발레의 간략한 역사. 무용백과사전: 발레 그들이 발레를 추는 곳
어떤 방향으로든 춤을 추는 예술은 언제나 감동적인 아름다움을 선사합니다. 그 유래는 역사 깊은 곳에 있습니다. 모든 의식, 휴일, 전쟁의 작별 인사 고대 세계다양한 춤이 수반되었으며, 그 개별 요소는 여전히 한 방향 또는 다른 방향에서 발견됩니다. 발레는 예외가 아닐 뿐만 아니라 이 규칙을 가장 명확하게 확인하는 것이기도 합니다. 발레는 지구상의 모든 사람에게 알려져 있습니다. 어린이들조차도 무대 위로 솟아오르는 가장 가벼운 인물들의 비현실적인 가소성을 보는 것을 좋아합니다.
발레의 역사
기초적인 형태의 발레의 출현은 8~9세기로 거슬러 올라간다. 키예프 루스 Skomorokhi 댄서가 나타났습니다. 차이점은 그들은 이미 무용 훈련을 받은 전문가였다는 점이다. 모스크바가 Rus의 수도가 된 후 여성도 춤을 추었습니다. 가면을 쓴 뮤지컬 공연은 러시아를 찾는 모든 여행자의 상상력을 사로잡았습니다.
시간이 흐르면서 17세기에 가까워지면서 무용은 각 공연의 마지막 행위가 되었습니다. 첫 번째 단독 발레 공연은 '오르페우스'로 간주되며, 이 공연에서는 왕실 발레단의 첫 번째 극단을 구성한 특별히 선발된 청소년들이 모든 춤을 배웠습니다. 최초의 발레 극장은 첫 공연이 열렸던 크렘린 극장에 등장했습니다.
피터 1세의 노력 덕분에 무용은 러시아 엘리트들의 필수 과학이 되었고, 전문 무용가들은 존경받고 큰 인기를 얻었습니다. 모든 궁중들은 발레가 무엇인지 알아야 했고, 자존심이 강한 모든 지식인은 이 예술 형식의 모든 복잡함을 이해하는 것이 필요하다고 생각했습니다.
독특한 러시아 발레
러시아 발레가 세상에 등장하고 설립된 것은 엘리자베스 1세 황후 덕분입니다. 그녀의 노력으로 발레 예술 아카데미가 처음 문을 열었고, 1742년 그녀는 법령에 따라 러시아 최초의 전문 발레단을 설립했습니다. 이 극단의 스타는 폐하의 아카데미에서 훈련받은 최초의 전문 무용수인 바스카코바(Baskakova)와 토포코프(Toporkov)입니다.
그러나 시간이 지나면서 발레 학교 전체가 다소 단조로워졌습니다. 줄거리도 없고 흩어져 있는 춤도 인기를 잃기 시작했습니다. 그 결과 최초의 서사적 제작은 18세기 러시아에서 일어났고, 여기서 러시아 학파는 유럽 학파보다 거의 20년 앞서 있었습니다.
이 순간까지 모두가 발레가 무엇인지 이해했습니다. 아름다운 의상과 아름다운 음악에 맞춰 수행되는 필수 단계 세트를 구현합니다. 개혁 기간 동안 단일 음모의 단편 작품이 생겨 났고 나중에 러시아 발레 예술 극작이 나타났습니다. 창립자는 A. Sumarokov였으며 그의 대본을 기반으로 한 최초의 발레 공연은 "New Laurels"와 "Refuge of Virtue"였습니다. 18세기 말에는 거의 모든 귀족들이 자신들만의 발레단을 갖게 되었습니다. 공연은 공개되고 점점 인기를 얻고 있습니다.
이 순간부터 러시아 발레 학교의 장대한 행렬이 세계 곳곳에서 시작됩니다.
현대 러시아 발레
몇 세기 전에 역사를 시작한 러시아 발레 학교는 여전히 무용 분야의 발견과 노하우를 전 세계에 제공하고 있습니다. 발레가 무엇인지는 공연을 통해 가장 잘 알 수 있습니다.
그리고 러시아 발레의 전통이 마침내 러시아 이외의 세계 공동체의 마음 속에 자리 잡고 자리 잡았음에도 불구하고 1 위가 러시아 무용수들에게 속한다는 사실에 누구도 이의를 제기하지 않습니다. 그의 "Russian Seasons"는 러시아를이 받침대로 가져온 원동력이었습니다.
발레는 그 인기가 떨어지지 않을 뿐만 아니라 나날이 성장해 팬이 늘어나고 있을 정도로 신비로운 예술이다. 러시아 발레 스타의 이름은 미술 평론가뿐만 아니라 전 세계에 알려져 있습니다. 깊은 곳에서부터 모든 감정과 충동을 끌어올리는 재능을 지닌 댄서들입니다.
댄스가 뮤지컬 무대 공연으로 변하는 최고 수준의 안무 예술로 간주되는 것은 당연합니다. 이러한 유형의 예술은 무용보다 훨씬 늦은 15~16세기에 등장했습니다. 처음에는 궁중 귀족 예술이었습니다. 발레의 주요 표현수단은 무용이지만 극의 기초와 무대미술, 의상과 조명 디자이너의 작업도 적지 않게 중요하다.
클래식 발레는 무용수들이 항상 춤을 통해 이야기를 전달하는 내러티브 댄스입니다. 클래식 다막 발레는 전통적으로 신화, 동화, 역사적 주제를 다루고 있습니다. 장르 제작은 영웅적, 만화적, 민속적일 수 있습니다.
이름의 유래는 라틴 발로( "춤") 또는 동일한 의미를 갖는 프랑스 발레토입니다.
발레는 무용 공연과 가소성과 안무의 도움으로 표현적인 예술적 이미지가 만들어지는 일종의 연극 및 음악 예술을 의미합니다.
무용의 연극화는 15세기 이탈리아에서 무용 전문가들이 민속 무용을 바탕으로 궁중 무용과 볼룸 무용을 창작하기 시작하면서 시작되었습니다.
첫 번째 발레
춤, 음악, 무언극, 연설이 결합된 최초의 발레 작품은 16세기 말 프랑스의 카트린 드 메디치(Catherine de Medici) 궁정에서 상연되었습니다. 그것은 "키르케와 님프들"이라고 불렸으며, 그의 바이올리니스트 오케스트라와 함께 이탈리아에서 도착한 훌륭한 안무가이자 바이올리니스트인 발타자리니 디 벨조이오소(Baltazarini di Belgioioso)가 상연했습니다.
프랑스 궁정발레 발전의 시작을 알린 고대의 음모를 바탕으로 한 작품이었습니다. 막간, 목회, 가면무도회, 다양한 춤 등이 빠르게 궁중 축제의 하이라이트가 되었습니다.
피에르 보샹(Pierre Beauchamp)이 편집한 발레의 주요 표준
모든 춤에는 그 핵심에 특정한 규칙이 있으며, 안무가 피에르 보샹(Pierre Beauchamp)이 고귀한 춤 방식의 표준을 설명하면서 춤은 발레로 바뀌었습니다.
Beauchamp는 댄서의 동작을 점프, 스쿼트, 다양한 신체 위치 및 회전 등 그룹으로 나누었습니다. 이러한 유형의 무용 예술은 몸이 다른 방향으로 움직일 수 있는 다리의 외전 원리에 기반을 두고 있습니다. 위 동작은 팔자세 3자세, 다리자세 5자세를 기준으로 수행되었습니다.
발레의 발전
이 순간부터 발레의 발전이 시작되었고, 이는 18세기에 독립 예술이 되었습니다.
발레 학교의 발전은 유럽 전역에서 시작되어 러시아에 이르며, 1738년 상트페테르부르크에서 러시아 제국 발레단이 설립되었습니다.
초기 무용수들은 어려움을 겪었습니다. 그들은 매우 복잡한 의상을 입었고, 무거운 치마로 인해 움직임이 어려워졌습니다. 그러나 점차 의상이 바뀌 었습니다. 발레 슈즈의 발 뒤꿈치가 사라지고 발레리나의 옷이 가볍고 통풍이 잘되었습니다.
안무가들은 무용수들에게 몸짓과 표정으로 감정을 표현하도록 가르쳤고, 신화적인 이야기는 머나먼 땅에 대한 이야기로 대체되었습니다. 사랑 이야기그리고 동화. 이런 형태로 클래식 발레는 아름다운 무용예술 형태 중 하나로 오늘날까지 살아남아 있다.
