과 같이 캐릭터를 가장 특징짓는 세부 사항에 집중하는 것을 좋아했습니다.
의뢰받은 초상화와는 달리 워홀의 자화상 폴라로이드 중 상당수는 실크스크린 처리되지 않았습니다. 이것은 그의 아카이브에 남아 있는 개인적이고 실험적인 사진이었습니다. 1979년에 Polaroid Corporation은 아티스트를 스튜디오에서 직접 새 카메라로 여러 장의 인물 사진을 찍도록 초대했습니다. 이 카메라는 60초 안에 컬러 이미지를 촬영하는 것을 가능하게 했습니다. 이날 워홀은 10장의 초상화를 찍었고 그 중 4장은 자신의 초상화였습니다. 그들 모두는 극도의 클로즈업으로 구별되며 워홀의 머리는 프레임 공간에 완전히 맞지 않습니다. 하나는 시선을 위로 급격하게 올려놓은 반면, 다른 하나는 머리와 시선을 겸손하게 아래로 낮추는 모습이다. 여기에서 우리는 피부의 모든 결점을 무자비하게 드러내는 클로즈업 클로즈업과 고의적 인기만, 연극 성, 고개를 돌리고 카메라에서 시선을 떼는 그의 연기에서 읽을 수있는 모순적인 병치를 발견합니다.
크리스토퍼 마코스(Christopher Makos)와 공동으로 제작한 1980년부터 1981년까지 가발을 쓴 일련의 자화상에는 "폭로적인" 연극성이 내재되어 있습니다. 이것은 Man Ray의 유명한 Marcel Duchamp의 여성 분신 Roz Sélavy 사진을 워홀이 해석한 것입니다. 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe)도 1980년에 이 주제를 다루면서 모피를 입은 여성의 자화상을 그렸습니다. 이러한 초상화나 자화상과는 대조적으로 워홀은 화장을 통해 남성적인 얼굴 특징을 거의 숨기지 않습니다. 워홀에게 마릴린 먼로나 제인 폰다의 헤어스타일을 연상시키는 수많은 만화 같은 가발을 착용하는 것은 자신을 다른, 가능한, 상상의 모습으로 바라보는 것입니다. 그러나 여기서도 그는 자신의 정체성을 찾기 위해 자신이 아닌 수많은 가면을 보여준다. 결국, 이 가발 아래에는 워홀이 공개적으로 결코 헤어지지 않은 은색 가발이 또 다른 가발이 있습니다. 따라서 폴라로이드 사진을 바탕으로 제작된 파란색, 빨간색, 녹색 색상의 실크스크린 자화상(1986년) 속 그의 얼굴은 석화된 표정으로 데스마스크와 유사하다.
워홀은 또한 남성의 나체와 동성애 에로티카를 다룬 좀 더 “개인적인” 작품을 만들기 위해 폴라로이드가 필요했습니다. 가장 특별한 이미지는 그의 토르소 시리즈에서 만들어졌는데, 이는 고대의 주제뿐만 아니라 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe)와 같은 사진의 전임자와 동시대인을 언급합니다. 1970년대 후반에 워홀은 다큐멘터리 사진에 관심을 가지게 되었는데, 그 주인공은 나이트클럽, 도시 전망, 건물의 스타 거주자였습니다. 그리고 비록 많은 비평가들이 워홀을 “큰 소리가 나는 빈 공간”으로만 보았지만, 1960~80년대 문화에서 그의 인물의 중요성은 록 밴드 Velvet-Underground의 노래 가사로 공식화될 수 있습니다. 생성: "나는 당신의 거울이 될 것입니다."
나이트클럽, 회의 사진이 포함된 포트폴리오
예술가, 1980년대 © Andy Warhol
앤디 워홀은 70년대의 거울이자 팝아트와 상업미술의 천재입니다. 이 예술가는 자신의 예술 작품으로 수익을 창출하는 데 결코 부끄러워하지 않았습니다. 그리고 그에게서 배울 점이 많습니다. 오늘 우리는 그의 가장 비싼 작품 TOP 10을 준비했습니다.
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 1. “실버카 크래시(이중 재난)”(1963).
2013년 11월 Sotheby's에서 1억 540만 달러에 판매되었습니다.
