세계 현대 예술가들의 그림. 유명 현대 예술가들의 그림

아직 잘 알려지지 않았지만 매우 재능 있는 예술가들의 그림 모음을 소개합니다. 모든 사람들은 러시아와 동시대 출신입니다. 보고, 읽고, 즐기세요.

여러분, 저는 꽤 유명하고 뛰어난 인물들에 대해 항상 여기에 글을 쓰고 있습니다. 물론 아직 아무도 모르는 아티스트에 대해 글을 쓰는 것이 훨씬 더 흥미로울 것입니다. 하지만 무엇을 할 수 있습니까? VKontakte 공개에서는 무엇이든 쓸 수 있지만 블로그에서는 사람들이 무엇인지만 쓸 수 있습니다. Yandex와 Google에서 찾고 있습니다. 그렇지 않으면 당신 외에는 아무도 거기에 가지 않을 것입니다. 그러나 다양성과 즐거움을 위해 나는 "잘 알려지지 않은 러시아 현대 예술가와 그들의 그림"을 선택하기로 결정했습니다.

또 무엇이 흥미로운가요? (다른 기사 링크).
가장 유명한 현대 우크라이나 예술가 중 한 명인 Marchuk의 그림
유명한 "Repinka" 그래픽 학부의 전설적인 학장.

이 사람들 중 일부는 아직 여행의 시작 단계에 있지만 다른 사람들은 이미 비교적 확립되어 VKontakte 또는 공예품 박람회와 같은 시장에서 자신의 작품을 성공적으로 판매하고 좁은 범위에서도 알려져 있지만 모두 한 가지 공통점이 있습니다. - 아직 일반 대중에게는 잘 알려져 있지 않습니다. 하지만 무명이라고 해서 재능이 부족하다는 뜻은 아니니 관심을 가지고 지켜봐 주실 거라고 생각합니다. 나는 여기에 초안가들뿐만 아니라 몇몇 조각가들도 포함시키기로 결정했습니다.

러시아의 잘 알려지지 않은 현대 예술가와 그들의 그림. 일러스트레이터와 화가.

잘 알려지지 않은 예술가. 마리아 수사렌코(Maria Susarenko)의 그림에 나타난 초현실적인 모더니즘의 색채.

나는 얼마 전에 이 예술가에 대해 알게 되었고 거의 즉시 그녀의 그림과 사랑에 빠졌습니다. 부분적으로는 예술가로서 정신적으로 나와 매우 가깝기 때문이기도 하고, 부분적으로는 기술에 대한 존경심과 상상력의 폭동 때문이기도 합니다. Maria Susarenko는 상트페테르부르크 출신의 사랑스러운 소녀이자 유명한 상트페테르부르크 주립 예술 산업 아카데미를 졸업했습니다. A.L. 스티글리츠. 마리아 수사렌코(Maria Susarenko)의 그림은 모더니즘과 초현실주의가 뒤섞여 있습니다. 그들은 매우 밝고 장식적으로 보입니다.

잘 알려지지 않은 예술가들의 그림. 마리아 수사렌코의 작품

놀라운 디테일!

잘 알려지지 않은 예술가. 수보티나 다샤.

유랄가의 영원한 모티브는 고양이입니다.
웃기는 이상한 놈. 이것이 제가 착용하고 싶은 종류의 브로치입니다.

MOAR - https://vk.com/shamancats

러시아의 잘 알려지지 않은 현대 예술가. 조각가.

여기에는 그림은 없고 장식만 있는데도 너무 매력적이고 사랑스러워서 거부할 수 없었습니다. 결국 조각가는 예술가이기도 하다. 예, 예술가는 화가, 그래픽 아티스트, 일러스트레이터 또는 조각가일 수 있습니다(주인은 당연합니다). 르네 라리크(Rene Lalique)를 부끄럽게 하지 않을 보석을 가진 두 소녀가 있습니다.

잘 알려지지 않은 예술가. 검은 닭의 그리모어.

Lera Prokopets가 운영하는 워크숍은 "검은 암탉의 그리모어(당신의 선장임)"로 번역되는 "Grimoire La poule noire"입니다. Lera는 미니어처 조각가이자 정말 멋진 여성입니다. 그녀는 주로 폴리머 클레이와 돌을 사용하여 작업합니다. Lera는 내가 고딕 양식의 "아르누보"라고 부르는 스타일로 멋진 주얼리를 만듭니다. 약간은 마녀 같고, 어둡지만 우아한 아름다움. 물론, 이것은 "검은 닭의 마도서"입니다.

잘 알려지지 않은 예술가. 오리지널 아르누보 주얼리. 워크샵 "검은 암탉의 그리모어(Grimoire of the Black Hen)"의 사진.

헤카테(Hecate) 그리스 밤의 여신.

모르핀. 얇은:)

혀를 내밀고 있는 악마나 뱀파이어는 레라가 가장 좋아하는 모티브 중 하나입니다. 장엄하고 다양한 러시아 회화는 항상 그 변덕스러움과 완벽함으로 보는 이들을 즐겁게 합니다. 예술적 형태. 이것은 유명한 미술 거장들의 작품의 특징입니다. 그들은 일에 대한 특별한 접근 방식, 각 사람의 감정과 감각에 대한 경건한 태도로 항상 우리를 놀라게했습니다. 아마도 이것이 바로 러시아 예술가들이 감정적인 이미지와 서사적으로 차분한 모티프를 생생하게 결합한 초상화 구성을 자주 묘사한 이유일 것입니다. Maxim Gorky가 예술가는 국가의 심장이자 전체 시대의 목소리라고 말한 것은 당연합니다. 실제로 러시아 예술가들의 웅장하고 우아한 그림은 그 시대의 영감을 생생하게 전달합니다. 유명한 작가 안톤 체호프(Anton Chekhov)의 열망과 유사하게, 많은 사람들은 러시아 그림에 자국민의 독특한 풍미와 아름다움에 대한 멈출 수 없는 꿈을 담아내려고 노력했습니다. 이 장엄한 예술의 대가들의 비범한 그림을 과소평가하기는 어렵습니다. 왜냐하면 다양한 장르의 진정으로 비범한 작품이 그들의 붓 아래에서 탄생했기 때문입니다. 학술 회화, 초상화, 역사 회화, 풍경화, 낭만주의 작품, 모더니즘 또는 상징주의 작품 등 모두 여전히 시청자에게 기쁨과 영감을 선사합니다. 모든 사람은 화려한 색상, 우아한 선, 흉내낼 수 없는 세계 예술 장르 이상의 것을 발견합니다. 아마도 러시아 회화를 놀라게 하는 이러한 풍부한 형태와 이미지는 예술가 주변 세계의 엄청난 잠재력과 연결되어 있을 것입니다. Levitan은 또한 무성한 자연의 모든 음에는 장엄하고 특별한 색상 팔레트가 포함되어 있다고 말했습니다. 이러한 시작과 함께 작가의 붓은 장엄한 광활함을 드러낸다. 따라서 모든 러시아 그림은 절묘한 엄격함과 매력적인 아름다움으로 구별되며, 이는 찢어지기 어렵습니다.

러시아 그림은 당연히 세계와 구별됩니다 예술 예술. 사실 17세기까지 러시아 그림은 오로지 종교적인 주제와만 연관되어 있었습니다. 개혁 차르인 표트르 대제가 집권하면서 상황은 바뀌었습니다. 그의 개혁 덕분에 러시아 거장들은 세속 회화에 참여하기 시작했고 아이콘 회화는 별도의 방향으로 분리되었습니다. 17세기는 Simon Ushakov와 Joseph Vladimirov와 같은 예술가들의 시대입니다. 그럼 러시아어로 예술의 세계초상화가 탄생했고 빠르게 인기를 얻었습니다. 18세기에는 초상화에서 풍경화로 옮겨간 최초의 화가들이 등장했습니다. 겨울 파노라마에 대한 작가들의 뚜렷한 공감이 눈에 띈다. 18세기는 일상회화의 출현으로도 기억된다. 19세기에는 러시아에서 낭만주의, 사실주의, 고전주의라는 세 가지 운동이 인기를 얻었습니다. 이전과 마찬가지로 러시아 예술가들은 계속해서 초상화 장르로 전환했습니다. 그때 O. Kiprensky와 V. Tropinin의 세계적으로 유명한 초상화와 자화상이 나타났습니다. 19세기 후반에 예술가들은 억압받는 국가에 있는 일반 러시아 국민을 점점 더 많이 묘사했습니다. 사실주의는 이 시기 회화의 중심 운동이 되었다. 그때 실제 실제 생활만을 묘사하는 순회 예술가가 등장했습니다. 20세기는 물론 아방가르드 시대입니다. 당시 예술가들은 러시아와 전 세계의 추종자들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그들의 그림은 추상미술의 선구자가 되었다. 러시아 그림은 거대하다 놀라운 세계자신의 창작물로 러시아를 찬미한 재능 있는 예술가들

레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치(Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452년 4월 15일 – 1519년 5월 2일)는 이탈리아의 유명한 화가, 건축가, 철학자, 음악가, 작가, 탐험가, 수학자, 엔지니어, 해부학자, 발명가 및 지질학자였습니다. 그는 "최후의 만찬"과 "모나리자"를 포함한 그의 그림과 시대를 훨씬 앞섰지만 종이에만 남아 있는 수많은 발명품으로 유명합니다. 또한 레오나르도 다빈치는 해부학, 천문학 및 기술 발전에 중요한 공헌을 했습니다.