발레란 무엇인가, 발레의 역사
“우리는 춤만 추는 것이 아니라 춤을 통해 말하고 싶습니다”
G.울라노바
놀랍고 아름답고 다각적인 발레의 세계는 누구도 무관심하게 만들지 않을 것입니다. 이 단어는 이탈리아에서 처음 들었고 장르 자체가 프랑스에서 생겨 났으며 발레는 러시아의 진정한 자부심이며 더욱이 19 세기에는 러시아 공연이 만들어졌습니다. P.I. 차이코프스키 , 진정한 예가되었습니다.
우리 페이지에서 개인의 문화적 풍요로움에 있어 이 장르의 역사와 중요성에 대해 읽어보세요.
발레란 무엇인가?
이것은 여러 유형의 예술이 밀접하게 얽혀있는 뮤지컬 및 연극 장르입니다. 따라서 음악, 춤, 그림, 연극, 미술서로 뭉쳐 극장 무대에서 대중 앞에 펼쳐지는 일관된 공연을 만들어낸다. 이탈리아어로 번역된 "발레"라는 단어는 "춤"을 의미합니다.
발레는 언제 시작됐나요?
발레에 대한 첫 번째 언급은 15세기로 거슬러 올라갑니다. 궁정 댄스 교사인 Domenico da Piacenza가 다음 무도회를 위해 여러 댄스를 결합하여 엄숙한 피날레를 작성하고 발레로 분류할 것을 제안했다는 정보가 있습니다.
그러나 장르 자체는 이탈리아에서 조금 나중에 나타났습니다. 출발점은 1581년으로 알려져 있는데, 발타자리니가 춤과 음악을 바탕으로 공연을 선보인 것은 바로 이때 파리였다.17세기에는 혼합 공연(오페라와 발레)이 인기를 끌었습니다. 동시에, 그러한 작품에서는 춤보다는 음악이 더 중요해집니다. 프랑스 안무가 장 조르주 노베라(Jean Georges Novera)의 개혁적인 작업 덕분에 이 장르는 고유한 "안무 언어"를 통해 고전적인 윤곽을 얻었습니다.
러시아 장르의 형성
"오르페우스와 에우리디케의 발레"의 첫 공연이 1673년 2월 차르 알렉세이 미하일로비치의 궁정에서 공연되었다는 정보가 있습니다. 가장 재능 있는 안무가 샤를 루이 디들로(Charles-Louis Didelo)는 이 장르의 형성에 큰 공헌을 했습니다. 그러나 그 유명한 작곡가는 진정한 개혁가로 여겨진다. P.I. 차이코프스키
. 그의 작품에서 로맨틱 발레가 형성됩니다. P.I. 차이코프스키는 음악에 특별한 관심을 기울여 그것을 반주 요소에서 다음 요소로 전환했습니다. 강력한 도구, 춤이 감정과 느낌을 미묘하게 포착하고 드러내도록 도와줍니다. 작곡가는 발레음악의 형식을 변형시켰고, 통일된 교향악적 전개도 구축했다.A. Glazunov의 작품도 발레 발전에 중요한 역할을 했습니다. 레이몬다
"), I. 스트라빈스키 (" 파이어버드
", "신성한 봄", " 파슬리
") 및 안무가의 작품 M. 페티파
, L. Ivanova, M. Fokina. 새로운 세기에는 창의성이 돋보입니다 S. 프로코피예프
, D. 쇼스타코비치, R. 글리에라
, A. Khachaturyan.
20세기에 작곡가들은 고정관념을 극복하고 규칙을 확립하기 위해 노력하기 시작했습니다.
발레리나는 누구입니까?
발레에서 춤을 추는 모든 사람이 이전에 발레리나라고 불렸던 것은 아닙니다. 이는 무용수들이 일정 수준의 예술적 공로를 달성했을 때와 극장에서 몇 년 동안 일한 후 받는 가장 높은 칭호입니다. 처음에는 연극 학교를 졸업한 모든 사람이 솔리스트로 드물게 예외를 제외하고 발레 무용단으로 승인되었습니다. 그들 중 일부는 2~3년 동안 일한 후에 발레리나라는 칭호를 얻었고, 일부는 은퇴하기 전에야 성공했습니다.
주요 구성품
발레의 주요 구성요소는 고전무용, 캐릭터댄스, 무언극이다.고전무용은 프랑스에서 유래됐다. 믿을 수 없을 만큼 유연하고 우아합니다. 솔로 댄스를 변주곡과 아다지오라고 합니다. 예를 들어, P. I. Tchaikovsky의 발레에서 잘 알려진 Adagio가 있습니다. 게다가 이 곡들은 앙상블 댄스에서도 연주될 수 있습니다.
솔리스트 외에도 발레단이 액션에 참여하여 군중 장면을 만듭니다.
종종 발레단의 춤이 특징적입니다. 예를 들어 <백조의 호수>의 <스페인 댄스>. 이 용어는 공연에 도입되는 민속무용을 가리킨다.
발레를 소재로 한 영화
발레는 영화에도 반영되는 매우 인기 있는 예술 형식입니다. 발레에 관한 아름다운 그림이 많이 있는데, 이는 크게 세 가지 범주로 나눌 수 있습니다.
- 다큐멘터리 영화는 발레 공연을 기록한 다큐멘터리로, 이를 통해 훌륭한 댄서들의 작품을 접할 수 있습니다.
- 영화 발레 - 이러한 영화는 공연 자체도 보여 주지만 더 이상 무대에서 액션이 발생하지 않습니다. 예를 들어, 유명한 R. Nureyev와 C. Fracci가 주연을 맡은 Paul Zinner가 감독 한 영화 "Romeo and Juliet"(1982); Maya Plisetskaya가 주연을 맡은 "작은 혹등 고래 말 이야기"(1961).
- 발레와 관련된 액션을 소재로 한 장편영화. 이러한 영화를 사용하면 이 예술의 세계에 몰입할 수 있으며 때로는 영화 속의 이벤트가 제작을 배경으로 펼쳐지거나 극장에서 일어나는 모든 일에 대해 이야기합니다. 그중에서도 2000년 대중에게 선보인 니콜라스 하이트너 감독의 미국영화 프로시니엄(Proscenium)이 특히 주목할 만하다.
- 전기 영화 "Margot Fonteyn"(2005), "Anna Pavlova"등을 특별히 언급해야합니다.
M. Powell과 E. Pressburger가 감독한 1948년 영화 "The Red Shoes"를 무시할 수 없습니다. 영화는 관객에게 공연을 소개한다. 유명한 동화안데르센은 관객을 발레의 세계로 몰입시킨다.
스티븐 달드리 감독은 2001년 영화 '빌리 엘리엇'을 대중에게 선보였습니다. 광산 가족 출신의 11세 소년이 댄서가 되기로 결심한 이야기입니다. 그는 절호의 기회를 얻어 왕립발레학교에 입학하게 된다.
Alexei Uchitel이 감독한 영화 "Giselle Mania"(1995)는 시청자들에게 Red Giselle이라는 별명을 붙인 전설적인 러시아 무용가 Olga Spesivtseva의 삶을 소개합니다.
2011년에는 대런 아로노프스키(Darren Aronofsky) 감독의 호평을 받은 영화 '블랙 스완(Black Swan)'이 TV에 개봉돼 발레극장의 삶을 내부에서 엿볼 수 있다.
현대발레와 그 미래
현대발레는 고전발레와는 달리 과감한 의상과 자유로운 안무 해석이 특징이다. 고전에는 곡예라고 불리는 것이 가장 적절한 현대와는 달리 매우 엄격한 동작이 포함되어 있습니다. 이 경우 많은 것은 선택한 주제와 공연 아이디어에 달려 있습니다. 이를 바탕으로 감독은 이미 일련의 안무 동작을 선택합니다. 현대 공연에서는 동작을 다음에서 빌릴 수 있습니다. 민족 무용, 조형 예술의 새로운 방향, 초현대적 댄스 동작. 해석은 또한 새로운 방식으로 수행됩니다. 예를 들어 Matthew Byrne의 호평을 받은 Swan Lake 제작에서 소녀가 남성으로 대체되었습니다. 안무가 B. Eifman의 작품은 그의 발레마다 다음과 같은 내용을 담고 있기 때문에 춤의 진정한 철학입니다. 깊은 의미. 현대 공연의 또 다른 추세는 장르 경계가 모호해지는 것이며, 이를 다중 장르라고 부르는 것이 더 정확할 것입니다. 고전에 비해 더 상징적이며 많은 인용문과 참고자료를 사용합니다. 일부 공연은 구성의 몽타주 원리를 사용하며, 제작은 서로 다른 조각(프레임)으로 구성되며 모두 함께 전체 텍스트를 구성합니다.