앤디 워홀. "실버카크래시(이중재난)"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 2. 1963년 “여덟 명의 엘비스”.
2008년 10월 프랑스 미술 컨설턴트 Philippe Segalot를 통해 1억 달러에 비공개로 판매되었습니다. 당시 이는 앤디 워홀의 작품에 지불된 기록적인 금액이었습니다.
앤디 워홀. "여덟 명의 엘비스"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 3. “트리플 엘비스(페러스 티페)”, 1963.
2014년 11월에 판매되었습니다. 이 작품(Thomas Ammann이 70년대 독일 카지노에 판매한 두 작품 중 하나)은 크리스티 경매에서 최고 작품이 되었습니다.
앤디 워홀. "트리플 엘비스(페러스형)"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 4. "청록색 마릴린"(1964).
앤디 워홀이 그린 마릴린 먼로의 여러 초상화 중 하나로, 수집가 스티븐 코헨이 2007년 5월 래리 가고시안 갤러리를 통해 약 8천만 달러에 구입했습니다.
앤디 워홀. "청록색 마릴린"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 5. “친환경 자동차 충돌” 1963.
이 작품은 2007년 5월 그리스 해운왕 스타브로스 니아르코스(Stavros Niarchos)의 아들인 수집가 필립 니아르코스(Philip Niarchos)에 의해 뉴욕 크리스티 경매에서 7,170만 달러의 경매 최고가에 팔렸습니다.
앤디 워홀. "친환경 자동차 충돌"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 6. “네 개의 말론”(1966).
이 그림은 2014년 11월 Christie's에서 6,960만 달러에 판매되었으며, 경매에서 이 작품은 "Triple Elvis"와 짝을 이루었습니다.
앤디 워홀. "네 개의 말론"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 7. “그녀의 인생의 남자들”(1962).
세 번째 남편인 마이크 토드(Mike Todd), 미래의 남편인 에디 피셔(Eddie Fisher)와 함께 있는 엘리자베스 테일러(Elizabeth Taylor)의 흑백 초상화는 뉴욕의 Philipps de Pury & Co 경매에서 익명의 구매자에게 6,340만 달러에 판매되었습니다. 작품은 특정 Mugrabi 가족에게 보내졌습니다.
앤디 워홀. "그녀의 인생에 등장한 남자들"
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 8. “Race Riot”(4부작) 1964.
이 그림은 2014년 5월 크리스티 경매에서 한 구매자에게 6,280만 달러에 팔렸고, 구매자는 이를 완전한 작품으로 만들었습니다.
앤디 워홀 '인종 폭동'
앤디 워홀의 가장 비싼 그림 10개 9. “1달러 지폐 200장”(1962).
2009년 11월 이 그림은 소더비에서 익명의 구매자에게 4,380만 달러에 팔렸으며, 1986년 이 작품을 단돈 385,000달러에 구입한 수집가 Pauline Karpidas를 통해 런던에서 구매되었습니다.
미주리주의 스프링필드 시.
똑같은 조립라인으로 조립라인을 비웃던 남자. 거의 30년째 코 모양에 대한 불만을 갖고 있는 남성입니다. 팝아트의 왕이 된 남자. 이 모든 것 - 앤디 워홀.
1928년, 슬로바키아 이민자 가정(작가의 본명)에서 태어난 앤드루 워홀라가 사실상 팝아트의 창시자가 될 운명이었다는 것은 누구도 상상하지 못했을 것입니다. 그는 자신의 활동에 대해 가장 잘 말했습니다.
“나는 훌륭한 예술가가 되고 싶은가? 아니요. 차라리 유명해지겠어요."
워홀은 위대한 거장들과 달리 처음에는 명성과 부를 추구했습니다. 그리고 그는 목표를 달성했습니다.
Andrew Warhole의 부모는 예술과 아무런 관련이 없습니다. 그의 아버지는 노동자였고 그의 어머니는 창문 청소부였습니다. 그들은 영어도 잘 몰랐습니다. 네 자녀를 키우는 것은 가족에게 어려운 일이었고 그들의 주된 지원은 기독교와 아메리칸 드림에 대한 믿음이었습니다. 꼬마 앤드류 워홀라는 부모님을 믿고 매우 독실한 아이로 자랐습니다.