라파엘 산티(Raphael Santi, 1483년 3월 28일 - 1520년 4월 6일)는 15세기 후반부터 16세기 초반까지 르네상스 시대에 활동한 이탈리아의 위대한 예술가이자 건축가였습니다. 전통적으로 라파엘로는 미켈란젤로, 레오나르도 다 빈치와 함께 이 시대의 3대 거장 중 한 명으로 여겨집니다. 그의 작품 중 다수는 바티칸의 사도궁에 있는 라파엘로의 스탠자(Stanzas of Raphael)라고 불리는 방에 있습니다. 그중에서도 그의 가장 유명한 작품 '아테네 학당'이 이곳에 있다.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (1599년 6월 6일 - 1660년 8월 6일) - 스페인 화가, 초상화 화가, 스페인 회화의 황금 시대를 대표하는 필립 4세의 궁정 화가. 과거의 역사적, 문화적 장면을 묘사한 수많은 그림 외에도 그는 스페인 왕실과 기타 유명한 유럽 인물의 초상화를 많이 그렸습니다. 벨라스케스의 가장 유명한 작품은 마드리드의 프라도 미술관에 소장되어 있는 1656년의 그림 "라스 메니나스"(또는 "필립 4세의 가족")로 간주됩니다.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (1881년 10월 25일 - 1973년 4월 8일) - 세계적으로 유명한 스페인 예술가이자 조각가, 미술 운동의 창시자 - 입체파 . 발전에 영향을 미친 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 간주됩니다. 시각 예술 20세기에. 전문가들은 그를 지난 100년을 살아온 최고의 예술가이자 세계에서 가장 '비싼' 예술가로 인정했다. 피카소는 평생 동안 약 2만 점의 작품을 만들었습니다(다른 출처에 따르면 8만 점).

빈센트 빌럼 반 고흐(1853년 3월 30일 – 1890년 7월 29일)는 그가 죽은 후에야 명성을 얻은 유명한 네덜란드 예술가였습니다. 많은 전문가들에 따르면, 반 고흐는 유럽 미술 역사상 가장 위대한 예술가 중 한 명일 뿐만 아니라, 저명한 대표자후기 인상주의. 회화 870점, 드로잉 1,000점, 스케치 133점 등 2,100점 이상의 예술 작품을 남겼습니다. 그의 수많은 자화상, 풍경화, 초상화는 세계에서 가장 유명하고 값비싼 예술 작품 중 하나입니다. 빈센트 반 고흐의 가장 유명한 작품은 아마도 "해바라기"라는 일련의 그림으로 간주될 것입니다.

미켈란젤로 부오나로티(1475년 3월 6일 - 1564년 2월 18일) - 전체적으로 지울 수 없는 흔적을 남긴 세계적으로 유명한 이탈리아 조각가, 예술가, 건축가, 시인 및 사상가 세계 문화. 예술가의 가장 유명한 작품은 아마도 시스티나 성당 천장의 프레스코화일 것입니다. 그의 조각품 중 가장 유명한 것은 "피에타"( "그리스도의 애도")와 "다비드"입니다. 건축 작품 중에는 성 베드로 대성당의 돔 디자인이 있습니다. 미켈란젤로가 생애 동안 전기를 쓴 최초의 서유럽 미술 대표자가 된 것은 흥미 롭습니다.

세계에서 가장 유명한 예술가 순위 4위는 다른 거장들에게 큰 영향을 미친 이탈리아의 위대한 예술가 마사치오(1401년 12월 21일~1428년)입니다. 마사초는 아주 오래 살았다. 짧은 인생따라서 그에 대한 전기적 증거는 거의 없습니다. 그의 프레스코화 중 4개만이 남아 있는데, 이는 의심할 바 없이 마사치오의 작품이다. 다른 것들은 파괴된 것으로 추정됩니다. 마사치오의 가장 유명한 작품은 이탈리아 피렌체의 산타 마리아 노벨라 교회에 있는 삼위일체 프레스코화로 간주됩니다.

페테르 파울 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577년 6월 28일 – 1640년 5월 30일)는 플랑드르(남네덜란드) 화가로 바로크 시대의 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 화려한 스타일로 유명합니다. 그는 당시 가장 다재다능한 예술가로 여겨졌습니다. 루벤스는 그의 작품에서 색의 생명력과 관능성을 강조하고 구현했다. 그는 신화, 종교, 우화를 주제로 수많은 초상화, 풍경화, 역사적 그림을 그렸습니다. 루벤스의 가장 유명한 작품은 1610년에서 1614년 사이에 그려져 전 세계적으로 명성을 얻은 삼부작 "십자가에서 내리심"입니다.

미켈란젤로 메리시 다 카라바조(Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1571년 9월 29일 - 1610년 7월 18일)는 초기 바로크 시대의 위대한 이탈리아 예술가이자 17세기 유럽 사실주의 회화의 창시자였습니다. 그의 작품에서 Caravaggio는 세부 사항에 초점을 맞춰 빛과 그림자의 대비를 능숙하게 사용했습니다. 그는 종종 성인과 마돈나의 이미지로 평범한 로마인, 거리와 시장의 사람들을 묘사했습니다. 그 예로는 “복음사가 마태복음”, “바커스”, “사울의 회심” 등이 있습니다. 유명한 그림이 예술가는 Caravaggio가 그의 가장 성공적인 그림 조각이라고 불렀던 "류트 연주자"(1595)로 간주됩니다.

Rembrandt Harmensz van Rijn(1606-1669)은 네덜란드의 유명한 화가이자 판화가로 세계에서 가장 위대하고 유명한 예술가로 여겨집니다. 약 600여 점의 회화, 300여 점의 에칭, 2,000여 점의 드로잉을 저술한 작가입니다. 그 특징은 빛의 효과와 깊은 그림자를 이용한 능숙한 플레이입니다. 렘브란트의 가장 유명한 작품은 1642년에 그려져 현재 주립 박물관암스테르담.

"카드 플레이어"

작가

폴 세잔

국가 프랑스
수명 1839–1906
스타일 후기 인상주의

작가는 프랑스 남부 엑상프로방스의 작은 마을에서 태어났지만 파리에서 그림을 그리기 시작했습니다. 수집가 Ambroise Vollard가 주최한 개인 전시회 이후 그에게 진정한 성공이 찾아왔습니다. 떠나기 20년 전인 1886년에 그는 외곽으로 이주했다. 고향. 젊은 예술가들은 그와의 여행을 “Aix 순례”라고 불렀습니다.

130x97cm
1895년
가격
2억 5천만 달러
판매된 2012 년에
비공개 경매에서

세잔의 작품은 이해하기 쉽습니다. 작가의 유일한 규칙은 사물이나 플롯을 캔버스에 직접 옮기는 것이므로 그의 그림은 보는 사람에게 당혹감을 유발하지 않습니다. 세잔은 프랑스의 두 가지 주요 전통인 고전주의와 낭만주의를 예술에 결합했습니다. 다채로운 질감의 도움으로 그는 사물의 모양에 놀라운 가소성을 부여했습니다.

1890년부터 1895년까지 5점의 그림 "카드 연주자" 시리즈가 그려졌습니다. 그들의 줄거리는 동일합니다. 몇몇 사람들이 열정적으로 포커를 플레이합니다. 작품은 플레이어 수와 캔버스 크기 만 다릅니다.

네 개의 그림은 유럽과 미국의 박물관(오르세 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 반스 재단, 코톨드 미술관)에 보관되어 있으며, 다섯 번째 그림은 최근까지 그리스 억만장자 선주 개인 소장품이었습니다. 게오르그 엠비리코스. 그는 죽기 직전인 2011년 겨울에 이 집을 매물로 내놓기로 결정했습니다. 세잔의 "무료" 작품의 잠재적인 구매자는 미술상인 William Acquavella와 세계적으로 유명한 갤러리 소유주인 Larry Gagosian이었으며 이들은 약 2억 2천만 달러를 제안했습니다. 그 결과 이 그림은 아랍 국가 카타르 왕실에 2억 5천만 달러에 넘어갔고, 2012년 2월 회화 역사상 최대 규모의 예술 거래가 성사됐다. 저널리스트 Alexandra Pierce는 Vanity Fair에서 이 사실을 보도했습니다. 그녀는 그림의 가격과 새 소유자의 이름을 알아냈고 그 정보는 전 세계 언론에 퍼졌습니다.

아랍 박물관은 2010년 카타르에 문을 열었습니다. 현대 미술그리고 카타르 국립박물관. 이제 그들의 컬렉션이 늘어나고 있습니다. 아마도 The Card Players의 다섯 번째 버전은 이러한 목적으로 셰이크에 의해 인수되었을 것입니다.

