그림 Blue Heat의 프랑스 예술가 작가. 피카소
20세기 초 피카소와 그의 친구 C. 카사헤마스(C. Casajemas)는 스페인을 떠나 파리로 왔습니다. 여기에서 파블로는 프랑스 인상파, 특히 A. Toulouse-Lautrec과 E. Degas의 작품에 대해 자세히 알게 되었습니다. 이들은 당시 예술가의 창의적인 사고 발전에 심각한 영향을 미쳤습니다.
불행하게도 카사헤마스는 한 프랑스 여성과 사랑에 빠져 그녀에게 거절당했고 1901년 2월 자살했습니다. 가장자리 실생활피카소의 예술과 예술은 항상 뗄래야 뗄 수 없는 관계였으며, 예술가에게 큰 충격을 준 이 비극적인 사건은 그의 후속 작품에 반영되었습니다.
1901년 이래로 피카소의 캔버스에서 다양한 색상의 물감이 사라지고 청록색 팔레트의 색조가 바뀌었습니다. 작가의 작업에는 '청색' 시기가 시작된다.
에메랄드, 파란색, 파란색, 녹색 색상과 음영의 깊고 차갑고 우울한 범위는 인간의 고통, 죽음, 노년, 빈곤 및 낙담과 같은 이 시대 피카소 작품의 주요 주제를 완벽하게 전달합니다. 그림은 시각 장애인, 매춘부, 거지, 알코올 중독자의 이미지로 가득 차 있으며 우울함과 절망감이 물씬 풍깁니다. 이 기간 동안 작가는 보헤미안 라이프 스타일을 멈추지 않고 하루에 최대 세 장의 그림을 그리는 작업을 진행합니다. "The Blue Room"(1901), "Blindman's Breakfast"(1903), "소년과 함께 있는 거지 노인"(1903), "Tragedy"(1903), "Two"(1904) 그리고 물론 유명한 " Absinthe Drinker(1901) – 이 모든 것은 "청색" 시대 그림의 생생한 예입니다.
1904년 피카소는 많은 예술가들이 피난처를 찾았던 몽마르트르의 유명한 호스텔인 바토 라부아르(Bateau Lavoir)에 정착했습니다. 이때 그는 그의 많은 유명한 작품에 영감을 준 그의 뮤즈이자 모델인 페르난다 올리비에(Fernanda Olivier)를 만납니다. 그리고 시인 M. Jacob과 G. Apollinaire와의 친분은 새로운 주제, 그의 그림에 구현된 - 서커스와 삶 서커스 공연자. 그리하여 작가의 삶과 작업에는 점차 새로운 색들이 스며들기 시작한다. "블루" 기간은 마스터의 예술적 탐구의 "핑크" 기간으로 대체됩니다.
이때 작가는 핑크, 스모키 핑크, 골든 핑크, 황토색 등 더욱 밝은 톤으로 변합니다. 그림의 영웅은 광대, 곡예사, 체조 선수, 할리퀸입니다. "곡예사와 젊은 할리퀸"(1905), "원숭이가있는 곡예사 가족"(1905), "광대"(1905). 여행하는 예술가들의 낭만적인 삶에 대한 주제는 그의 가장 상징적이고 눈에 띄는 그림 중 하나인 "공 위의 소녀"(1905)에서 드러납니다.
나중에 "핑크"시대 말기에 작가는 "염소를 안고있는 소녀"(1906), "말을 이끄는 소년"(1906)과 같은 고대 유산의 정신으로 그림을 그렸습니다.
"파란색" 및 이후의 "분홍색" 기간 창의적인 삶파블로 피카소의 작품은 색상을 사용하여 세상에 대한 그의 비전과 분위기를 전달하려는 그의 탐구의 표현이 되었습니다.
피카소의 독특한 스타일과 신성한 재능은 그가 현대 미술의 발전과 전체 예술계에 영향을 미칠 수 있게 해주었습니다.