게다가 전반에 걸쳐 현대 문화다양한 리메이크에 대한 관심이 크며, 발레도 예외는 아니다. 따라서 많은 감독들은 관객이 고전 버전을 다른 관점에서 보도록 강요합니다. 새로운 독서를 환영하며, 독창적일수록 더 큰 성공을 거둘 수 있습니다.
무언극은 몸짓과 얼굴 표정을 사용하는 표현 게임입니다.
현대 작품에서는 안무가들이 기존의 틀과 경계를 확장하고, 고전적인 구성 요소 외에도 현대적인 요소와 체조 및 곡예 요소를 추가합니다. 댄스 (현대, 프리 댄스). 이러한 추세는 20세기에 나타났으며 관련성을 잃지 않았습니다.
발레– 여러 유형의 예술이 밀접하게 얽혀 있는 복잡하고 다면적인 장르입니다. 무용수들의 우아한 몸짓, 표현력이 풍부한 연주, 매혹적인 소리에 무관심할 수 있는 사람은 아무도 없습니다. 고전 음악. 발레가 어떻게 휴일을 장식할지 상상해 보세요. 모든 행사의 진정한 진주가 될 것입니다.
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현대 발레는 체조, 곡예, 무술 등의 요소뿐만 아니라 다른 댄스 기술(주로 현대 댄스와 재즈 댄스)을 널리 사용합니다.
발레의 역사
발레의 탄생
처음에는 하나의 동작이나 분위기로 결합된 댄스 장면, 음악 공연이나 오페라의 에피소드로 사용됩니다. 이탈리아에서 빌려온 이 발레는 프랑스에서 장엄한 의식의 광경, 즉 궁정 발레로 번창합니다. 프랑스와 전 세계 발레 시대의 시작은 1581년 10월 15일 프랑스 궁정에서 최초의 발레로 간주되는 공연인 "여왕의 코미디 발레"(또는 "Circe")가 열렸던 것으로 간주되어야 합니다. ), 이탈리아 바이올리니스트 "음악의 수석 의도자" Baltazarini de Belgioso가 무대에 올렸습니다. 최초의 발레의 음악적 기반은 고대 모음곡의 일부였던 궁중무용이었습니다. 17세기 후반에는 코미디발레, 오페라발레 등 새로운 연극장르가 등장하면서 발레음악에 중요한 위치를 부여하고 이를 극화하려는 시도가 이루어졌다. 그러나 발레는 프랑스 안무가 장 조르주 노베르(1727~1810)의 개혁에 힘입어 18세기 후반에야 비로소 무대예술의 독립된 형태가 되었다. 그는 프랑스 계몽주의 미학을 바탕으로 내용이 극적으로 표현되는 이미지로 드러나는 퍼포먼스를 창작했다.
발레의 발전
러시아 발레
러시아에서는 1673년 2월 8일 모스크바 근처 프레오브라젠스코예 마을에 있는 차르 알렉세이 미하일로비치 궁정에서 첫 발레 공연이 열렸습니다. 국가 정체성러시아 발레가 형태를 갖추기 시작했습니다. 초기 XIX프랑스 안무가 Charles-Louis Didelo의 작품 덕분입니다. 디들로는 무용과 무언극의 연결고리인 발레단의 역할을 강화하고 여성무용의 우선성을 주장한다. 발레 음악의 진정한 혁명은 지속적인 교향곡 발전, 깊은 비유적 내용, 극적인 표현력을 도입한 표트르 일리치 차이코프스키에 의해 이루어졌습니다. 그의 발레 "백조의 호수", "잠자는 숲속의 미녀", "호두까기 인형"의 음악은 교향곡과 함께 액션의 내부 흐름을 드러내고 상호 작용, 개발에서 캐릭터의 캐릭터를 구현하는 능력을 획득했습니다. , 그리고 투쟁. 20세기 초는 혁신적인 탐구, 19세기 학술 발레의 고정관념과 관습을 극복하려는 열망으로 특징지어졌습니다.
현대무용
술어
처음에는 발레 용어가 이탈리아에서 차용되었지만 이미 18세기에 이르러서야 발레 어휘와 춤 동작의 이름(다양한 우선권, 임시 직원, 시손네, 엔트레샤트등)은 프랑스어 문법을 기반으로 했습니다. 대부분의 용어는 동작(늘리기, 구부리기, 열기, 닫기, 슬라이드 등)을 수행할 때 수행되는 특정 동작을 직접적으로 나타내며, 일부는 수행되는 동작의 성격을 나타냅니다( 폰두- 녹는다, 석상- 투덜거림, 축제- 엄숙함), 기타 - 그들이 발생한 춤을 위해 (pas bourre, pas waltz, pas polka). 이름에 특정 시각적 이미지가 포함된 용어도 있습니다(예: 고양이 - 파스 드 채팅, 물고기 - 파드푸아송, 가위 - 파드시조). 서로 떨어져 있다는 것은 다음과 같은 용어입니다. 엔트레샤 로얄(전설에 따르면 이 점프의 저자는 루이 14세의 소유였으며 그의 이름을 따서 "royal"이라고 명명되었습니다) 시손네, 이 발명품은 17세기에 살았던 시송 백작 프랑수아 드 루아시(François de Roissy)의 작품입니다.
예술로서의 발레
발전 과정에서 발레는 스포츠에 점점 더 가까워지고 있으며, 그 과정에서 역할의 극적인 중요성을 잃어가고 있습니다. 때로는 기술 면에서는 앞서지만 내용 면에서는 뒤쳐져 있습니다.
러시아에서는 20세기까지 안무, 음악, 드라마 및 다양한 응용 연극 직업에 대한 교육이 Imperial Theatre School이라는 한 교육 기관에서 진행되었습니다. 아이들의 성공 여부에 따라 그들은 식별되거나 적절한 부서로 옮겨졌습니다. 1917년 혁명 이후 학교는 분열되었고 발레 교육은 자율적으로 존재하기 시작했다. 동시에 많은 극장에서는 혼합 레퍼토리를 유지했습니다. 극적인 공연과 오페레타 및 발레 다양화가 번갈아 가며 이루어졌습니다. 예를 들어 볼쇼이 공연 외에도 Kasyan Goleizovsky는 "Die Fledermaus"와 "Mamontovsky Theatre of Miniatures"에서 발레 공연을 선보였으며 그 중에는 "그림이 생생하게 살아난다"는 뜻의 "Les Tableaux vivants"도 있었습니다. , Goleizovsky는 주로 예술가 였기 때문입니다. 이러한 현상은 현대발레에서 '살아있는 그림', '살아있는 사진', '살아있는 조각'으로 발전하고 있다.
연극 예술
발레에 관한 문학
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발레를 특징짓는 발췌문
"나는 그들에게 군사 명령을 내릴 것입니다... 나는 그들과 싸울 것입니다." 니콜라이는 불합리한 동물의 분노와 이 분노를 발산해야 할 필요성에 질식하며 무의미하게 말했습니다. 자신이 무엇을 하려는지 깨닫지 못한 채 그는 무의식적으로 빠르고 단호한 발걸음으로 군중을 향해 나아갔습니다. 그리고 그가 그녀에게 더 가까이 다가갈수록 Alpatych는 그의 불합리한 행동이 결과를 낳을 수 있다고 더 많이 느꼈습니다. 좋은 결과. 그의 빠르고 확고한 걸음걸이와 결단력 있고 찡그린 얼굴을 보고 군중 속 남자들도 같은 느낌을 받았습니다.후사르가 마을에 들어가고 로스토프가 공주에게 간 후 군중 속에 혼란과 불화가 있었습니다. 일부 남자들은 이 새로 온 사람들이 러시아인이며 그들이 그 젊은 아가씨를 내보내지 않았다는 사실에 어떻게 기분이 상하지 않을 것이라고 말하기 시작했습니다. 드론도 같은 의견이었습니다. 그러나 그가 그것을 표현하자마자 Karp와 다른 사람들은 전직 교장을 공격했습니다.
– 몇 년 동안 세상을 먹어치우셨나요? -Karp가 그에게 소리 쳤습니다. - 너도 마찬가지야! 당신은 작은 항아리를 파서 가져가세요. 우리 집을 파괴하고 싶나요, 말까요?
- 질서가 있어야 하고, 푸른 화약을 꺼내지 않도록 아무도 집을 떠나서는 안 된다고 합니다. 그게 전부입니다! -다른 사람을 외쳤다.