제일값비싼 그림세상에

소유자
셰이크 하마드
빈 칼리파 알 타니

알 타니 왕조는 130년 넘게 카타르를 통치해 왔습니다. 약 반세기 전 이곳에서 엄청난 양의 석유와 가스가 발견되어 카타르는 즉시 세계에서 가장 부유한 지역 중 하나가 되었습니다. 탄화수소 수출 덕분에 이 작은 나라는 1인당 GDP가 가장 높습니다. 셰이크 하마드 빈 칼리파 알타니는 그의 아버지가 스위스에 있는 동안 가족들의 지원을 받아 1995년에 권력을 장악했습니다. 전문가들에 따르면 현 통치자의 장점은 국가 발전을 위한 명확한 전략과 성공적인 국가 이미지 창출에 있다고 합니다. 카타르에는 이제 헌법과 총리가 있으며, 여성은 의회 선거에서 투표할 권리가 있습니다. 그건 그렇고, Al-Jazeera 뉴스 채널을 설립 한 것은 카타르의 Emir였습니다. 아랍 국가 당국은 문화에 큰 관심을 기울입니다.

2 "넘버 5"

작가

잭슨 폴록

국가 미국
수명 1912–1956
스타일 추상 표현주의

잭 더 스프링클러(Jack the Sprinkler) - 이것은 그의 특별한 그림 기술로 인해 미국 대중이 폴록에게 붙인 별명이었습니다. 작가는 붓과 이젤을 버리고 캔버스나 섬유판의 주위와 내부에서 계속 움직이면서 그 표면에 물감을 붓는다. 그는 어릴 때부터 Jiddu Krishnamurti의 철학에 관심이 있었는데, 그 철학의 주요 메시지는 자유로운 '분출'을 통해 진실이 드러난다는 것입니다.

122x244cm
1948년
가격
1억 4천만 달러
판매된 2006년에
경매에 소더비

Pollock의 작업의 가치는 결과가 아니라 과정에 있습니다. 작가가 자신의 작품을 '액션 페인팅'이라고 부른 것은 우연이 아니다. 그의 가벼운 손길로 그것은 미국의 주요 자산이 되었습니다. 잭슨 폴락(Jackson Pollock)은 페인트에 모래와 깨진 유리를 섞어서 판지, 팔레트 나이프, 칼, 쓰레받기로 그림을 그렸습니다. 예술가는 너무 유명해서 1950년대에는 소련에서도 모방자가 발견되었습니다. 그림 "Number 5"는 세계에서 가장 이상하고 가장 비싼 그림 중 하나로 인식됩니다. 드림웍스의 창립자 중 한 명인 데이비드 게펜(David Geffen)은 개인 소장품으로 이 작품을 구입했고, 2006년 소더비 경매에서 멕시코 수집가 데이비드 마르티네스(David Martinez)에게 1억 4천만 달러에 팔렸습니다. 그러나 법률 회사는 곧 고객을 대신하여 David Martinez가 그림의 소유자가 아니라는 보도 자료를 발표했습니다. 한 가지 확실한 사실은 멕시코 금융가가 실제로 최근 현대 미술 작품을 수집했다는 것입니다. 그가 Pollock의 "Number 5"와 같은 "큰 물고기"를 놓쳤을 가능성은 거의 없습니다.

3 "여자 III"

작가

윌렘 데 쿠닝

국가 미국
수명 1904–1997
스타일 추상 표현주의

네덜란드 태생인 그는 1926년 미국으로 이민했다. 1948년에는 작가 개인전이 열렸다. 미술 평론가들은 복잡하고 신경질적인 흑백 구성을 높이 평가하며 작가를 위대한 모더니스트 예술가로 인정했습니다. 그는 평생을 알코올 중독으로 고통받았지만, 새로운 예술을 창조하는 기쁨은 작품마다 느껴진다. De Kooning은 그의 그림의 충동성과 넓은 스트로크로 구별되며, 이것이 때때로 이미지가 캔버스 경계 내에 맞지 않는 이유입니다.

121x171cm
1953년
가격
1억 3,700만 달러
판매된 2006년에
비공개 경매에서

1950년대 데 쿠닝의 그림에는 텅 빈 눈, 풍만한 가슴, 못생긴 얼굴의 여성들이 등장했다. "Woman III"은 경매에 나온 이 시리즈의 마지막 작품이었습니다.

이 그림은 1970년대부터 테헤란현대미술관에 보관됐으나 엄격한 도덕률이 도입되자 폐기를 시도했다. 1994년에 이 작품은 이란에서 수출되었고, 12년 후 이 작품의 소유자인 David Geffen(Jackson Pollock의 "Number 5"를 판매한 동일한 제작자)은 이 그림을 백만장자 Steven Cohen에게 1억 3750만 달러에 팔았습니다. 흥미롭게도 게펜은 1년 만에 자신의 그림 컬렉션을 팔기 시작했습니다. 이로 인해 많은 소문이 생겼습니다. 예를 들어 제작자가 Los Angeles Times 신문을 구매하기로 결정했다는 것입니다.

예술 포럼 중 하나에서는 Leonardo da Vinci의 그림 "Lady with an Ermine"과 "Woman III"의 유사성에 대한 의견이 표명되었습니다. 여 주인공의 이빨 미소와 엉성한 모습 뒤에 그림 감정가는 왕족의 우아함을 보았습니다. 이는 여성의 머리에 씌워진 왕관이 제대로 그려지지 않은 것에서도 알 수 있습니다.

4 "아델의 초상블로흐-바우어 I"

작가

구스타프 클림트

국가 오스트리아
수명 1862–1918
스타일 현대의

구스타프 클림트는 조각가의 집안에서 태어나 일곱 자녀 중 둘째로 태어났습니다. 에르네스트 클림트의 세 아들은 예술가가 되었지만, 구스타프만이 전 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 어린 시절의 대부분을 가난하게 보냈습니다. 아버지가 돌아가신 후 그는 온 가족을 책임지게 되었습니다. 클림트가 그의 스타일을 발전시킨 것은 바로 이 시기였다. 모든 관객은 그의 그림 앞에서 얼어 붙습니다. 얇은 금색 획 아래에서 솔직한 에로티시즘이 분명하게 보입니다.

138x136cm
1907년
가격
1억 3천 5백만 달러
판매된 2006년에
경매에 소더비

'오스트리아 모나리자'로 불리는 이 그림의 운명은 쉽게 베스트셀러의 기초가 될 수도 있다. 작가의 작품은 주 전체와 한 할머니 사이에 갈등을 일으켰습니다.

그래서 "아델레 블로흐-바우어의 초상 I"은 페르디난드 블로흐의 아내인 귀족을 묘사합니다. 그녀의 마지막 소원은 그림을 오스트리아 사람에게 넘겨주는 것이었습니다. 주립 갤러리. 그러나 블로흐는 유언장에 기부를 취소했고 나치는 그림을 압수했습니다. 나중에 갤러리는 Golden Adele을 구입하는 데 어려움을 겪었지만 Ferdinand Bloch의 조카 인 Maria Altman이라는 상속녀가 나타났습니다.

2005 년에 "오스트리아 공화국에 대한 마리아 알트만"이라는 유명한 재판이 시작되었고 그 결과 영화는 그녀와 함께 로스 앤젤레스로 "떠났습니다". 오스트리아는 전례없는 조치를 취했습니다. 대출 협상이 이루어졌고 인구는 초상화를 구입하기 위해 돈을 기부했습니다. 선은 결코 악을 이기지 않았습니다. 알트만은 가격을 3억 달러로 인상했습니다. 재판 당시 그녀의 나이는 79세였으며, 개인의 이익을 위해 블로흐바우어의 유언장을 바꾼 인물로 역사에 이름을 남겼다. 이 그림은 뉴욕 뉴갤러리의 소유주인 로널드 로더(Ronald Lauder)가 구입하여 오늘날까지 남아있습니다. 오스트리아가 아닌 그를 위해 Altman은 가격을 1억 3,500만 달러로 낮췄습니다.

5 "비명"

작가

에드워드 뭉크

국가 노르웨이
수명 1863–1944
스타일 표현주의

전 세계적으로 유명해진 뭉크의 첫 그림 '병든 소녀'(5부)는 15세에 결핵으로 세상을 떠난 뭉크의 여동생에게 헌정됐다. 뭉크는 항상 죽음과 외로움이라는 주제에 관심이 있었습니다. 독일에서는 그의 무겁고 정신없는 그림이 스캔들을 불러일으키기까지 했습니다. 그러나 우울한 주제에도 불구하고 그의 그림에는 특별한 자력이 있습니다. 예를 들어 "비명"을 들어보세요.

73.5x91cm
1895년
가격
1억 1999만 2천 달러
판매됨 2012
경매에 소더비

그림의 전체 제목은 Der Schrei der Natur(독일어에서 "자연의 외침"으로 번역됨)입니다. 인간이나 외계인의 얼굴은 절망과 공포를 표현합니다. 이는 시청자가 사진을 볼 때 경험하는 것과 동일한 감정입니다. 다음 중 하나 주요 작품표현주의는 20세기 예술에서 심각해진 주제에 대해 경고합니다. 한 버전에 따르면 작가는 평생 동안 겪은 정신 장애의 영향으로 그것을 만들었습니다.