파블로 피카소는 1881년 스페인 말라가에서 태어났습니다. 그는 어려서부터 자신의 재능을 발견하고 학교에 다녔다. 미술, 그가 15세였을 때.
예술가는 인생의 대부분을 사랑하는 프랑스에서 보냈습니다. 1904년에 그는 파리로 이사했고, 1947년에는 햇볕이 잘 드는 남쪽으로 이사했습니다.
피카소의 작품은 독특하고 흥미로운 시기로 구분됩니다.
그의 초기 "청색시대"는 1901년에 시작되어 약 3년 동안 지속되었습니다. 이 시기에 만들어진 예술 작품의 대부분은 인간의 고통, 가난, 파란색 음영을 특징으로 합니다.
'장미시대'는 1905년부터 약 1년간 지속됐다. 이 단계는 연한 핑크 골드와 핑크 그레이 색상이 특징이며, 캐릭터는 주로 여행하는 예술가입니다.
1907년 피카소가 그린 그림은 새로운 스타일로의 전환을 의미했습니다. 작가는 혼자서 현대 미술의 방향을 바꾸었습니다. 이것이 바로 당시 사회에 큰 격변을 일으킨 '아비뇽의 데모아젤(Les Demoiselles d'Avignon)'이었습니다. 누드 매춘부에 대한 입체파 묘사는 스캔들이 되었지만 이후 개념적이고 초현실주의 예술의 기초가 되었습니다.
제2차 세계 대전 직전, 스페인 전쟁 중에 피카소는 "게르니카"라는 또 다른 훌륭한 작품을 만들었습니다. 직접적인 영감의 원천은 게르니카 폭격이었고 캔버스는 파시즘을 비난하는 예술가의 항의를 구현합니다.
그의 작품에서 피카소는 코미디와 판타지를 탐구하는 데 많은 시간을 할애했습니다. 그는 또한 자신이 그래픽 아티스트, 조각가, 장식가 및 도예가임을 깨달았습니다. 주인은 끊임없이 일하면서 기괴한 콘텐츠의 수많은 일러스트레이션, 그림 및 디자인을 만들었습니다. 그의 경력의 마지막 단계에서 그는 변주곡을 썼다. 유명한 그림벨라스케스와 들라크루아.
파블로 피카소는 1973년 프랑스에서 91세의 나이로 세상을 떠났으며 22,000점의 예술 작품을 남겼습니다.
파블로 피카소의 그림:
파이프를 든 소년, 1905
초기 피카소의 이 그림은 '장미 시대'에 속하며 파리에 도착한 직후에 그렸습니다. 손에는 파이프를 들고 머리에는 꽃 화환을 쓴 소년의 사진이 있습니다.
1903년의 오래된 기타리스트
이 그림은 피카소 작품의 '청색시대'에 속한다. 그것은 기타를 들고 있는 늙고 시각 장애인이며 가난한 거리 음악가를 묘사합니다. 이 작품은 표현주의에 기반을 두고 있으며 파란색 음영으로 이루어졌습니다.
레 드모아젤 다비뇽, 1907
아마도 가장 혁명적인 그림일 것이다. 현대 미술입체파 스타일의 첫 번째 그림입니다. 주인은 일반적으로 받아 들여지는 미적 규칙을 무시하고 순수 주의자들에게 충격을 주었으며 혼자서 예술 과정을 바 꾸었습니다. 그는 바르셀로나의 한 매춘업소에서 벌거벗은 매춘부 다섯 명을 독특하게 묘사했습니다.
럼주 한 병, 1911년
피카소는 이 그림을 프랑스 피레네 산맥에서 완성했는데, 이곳은 음악가, 시인, 예술가들이 가장 좋아하는 장소이자 1차 세계 대전 이전에는 입체파가 선호했던 곳입니다. 작업은 복잡한 입체파 스타일로 이루어졌습니다.