미래의 연예인은 어린 시절부터 건강이 좋지 않았습니다. 8세 때 중추신경계 질환으로 인해 그는 장기간의 침상 안정을 처방받았고, 그 후 해마다 반복되었습니다.
병에 걸린 동안 어머니는 아들을 격려하기 위해 색칠 공부 책, 만화, 앨범 및 유명 배우의 사진을 사주었습니다. 이 이미지는 꼬마 앤드류의 머릿속에 저장되었고, 조금 성숙해진 후 그는 그것을 종이에 구현하기 시작했습니다. 그의 부모는 그의 그림 실력을 보고 몇 년 후 아들의 고등 교육 비용을 지불하기 위해 돈을 저축하기 시작했습니다.
대학 마지막 해에 이미 성을 워홀로 바꾼 앤디는 드로잉 및 디자인 학부에서 공부했습니다. 그는 의사 순진한 반 만화 스타일을 선택했고, 훈련 후에 이를 사용하기 시작하여 성공적인 상업 디자이너가 되었습니다. 이것은 그의 유명한 스타일을 창조하기 위한 첫 번째 단계였습니다. 그림에는 일반적으로 모든 예술가가 그의 작품에 넣는 창조자와 그의 영혼의 조각이 없는 것처럼 보였습니다. 나중에 그러한 예술은 “기계화된” 예술이라고 불릴 것입니다.
그 당시 Andy Warhol은 이미 충분한 돈을 벌 수 있었지만 그의 이름은 좁은 범위에서만 알려졌고 갤러리에서 전시하려는 여러 시도는 실패했습니다. 이것은 예술가를 불쾌하게 만들었습니다. 그의 친구들인 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg)와 재스퍼 존스(Jasper Johns)도 일러스트레이션으로 시작하여 이미 진정한 스타가 되었습니다. 앤디는 질투했다. 그리고 여러 면에서 그가 우리가 알고 있는 그런 사람이 되도록 도운 것은 시기심이었습니다.
유명해지기 위해서는 대중의 요구를 충족시켜야 했습니다. 워홀은 사람들의 관심이 표현주의에서 일상적인 사물과 대중문화의 디테일로 옮겨가기 시작했다는 사실에 주목했습니다. 50년대 후반, 앤디는 당시 관객의 관심을 끌기 위해 필요한 모든 기준을 준수하여 공연된 일련의 작품을 대중에게 선보였습니다.
진공청소기, 통조림 식품, 병, 텔레비전 등 일상적인 사물의 단순한 이미지였습니다. 그래서 워홀은 실제로 자신의 틈새 시장을 찾았고, 60년대 초반에 그는 현재 변경할 수 없는 캠벨 수프 캔, 코카콜라, 달러 기호 및 마릴린 먼로를 작품에 사용하기 시작했습니다.
앤디는 작품을 만드는 기계적인 원리를 두려워하지 않았고 오히려 그것을 강조할 뿐 맨해튼에 있는 자신의 새 스튜디오에 "Factory"라는 이름을 붙였습니다. 다양한 언더그라운드 아티스트, 작가, 음악가들이 그 유명한 워홀을 수행원처럼 따라다니며 끊임없이 어울렸습니다.
공장에서 Andy는 자신이 가장 좋아하는 기술이 실크스크린 인쇄라고 판단했습니다. 그리고 인쇄기의 사용으로 인해 워홀의 작품은 저작자도 원본도 없이 유통되기 시작했습니다. 수십 개의 동일한 수프 캔과 콜라 병을 그림에 묘사하고 현대 생산의 영혼없는 조립 라인을 폭로 한 Andy 자신도 똑같은 방식으로 작품을 만들었고 많은 사람들이 그에 대해 불만을 제기했습니다. 그의 그림은 그 당시 번성하기 시작한 소비 사회의 아이콘과 같았습니다.
그가 무언가를 폭로하고 싶었다고 말할 수는 없지만. 아마도 그는 자신이 그린 것에 전혀 관심이 없었을 것입니다. 가장 중요한 것은 군중이 그것을 좋아했다는 것입니다. 그리고 그림이 많을수록 더 많은 이익을 얻을 수 있습니다. 그의 경우에는 기계가 최고의 솔루션이었습니다.