"당신 아들을 위한 줄이 있었는데 당신은 아마도 배고픔을 후회했을 것입니다. "라고 작은 노인이 갑자기 Dron을 공격하면서 빠르게 말했습니다. "그리고 당신은 내 Vanka를 면도했습니다." 어, 우리는 죽을거야!
- 그럼 우리는 죽을 거예요!
드론은 “나는 세상을 거부하는 사람이 아니다”라고 말했다.
- 그는 거부자가 아닙니다. 배가 자랐습니다!..
두 명의 긴 남자가 말을 했습니다. Ilyin, Lavrushka 및 Alpatych와 함께 Rostov가 군중에게 접근하자마자 Karp는 허리띠 뒤에 손가락을 대고 약간 미소를 지으며 앞으로 나왔습니다. 반대로 드론은 뒷줄로 진입했고 군중은 서로 더 가까워졌습니다.
- 여기요! 여기서 당신의 팀장은 누구입니까? -로스토프는 군중에게 빠르게 다가가며 소리쳤습니다.
- 그럼 교장? 무엇이 필요합니까?.. – Karp에게 물었습니다. 그러나 그가 말을 마치기도 전에 모자가 날아가고 강한 타격으로 머리가 옆으로 튕겨 나갔습니다.
- 모자를 벗으세요, 반역자들이여! - 로스토프의 온혈한 목소리가 외쳤다. - 교장은 어디에 있나요? – 그는 미친 목소리로 소리쳤다.
“교장님, 교장이 부르십니다... 드론 자카리치, 당신.” 여기저기서 복종하는 목소리가 들리고 그들의 머리에서 모자가 벗겨지기 시작했습니다.
"우리는 반항할 수 없습니다. 질서를 유지합니다." Karp가 말하자 동시에 뒤에서 여러 목소리가 갑자기 들렸습니다.
- 어르신들이 얼마나 투덜대셨는지, 상사분들이 많으시네요...
- 얘기?.. 폭동!.. 강도! 배신자! - 로스토프는 자신의 목소리가 아닌 목소리로 무의미하게 비명을 지르며 카르프의 유로트를 잡았습니다. - 뜨다, 뜨다! - Lavrushka와 Alpatych 외에는 그를 뜨개질 할 사람이 없었지만 그는 소리 쳤습니다.
그러나 Lavrushka는 Karp에게 달려가 뒤에서 손을 잡았습니다.
– 우리 백성들에게 산 아래에서 부르라고 명령하시겠습니까? -그는 소리 쳤다.
Alpatych는 남자들에게 몸을 돌려 Karp와 짝짓기 위해 그들 중 두 명을 이름으로 불렀습니다. 남자들은 순종적으로 군중 속에서 나와 허리띠를 풀기 시작했다.
- 교장은 어디에 있나요? -로스토프가 소리 쳤다.
찡그린 얼굴과 창백한 얼굴을 한 드론이 군중 속에서 모습을 드러냈습니다.
-당신이 교장입니까? 니트, Lavrushka! - 로스토프는 이 명령이 장애물을 만날 수 없는 것처럼 소리쳤습니다. 그리고 실제로 두 명의 남자가 Dron을 묶기 시작했고 Dron은 그들을 돕는 것처럼 쿠샨을 떼어 그들에게주었습니다.
"그리고 여러분은 모두 내 말을 듣습니다. "로스토프는 남자들에게 이렇게 말했습니다. "이제 집으로 행진하여 여러분의 목소리가 들리지 않도록하십시오."
“글쎄요, 우리는 아무런 해를 끼치지 않았습니다.” 그것은 우리가 단지 바보가 되고 있다는 것을 의미합니다. 말도 안 되는 소리만 하고.. 엉망이라고 했잖아.” 서로를 비난하는 목소리가 들렸다.
"내가 그렇게 말했잖아요." Alpatych가 자기 생각대로 말했다. - 이건 좋지 않아요, 여러분!
"우리의 어리 석음, Yakov Alpatych"라는 목소리가 대답했고 군중은 즉시 마을 전체로 흩어지고 흩어지기 시작했습니다.
묶인 두 남자는 저택 안뜰로 끌려갔습니다. 술에 취한 두 남자가 그들을 따라갔다.
- 아, 좀 볼게요! - 그들 중 한 명이 Karp에게 말했습니다.
“신사님과 그런 대화를 나눌 수 있습니까?” 당신은 어떻게 생각했나요?
"바보야," 다른 사람이 확인했다. "정말, 바보야!"
두 시간 후 수레는 보구차로프의 집 안뜰에 섰습니다. 남자들은 주인의 물건을 수레에 활발히 실어 옮기고 있었고, 드론은 마리야 공주의 요청에 따라 자신이 갇혀 있던 사물함에서 풀려나 안뜰에 서서 남자들에게 명령을 내렸습니다.
"그 사람을 그렇게 심하게 실망시키지 마세요." 한 남자가 말했습니다. 키가 큰 남자동그랗게 웃는 얼굴로 하녀의 손에서 상자를 빼앗는다. - 돈도 든다. 왜 그렇게 던지거나 밧줄 반을 던지면 문지르게 될까요? 나는 그런 식으로 좋아하지 않는다. 그리고 법에 따라 모든 것이 공정합니다. 마찬가지로 돗자리 아래에 건초를 덮는 것이 중요하다. 사랑!
"책을 찾아보세요. 책을 찾아보세요." 안드레이 왕자의 도서관 캐비닛을 꺼내던 또 다른 남자가 말했습니다. - 매달리지 마세요! 무거워요 여러분, 책은 정말 좋아요!
-네, 썼어요, 걷지 않았어요! - 키가 크고 둥근 얼굴의 남자가 의미심장한 윙크를 하며 위에 놓인 두꺼운 사전을 가리키며 말했다.
공주에게 자신의 지인을 강요하고 싶지 않은 로스토프는 그녀에게 가지 않고 마을에 남아 그녀가 떠날 때까지 기다렸습니다. Marya 공주의 마차가 집을 떠날 때까지 기다린 Rostov는 말을 타고 그녀와 함께 Bogucharov에서 12 마일 떨어진 우리 군대가 점령 한 길까지 동행했습니다. 여관의 Yankov에서 그는 정중하게 그녀에게 작별 인사를하고 처음으로 그녀의 손에 키스를 허용했습니다.
"부끄럽지 않습니까?" 그는 Marya 공주에게 그녀의 구원에 대한 감사의 표현에 얼굴이 붉어지며 대답했습니다. (그녀가 그의 행동이라고 불렀음) "모든 경찰관이 똑같이했을 것입니다." 농민들과 싸워야 한다면 적들이 이렇게 멀리까지 가도록 허용하지 않았을 것”이라며 뭔가 부끄러워하며 대화의 전환을 시도했다. “당신을 만날 기회가 있어서 정말 기뻐요.” 공주님, 안녕히 계세요. 행복과 위로를 기원하며 더 행복한 조건에서 만나길 바랍니다. 나를 부끄럽게 만들고 싶지 않다면 나에게 감사하지 마세요.
그러나 공주는 더 이상 그에게 감사하지 않더라도 감사와 부드러움으로 빛나는 얼굴 표정 전체로 그에게 감사했습니다. 그녀는 그에게 감사할 것이 하나도 없다는 사실을 믿을 수 없었다. 반대로, 그녀에게 확실한 것은 만약 그가 존재하지 않았다면 그녀는 아마도 반군과 프랑스군 모두에게 죽었을 것입니다. 그녀를 구하기 위해 그는 가장 명백하고 끔찍한 위험에 자신을 노출시켰습니다. 그리고 더욱 확실한 것은 그가 그녀의 상황과 슬픔을 이해할 줄 아는 고귀하고 고상한 영혼을 가진 사람이었다는 것입니다. 그의 친절하고 정직한 눈에는 눈물이 나고, 그녀 자신은 울면서 그에게 자신의 상실에 대해 이야기하면서 상상을 떠나지 않았습니다.
그녀가 그에게 작별 인사를 하고 혼자 남겨졌을 때, Marya 공주는 갑자기 그녀의 눈에 눈물이 고이는 것을 느꼈고, 여기에서 처음은 아니지만 그녀는 이상한 질문을 받았습니다: 그녀는 그를 사랑합니까?
모스크바로 가는 길에 공주의 상황이 좋지 않았음에도 불구하고 그녀와 함께 마차를 타고 있던 두냐샤는 마차 창밖으로 몸을 기울인 공주가 즐겁고 슬프게 웃고 있는 것을 여러 번 알아차렸습니다. 무엇.
“그럼 내가 그를 사랑한다면 어떨까요? - Marya 공주를 생각했습니다.