머리, 1913
이 유명한 작품은 가장 추상적인 입체파 콜라주 중 하나가 되었습니다. 머리의 윤곽은 목탄으로 윤곽을 그은 반원으로 추적할 수 있지만 얼굴의 모든 요소는 기하학적 형태로 크게 축소되었습니다.
설탕에 절인 과일과 유리가 있는 정물, 1914-15.
순수한 색상의 형태와 면화된 물체가 병치되고 겹쳐져 조화로운 구성을 만들어냅니다. 이 그림에서 피카소는 자신의 작품에서 자주 사용하는 콜라주 기법을 보여줍니다.
거울 앞의 소녀, 1932
이것은 피카소의 젊은 연인 마리 테레즈 월터의 초상화입니다. 모델과 그녀의 모습은 소녀에서 매혹적인 여성으로의 전환을 상징합니다.
게르니카, 1937
이 그림은 전쟁의 비극성과 무고한 희생자들의 고통을 묘사하고 있습니다. 이 작품은 그 규모와 의미 면에서 기념비적이며, 전 세계적으로 반전의 상징이자 평화의 포스터로 인식되고 있습니다.
우는 여인, 1937
피카소는 고통이라는 주제에 관심이 있었습니다. 찡그린 얼굴과 일그러진 얼굴을 묘사한 이 상세한 그림은 게르니카의 연속이라고 여겨진다. 
곡예사와 어린 할리퀸 1905
스페인 예술가 파블로 피카소의 작품에서 '블루'와 '핑크' 시기는 작가 개인의 스타일이 형성되는 시기이다. 이때 인상주의에서 벗어나 툴루즈 로트레크, 드가 등 유명 예술가들의 문체를 계승했습니다.
"청색" 시대(1901-1904)
자화상. 1901년
그것은 절망과 외로움의 분위기로 결합된 푸른 톤으로 표현된 그림의 일반적인 색조 때문에 그 이름을 얻었습니다. 이 시기의 첫 번째 작품으로는 '자화상'(1901)과 '압생트 술꾼'(1901)이 있습니다. 피카소 그림의 영웅 대부분은 사회의 낮은 계층, 소외 계층, 병자 또는 사악한 사람들을 대표합니다. 후기 "파란색" 작품 중에는 "Head of a Woman"(1902-1903), "Blindman's Breakfast"(1903), "Old Jew with a Boy"(1903), "The Ironer"(1903) 등의 그림이 주목할 가치가 있습니다. 1904). 미학적으로는 새로운 묘사 방법으로 이동하고, 구성에서 불필요한 세부 사항을 제외하고, 시청자가 그림에서 불러일으키는 감정에 집중할 수 있도록 하는 다양한 솔루션을 사용하는 것이 중요합니다. 동시에, 피카소의 이러한 작품은 완전히 독창적인 것으로 간주될 수 없습니다. 그들은 부분적으로 스페인 회화의 특징인 모티프와 기법을 사용합니다. 그림에서 그러한 정서적 분위기의 형성은 삶의 현실에 큰 영향을 받았습니다. "청색" 시대의 시작은 1901년 예술가의 절친한 친구인 카를로스 카사게마스의 자살과 관련이 있습니다. 죽음의 근접성, 외로움, 자금 부족으로 인한 1903년 바르셀로나 강제 귀환 등이 그림의 우울한 성격에 영향을 미쳤습니다.
"공 위의 소녀" - 삶과 죽음의 균형
공 위의 소녀. 1905년
1905년에 그린 이 그림은 전환기의 특징적인 작품이다. 작가의 그림에서 고통과 절망, 괴로움이 점차 사라지는 시간은 서커스 공연자와 예술가들이 의인화한 인간의 기쁨을 살아가는 것에 대한 관심으로 대체됩니다. 대조(움직임과 정적, 소녀와 운동선수, 가벼움과 무거움 등)를 바탕으로 구축된 이 작품의 내용은 죽음의 괴로움과 삶의 기쁨 사이의 전환을 상징하는 것과 완전히 일치합니다.