이 그림은 여러 박물관에서 두 번 도난당했지만 반환되었습니다. 도난 이후 약간 손상을 입은 <절규>는 복원되어 2008년 뭉크 미술관에 다시 전시될 준비가 되었습니다. 대중 문화의 대표자들에게 이 작품은 영감의 원천이 되었습니다. Andy Warhol은 이 작품의 일련의 인쇄 사본을 만들었고 영화 "Scream"의 마스크는 그림 속 주인공의 이미지와 모양으로 만들어졌습니다.

뭉크는 한 주제에 대해 네 가지 버전의 작품을 썼습니다. 개인 소장품에 있는 작품은 파스텔로 만들어졌습니다. 노르웨이의 억만장자 페터 올슨(Petter Olsen)은 이 작품을 2012년 5월 2일 경매에 내놓았습니다. 구매자는 "Scream"에 기록적인 금액을 아끼지 않은 Leon Black이었습니다. Apollo Advisors의 창립자, L.P. 라이온스 고문, L.P. 예술을 사랑하는 것으로 유명하다. 블랙은 다트머스 대학, 현대 미술관, 링컨 아트 센터, 메트로폴리탄 미술관의 후원자입니다. 이곳은 지난 세기의 현대 예술가와 고전 거장들의 그림을 가장 많이 소장하고 있습니다.

6

"가슴과 녹색 나뭇잎을 배경으로 한 누드"

작가

파블로 피카소

국가 스페인, 프랑스
수명 1881–1973
스타일 입체파

그는 출신은 스페인 사람이지만 정신과 거주지는 진정한 프랑스인입니다. 피카소는 16세 때 바르셀로나에 자신의 미술 스튜디오를 열었습니다. 그런 다음 그는 파리로 가서 인생의 대부분을 그곳에서 보냈습니다. 그래서 그의 성에는 이중 악센트가 있습니다. 피카소가 창안한 스타일은 캔버스에 묘사된 사물을 한 각도에서만 볼 수 있다는 생각을 부정하는 데 기반을 두고 있습니다.

130x162cm
1932년
가격
1억 648만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 크리스티

로마에서 작업하는 동안 예술가는 곧 그의 아내가 된 댄서 Olga Khokhlova를 만났습니다. 그는 방랑을 끝내고 그녀와 함께 호화로운 아파트로 이사했습니다. 그 무렵에는 인정이 영웅을 찾았지만 결혼 생활은 파괴되었습니다. 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나는 거의 우연히 만들어졌습니다. 위대한 사랑, 항상 피카소와 마찬가지로 수명이 짧았습니다. 1927년에 그는 젊은 Marie-Therese Walter(그녀는 17세, 그는 45세)에게 관심을 갖게 되었습니다. 아내로부터 비밀리에 그는 여주인과 함께 파리 근처의 마을로 떠났고 그곳에서 다프네의 이미지로 마리 테레즈를 묘사하는 초상화를 그렸습니다. 캔버스는 뉴욕 딜러 Paul Rosenberg가 구입했으며 1951년에 Sidney F. Brody에게 판매되었습니다. Brodys는 예술가가 80세가 되었기 때문에 단 한 번만 세계에 그림을 보여주었습니다. 남편이 사망한 후 Brody 부인은 2010년 3월 Christie's 경매에 이 작품을 올렸습니다. 60년이 넘는 세월 동안 가격은 5,000배 이상 올랐습니다! 알려지지 않은 수집가가 1억 650만 달러에 구입했습니다. 2011년에는 영국에서 '한 그림 전시회'가 열렸는데, 그곳에서 두 번째로 공개됐지만 아직 주인이 누구인지는 알 수 없다.

7 "여덟 명의 엘비스"

작가

앤디 워홀

국가 미국
수명 1928-1987
스타일
팝 아트

컬트 팝아트 아티스트이자 감독이자 인터뷰 매거진의 창립자 중 한 명인 디자이너 앤디 워홀은 “섹스와 파티는 직접 출연해야 하는 유일한 장소”라고 말했습니다. 그는 Vogue 및 Harper's Bazaar와 함께 일했으며 레코드 커버를 디자인하고 I.Miller 회사를 위한 신발을 디자인했습니다. 1960년대에는 캠벨과 코카콜라 수프, 프레슬리와 먼로 등 미국의 상징을 묘사한 그림이 등장해 그를 전설로 만들었습니다.

358x208cm
1963년
가격
1억 달러
판매된 2008 년에
비공개 경매에서

워홀 60년대는 미국 팝아트 시대를 일컫는 명칭이다. 1962년 그는 뉴욕의 모든 보헤미안들이 모이는 맨해튼 팩토리 스튜디오에서 일했습니다. 저명한 대표자: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote 및 기타 세계의 유명한 인물. 동시에 워홀은 하나의 이미지를 반복적으로 반복하는 실크스크린 인쇄 기술을 테스트했습니다. 그는 또한 "The Eight Elvises"를 만들 때 이 방법을 사용했습니다. 시청자는 스타가 살아나는 영화의 장면을 보는 것 같습니다. 여기에는 작가가 그토록 사랑했던 모든 것이 있습니다. 상생의 공개 이미지, 은색, 죽음의 예감을 주요 메시지로 삼았습니다.

오늘날 세계 시장에서 워홀의 작품을 홍보하는 두 명의 미술상이 있습니다. 래리 가고시안(Larry Gagosian)과 알베르토 무그라비(Alberto Mugrabi)입니다. 전자는 2008년에 2억 달러를 들여 워홀의 작품 15점 이상을 구입했습니다. 두 번째 사람은 자신의 그림을 크리스마스 카드처럼 사고 팔지만, 더 높은 가격에만 팔 수 있습니다. 그러나 로마 예술 감정가 Annibale Berlinghieri가 "Eight Elvises"를 알려지지 않은 구매자에게 Warhol의 기록적인 금액 인 1 억 달러에 판매하도록 도운 것은 그들이 아니라 겸손한 프랑스 예술 컨설턴트 Philippe Segalot였습니다.

8 "주황색,빨간색 노란색"

작가

마크 로스코

국가 미국
수명 1903–1970
스타일 추상 표현주의

색면화의 창시자 중 한 명은 러시아 드빈스크(현 라트비아 다우가프필스)에서 태어났습니다. 대가족유대인 약사. 1911년에 그들은 미국으로 이주했다. 로스코는 예일대학교 미술과에서 공부하고 장학금을 받았지만 반유대주의 정서로 인해 학업을 그만뒀다. 그럼에도 불구하고 미술 평론가들은 예술가를 우상화했고 박물관은 평생 그를 추적했습니다.

206x236cm
1961년
가격
8,688만 2천 달러
판매된 2012 년에
경매에 크리스티

Rothko의 첫 번째 예술적 실험은 초현실주의 지향이었지만 시간이 지남에 따라 플롯을 색 반점으로 단순화하여 객관성을 박탈했습니다. 처음에는 밝은 색조를 띠다가 1960년대에 갈색과 보라색으로 바뀌다가 작가가 사망할 무렵에는 검은색으로 짙어졌습니다. 마크 로스코는 자신의 그림에서 어떤 의미도 찾지 말라고 경고했습니다. 저자는 자신이 말한 것을 정확히 말하고 싶었습니다. 공기 중에 색이 녹을 뿐이고 그 이상은 아닙니다. 그는 관객이 깔때기처럼 색상에 "끌어들도록" 45cm 거리에서 작품을 볼 것을 권장했습니다. 조심하십시오 : 모든 규칙에 따라 보는 것은 명상의 효과, 즉 무한에 대한 인식, 자신에 대한 완전한 몰입, 이완 및 정화로 이어질 수 있습니다. 그의 그림 속 색은 살아있고, 숨 쉬며, 강한 감정적 영향을 미칩니다(때로는 치유 효과가 있다고 합니다). 작가는 “시청자는 그것을 보면서 울어야 한다”고 선언했고 실제로 그런 일이 일어났다. 로스코의 이론에 따르면, 지금 이 순간에도 사람들은 그가 그림을 그리던 시절과 똑같은 영적 경험을 하고 있다고 한다. 그렇게 미묘한 수준에서 이해할 수 있었다면 이러한 추상 미술 작품이 비평가들에 의해 종종 아이콘과 비교된다는 사실에 놀라지 않을 것입니다.

'오렌지, 레드, 옐로우'라는 작품은 마크 로스코 회화의 정수를 표현한 작품이다. 뉴욕 크리스티 경매의 초기 가격은 3,500만~4,500만 달러입니다. 알려지지 않은 구매자가 예상 가격의 두 배를 제시했습니다. 종종 그렇듯이 그림의 행운의 주인의 이름은 공개되지 않습니다.