그녀는 아마도 자신을 결코 사랑하지 않을 남자를 처음으로 사랑했다는 사실을 스스로 인정하게 된 것이 부끄러웠지만, 이 사실을 아무도 모를 것이고 자신이 계속 남아 있어도 그것은 자신의 잘못이 아닐 것이라는 생각으로 자신을 위로했습니다. 처음이자 마지막으로 사랑했던 사람을 평생 동안 아무도 없이.
때때로 그녀는 그의 견해, 참여, 말을 기억했고 행복이 불가능하지 않은 것처럼 보였습니다. 그리고 두냐샤는 자신이 미소를 지으며 마차 창밖을 내다보고 있다는 것을 알아차렸습니다.
“그리고 그는 바로 그 순간 Bogucharovo에 와야했습니다! - Marya 공주를 생각했습니다. "그리고 그의 여동생은 안드레이 왕자를 거절했어야 했어요!" “이 모든 것에서 Marya 공주는 섭리의 뜻을 보았습니다.
Marya 공주가 로스토프에 남긴 인상은 매우 즐거웠습니다. 그가 그녀에 대해 기억했을 때 그는 기분이 좋아졌고 Bogucharovo에서의 그의 모험에 대해 알게 된 그의 동지들이 건초를 사러 러시아에서 가장 부유 한 신부 중 한 명을 데려 왔다고 농담했을 때 Rostov는 화를 냈습니다. 그는 자신에게 유쾌하고 엄청난 재산을 가진 온유 한 Marya 공주와 결혼하겠다는 생각이 그의 의지에 반하여 한 번 이상 그의 머릿속에 떠올랐기 때문에 화가났습니다. 개인적으로 Nikolai는 Marya 공주보다 더 나은 아내를 바랄 수 없었습니다. 그녀와 결혼하면 백작 부인, 그의 어머니가 행복해지고 아버지의 일이 개선 될 것입니다. 그리고 심지어 - 니콜라이는 그것을 느꼈습니다 - 마리아 공주를 행복하게 만들었을 것입니다. 그런데 소냐? 그리고 이 말은? 이것이 Rostov가 Bolkonskaya 공주에 대해 농담을했을 때 화를 낸 이유입니다.
군대를 지휘 한 Kutuzov는 안드레이 왕자를 기억하고 그에게 주요 아파트로 오라는 명령을 보냈습니다.
Andrei 왕자는 Kutuzov가 군대에 대한 첫 번째 검토를 한 바로 그날과 바로 그 시간에 Tsarevo Zaimishche에 도착했습니다. 안드레이 왕자는 총사령관의 마차가 서 있던 사제 집 마을에 멈춰 문 벤치에 앉아 이제 모두가 쿠투 조프라고 부르는 고요한 전하를 기다리고있었습니다. 마을 밖의 들판에서는 연대 음악 소리나 포효 소리가 들렸다. 엄청난 양새 총사령관에게 “만세!”를 외치는 목소리. 안드레이 왕자로부터 10걸음 떨어진 문 앞에는 왕자의 부재와 아름다운 날씨를 이용하여 전령과 집사라는 두 명의 질서 있는 병사가 서 있었습니다. 거무스름하고 콧수염과 구레나룻이 자란 작은 후사르 중령이 문으로 올라와 안드레이 왕자를 바라보며 물었습니다. 고요한 전하가 여기 서 계시고 곧 거기에 오실까요?
안드레이 왕자는 자신이 전하의 본부에 속하지 않았으며 방문객이기도 하다고 말했습니다. 후사르 중령은 똑똑한 병사에게 돌아섰고, 총사령관의 병사는 총사령관의 병사들이 장교들에게 말할 때처럼 특별한 경멸을 가지고 그에게 말했습니다.
- 뭐요, 영주님? 지금이어야 합니다. 당신은?
후사르 중령은 질서정연한 어조로 콧수염에 웃으며 말에서 내려 메신저에게 건네주고 볼콘스키에게 다가가 살짝 절을 했습니다. Bolkonsky는 벤치에 옆으로 서있었습니다. 후사르 중령이 그 옆에 앉았다.
-사령관님도 기다리시나요? -후사르 중령이 말했습니다. "Govog"yat, 모든 사람이 접근할 수 있습니다. 그렇지 않으면 소시지 제조업체에 문제가 발생합니다. Yeg "molov"가 독일인에게 정착한 것은 최근이 아닙니다. 이제 러시아어로 말하는 것이 가능할 수도 있습니다. 그렇지 않으면 그들이 무엇을하고 있었는지 누가 알겠습니까? 모두가 후퇴했고 모두가 후퇴했습니다. 하이킹을 하셨나요? - 그는 물었다.
안드레이 왕자는 이렇게 대답했습니다. “수련회에 참가했을 뿐만 아니라 이번 수련회에서 재산과 재산은 물론이고 소중한 모든 것을 잃게 되어 기뻤습니다.” 집... 슬픔에 잠긴 아버지. 저는 스몰렌스크 출신입니다.
- 응?.. 볼콘스키 왕자님이신가요? 만나서 반가워요. Vaska로 더 잘 알려진 Denisov 중령”이라고 Denisov는 Andrei 왕자의 손을 흔들고 특히 친절한 관심으로 Bolkonsky의 얼굴을 들여다 보며 말했습니다. “예, 들었습니다.”그는 동정심으로 말했습니다. 그리고 짧은 침묵 후에, 계속 : – 그건 스키타이 전쟁입니다. 다 좋은데 자기 편을 드는 사람들에게는 그렇지 않습니다. 그리고 당신은 Andgey Bolkonsky 왕자입니까? - 그는 고개를 저었습니다. “정말 지옥입니다, 왕자님, 당신을 만나다니 정말 지옥이에요.” 그는 손을 흔들며 슬픈 미소를 지으며 다시 덧붙였습니다.
발레 (라틴어 ballo - I dance)는 무대 예술의 일종으로 그 내용은 춤과 음악적 이미지로 드러납니다. 음악, 안무, 회화, 공연예술이 조화롭게 결합되어 있습니다. 발레의 주요 표현수단은 무용과 무언극이다. 태생 다양한 방식무대무용(클래식, 특징, 그로테스크)은 민속무용에 속한다. 안무공연은 드라마와 마찬가지로 비극, 코미디, 멜로드라마로 구분할 수 있다. 다막일 수도 있고 단막일 수도 있고, 플롯이 있을 수도 있고, 플롯이 없을 수도 있으며, 안무 미니어처일 수도 있고 콘서트 구성일 수도 있습니다.
16세기 유럽에 등장한 이후. 발레는 연극 예술의 뛰어난 인물들의 관심을 끊임없이 끌었습니다. 따라서 17세기 프랑스 코미디언. J. B. Moliere는 그의 연극에 발레 장면을 도입하여 코미디 발레라고 불렀습니다.
Molière의 코미디 발레와 J.B. Lully의 오페라 발레의 춤은 Pierre Beauchamp (1636 - ca. 1719)가 안무했습니다. 1661년 그는 파리 왕립무용학원의 학장을 맡았다. Beauchamp는 5가지 기본직책을 확립했습니다. 고전 무용(초기 다리 위치) 고전 무용 기술의 기반이 됩니다.
초기 발레 공연에는 성악 공연, 문학 가사와 함께 춤과 마임이 포함되었습니다.
18세기에 독립된 예술 형태로서 발레의 확립은 많은 안무가와 공연가들의 활동에 의해 촉진되었습니다. 다양한 나라. 프랑스 발레리나 마리 살루(1707-1756)는 무용수의 무겁고 부피가 큰 옷을 움직임을 제한하지 않는 가벼운 드레스로 대체했습니다. 그녀와 동시대인 영국 무용가이자 안무가인 존 위버(1673-1760)는 처음으로 줄거리 기반 발레를 공연하기 시작했고 노래와 낭송을 포기했습니다. 오스트리아 안무가 프란츠 힐퍼딩(1710-1768)은 그의 작품에 민속 생활에 대한 신뢰할 수 있는 그림을 소개했습니다. 문자, 발레를 통해 자신의 경험과 행동의 의미를 솔직하게 드러냅니다. 프랑스 무용수인 Louis Dupre(1697-1774)와 Marie Camargo(1710-1770)는 춤 기술을 향상시켰습니다. Marie Camargo는 스커트를 줄이고 굽을 없앰으로써 더욱 자유로운 움직임을 구현했습니다.