'핑크' 시대(1904~1906)
그의 작품에서 "핑크" 시대로의 점진적인 전환은 예술가의 삶에 긍정적인 변화가 일어나기 시작한 1904년에 시작되었습니다. Fernande Olivier는 Matisse와 Gertrude Stein 등 많은 흥미로운 사람들을 만났습니다. 주요 주제분홍색, 빨간색, 진주 톤으로 공연된 이 시기의 작품은 메드라노 서커스의 코미디언입니다. 그림은 다양한 주제, 역학 및 움직임으로 구별됩니다. 동시에 작가는 '청색' 시대에 형성된 자신만의 스타일을 계속해서 발전시켜 나가고 있습니다. "The Acrobat and the Young Harlequin"(1905), "A Family of Comedians"(1905), "The Jester"(1905) 등의 작품은 이 시기로 거슬러 올라갑니다. "핑크" 기간이 끝나면 이미지가 고대 신화에서 영감을 얻은 피카소의 그림에는 "염소를 안고 있는 소녀"(1906), "말을 이끄는 소년"(1906)이 있으며 누드 묘사에 관심을 보인 "Combing"(1906), 누드 소년(1906)도 있습니다.
"The Blue Period"는 아마도 피카소 작업의 첫 번째 단계일 것이며, 이와 관련하여 거장의 개성에 대해 이야기할 수 있습니다. 여전히 영향을 미치는 소리가 들리는 음표에도 불구하고 우리는 이미 그의 진정한 개성의 표현을 다루고 있습니다.
첫 번째 창의적 도약, 이상하게도 오랜 우울증으로 인해 촉발되었습니다. 1901년 2월 마드리드에서 피카소는 절친한 친구인 카를로스 카사게마스의 죽음을 알게 되었습니다. 1901년 5월 5일, 예술가는 생애 두 번째로 파리에 왔는데, 그곳에서 모든 것이 그에게 최근 프랑스 수도를 발견했던 카사게마스를 연상시켰습니다. 파블로는 자신이 보낸 방에 정착했습니다. 지난 날들 Germaine과 플라토닉 관계와는 거리가 먼 관계를 시작한 Carlos는 자살했기 때문에 그와 같은 사람들과 소통했습니다. 상실의 괴로움, 죄책감, 죽음이 가까워졌다는 느낌이 그에게 얼마나 복잡한 매듭으로 얽혀 있는지 상상할 수 있습니다... 이 모든 것은 여러면에서 "청색 기간"이 발생하는 "쓰레기" 역할을 했습니다. 자랐다. 피카소는 나중에 이렇게 말했습니다. “카사게마스가 죽었다는 사실을 알았을 때 나는 우울해졌습니다.”
그러나 1901년 6월 볼라르가 열었던 첫 번째 파리 피카소 전시회에서는 아직 "파란색"의 특이성이 없었습니다. 제시된 64개의 작품은 밝고 감각적이며 인상파의 영향이 눈에 띄었습니다.
"청색 시대"는 점차 그 자체로 나타났습니다. 피카소의 작품에는 인물의 매우 엄격한 윤곽이 나타 났고 주인은 이미지의 "3 차원 성"에 대한 노력을 중단하고 고전적인 관점에서 벗어나기 시작했습니다. 점차적으로 그의 팔레트는 점점 더 다양해지고 파란색의 악센트는 점점 더 강해집니다. 시작 그 자체" 파란색 기간"Jaime Sabartes의 초상화는 같은 1901년에 만들어진 것으로 간주됩니다."
Sabartes 자신은 이 작품에 대해 다음과 같이 말했습니다. "캔버스에 있는 나 자신을 보면서 나는 내 친구에게 정확히 영감을 준 것이 무엇인지 깨달았습니다. 그것은 외부에서 본 나의 외로움의 전체 스펙트럼이었습니다."