9 "삼부작"

작가

프랜시스 베이컨

국가
대 브리튼 섬
수명 1909–1992
스타일 표현주의

이름이 완전히 같고 위대한 철학자의 먼 후손이기도 한 프랜시스 베이컨의 모험은 그의 아버지가 아들의 동성애 성향을 받아들일 수 없어 그를 부인했을 때 시작되었습니다. 베이컨은 먼저 베를린으로 갔다가 파리로 갔는데, 그 후 그의 행적은 유럽 전역에서 혼란스러워졌습니다. 그의 생애 동안 그의 작품은 주요 전시회에 전시되었습니다. 문화 센터구겐하임 미술관과 트레티야코프 미술관을 포함한 세계 최고의 미술관입니다.

147.5x198cm(각각)
1976년
가격
8,620만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

일류 박물관들은 베이컨의 그림을 소장하려고 했지만, 영국의 원시 대중은 그런 예술품을 찾기 위해 서두르지 않았습니다. 전설적인 영국 총리 마가렛 대처(Margaret Thatcher)는 그에 대해 이렇게 말했습니다. “이 무서운 그림을 그리는 사람.”

작가 자신도 전후 시기를 작업의 시작 시기로 여겼다. 복무를 마치고 돌아온 그는 다시 그림을 그리기 시작하여 주요 걸작을 창작했습니다. "삼부작, 1976"에 참여하기 전에 베이컨의 가장 비싼 작품은 "교황 이노센트 10세의 초상화를 위한 연구"(5,270만 달러)였습니다. "Triptych, 1976"에서 예술가는 Furies에 의해 Orestes를 박해하는 신화적인 음모를 묘사했습니다. 물론 Orestes는 베이컨 그 자체이고 Furies는 그의 고통입니다. 30년 넘게 이 그림은 개인 소장품으로 전시되지 않았다. 이 사실은 특별한 가치를 부여하므로 비용이 증가합니다. 하지만 예술 감정가에게 몇 백만 달러, 그리고 그 만큼 관대한 사람의 돈은 얼마입니까? 로만 아브라모비치(Roman Abramovich)는 1990년대부터 자신의 컬렉션을 만들기 시작했으며, 그의 친구인 다샤 주코바(Dasha Zhukova)로부터 큰 영향을 받았습니다. 현대 러시아세련된 갤러리 주인. 비공식 자료에 따르면 이 사업가는 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti)와 파블로 피카소(Pablo Picasso)의 작품을 개인적으로 소유하고 있으며 1억 달러가 넘는 금액에 구입했습니다. 2008년에 그는 삼부작의 주인이 되었습니다. 그건 그렇고, 2011 년에는 베이컨의 또 다른 귀중한 작품 인 "루치안 프로이트의 초상화를위한 세 가지 스케치"가 획득되었습니다. 숨겨진 소식통에 따르면 Roman Arkadyevich가 다시 구매자가되었다고합니다.

10 "수련이 있는 연못"

작가

클로드 모네

국가 프랑스
수명 1840–1926
스타일 인상주의

작가는 자신의 그림에서 이 방법을 "특허"로 낸 인상주의의 창시자로 인정받고 있습니다. 첫 번째 중요한 작품은 "풀밭 위의 점심"(Edouard Manet 작품의 원본 버전)이었습니다. 그는 젊었을 때 캐리커처를 그렸고, 실제 그림해안을 따라 여행하는 동안 그리고 야외에서. 파리에서 그는 보헤미안적인 생활 방식을 이끌었고 군 복무 후에도 그것을 떠나지 않았습니다.

210x100cm
1919년
가격
8,050만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티

모네는 위대한 예술가였을 뿐만 아니라, 정원 가꾸기에 대한 열정도 있었고 사랑받았습니다. 야생 동물그리고 꽃. 그의 풍경에서 자연의 상태는 순간적이며, 사물은 공기의 움직임에 의해 흐려지는 것처럼 보인다. 큰 획으로 인해 인상이 향상되고 일정 거리에서는 눈에 보이지 않게 되고 질감이 있는 획으로 합쳐집니다. 입체적인 이미지. 후기 모네의 그림에서 물과 생명이라는 주제는 특별한 위치를 차지합니다. 지베르니 마을에 작가는 자신의 연못이 있었는데, 그곳에서 특별히 일본에서 가져온 씨앗으로 수련을 키웠습니다. 꽃이 피자 그는 그림을 그리기 시작했습니다. '수련' 시리즈는 작가가 세상을 떠날 때까지 약 30년에 걸쳐 그린 작품 60점으로 구성된다. 나이가 들수록 시력이 나빠졌지만 멈추지 않았습니다. 바람과 계절, 날씨에 따라 연못의 모습이 시시각각 변하는데, 모네는 이러한 변화를 포착하고 싶었습니다. 세심한 작업을 통해 그는 자연의 본질을 이해하게 되었다. 이 시리즈의 그림 중 일부는 국립 서양 미술관(도쿄), 오랑주리 미술관(파리) 등 세계 최고의 갤러리에 보관되어 있습니다. 다음 버전의 "수련이 있는 연못"이 기록적인 금액으로 알려지지 않은 구매자의 손에 들어갔습니다.

11 거짓 별 티

작가

재스퍼 존스

국가 미국
생년월일 1930
스타일 팝 아트

1949년 존스는 뉴욕의 디자인 학교에 입학했습니다. 잭슨 폴록(Jackson Pollock), 빌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning) 등과 함께 20세기의 주요 예술가 중 한 명으로 평가받고 있다. 2012년에는 미국 민간인에게 수여하는 최고의 영예인 대통령 자유 메달을 받았습니다.

137.2x170.8cm
1959년
가격
8천만 달러
판매된 2006년에
비공개 경매에서

Marcel Duchamp와 마찬가지로 Jones는 실제 물체를 사용하여 원본과 완전히 일치하도록 캔버스와 조각에 묘사했습니다. 그의 작품을 위해 그는 맥주병, 깃발, 카드 등 간단하고 이해하기 쉬운 물건을 사용했습니다. 영화 False Start에는 명확한 구성이 없습니다. 작가는 종종 그림의 색상에 "잘못" 표시를 하면서 색상의 개념 자체를 뒤집어 보는 사람과 장난을 치는 것 같습니다. "나는 색상이 다른 방법으로 결정될 수 있도록 색상을 묘사하는 방법을 찾고 싶었습니다." 비평가들에 따르면 그의 가장 폭발적이고 "자신감 없는" 그림은 알려지지 않은 구매자에 의해 구입되었습니다.

12 "앉아있다나체상소파에"

작가

아메데오 모딜리아니

국가 이탈리아, 프랑스
수명 1884–1920
스타일 표현주의

모딜리아니는 어린 시절부터 자주 아팠으며 열병에 걸린 동안 그는 예술가로서의 자신의 운명을 깨달았습니다. 그는 리보르노, 피렌체, 베니스에서 그림을 공부했고, 1906년에 파리로 가서 그의 예술이 번창했습니다.

65x100cm
1917년
가격
6,896만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 소더비

1917년 모딜리아니는 19세의 잔느 에뷔테른(Jeanne Hebuterne)을 만났고, 그녀는 그의 모델이자 아내가 되었습니다. 2004년에는 그녀의 초상화 중 하나가 3,130만 달러에 팔렸는데, 이는 2010년 '소파에 앉아 있는 누드' 판매 이전 마지막 기록입니다. 그림은 현재 Modigliani의 최대 가격으로 알려지지 않은 구매자에 의해 구입되었습니다. 활발한 작품 판매는 작가가 죽은 후에야 시작되었습니다. 그는 결핵으로 가난하게 세상을 떠났고, 다음날 임신 9개월이었던 잔느 에뷔테른(Jeanne Hebuterne)도 자살했다.

13 "소나무 위의 독수리"

작가

치바이시

국가 중국
수명 1864–1957
스타일 궈화

서예에 대한 관심이 제백석을 그림으로 이끌었습니다. 28세에 화가 후칭위안(Hu Qingyuan)의 제자가 되었다. 중국 문화부는 그에게 '위대한 예술가'라는 칭호를 수여했습니다. 중국인", 1956년에 그는 국제평화상을 받았다.

10x26cm
1946년
가격
6,540만 달러
판매된 2011 년에
경매에 차이나 가디언

Qi Baishi는 많은 사람들이 중요성을 부여하지 않는 주변 세계의 표현에 관심이 있었고 이것이 그의 위대함입니다. 교육을 받지 못한 사람이 교수가 되었고 역사상 뛰어난 창조자가 되었습니다. 파블로 피카소는 그에 대해 이렇게 말했습니다. “중국에 제백석이 있기 때문에 당신네 나라에 가기가 두렵습니다.” "소나무 위의 독수리"라는 작품은 작가의 가장 큰 작품으로 인정 받고 있습니다. 캔버스 외에도 두 개의 상형 문자 두루마리가 포함되어 있습니다. 중국의 경우 작품 구매 금액은 4억 2,550만 위안이라는 기록적인 금액을 기록했습니다. 고대 서예가 황정견의 두루마리만 4억 3,680만 달러에 팔렸습니다.