앤디 워홀(Andy Warhol)은 대부분의 시간을 자신의 스튜디오에서 그림 그 이상을 하면서 보냈습니다. (사진 - 카메라를 들고 있는 워홀) 그는 인쇄물, 폴라로이드, 다큐멘터리 및 장편 영화를 제작했으며 테이프 레코더에 수많은 대화를 녹음했지만 결코 헤어지지 않았습니다. 촬영은 그의 운명에 큰 영향을 미쳤습니다.
1968년, 가끔 워홀의 영화에 출연하기도 했던 확고한 페미니스트 발레리 솔라나스가 팩토리에 왔습니다. 그녀는 갑자기 총을 꺼내 작가에게 다가가 대본을 훔쳤다며 작가의 배를 세 번 연속 쏘았다. 솔라나스는 범죄 현장을 떠나기 위해 서두르지 않았습니다. 그녀는 경찰을 기다렸다가 앤디 워홀을 쏜 것을 인정했습니다.
예술가는 임상 사망과 여러 시간의 수술 모두에서 살아남았지만 Valerie에 대해 증언하지 않았습니다. 그의 내부 장기가 모두 손상되어 Andy는 지속적인 통증을 경험하게 되었습니다. 그 순간부터 그는 자신에게 매우 물러나고 누구도 "공장"에 들어가는 것을 거의 중단했으며 그의 작품에서 죽음이라는 주제와 삶의 무의미함에 관심을 기울이기 시작했습니다.
“나는 생활이 아닌 TV를 보고 있다는 의심을 늘 품고 있었다”- 그때 앤디 워홀이 말했습니다.
최근에는 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat), 훗날 바스키아와 워홀에 관한 영화를 만든 감독이 된 줄리안 슈나벨(Julian Schnabel) 등 재능 있는 신인 예술가들을 돕는데 많은 돈과 시간을 쏟았다.
앤디의 동시대 사람들 중 다수는 그의 작품을 높이 평가하지 않았고 그러한 작품의 메시지를 이해하지 못했습니다. 배송 상자가 어떻게 조각품이 될 수 있나요? 어떻게 마릴린 먼로의 초상화가 워홀이 말한 것처럼 양면 제화는 고사하고 그림이 될 수 있습니까?
작가 자신도 인터뷰에서 이렇게 하는 것이 더 쉽다고 답했습니다. 그리고 이것은 그가 여가 시간을 보내는 데 도움이 됩니다.
사회의 모든 기이함과 모호한 태도에도 불구하고 앤디 워홀은 예술과 최대한 동떨어진 예술품을 만들어 문화에 혁명을 일으켰습니다. 그는 이상과 소재를 혼합하여 오랫동안 문화와 일상을 분리해왔던 경계를 무너뜨렸습니다. 그런데 그가 한 일은 헛된 일이 아니었을까?
앤디 워홀의 그림을 본 적이 있다면 결코 잊지 못할 것입니다. 잠재의식 기억의 깊은 선반 어딘가에는 이 독특하고 매우 생생한 그림에 대한 기억이 남아 있을 것입니다. 그러나 그의 그림을 본 모든 사람이 앤디 워홀이 누구인지 아는 것은 아닙니다.
그러니 예술가의 놀라운 세계로 뛰어 들어 그의 성격을 풀지는 못하더라도 적어도 그의 영혼의 불안한 막을 느껴 봅시다.
그가 태어난 곳, 공부한 곳, 살았던 곳을 이야기하는 것은 진부하다. 그러나 최소한 몇 가지 간단한 정보가 필요합니다. 미국, 슬로바키아, 우크라이나 등 3개국에서는 뛰어난 예술가를 자신의 것으로 간주합니다. 그러나 아마도 한 가지는 틀림없이 말할 수 있습니다. Andy Warhol의 창의적인 유산은 특정 국가가 아니라 세계에 속합니다.