프랑스 안무가 장 조르주 노베르(1727~1810)는 발레 발전에 큰 공헌을 했다. 그의 발레 "프시케와 큐피드", "헤라클레스의 죽음", "메데아와 제이슨", "타우리스의 이피게네이아" 등에서 그는 혁신적인 감독으로 활동했습니다. 그는 드라마틱한 전개 논리로 차별화된 퍼포먼스를 만들어냈다. 그의 작품의 기본은 표현력이 풍부한 무언극이었습니다. 그는 음악이 “각 댄서의 동작과 연주를 설정하고 미리 결정하는 일종의 프로그램을 나타내야 한다”고 믿으며 음악을 매우 중요하게 여겼습니다. 노버는 감정의 자연스러움과 발레 속 인물의 진실성을 옹호하고, 배우들의 얼굴을 가리던 전통적인 가면을 버렸습니다. 그는 계몽주의 철학자들의 미학에 기초하여 "춤과 발레에 관한 편지"(1759)라는 책에서 감독으로서의 혁신적인 경험을 이론적으로 입증했습니다.
Nover의 학생과 추종자들은 현재 인기 있는 발레 "Vain Precaution"의 저자인 Jean Dauberval(1742-1806); 오랫동안 러시아에서 활동하며 러시아 발레를 유럽 최초의 발레로 승격시키는 데 기여한 샤를 루이 디델로(1767-1837).
19세기에 발레 극장은 경험하고 영감을 얻었습니다 창의적인 업, 그리고 멸종의 드라마. 1832 년 이탈리아 안무가 Filippo Taglioni (1777-1871)는 안무 예술에서 낭만주의 시대의 시작을 알린 발레 La Sylphide (J. Schneizhoffer의 음악)를 상연했습니다. 낭만적 인 공연의 줄거리는 아름다움과 높은 영적 가치에 대한 영원한 열망으로 사람이 어떻게 주변 현실과 갈등을 겪게되는지에 대해 이야기합니다. 환상의 세계꿈, 꿈은 이상을 찾고 행복을 찾을 수 있습니다. 낭만주의 예술의 서정적 방향을 발전시킨 Taglioni는 발레의 극적인 구조에 캐릭터의 광범위한 댄스 대화를 삽입하여 그들의 감정과 관계가 드러났습니다. 그의 공연에서 발레단은 솔로 파트를 발전시키고 보완했습니다. 주인공, 그의 딸 마리아 탈리오니(1804-1884)가 연기했습니다. 이 재능 있는 발레리나의 영감받은 예술은 발레 역사에 길이 남았습니다. 그녀는 발레 예술의 표현력을 높이는 포인트 슈즈 (손가락 끝) 춤을 처음으로 소개했습니다.
프랑스 안무가 Jules Joseph Perrault (1810-1892)의 작품은 발레 낭만주의의 또 다른 방향, 즉 드라마틱함을 의인화했습니다. 그의 영웅들은 사랑, 자유, 행복에 대한 권리를 지키기 위해 열심히 싸웠습니다. 페로는 대개 유명한 이야기를 바탕으로 공연을 펼쳤습니다. 문학 작품- V. 휴고, G. 하이네, J. W. 괴테. 그는 무언극 에피소드를 댄스와 유기적으로 연결시켜 세심하게 개발했으며 군중 장면을 생동감 있고 감동적으로 만들기 위해 노력했습니다. Perrault의 발레 "Giselle"(A. Adam의 음악, 안무가 Jean Coralli(1779-1854)과 함께 공연) 및 "Esmeralda"(C. Pugni의 음악)는 여전히 많은 발레단의 레퍼토리를 장식하고 있습니다. Giselle의 첫 공연자는 다음과 같습니다. 카를로타 그리시(1819~1899).
뛰어난 오스트리아 발레리나 파니 엘슬러(1810-1884)의 예술은 로맨틱 발레와 관련이 있습니다.
로맨틱 발레 발전에서 중요한 역할은 덴마크 안무가 August Bournonville(1805-1879)의 작품이 맡았는데, 그는 코펜하겐 왕립발레단과 함께 50회 이상의 공연을 펼쳤습니다.
으로 시작하는 19일 중반 V. 위기 현상은 서유럽 발레 예술에서 발견됩니다. 부르주아지는 서유럽 국가의 사회 정치적 삶의 영역에 진입하고 있습니다. 그녀의 취향은 예술에서 결정적이다. 그리고 내용이 깊은 로맨틱 발레는 거만하고 무의미한 구경거리로 대체되고 있습니다. 발레단은 해체되고 장기간의 쇠퇴가 이어집니다. 발레 예술의 부흥은 Anna Pavlova, Mikhail Fokin, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Serge Lifar 등 러시아 예술가들의 서유럽 공연과 관련이 있습니다. 러시아 시즌(Russian Seasons)이라고 불린 이 공연은 큰 성공을 거두었으며 1907년부터 연극인 S. P. 디아길레프(S. P. Diaghilev)에 의해 조직되었습니다. 디아길레프의 러시아 발레단은 전통적인 형태의 고전 무용을 업데이트한 새로운 발레단을 탄생시켰습니다.
20세기에는 발레는 전 세계 여러 나라에서 성공적으로 발전하고 있습니다. 서양의 뛰어난 발레 마스터로는 Ninette de Valois, Frederick Ashton, Margot Fonteyn(영국), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux(프랑스), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey(미국) 등이 있습니다. 다른 사람.
사회주의 국가는 발레 발전에 기여합니다(사회주의 영연방 국가 극장 참조). 그리하여 1948년 쿠바에서 창단된 재능있는 무용가이자 안무가인 알리시아 알론소의 발레단 예술은 1959년 쿠바국립발레단이라는 이름을 얻게 되었다.
러시아에서는 발레 예술의 발전이 나름대로 진행되었습니다. 러시아 최초의 안무가는 Ivan Ivanovich Valberkh(Lesogorov)(1766-1819)였으며 그의 작품은 문학적 주제와 사건을 모두 다루었습니다. 현대 생활, 특히 애국 전쟁 1812 Walberg 덕분에 러시아 무대에서 사람들의 삶을 묘사하는 다양 화라는 독특한 유형의 국가 공연이 확립되었습니다.
러시아 발레의 발전은 Charles Louis Didelot의 작업으로 촉진되었습니다. 그의 학생 중에는 A. S. Pushkin과 A. S. Griboyedov가 부른 안무가 Adam Glushkovsky(1793-1870), 발레리나 Avdotya Istomina(1799-1848), Ekaterina Teleshova(1807-1857)가 있습니다. 디델로트는 폭정을 비난하고 높은 도덕적 자질을 드러낸 공연으로 러시아 발레단의 레퍼토리를 풍성하게 했습니다. 보통 사람들. 그는 푸쉬킨 발레의 토대를 마련하고 연극을 상연했습니다. 코카서스의 포로, 또는 신부의 그림자"(푸쉬킨의 시를 바탕으로 함).
러시아 낭만주의 발레의 저명한 대표자는 발레리나 Ekaterina Sankovskaya (1816-1878)였으며 그의 예술은 V. G. Belinsky와 A. I. Herzen에 의해 높이 평가되었습니다.
러시아 발레 극장은 서양 발레의 발견과 무대 작품을 창의적으로 재작업했습니다. 국가 전통. 따라서 러시아 무대에서 지젤의 감상적인 이야기는 악과 어둠, 죽음을 정복하는 고상하고 이타적인 감정에 대한 시로 변했습니다. 그리고 이것은 러시아 극장에서 Giselle 역할을 맡은 첫 번째 연기자 Elena Andreyanova (1819-1857)의 상당한 장점이었습니다.
1847년 러시아로 건너온 마리우스 프티파는 상트페테르부르크 무대에서 60편이 넘는 발레를 공연했다. 그의 발레 L. Minkus "Don Quixote", P. I. Tchaikovsky "Sleeping Beauty" 및 "Swan Lake"(L. I. Ivanov와 함께 공연), A. K. Glazunov "Raymonda" 등의 작품에서 발레의 독특한 스타일이 가장 완벽하게 드러났습니다. 발레 공연 내용을 완벽한 학문적 형태로 구현하는 것이 특징인 러시아 고전 무용 학교. Petipa의 공연에서 공연한 재능 있는 러시아 무용수들 - Elena Andreyanova, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Nikolai 및 Sergei Legaty, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Mikhail Fokin...
상트페테르부르크 마린스키 극장(현재는 S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌그라드 오페라 및 발레 극장)의 M. Petipa와 동시에 훌륭한 안무가 Lev Ivanovich Ivanov(1834-1901)가 발레 제작에 참여했습니다. 그의 작품 중에는 A. P. Borodin의 오페라 "Igor 왕자", P. I. Tchaikovsky의 발레 "The Nutcracker"및 "Swan Lake"(M.I. Petipa와 함께)의 Polovtsian 춤이 있으며, 각각은 음악 극작 안무에 대한 깊은 이해를 증언합니다. 퍼포먼스의 내용을 완벽한 조형적 이미지로 표현하고자 하는 그의 열망을 담은 작품이다.