14 "1949-A-No. 1"

작가

클리포드 스틸

국가 미국
수명 1904–1980
스타일 추상 표현주의

20살 때 뉴욕 메트로폴리탄 미술관을 방문하고 실망했습니다. 나중에 그는 Student Arts League의 과정에 등록했지만 수업 시작 후 45분 후에 떠났습니다. 이는 "그에게 적합하지 않은" 것으로 판명되었습니다. 첫 번째 개인전은 반향을 불러일으켰고, 작가는 자신을 발견했으며, 이를 통해 인지도를 얻었다.

79x93cm
1949년
가격
6,170만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비

800여 점의 캔버스와 1,600여 점의 종이 작업 등 그의 모든 작품을 미국의 한 도시에 남겼고, 그곳에 그의 이름을 딴 박물관이 열릴 예정이다. 덴버는 그런 도시가 되었지만 당국이 건설 비용만 부담하고 이를 완성하기 위해 네 작품을 경매에 내놨다. 스틸의 작품은 다시 경매될 가능성이 낮아 미리 가격을 인상했다. 그림 "1949-A-No.1"은 예술가로서는 기록적인 금액으로 판매되었지만 전문가들은 최대 2,500만 ~ 3,500만 달러에 판매될 것으로 예상했습니다.

15 "우월주의적 구성"

작가

카지미르 말레비치

국가 러시아
수명 1878–1935
스타일 우월주의

말레비치는 키예프에서 그림을 공부했습니다. 예술 학교, 그런 다음 모스크바 예술 아카데미에서. 1913년에 그는 Suprematism(라틴어로 “지배”를 뜻함)이라고 부르는 스타일로 추상적이고 기하학적인 그림을 그리기 시작했습니다.

71x88.5cm
1916년
가격
6천만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

이 그림은 약 50년 동안 암스테르담 시립박물관에 보관됐으나 말레비치의 친척들과 17년간의 논쟁 끝에 박물관에서 이를 양도했다. 작가는 이 작품을 '지상주의 선언'과 같은 해에 그렸기 때문에 소더비는 경매 전부터 이 작품이 6천만 달러 미만으로는 개인 소장품에 들어가지 않겠다고 밝혔습니다. 그래서 그런 일이 일어났습니다. 위에서 보는 것이 더 좋습니다. 캔버스의 그림은 지구의 조감도와 비슷합니다. 그건 그렇고, 몇 년 전에 같은 친척이 MoMA 박물관에서 또 다른 "최고주의 작품"을 압수하여 필립스 경매에서 1,700만 달러에 판매했습니다.

16 "목욕하는 사람들"

작가

폴 고갱

국가 프랑스
수명 1848–1903
스타일 후기 인상주의

작가는 7세까지 페루에 살다가 가족과 함께 프랑스로 돌아왔지만 어린 시절의 추억으로 인해 끊임없이 여행을 떠났다. 프랑스에서 그는 그림을 그리기 시작했고 반 고흐와 친구가 되었습니다. 그는 반 고흐가 싸움 중에 귀를 잘릴 때까지 Arles에서 그와 몇 달을 보냈습니다.

93.4x60.4cm
1902년
가격
5,500만 달러
판매된 2005년에
경매에 소더비

1891년 고갱은 수익금을 타히티 섬 깊숙한 곳으로 여행하는 데 사용하기 위해 자신의 그림 판매를 조직했습니다. 그곳에서 그는 자연과 인간 사이의 미묘한 연결이 느껴지는 작품을 만들었습니다. 고갱은 초가집에서 살았고 그의 캔버스에는 열대 낙원이 피어났습니다. 그의 아내는 13세의 타히티 출신 테후라였는데, 이는 예술가가 난잡한 관계에 참여하는 것을 막지 못했습니다. 매독에 걸린 그는 프랑스로 떠났습니다. 그러나 그곳에는 고갱이 붐비고, 그는 타히티로 돌아왔습니다. 이 시기를 "두 번째 타히티인"이라고 합니다. 당시 그의 작품에서 가장 호화로운 그림 중 하나인 "목욕하는 사람들"이라는 그림이 그려졌습니다.

17

"블루와 핑크 톤의 수선화와 식탁보"

작가

앙리 마티스

국가 프랑스
수명 1869–1954
스타일 야수파

1889년에 앙리 마티스는 맹장염에 걸렸습니다. 그가 수술에서 회복 중이었을 때, 그의 어머니는 그에게 물감을 사주었습니다. 처음에 마티스는 지루함 속에서 컬러 엽서를 복사한 다음, 루브르 박물관에서 본 위대한 화가들의 작품을 복사했고, 20세기 초에는 야수파라는 스타일을 생각해 냈습니다.

65.2x81cm
1911년
가격
4,640만 달러
판매된 2009 년에
경매에 크리스티

그림 "파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"는 오랫동안 Yves Saint Laurent의 소유였습니다. 디자이너가 사망한 후, 그의 미술 컬렉션 전체는 그의 친구이자 연인인 피에르 베르제(Pierre Berger)의 손에 넘어갔고, 피에르 버거(Pierre Berger)는 이를 크리스티 경매에 올리기로 결정했습니다. 판매된 컬렉션의 진주는 캔버스 대신 일반 식탁보에 그린 그림 "파란색과 분홍색 톤의 수선화와 식탁보"였습니다. 야수파의 한 예로서, 색의 에너지로 가득 차 있으며, 색이 폭발하고 비명을 지르는 것처럼 보입니다. 식탁보에 그린 유명한 그림 시리즈 중 현재 이 작품은 개인 소장품으로 소장되어 있는 유일한 작품입니다.

18 "잠자는 소녀"

작가

로이이씨

텐슈타인

국가 미국
수명 1923–1997
스타일 팝 아트

작가는 뉴욕에서 태어나 학교를 졸업한 후 오하이오로 가서 미술 수업을 들었습니다. 1949년 리히텐슈타인은 석사 학위를 받았습니다. 미술. 만화에 대한 그의 관심과 아이러니를 활용하는 능력은 그를 지난 세기의 컬트 예술가로 만들었습니다.

91x91cm
1964년
가격
4,488만 2천 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비

어느 날 껌이 리히텐슈타인의 손에 떨어졌습니다. 그는 삽입된 그림을 캔버스에 다시 그려 유명해졌습니다. 그의 전기에 나오는 이 이야기에는 팝아트의 전체 메시지가 담겨 있습니다. 소비는 새로운 신이며, 껌 포장지의 아름다움은 모나리자 못지않습니다. 그의 그림은 만화와 만화를 연상시킵니다. 리히텐슈타인은 완성된 이미지를 확대하고 래스터를 그리고 스크린 인쇄와 실크스크린 인쇄를 사용했습니다. 그림 "Sleeping Girl"은 거의 50년 동안 수집가 Beatrice와 Philip Gersh의 소유였으며 그의 상속인이 경매에서 판매했습니다.

19 "승리. 부기 우기"

작가

피에트 몬드리안

국가 네덜란드
수명 1872–1944
스타일 신생물증

나의 실제 이름– 코르넬리스 – 예술가는 1912년 파리로 이주하면서 몬드리안으로 바뀌었습니다. 그는 예술가 테오 판 두스부르크(Theo van Doesburg)와 함께 신조형주의(Neoplasticism) 운동을 창시했습니다. Piet 프로그래밍 언어는 Mondrian의 이름을 따서 명명되었습니다.

27x127cm
1944년
가격
4천만 달러
판매된 1998년에
경매에 소더비

20세기 예술가 중 가장 "뮤지컬"한 예술가는 신생물 예술가로 유명해졌지만 수채화 정물화로 생계를 유지했습니다. 그는 1940년대에 미국으로 이주하여 그곳에서 여생을 보냈습니다. 그에게 가장 큰 영감을 준 것은 재즈와 뉴욕이었습니다! 그림“승리. 부기우기(Boogie-Woogie)'가 가장 좋은 예이다. 시그니처인 깔끔한 사각형은 몬드리안이 가장 좋아하는 재료인 접착 테이프를 사용하여 구현되었습니다. 미국에서 그는 '가장 유명한 이민자'로 불렸다. 60년대에 이브 생 로랑(Yves Saint Laurent)은 커다란 체크 무늬 프린트가 있는 세계적으로 유명한 "몬드리안" 드레스를 출시했습니다.

20 "구성 번호 5"

작가

바질칸딘스키

국가 러시아
수명 1866–1944
스타일 아방가르드

작가는 모스크바에서 태어났고 그의 아버지는 시베리아 출신이다. 혁명 후 그는 소련 정부와 협력하려고 노력했지만 곧 프롤레타리아트의 법이 자신을 위해 만들어지지 않았으며 어려움 없이 독일로 이주했다는 것을 깨달았습니다.

275x190cm
1911년
가격
4천만 달러
판매된 2007 년에
경매에 소더비

칸딘스키는 물체 그림을 완전히 포기한 최초의 사람 중 한 명으로 천재라는 칭호를 받았습니다. 독일 나치 시대에 그의 그림은 '퇴폐 미술'로 분류되어 어디에도 전시되지 않았습니다. 1939년 칸딘스키는 프랑스 시민권을 취득했고 파리에서 예술 과정에 자유롭게 참여했습니다. 그의 그림은 푸가처럼 '소리'가 나기 때문에 많은 사람들이 '작곡'이라고 부릅니다(첫 번째 작품은 1910년에, 마지막 작품은 1939년에 작성되었습니다). '구성번호 5'는 이 장르의 핵심 작품 중 하나다. 작가는 "'구성'이라는 단어가 마치 기도처럼 들렸다"고 말했다. 많은 추종자들과 달리 그는 마치 노트를 쓰듯이 거대한 캔버스에 무엇을 묘사할지 계획했습니다.