Andy (Andrey Vargola)는 Pistburg에서 Carpathians의 Rusyns 가족으로 태어났습니다. 그의 어머니 Yulia Vargola는 당시 36 세였습니다. 미래 예술가의 아버지는 건설 회사에서 일했습니다. 앤디는 막내였고, 가족 중에는 큰 아들도 두 명 있었습니다. 4세에서 8세 사이에 앤디는 여러 가지 심각한 질병을 앓았는데, 그중 가장 심각한 것은 성 비투스 무용병이었습니다. 이 때문에 여름에 더 자주 발병하는 앤디는 침대에 누워 인형을 가지고 놀고 라디오를 들으며 하루를 보내야 했습니다. 그의 어머니는 앤디를 위해 다양한 그림을 그려주었고, 이는 아들에게 그림에 대한 취향을 심어주었습니다. 조금 후에 Julia는 자신의 수입으로 아들에게 작은 영사기를 사주었고, 이를 통해 아들은 방 벽에 걸린 그림 속의 이야기를 볼 수 있었습니다.
이것이 앤디의 창의력이 어린 시절부터 서서히 발전하기 시작한 방식입니다. 9살 때 소년은 무료 미술 강좌에 참석하기 시작했습니다. 학교를 졸업 한 후 청년은 카네기 공과 대학의 드로잉 및 디자인학과에 입학했습니다. 그곳에서 학생은 활동적인 생활 위치를 가졌습니다. 그는 파티, 심포니 오케스트라에 참석했으며 발레에 관심이있었습니다.
예술가의 창의성은 포스트모던하고, 제한되지 않으며, 자유롭습니다.
"벌거벗은 왕", 패션과 영화
워홀의 창의성의 비결은 무엇입니까? 단순하다고 생각되는 이 그림들이 아직도 전 세계에 알려진 이유는 무엇입니까? 그의 작품은 대담하고, 충격적이며, 순간을 포착하며, 영화 스타일로 만들어진 지하, 3차원 레이어를 포함합니다. 그런 이론이 있습니다. 미친, 이해할 수 없는 것을 그리면 유명해질 것입니다. 작품에 담긴 '메시지'인 서브텍스트를 누구도 이해하지 못하는 '벌거벗은 왕' 원칙이다. 그리고 오해 때문에 그것은 고상하고 믿을 수 없는 걸작으로 간주됩니다. 이는 말레비치의 <검은 사각형>의 전형적인 특징이다. 하지만 이 원칙은 워홀의 작품에는 적용되지 않습니다.
앤디는 패션, 대중문화, 영화를 위해 살았습니다. 젊은 시절에도 작가는 발뒤꿈치가 달린 미래적이고 매우 밝은 신발의 스케치를 만들었습니다. 이것은 디자인 아이디어였습니다. 주요 하이라이트는 감정가들이 디자인에서 "워홀 스타일"을 실제로 인식한 곡선이었습니다. 패션은 그의 열정이었습니다. 아마도 작가는 패셔너블한 안경이라는 잠재의식의 안경을 통해 주변의 현실을 인식하기도 했을 것이다. 그는 동성애자였으며 그것을 숨기지 않았습니다. 그래서 패션 트렌드를 이해하기가 훨씬 쉬웠어요. 그것은 그의 염색체, 그의 영혼에 박혀 있었습니다.
영화 촬영 역시 그의 본질의 중요한 측면을 구성했습니다. 영화는 세상을 이해하고 현실을 이해하는 수단이되었습니다. 앤디는 삶의 맥박을 파악하고 있었습니다. 이것은 그의 그림 "The Electric Chair", "Racist Riots", "Kens Soup"및 현재 현실을 반영한 기타 많은 그림에서 입증됩니다. 그는 색상과 흐릿한 선의 특이한 조합으로 사건을 사진으로 표현했습니다. 모든 사람이 본 방식은 아닙니다. 작가는 말하자면 우리의 관심을 사로잡고, 일상의 현상에 대해 생각하게 하며, 그것을 다르게 이해하려고 노력한다. 그리고 아마도 겁에 질릴 수도 있습니다. 전기의자, 인종차별, 가공식품 등 모든 것이 당시 미국 사회의 전형적인 모습이었습니다. 그리고 평범한 사람들은 더 이상 이것에 많은 관심을 기울이지 않았고 자신의 삶과 문제에 대해 걱정했습니다. 앤디는 모든 사람의 마음에 호소했고 그의 "메시지"를 인식하는 것은 어렵지 않았습니다. 그는 대중 예술과 엘리트 예술을 동시에 창조했습니다.