이 시기 피카소의 작품을 대표하는 키워드는 그야말로 '외로움', '고통', '두려움', '죄책감'인데, 그 예로는 '자화상'이 있다.
마스터, 바르셀로나로 떠나기 며칠 전에 만들어졌습니다.
1902 년 1 월에 그는 스페인으로 돌아갈 것이고 머물 수 없을 것입니다. 스페인 서클은 그에게 너무 작고 파리는 그에게 너무 매력적이며 다시 프랑스로 가서 그곳에서 필사적으로 어려운 몇 달을 보낼 것입니다. 작품은 팔리지 않았고 생활은 매우 어려웠습니다. 그는 다시 바르셀로나로 돌아가서 15개월 동안 마지막으로 그곳에 머물러야 했습니다.
카탈로니아의 수도는 피카소를 환영했습니다 높은 전압, 그는 사방이 가난과 불의에 둘러싸여 있었습니다. 세기의 전환기에 유럽을 휩쓴 사회적 불안은 스페인에도 영향을 미쳤습니다. 이것은 아마도 고국에서 극도로 열심히 일하고 열매를 맺은 예술가의 생각과 기분에도 영향을 미쳤을 것입니다. '데이트(두 자매)' 등 '청색시대'의 걸작,
Casagemas의 이미지는 그림 "Life"에 다시 한 번 나타납니다.
이 그림은 1900년 파리 만국박람회에 전시된 작품 '마지막 순간' 위에 그려져 피카소와 카사게마스가 프랑스 수도를 처음 여행하게 된 계기가 됐다. 돈이 부족한 기간 동안 예술가는 자신의 오래된 캔버스 위에 한 번 이상 그림을 그렸지만 이 경우 이 "야만주의"는 아마도 약간의 영향을 미쳤을 것입니다. 상징적 의미오래된 예술과 역시 영원히 과거에 있는 카를로스에 대한 작별의 표시로.
1904년 봄, 다시 파리로 갈 기회가 생겼고 피카소는 주저하지 않았다. 1904년 가을부터 시작되는 새로운 감각, 새로운 사람들, 관심사, 그리고 새로운 "핑크" 시대가 그를 기다리고 있던 곳은 바로 파리였습니다.
피카소는 나중에 인정했습니다. “카사게마스가 죽었다는 사실을 알았을 때 나는 우울해졌습니다.” "피카소의 작품에서 1901년부터 1904년까지의 기간은 일반적으로 '청색' 시기라고 불립니다. 이 시기의 그림 대부분은 차가운 청록색 팔레트로 그려져 피로와 비극적인 빈곤의 분위기를 악화시켰기 때문입니다." 나중에 "청색" 시대라고 불린 시대에는 슬픈 장면의 이미지, 깊은 우울로 가득 찬 그림이 증가했습니다. 언뜻보기에 이 모든 것은 예술가 자신의 엄청난 활력과 양립 할 수 없습니다. 그러나 크고 슬픈 눈을 가진 청년의 자화상을 기억하면서 우리는 "청색"시대의 캔버스가 당시 예술가를 소유했던 감정을 전달한다는 것을 이해합니다. 개인적인 비극은 고통받고 소외된 사람들의 삶과 슬픔에 대한 그의 인식을 날카롭게 했습니다.
역설적이지만 사실입니다. 삶의 구조의 불의는 어린 시절부터 삶의 고난에 대한 억압을 경험하거나 더 나쁘게는 사랑하는 사람에 대한 혐오를 경험한 사람들뿐만 아니라 꽤 부유한 사람들에게도 심각하게 느껴집니다. 피카소가 그 대표적인 예이다. 그의 어머니는 파블로를 사랑했고, 이 사랑은 그가 죽을 때까지 그에게 뚫을 수 없는 갑옷이 되었습니다. 끊임없이 재정적 어려움을 겪고 있던 아버지는 때때로 돈 호세가 지시한 것과 완전히 반대되는 방향으로 움직이기도 했지만 아들을 돕기 위해 최선을 다하는 방법을 알고 있었습니다. 사랑 받고 번영하는 청년은 자기 중심적이지 않았지만 그가 바르셀로나에서 형성된 퇴폐적 문화의 분위기가 이에 기여한 것 같습니다. 오히려 그는 사회 무질서, 빈자와 부자 사이의 엄청난 격차, 사회 구조의 불의, 그 비인간성, 즉 20세기 혁명과 전쟁으로 이어진 모든 것을 큰 힘으로 느꼈습니다. .