21 <푸른 옷을 입은 여인에 관한 연구>

작가

페르낭 레제

국가 프랑스
수명 1881–1955
스타일 입체파-포스트 인상주의

Léger는 건축 교육을 받은 후 파리의 Ecole des Beaux-Arts에 다녔습니다. 작가는 자신을 세잔의 추종자로 여겼고, 입체파를 옹호했으며, 20세기에는 조각가로도 성공했다.

96.5x129.5cm
1912년~1913년
가격
3,920만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

소더비 인상주의 및 모더니즘 국제 부서의 회장인 데이비드 노먼(David Norman)은 “The Lady in Blue”에 지불된 막대한 금액이 완전히 정당하다고 생각합니다. 이 그림은 유명한 Léger 컬렉션에 속하며(작가는 한 주제에 세 개의 그림을 그렸으며, 그 중 마지막 그림은 현재 개인 소유입니다. -Ed.), 캔버스 표면은 원래 형태로 보존되었습니다. 작가 자신이 이 작품을 Der Sturm 갤러리에 기증한 후 독일의 모더니즘 수집가인 Hermann Lang의 컬렉션에 포함되었으며 현재는 알려지지 않은 구매자의 소유입니다.

22 “거리 장면. 베를린"

작가

에른스트 루트비히키르히너

국가 독일
수명 1880–1938
스타일 표현주의

독일 표현주의의 경우 키르히너는 상징적인 인물이 되었습니다. 그러나 지방 당국은 그가 '퇴폐적 예술'을 고수했다고 비난했으며, 이는 그의 그림의 운명과 1938년 자살한 예술가의 삶에 비극적인 영향을 미쳤습니다.

95x121cm
1913년
가격
3,809만 6천 달러
판매된 2006년에
경매에 크리스티

베를린으로 이주한 후 키르히너는 거리 풍경을 11점의 스케치로 그렸습니다. 그는 대도시의 분주함과 긴장감에서 영감을 받았습니다. 2006년 뉴욕에서 판매된 이 그림에서는 작가의 불안한 상태가 특히 극명하게 느껴진다. 베를린 거리의 사람들은 우아하면서도 위험한 새를 닮았다. 이 작품은 경매에서 팔린 유명한 시리즈의 마지막 작품이었으며 나머지 작품은 박물관에 보관되어 있습니다. 1937년 나치는 키르히너를 가혹하게 대우했습니다. 그의 작품 중 639점이 독일 갤러리에서 제거되거나 파괴되거나 해외로 판매되었습니다. 예술가는 이것을 살아남을 수 없었습니다.

23 "행락객"춤추는 사람"

작가

에드가 드가

국가 프랑스
수명 1834–1917
스타일 인상주의

예술가로서 드가의 역사는 루브르 박물관의 필사자로 일하면서 시작되었습니다. 그는 '유명하면서도 무명인'이 되는 것을 꿈꿨고, 결국 성공했다. 청각 장애와 시각 장애가 있는 80세의 드가는 생애 마지막에도 계속해서 전시회와 경매에 참석했습니다.

64x59cm
1879년
가격
3,704만 3천 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

드가는 “발레리나는 항상 직물을 묘사하고 움직임을 포착하기 위한 구실일 뿐이었습니다.”라고 말했습니다. 무용수들의 삶의 장면이 염탐된 것 같습니다. 소녀들은 예술가를 위해 포즈를 취하는 것이 아니라 단순히 드가의 시선에 사로잡힌 분위기의 일부가 되었습니다. “Resting Dancer”는 1999년에 2,800만 달러에 팔렸고, 10년이 채 지나지 않아 3,700만 달러에 구입되었습니다. 오늘날 이 작품은 지금까지 경매에 나온 작가의 작품 중 가장 비싼 작품입니다. 많은 관심 Degas는 프레임에 관심을 기울이고 직접 디자인했으며 변경을 금지했습니다. 판매되는 그림에는 어떤 프레임이 설치되어 있는지 궁금합니다.

24 "그림"

작가

호안 미로

국가 스페인
수명 1893–1983
스타일 추상 미술

동안 내전스페인에서는 예술가가 공화당 편에 섰습니다. 1937년에 그는 파시스트 정권을 피해 파리로 도망쳐 가족과 함께 가난하게 살았습니다. 이 기간 동안 미로는 “스페인을 도와주세요!”라는 그림을 그려 파시즘의 지배에 대해 전 세계의 관심을 끌었습니다.

89x115cm
1927년
가격
3,682만 4천 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비

그림의 두 번째 제목은 “ 파란 별" 작가는 같은 해에 "그림을 죽이고 싶다"고 발표하면서 캔버스를 무자비하게 조롱하고 손톱으로 페인트를 긁고 캔버스에 깃털을 붙이고 작품을 쓰레기로 덮었습니다. 그의 목표는 그림의 신비에 대한 신화를 폭로하는 것이었지만 이에 대처하여 Miro는 자신의 신화, 즉 초현실적 추상화를 만들었습니다. 그의 '회화'는 '꿈의 그림'의 순환에 속한다. 경매에서는 4명의 구매자가 이를 두고 싸웠으나 한 번의 익명 전화 통화로 분쟁이 해결되었고 '그림'은 작가의 가장 비싼 그림이 되었습니다.

25 "파란 장미"

작가

이브 클라인

국가 프랑스
수명 1928–1962
스타일 흑백 그림

작가는 화가 집안에서 태어났지만 동양어, 항해술, 금도금 공예, 선불교 등을 공부했습니다. 그의 성격과 건방진 장난은 흑백 그림보다 몇 배나 더 흥미로 웠습니다.

153x199x16cm
1960년
가격
3,677만9천 달러
2012년에 판매됨
크리스티 경매에서

노란색, 주황색, 분홍색 단색 작품의 첫 번째 전시는 대중의 관심을 불러일으키지 못했습니다. 클라인은 기분이 상했고 다음번에는 특수 합성 수지와 군청색을 섞은 동일한 캔버스 11개를 선보였습니다. 그는 심지어 이 방법에 대해 특허를 냈습니다. 그 색은 역사에 “국제적”으로 기록되었습니다. 파란색클라인." 작가는 또한 공허함을 팔기도 하고, 종이를 비에 노출시켜 그림을 그리기도 하고, 판지에 불을 붙이기도 하고, 캔버스에 사람의 몸을 프린트하기도 했다. 한마디로 나는 최선을 다해 실험했습니다. “블루 로즈”를 만들기 위해 저는 건조된 안료, 레진, 자갈, 천연 스펀지를 사용했습니다.

26 "모세를 찾아서"

작가

로렌스 알마 타데마 경

국가 대 브리튼 섬
수명 1836–1912
스타일 신고전주의

로렌스 경은 자신이 미술 카탈로그에 처음으로 등재될 수 있도록 성에 접두사 “alma”를 추가했습니다. 빅토리아 시대 영국에서는 그의 그림에 대한 수요가 너무 많아서 예술가가 기사 작위를 받았습니다.

213.4x136.7cm
1902년
가격
3,592만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비

Alma-Tadema 작품의 주요 주제는 고대였습니다. 그의 그림에서 그는 로마 제국 시대를 가장 세밀하게 묘사하려고 노력했습니다. 고고학 발굴 Apennine 반도와 그의 런던 집에서 그는 그 시대의 역사적인 내부를 재현했습니다. 신화적인 주제는 그에게 또 다른 영감의 원천이 되었습니다. 예술가는 일생 동안 수요가 매우 많았지 만 사망 후 금방 잊혀졌습니다. 이제 '모세를 찾아서' 그림의 가격이 사전 판매 예상 가격의 7배에 달하는 등 관심이 다시 살아나고 있다.

27

"잠든 알몸의 공무원의 초상"

작가

루시안 프로이트

국가 독일,
대 브리튼 섬
수명 1922–2011
스타일 비유적인 그림

화가는 정신분석학의 아버지인 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 손자이다. 독일에 파시즘이 확립된 후 그의 가족은 영국으로 이주했습니다. 프로이트의 작품은 런던의 월리스 컬렉션 박물관에 소장되어 있는데, 이전에는 현대 예술가가 전시한 적이 없습니다.

219.1x151.4cm
1995년
가격
3,360만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티

20세기의 패셔너블한 예술가들이 긍정적인 “벽에 색 반점”을 만들어 수백만 달러에 팔았다면, 프로이트는 극도로 자연주의적인 그림을 그려서 훨씬 더 높은 가격에 팔았습니다. “나는 영혼의 울부짖음과 시들어가는 육체의 고통을 포착합니다.”라고 그는 말했습니다. 비평가들은 이 모든 것이 지그문트 프로이트의 "유산"이라고 믿습니다. 그림은 매우 활발하게 전시되고 성공적으로 판매되어 전문가들은 의심하기 시작했습니다. 최면 특성이 있습니까? The Sun에 따르면, 경매에서 판매된 잠자는 누드 관리의 초상화는 미인 감정가이자 억만장자 로만 아브라모비치(Roman Abramovich)가 구입했습니다.