솔직하고 '유색인종' 팝스타
그러나 앤디의 가장 유명한 그림은 그의 일반적인 "사진 채색" 기법을 사용하여 만든 팝스타의 초상화입니다. 이 시리즈에서 가장 유명한 것은 Marilyn Monroe와 Elvis Presley의 이미지입니다. 작가는 자신이 그리는 사람들의 영혼을 들여다보는 것 같다. 그리고 자세히 살펴보면 마릴린 먼로 성격의 비극성을 느낄 수 있다. 밝은 색과 분홍빛 얼굴을 한 그녀는 비참해 보인다. 진실은 눈 속에 숨겨져 있습니다. 그들은 속눈썹 아래에서 밖을 내다보며 어쩐지 당황스럽고 혼란스럽습니다. 어쩌면 멀린은 삶의 의미를 찾지 못했을 수도 있습니다. 그리고이 가루, 얼굴에 과도한 페인트는 아무도보고 싶지 않은 별의 진정한 본질이 숨겨져있는 마스크 일뿐입니다. 엘비스의 사진도 마찬가지다. 좀 더 어두운 톤의 그레이 컬러로 제작되었습니다. 이미지가 반쯤 지워지는 경우가 많습니다. 가수는 얼굴이 일그러진 채 시청자에게 총을 겨누었습니다. 아마도 엘비스는 자신을 방어하고 싶어할까요?
"실시간" 인물 사진의 15개 프레임
작가가 세상에 대한 그러한 인식을 바탕으로 영화를 만들었다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그리고 이 영화도 세계를 놀라게 했습니다! 예를 들어, 사람들의 초상화. 앤디는 움직이지 않는 사람을 3분간 촬영한 뒤 초당 15프레임이 되도록 편집했다. 이미지가 느리게, 어쩐지 초현실적으로 나타났습니다. 이런 식으로 그 사람을 이해할 수 있는데, 이것은 "살아있는"초상화였습니다. 아니면 8시간 동안 단조로운 촬영을 하기도 합니다. 색상, 구름의 움직임, 공간, 심지어 날아다니는 비행기까지 모든 것이 여기에 있었습니다. 하지만 카메라는 움직이지 않았다. 우리는 단지 이곳에서 아침이 시작되고, 하루가 지나고, 황혼이 내리는 세상의 한 조각을 지켜보았습니다. 이것은 현실의 주문이었습니다. 모든 사람이 이 영화를 이해한 것은 아니지만, 이 영화는 진짜 예술의 집입니다. 하지만 이제 앤디는 인상주의 화가들과 비교됩니다. 모네가 루앙 대성당의 정면을 그릴 때도 “색채를 가지고 놀았”을 때. 그는 하루 중 다른 시간에 구조물을 그렸습니다. 그리고 매번 사진이 다르게 나왔죠.
앤디 워홀은 단순한 예술가가 아니라 그 자체가 예술이다. 그는 실험과 미친 아이디어를 두려워하지 않았으며 세상에 자신을 보여주는 것을 두려워하지 않았습니다. 예술가는 포스트모더니즘의 구현일 뿐만 아니라 이러한 방향의 발전을 위해 많은 노력을 기울였습니다. 그리고 어떤 사람이 그의 일이 비정상적이고, 부도덕하고, 흥미롭지 않다고 말하게 하십시오. 그러나 고정관념을 깨고 예술의 새로운 기반을 마련하는 것을 두려워하지 않는 사람들은 대개 세대의 기억 속에 남아 있습니다. 표준, 고정관념, 올바른 것은 예술이 아니라 사회주의 리얼리즘이 우리에게 부과한 대용물일 뿐입니다. 인간의 잠재력에는 한계가 없습니다. 왜냐하면 우리 모두는 실제로 연결되어 있는 광대한 공간에서 영감을 얻기 때문입니다. 우리 각자에게는 '집단 무의식'이 존재하지만 모든 사람이 이 목소리를 완전히 들을 수 있는 것은 아닙니다.