19세기 말 - 지금은 A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev와 같은 다른 작곡가들이 지원하고 이후에 개발한 P. I. Tchaikovsky의 혁신적인 발레 음악 개혁의 시대입니다. 차이코프스키는 발레 공연이 음악 극법의 법칙에 따라 구성되어야 하고, 인간 영혼의 가장 복잡한 감정과 경험을 표현해야 하며, 감정의 숭고함과 시를 확인해야 한다고 믿었습니다.
20세기 초, 서구 발레단이 위기의 시기를 겪고 있던 반면, 러시아에서는 발레 예술이 창의적 고조를 경험하고 있었습니다. 마린스키 극장과 볼쇼이 극장의 발레단은 상트페테르부르크와 모스크바에서 성공적으로 활동하고 있습니다. 마린스키 극장의 상트페테르부르크에서 무용가이자 안무가인 미하일 미하일로비치 포킨(1880-1942)은 단막 발레 장르에 대해 두 가지 방향으로 창의적인 탐색을 수행합니다. 그는 교향곡을 기반으로 한 발레 무대의 원리를 개발합니다. Chopiniana”를 F. Chopin의 음악에 맞춰) 동시에 사건에 대한 신뢰할 수 있는 해석, 인물의 감정과 성격 묘사, 그들의 관계(“이집트인”)를 갖춘 소위 플롯 발레 연극과 같은 형식을 개발합니다. A. S. Arensky의 Nights”, I. F. Stravinsky의 “Petrushka” 등). 모스크바의 볼쇼이 극장에서 Alexander Alekseevich Gorsky (1871-1924)가 그의 작품을 상연했습니다. 이것은 모스크바가 형성되는시기였습니다. 예술극장, K. S. Stanislavsky와 Vl. I. Nemirovich-Danchenko. 연극 예술 분야의 혁신가를 찾는 것은 젊은 Gorsky를 사로잡고 사로잡았습니다. 그리고 민쿠스의 <돈키호테>, 아렌드의 <살람보> 등을 공연하면서 뛰어난 연극 거장의 원칙을 발레 무대에 구현하고자 했다. Gorsky의 작품은 역사적 정확성, 극적인 전개의 정확성, 신중하게 개발된 캐릭터 특성으로 구별되었습니다.
Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky와 같은 훌륭한 예술가들은 Fokine의 발레 공연과 Gorsky의 작품인 Ekaterina Geltser, Mikhail Mordkin, Vasily Tikhomirov 등에서 공연했습니다.
10월 사회주의 대혁명 이후 소련 예술, 즉 다국적 발레 극장에 밝고 독창적인 현상이 나타났습니다. 러시아 고전무용파를 기반으로 발전했다. 모스크바와 레닌그라드 출신의 재능 있는 거장들의 도움으로 러시아 발레 학교의 업적을 이해하고 레퍼토리를 숙달했으며 이를 바탕으로 극장의 원래 건물을 건설한 국가 안무 장면의 인물을 창의적으로 사용했습니다. 국가적 특성그리고 예술 전통. 20대부터요. 전문 안무단이 소련 전역에 형성되고 있습니다. 국립발레단은 러시아 발레 경험을 비롯해 서로의 창작 경험을 상호 풍요롭게 했다. K. F. Dankevich, A. M. Balanchivadze, K. A. Karaev, A. P. Skulte, S. A. Balasanyan, F. Z. Yarullin 및 기타 국가 작곡가의 발레가 널리 인기를 얻었습니다.
소련 발레 발전에 기여한 소련의 뛰어난 안무가 중에는 표도르 바실리예비치 로푸호프(1886-1973)와 카시안 야로슬라비치 골레이조프스키(1892-1970)가 있다.
소련 발레 예술은 깊이와 모호함으로 구별됩니다. 주제별 콘텐츠공연. 러시아 무용 예술의 전통을 발전시키고 풍요롭게 하는 소련의 거장들은 주로 고전 무용과 무용 예술 창작에 주력하고 있습니다. 현대 문학- 로페 데 베가, 셰익스피어, 발자크, 푸쉬킨, 레르몬토프, 고골, 도스토예프스키, 레오 톨스토이, 체호프, 쿠프린, 그린, 불가코프, 아이트마토프... 대규모 이념적, 철학적, 도덕적 문제, 배달됨 최고의 작품세계 문학, 소련 발레의 인물들은 그들의 예술 수단을 통해 무대에서 실현하려고 노력합니다. 예를 들어 발레 "Bakhchisarai Fountain"의 작곡가 B.V. Asafiev와 안무가 R.V. Zakharov는 다음과 같이 강조했습니다. 주요 아이디어 V. G. 벨린스키(V. G. Belinsky)가 한때 공식화한 푸쉬킨의 동명 시: 높은 사랑의 감정을 통한 야생 영혼의 "재탄생". Rostislav Vladimirovich Zakharov (1907-1984)는 무용 예술을 발레 무대에서 푸쉬킨의 작업에 내재된 깊은 생각과 감정을 표현하는 수단으로 만들기 시작했습니다.
사람의 내면 생활을 보여주는 데 대한 큰 관심은 소련 발레 극장의 중요한 특징 중 하나입니다. 그리고 공연이 속한 장르에 관계없이 민속 역사 발레 소설 ( "The Flames of Paris", 작곡가 B.V. Asafiev, 안무가 V.I. Vainonen), 영웅 비극 ( "Laurencia", A.A. Crane 및 V.M. Chabukiani), 철학적, 심리적 드라마 (로미오와 줄리엣, S.S. Prokofiev 및 L.M. Lavrovsky), 안무 코미디 (The Young Lady-Peasant, B.V. Asafiev 및 R. V. Zakharov; "Mirandolina", S. N. Vasilenko 및 V. I. Vainonen), 발레 스카즈, 발레 전설 (“ Stone Flower”, S. S. Prokofiev 및 Yu. N. Grigorovich; “Icarus”, S. M. Slonimsky 및 V. V. Vasiliev), 저자는 항상 그의 생각과 감정의 풍부함을 시청자에게 가장 완벽하게 제시하는 주요 과제를 해결했습니다. , 플라스틱 이미지를 통해 그의 성격 발달 경로, 높은 도덕적 원칙 획득 경로를 보여줍니다.
안무 공연의 주인공을 묘사하는 이러한 접근 방식은 1927년 10월 혁명 10주년을 기념하여 볼쇼이 극장에서 공연된 R. M. Gliere의 최초의 소련 발레 "The Red Poppy"에서 시작되었습니다. Ekaterina Vasilievna Geltser (1876-1962)는 발레 무대에서 이미지를 만들었습니다. 현대의여 주인공- 중국 무용수 타오화(Tao Hoa)는 10월 사상의 영향을 받아 자신의 영적 부흥을 미묘하게 전달한다. 이러한 아이디어는 선원들에 의해 발레에서 의인화되었습니다. 소련 선박, 일반화 된 영웅적 감상적 이미지는 댄스 "Apple"의 대규모 민속 요소로 구현됩니다. 따라서 "The Red Poppy"에서는 소련 발레의 또 다른 특징, 즉 영웅적 주제를 가장 중요한 해석으로 정의했습니다. 이 주제는 나중에 이미 명명된 "파리의 불꽃", "로렌시아" 등과 같은 작품에서 발전되고 풍부해졌습니다. 군중 장면과 독창 부분 모두에 심리학적으로 세심하게 디자인된 감독의 악보가 발레단과 발레단 모두를 가능하게 했습니다. 무용수들과 발레단 무용수들이 주역을 맡아 창의적인 개성을 흥미롭게 드러낸다.
60년대 말. 그 일을 수행하다 영웅적인 주제볼쇼이 극장에서 A. I. Khachaturian의 발레 "Spartacus"를 Yuri Nikolaevich Grigorovich (b. 1927)의 혁신적인 제작 덕분에 새로운 자극을 받았습니다. 고전 무용의 비 유적 본질에 대한 안무가의 모호하고 깊은 이해는 인간 관계, 행동, 열정, 강한 얽힘 속에서 고대 역사의 사건을 오늘날 현실의 관점에서 철학적으로 해석하는 장대 한 무대 캔버스를 만드는 데 도움이되었습니다. , 중요한 인물이 드러났고, 그들의 충돌과 갈등 속에서 우리 시대의 중요한 이념적, 도덕적 문제가 드러났습니다.