“당시 피카소의 중심 작품 중 하나인 1903년에 완성되어 현재 주립 박물관 미술그들을. A. S. 푸쉬킨. 평평한 중립 배경에는 앉은 두 인물, 즉 낡은 시각 장애인 노인과 어린 소년이 묘사됩니다. 이미지는 여기에 극명하게 대조되는 반대 방향으로 제시됩니다. 마치 강력한 명암법으로 조각한 것처럼 주름이 가득한 노인의 얼굴, 눈이 깊고 움푹 패인 눈, 뼈만 앙상하고 부자연스러울 정도로 각이 진 그의 모습, 그의 다리와 팔, 그리고 그와는 대조적으로 부드러운 소년의 얼굴, 부드럽고 흐르는 옷의 라인에 크게 뜬 눈. 삶의 문턱에 서있는 소년과 이미 죽음의 흔적을 남긴 낡은 노인-이러한 극단은 일종의 비극적 공통점으로 그림에서 통합됩니다. 소년의 눈은 활짝 열려 있지만 노인의 눈구멍에 있는 끔찍한 구멍처럼 보이지 않는 것처럼 보입니다. 그는 똑같은 즐거운 생각에 잠겨 있습니다. 칙칙한 파란색은 슬프게 집중된 사람들의 얼굴에 표현되는 슬픔과 절망의 분위기를 더욱 강화합니다. 여기서의 색은 실제 사물의 색도 아니고, 그림의 공간을 채우는 실제 빛의 색도 아니다. 똑같이 지루하고, 치명적인 차가운 색조 파란색의피카소는 사람의 얼굴, 옷, 그리고 그들이 묘사되는 배경을 전달합니다.”
이미지는 실제와 비슷하지만 그 안에는 많은 규칙이 있습니다. 노인의 신체 비율은 과장되어 있고, 불편한 포즈는 그의 망가짐을 강조한다. 얇은 것은 부자연 스럽습니다. 소년의 얼굴 특징이 너무 단순하게 전달됩니다. “작가는 이들이 누구인지, 어느 나라, 어떤 시대에 속해 있는지, 왜 이 푸른 땅 위에 옹기종기 모여 앉아 있는지에 대해 아무 것도 말하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 그림은 많은 것을 말해줍니다. 노인과 소년의 대조 속에서 우리는 한 사람의 슬프고 즐거운 과거와 다른 사람의 절망적이고 필연적으로 우울한 미래, 그리고 두 사람 모두의 비극적인 현재를 봅니다. 가난과 외로움의 참 슬픈 얼굴이 사진 속 슬픈 눈빛으로 우리를 바라보고 있습니다. 이 기간 동안 제작된 그의 작품에서 피카소는 단편화와 세부 묘사를 피하고 묘사된 내용의 주요 아이디어를 강조하기 위해 가능한 모든 방법으로 노력합니다. 이 생각은 대다수의 사람들에게 공통적으로 남아 있습니다. 초기 작품; <소년과 함께 있는 거지노인>처럼 비극적인 가난의 세계에서 사람들의 무질서, 애절한 외로움을 드러내는 데 있다.”
"청색" 기간에는 이미 언급된 그림("소년을 안고 있는 늙은 거지", "맥주 잔(사바르테스의 초상화)", "인생"), "자화상", "데이트(두 자매)" 외에 )', '여인의 두상', '비극' 등도 탄생했다.