오늘은 미국의 유명한 예술가, 디자이너, 조각가, 프로듀서, 감독, 작가, 잡지 출판사, "동성애 유니버세일(homouniversale)" 이데올로기의 창시자이자 이미 개념의 동의어가 된 작품의 저자인 앤디 워홀(Andy Warhol)의 탄생 86주년이 되는 날입니다. 상업팝아트. 앤디 워홀(Andy Warhol)은 사람들이 일상의 아름다움을 보고 그것을 둘러싼 모든 것이 본질적으로 아름답다는 것을 이해하도록 대중이 예술에 접근할 수 있도록 만들었습니다. 천재 선동가의 생일을 맞아 우리는 그의 가장 유명한 작품 10편을 기억했습니다.
1. 마릴린 딥티크
마릴린 양면화, 1962
이 캔버스는 마릴린 먼로가 죽은 직후에 그려졌습니다. 앤디 워홀(Andy Warhol)은 두 개의 그림을 결합했습니다. 대략 50점의 대략적인 채색, 복제된 여배우의 초상화와 정확히 동일하지만 흑백입니다. 두 번째 캔버스에서는 대부분의 인물 사진이 잘 보이지 않거나 흐릿합니다. 따라서 작가는 마릴린을 괴롭히는 죽음의 이미지를 보여주고 그녀의 삶과의 대조를 강조했습니다. 이 그림은 현재 런던의 테이트 갤러리에 있습니다.
2. 캠벨 수프 캔
캠벨 수프 캔, 1962
작가에 따르면 이 그림은 그의 최고의 작품이었다. 모든 것이 하나의 사진으로 시작되어 전체 시리즈가 탄생했습니다. 이는 사물의 표면적인 본질을 드러내고 다리미나 진공청소기가 푸른 언덕이나 꽃이 핀 초원만큼 아름답다는 것을 모든 사람이 이해할 수 있도록 하려는 워홀의 열망을 표현합니다. 워홀은 일상을 그리는 것에 대한 자신의 열정을 매우 간단하게 설명했습니다. "나는 내가 좋아하는 것을 가지고 작업합니다." 그리고 그는 캠벨 수프를 정말 좋아해서 캔에서 꺼내 바로 먹었습니다. 이 그림은 워홀이 죽은 후 2,400만 달러에 팔렸습니다. 한때 저자 자신은 아무것도 의심하지 않고 비슷한 것을 100 달러에 팔았습니다.
3. 권총
권총, 1981-1982
1968년 6월 3일, 앤디 워홀은 목숨을 끊으려는 시도에서 살아남았습니다. 그는 배에 세 개의 총상을 입었습니다. 죽음과의 긴밀한 만남은 팝 아트 혁신가에게 영감을 주어 그가 거의 총에 맞을 뻔한 리볼버의 사본인 유명한 "권총"을 포함하여 여러 그림을 만들었습니다. 빨간색 배경에는 흑백 색상 구성의 리볼버 스텐실 이미지가 있습니다. 현재 이 작업의 가치는 600만~700만 달러로 추산됩니다.
4. 바나나
바나나, 1967
워홀은 Velvet Underground의 프로듀서였습니다. 그의 주요 공헌은 The Velvet Underground와 Nico의 데뷔 앨범 표지를 만드는 것이 었습니다. 유명한 밝은 노란색 바나나, 작가의 서명 및 "천천히 껍질을 벗기고 확인하세요"라는 문구가 처음으로 묘사되었습니다. 그리고 앨범의 첫 번째 버전에는 봉투에 노란색 바나나가 붙어 있었는데, 떼어내면 또 다른 과일이 드러났습니다. 이번에는 분홍색이고 껍질을 벗겼습니다.
5. 1달러 지폐 200장
1달러 지폐 200장, 1962년
워홀은 이렇게 말했습니다. “저는 몇몇 친구들에게 내 작품의 주제를 제안해 달라고 부탁했습니다. 마침내 한 친구가 올바른 질문을 했습니다. "들어보세요. 가장 좋아하는 것이 무엇인가요?" 그렇게 해서 돈을 벌기 시작했어요!” 대중적 성격을 지닌 모든 것의 발기인 인 Andy Warhol은 1 달러 지폐와 같이 미국인에게 친숙한 것을 무시할 수 없었습니다. 그가 정신적, 물질적 가치라는 주제를 최대한 드러낸 것은 바로 이 그림에서였다. 사진에는 돈 외에는 아무것도 없습니다. 하지만 이 작품은 가장 비싼 작품 중 하나로 4,380만 달러에 팔렸습니다. 따라서 워홀은 "예술은 잘 팔리면 이익이다"라는 자신의 주요 아이디어를 입증했습니다.