현대적인 억양을 갖춘 발레 극장의 풍부함, 캐릭터의 심층적 묘사는 Yu. N. Grigorovich의 모든 작품(P. I. Tchaikovsky 및 A. K. Glazunov의 클래식 발레 제작 및 현대 발레 공연(“로미오와 줄리엣”))에 내재되어 있습니다. , S. S. . Prokofiev의 "The Legend of Love", A. D. Melikov의 "Angara", A. Ya. Eshpai의 "The Golden Age"(D. D. Shostakovich의 음악).
현대적인 억양은 레닌그라드 오페라 발레 극장의 수석 안무가인 O. M. Vinogradov가 공연한 소련 발레(“감독관”, “호랑이 가죽의 기사”, “전함 포템킨”) 제작의 특징입니다. S. M. Kirov. 우리나라의 다른 도시 무대에서 흥미로운 발레 작품이 탄생했습니다.
소련 발레 댄서들의 놀라운 기술은 전 세계적으로 알려져 있습니다.
발레리나 마리나 세메노바(Marina Semenova)는 클래식 무용의 가능성을 충만하고 훌륭하게 보여주었습니다. 그녀는 P. I. Tchaikovsky의 발레 "Swan Lake", A. K. Glazunov의 "Raymond", B. V. Asafiev의 "Flames of Paris"발레에서 자랑스럽고 반항적 인여 주인공의 이미지를 만들었습니다.
갈리나 울라노바(Galina Ulanova)의 독특한 예술은 표현력, 깊이, 영성, 고전적 공연의 완성도 등 러시아 발레의 최고의 특징을 구현합니다. 그녀가 무대에서 만든 이미지는 Mary(Asafiev의 "The Fountain of Bakhchisarai"), Giselle(A. Adam의 "Giselle"), Cinderella(S. S. Prokofiev의 "Cinderella"), Juliet(Prokofiev의 "Romeo and Juliet")입니다. 그리고 다른 것들은 잊혀지지 않습니다.
Natalia Dudinskaya의 예술은 심리적 깊이와 정서적 표현이 특징입니다. 그녀는 많은 소련 발레에서 주요 역할을 맡은 최초의 연기자였습니다.
Olga Lepeshinskaya의 재능의 특징은 낙천주의와 기질이었으며 L. Minkus의 발레 "Don Quixote", Asafiev의 "The Flames of Paris", Prokofiev의 "Cinderella"등에서 특별한 힘으로 나타났습니다.
마야 플리세츠카야(Maya Plisetskaya)는 러시아 안무 학교의 전통과 소련 발레의 혁신적인 열망을 작품에 결합했습니다. 발레리나의 거장 기술은 클래식 발레와 현대 발레 공연에서 그녀가 수행한 많은 역할에서 포착됩니다. 그녀의 최고의 역할 중에는 차이콥스키의 "백조의 호수"의 오데트와 오딜, 비제의 "카르멘 모음곡"의 카르멘 - Shchedrin, R. K. Shchedrin의 동명 발레의 안나 카레니나 등이 있습니다.
Raisa Struchkova의 춤은 독특한 우아함과 우아함으로 가득 차 있습니다. 그녀의 예술적 재능은 메리, 줄리엣, 신데렐라의 역할과 광범위한 콘서트 레퍼토리에서 분명하게 표현되었습니다.
Irina Kolpakova의 연주 기술은 고전적인 표현력과 형태의 아름다움으로 구별됩니다. Marina Kondratieva의 예술은 영성과 심오한 서정성으로 시선을 사로잡습니다.
Asaf Messerer는 클래식 발레에서 뛰어난 역할을 수행했습니다.
소련 발레 예술의 서정적 남성 댄스는 Konstantin Sergeev의 작품, Vaclav (Asafiev의 Bakhchisarai 분수), Romeo (Prokofiev의 Romeo and Juliet) 등의 역할에서 가장 생생한 구현을 발견했습니다. 그는 여러 발레를 공연했습니다. - 프로코피예프의 신데렐라, 카라예프의 '천둥의 길'...
영웅적 원칙은 Philip ( "The Flames of Paris"), Tybalt ( "Romeo and Juliet") 등의 역할을 수행 한 Alexei Ermolaev (1910-1975)의 예술에 내재되어 있습니다.
소련 발레 예술에서 가장 유명한 인물 중 하나는 Vakhtang Chabukiani였습니다. 그는 영감을 받은 충동인 춤의 요소에 전적으로 빠져 있습니다. A. M. Balanchivadze의 "Heart of the Mountains", A. D. Machavariani의 "Othello" 및 이 발레의 주요 역할에 대한 변덕스러운 연기를 통해 Chabukiani는 영웅적인 남성 춤의 승리를 주장했습니다.
예카테리나 막시모바가 돈키호테에서 키트리 역을 맡았을 때, 그녀의 화려한 춤은 변덕스러운 스페인 소녀의 성격을 표현합니다. 그리고 A. I. Khachaturian의 발레 "Spartacus"에서 그녀는 부드럽고 헌신적이며 상심 한 여성이라는 완전히 다른 이미지를 만듭니다.
Vladimir Vasiliev는 그의 작품에서 이해할 수없는 기교와 미묘한 연기 기술을 결합합니다. 그의 용감한 스파르타쿠스와 용감한 이카루스는 V. Vasiliev의 안무가로서의 활동이 시작된 S. M. Slonimsky의 동명 발레에서 아름답습니다.
나탈리아 베스메르트노바(Natalia Bessmertnova)는 고전과 현대 레퍼토리의 역할을 훌륭하게 소화해 '소련의 낭만주의 발레리나'로 불립니다.
Nina Timofeeva, Lyudmila Semenyaka, Gabriela Komleva, Mikhail Lavrovsky, Maris Liepa, Nikolai Fadeechev 및 기타 많은 예술가들이 전 세계 소련 발레 학교를 찬미했습니다.
페름 안무학교 학생인 나데즈다 파블로바(Nadezhda Pavlova) 국제대회모스크바의 발레 무용수들이 최고상을 수상했습니다. 발레리나에서 솔리스트로 변신한 이 사람을 관객들은 따뜻하게 환영합니다. 볼쇼이 극장.
타지크 발레리나 말리카 사비로바(1942-1982)는 사랑과 충실이라는 주제를 작품에서 재능있게 구현했습니다. 그녀의 최고의 역할에는 발레 "Giselle", "Don Quixote", "Leili and Majnun"에서의 역할이 포함됩니다.
Elena Gvaramadze와 Vera Tsignadze의 재능은 화창한 조지아에서 꽃을 피웠습니다. 키르기스스탄 발레리나 뷰뷰사라 베이쉬날리바(1926-1973)는 소련 발레단 예술에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 현재 부랴티아의 젊은 무용가들의 교사가 된 발레 무용수 라리사 사키아노바(Larisa Sakhyanova)는 춤의 표현력으로 청중을 기쁘게 했습니다. 소련 다국적 발레의 저명한 대표자는 우크라이나 무용수 엘레나 포타포바(Elena Potapova)와 발렌티나 칼리노프스카야(Valentina Kalinovskaya)입니다. 우즈벡 발레리나 갈리아 이즈마일로바(Galia Izmailova)와 베르나르드 카리에바(Bernard Karieva)는 춤을 통해 소련 동부의 해방된 여성들의 캐릭터를 구현했습니다. 벨로루시 발레 댄서 Lidia Ryazhenova, Lyudmila Brzhozovskaya, Yuri Troyan, 아제르바이잔 발레리나 Gamer Almaszade, 아르메니아 댄서 Vilen Galstyan 등의 이름은 잘 알려져 있습니다.
소련 발레는 모든 대륙의 관객들로부터 열광적인 박수를 받고 있습니다. 모스크바 볼쇼이 극장과 K. S. Stanislavsky 및 Vl.의 이름을 딴 뮤지컬 극장의 뛰어난 소련 예술가와 전체 발레 그룹. I. Nemirovich-Danchenko, S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌그라드 극장, T. G. Shevchenko의 이름을 딴 키예프 극장 및 기타 소련 극장은 큰 성공을 거두며 해외 순회 공연을 펼치며 항상 탁월한 예술에 대한 감탄을 불러일으킵니다.
우리나라에서는 발레 극장, 앙상블 등 새로운 독립 안무단이 창설되고 있습니다. 클래식 발레, 실내 발레, 플라스틱 드라마. 이는 새로운 재능을 식별하고 그들이 예술에 입문하도록 돕는 데 도움이 됩니다.