6. 여덟 명의 엘비스
여덟 엘비스, 1963
워홀의 가장 비싼 작품 중 손바닥은 캔버스 "Eight Elvises"에 속하며, 예술가는 때마침 사망한 로큰롤 왕에게서 영감을 받았습니다. 이 소수의 프레슬리의 가치는 1억 810만 달러입니다. 예술가는 엘비스를 기억할 뿐만 아니라 예술에서 자신이 가장 좋아하는 주제, 즉 명성의 취약성, 동일한 이미지의 단조로운 반복, 죽음에 대한 두려움을 반영하기를 원했습니다. 워홀은 자신이 가장 좋아하는 색인 은색으로 그림을 그렸습니다.
7. 녹색 코카콜라 병
녹색 코카콜라 병, 1962년
이보다 더 간단할 수 있는 것은 무엇입니까? 잘 알려진 병을 묘사하는 것뿐입니다. 그러나 이것은 Andy Warhol 예술의 전체 비밀이었습니다. 모든 사람이 이해할 수 있어야하며 대통령부터 일반 노동자까지 모두가 코카콜라를 마십니다. 예술가는 엘리트주의가 아닌 대중적 호소력에 내기를 걸었고 그의 말이 옳았습니다. “이 나라의 놀라운 점은 새로운 소비 전통이 생겨났다는 것입니다. 부자는 가난한 사람들과 똑같은 제품을 구입합니다. 대통령도 콜라를 마시고, 리즈 테일러도 콜라를 마시고, 당신도 콜라를 마신다고 생각해보세요.”라고 그는 말했습니다.
8. 레드 레닌
레드 레닌, 1987
앤디 워홀이 자주 그린 유명인사에서 정치인으로 옮겨간 거죠. 그의 후기 작품 중 하나는 최근까지 보리스 베레조프스키(Boris Berezovsky)의 소유였던 그림 "Red Lenin"이었습니다. 그가 죽기 전에도 과두주는 예술 작품을 팔았고 "Red Lenin"은 개인 수집가에게 거의 202,000 달러에 달하는 망치를 맞았습니다. 처음에는 워홀의 실크스크린 복제품 가격이 45~75,000달러로 추산되었습니다.
9. 엘리자베스 2세 여왕
1985년 엘리자베스 2세 여왕
엘리자베스 2세의 100 x 80cm 이미지는 사진작가 Peter Grujon이 1975년에 찍은 여왕 사진을 기반으로 했으며 워홀의 Reigning Queens 컬렉션에 포함되었습니다. 또한 네덜란드의 베아트릭스 여왕, 덴마크의 마르그레테 2세, 스와질란드의 은톰비 트왈라의 초상화도 포함되어 있습니다. 작가의 작품에는 영국 여왕이 한때 러시아 로마노프 왕가의 대표자들이 소유했던 블라디미르 티아라를 착용한 모습이 그려져 있습니다. 최근 엘리자베스 2세는 왕실 컬렉션을 위해 앤디 워홀이 그린 자신의 초상화 4점을 구입했습니다.
10. 체 게바라
체 게바라, 1968
체 게바라의 "영웅 게릴라" 포스터의 유명한 버전이 앤디 워홀의 것이 아니라는 사실을 아는 사람은 거의 없습니다. 사실 그의 동료 Gerard Malanga는 Warhol의 스타일로 이 작품을 창작했으며, 이 작품을 Warhol의 그림으로 전달하여 이익을 얻었습니다. 그러나 제라드의 사기가 드러났고 감옥이 그를 기다리고 있었다. 그런 다음 Warhol은 상황을 저장했습니다. 그는 판매로 인한 모든 수익금이 그에게 전달된다는 조건에 따라 가짜를 자신의 작업으로 인식하기로 동의했습니다.