28 "바이올린과 기타"

작가

엑스그리스 하나

국가 스페인
수명 1887–1927
스타일 입체파

마드리드에서 태어나 예술 공예 학교를 졸업했습니다. 1906년에 그는 파리로 이주하여 그 시대의 가장 영향력 있는 예술가들인 Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger의 서클에 들어갔고 Sergei Diaghilev 및 그의 극단과도 작업했습니다.

5x100cm
1913년
가격
2,864만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 크리스티

Gris는 자신의 표현에 따르면 “평면적이고 채색된 건축”에 종사했습니다. 그의 그림은 정확하게 생각되었습니다. 그는 단일 임의의 획을 남기지 않았으며 이는 창의성을 기하학과 유사하게 만듭니다. 예술가는 입체주의의 창시자인 파블로 피카소를 크게 존경하면서도 자신만의 입체파 버전을 창조했습니다. 후계자는 입체파 스타일의 첫 번째 작품인 "피카소에 대한 찬사"를 그에게 헌정하기도 했습니다. 그림 "바이올린과 기타"는 작가의 작품에서 뛰어난 작품으로 인정 받고 있습니다. 평생 동안 Gris는 유명했고 비평가와 미술 평론가의 호평을 받았습니다. 그의 작품은 세계 최대의 박물관에 전시되어 있으며 개인 소장품으로 보관되어 있습니다.

29 "초상화엘뤼아르의 들판'

작가

살바도르 달리

국가 스페인
수명 1904–1989
스타일 초현실주의

초현실주의 그룹에서 쫓겨난 달리는 “초현실주의가 바로 나다”라고 말했다. 시간이 지나면서 그는 가장 유명한 초현실주의 예술가가 되었습니다. 달리의 작품은 갤러리뿐만 아니라 어디에나 있습니다. 예를 들어 Chupa Chups의 포장을 생각해 낸 사람은 바로 그 사람이었습니다.

25x33cm
1929년
가격
2,060만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비

1929년 시인 Paul Eluard와 그의 러시아 아내 Gala가 위대한 도발가이자 싸움꾼인 Dali를 방문했습니다. 그 만남은 반세기 이상 이어진 사랑 이야기의 시작이었습니다. 이번 역사적인 방문 중에 그림 "폴 엘뤼아르의 초상화"가 그려졌습니다. “나는 올림푸스에서 뮤즈 중 하나를 훔친 시인의 얼굴을 포착하는 책임이 나에게 맡겨졌다고 느꼈습니다.”라고 작가는 말했습니다. 갈라를 만나기 전 그는 처녀였고 여자와의 섹스에 대한 생각에 혐오감을 느꼈다. 삼각 관계 Eluard가 죽을 때까지 존재했으며 그 후 Dali-Gala 듀엣이되었습니다.

30 "기념일"

작가

마크 샤갈

국가 러시아, 프랑스
수명 1887–1985
스타일 아방가르드

모이세 시갈(Moishe Segal)은 비테프스크에서 태어났으나 1910년 파리로 이주해 이름을 바꾸며 당대의 대표적인 아방가르드 예술가들과 가까워졌다. 1930년대 나치가 집권하자 그는 미국 영사의 도움을 받아 미국으로 떠났다. 그는 1948년에야 프랑스로 돌아왔다.

80x103cm
1923년
가격
1,485만 달러
1990년에 판매됨
소더비 경매에서

그림 "Anniversary"는 작가의 최고의 작품 중 하나로 인정 받고 있습니다. 그것은 그의 작품의 모든 특징을 담고 있습니다. 물리 법칙세계, 부르주아 생활의 풍경에는 동화 같은 느낌이 보존되어 있으며 사랑이 줄거리의 중심에 있습니다. 샤갈은 사람들을 삶에서 그린 것이 아니라 기억이나 상상에서만 그렸습니다. 그림 "Anniversary"는 예술가 자신과 그의 아내 Bela를 묘사합니다. 이 그림은 1990년에 판매되었으며 그 이후로 경매에 나오지 않았습니다. 흥미롭게도 뉴욕 현대 미술관(MoMA)에는 "생일"이라는 이름으로만 똑같은 작품이 소장되어 있습니다. 그건 그렇고, 그것은 1915 년에 더 일찍 작성되었습니다.

프로젝트를 준비했습니다
타티아나 팔라소바
등급이 집계되었습니다
목록에 따르면 www.art-spb.ru
Tmn 매거진 13호 (2013년 5월~6월)

"경치 자작나무 숲도로" 120x100
팔레트 나이프, 오일, 캔버스
콘스탄틴 로리스멜리코프

21세기 예술
— 잡식성,
냉소적, 아이러니하고 냉소적이며 민주적-위대한 시대의 쇠퇴라고 불렀습니다.

포스트모더니스트들은 모든 것이 이미 말해져 있는 상황에 처해 있습니다. 그리고 그들이 해야 할 일은 자신이 만든 것을 사용하고, 스타일을 혼합하고, 새롭지는 않지만 알아볼 수 있는 예술 작품을 만드는 것뿐입니다...

가장 밝은 방향:

신현실주의;

최소한의 예술;

포스트모던;

초현실주의;

설치;

환경;

비디오아트;

낙서;

트랜스아방가르드;

바디 아트;

고집주의;

신생물증;

거리 미술;

메일아트;

예술이 없습니다.

1. 신자유주의.
이것은 전후 비관주의에 맞서 싸운 전후 이탈리아의 예술이다.

예술의 새로운 전선이 하나로 뭉치다
추상화주의자와 현실주의자로 활동한 기간은 고작 4년에 불과했습니다. 하지만
그들은 그를 떠났어 유명한 예술가: 가브리엘 무치, 레나토 구투소, 에르네스토
트레카니. 그들은 노동자와 농민을 생생하고 표현력있게 묘사했습니다.

비슷한 경향이 다른 곳에서도 나타났습니다.
그러나 가장 눈에 띄는 학파는 신현실주의 학파로 간주됩니다.
기념비주의자인 디에고 리베라의 노력을 통해 미국에 나타났습니다.

시계: 레나토 구투소

디에고 리베라의 프레스코화 - 대통령 궁(멕시코시티, 멕시코).

멕시코 시티의 프라도 호텔에 있는 디에고 리베라의 프레스코화 조각 "Dream of 일요일 오후알라메다 파크에서', 1948

2. 최소 예술.
이것이 아방가르드주의의 방향이다.
간단한 형식을 사용하고 모든 연결을 제외합니다.

칼 앙드레, 1964

이런 추세는 결국 미국에서 나타났습니다.
60년대. 미니멀리스트들은 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)을 직계 선배라고 불렀습니다.
(기성품), 피에트 몬드리안(신생물학), 카지미르 말레비치
(최고주의) 그들은 그의 검은 사각형을 첫 번째 작품이라고 불렀습니다.
최소한의 예술.

매우 단순하고 기하학적임
올바른 구성 - 플라스틱 상자, 금속 막대,
콘 - 예술가의 스케치에 따라 산업 기업에서 제작되었습니다.

바라보다:

도널드 저드, 칼의 작품
앙드레, 솔 레비타 – 구겐하임 미술관(뉴욕, 미국), 미술관
현대미술(뉴욕, 미국), 메트로폴리탄 미술관(뉴욕,
미국).

3. 포스트모던. 이것은 20세기 후반의 비현실적인 경향의 큰 목록입니다.

반체기 무투. 콜라주 “성인 여성의 생식기”, 2005

순환성은 예술의 특징이지만,
포스트모더니티는 '부정의 부정'의 첫 번째 사례였습니다. 처음에는
모더니즘은 고전을 거부했고, 포스트모더니즘은 모더니즘을 거부했습니다.
그는 이전에 고전을 거부했습니다. 포스트모더니스트들은 그러한 형태로 돌아왔고,
모더니즘 이전에 존재했지만 더 높은 수준의 스타일.

포스트모더니즘은 시대의 산물이다
최신 기술. 그러므로 그것은 특징- 이것은 혼합물이다
스타일, 이미지, 다양한 시대 및 하위 문화. 포스트 모더니스트에게 가장 중요한 것은
인용문이 되었고 인용문을 능숙하게 저글링했습니다.

참조: 테이트 갤러리(런던,
영국), 국립현대미술관 퐁피두센터
(프랑스 파리), 구겐하임 미술관 (뉴욕, 미국).

초현실주의. 사진을 모방한 예술.

척 클로즈. "로버트", 1974

이 예술은 초현실주의(Superrealism)라고도 불린다.
포토리얼리즘, 급진적 리얼리즘 또는 냉정한 리얼리즘. 이것이 나타났다
60년대와 10년 후에는 미국의 방향이 널리 퍼졌습니다.
유럽.

초현실주의, 포토리얼리즘, 돈 에디,

이 운동의 예술가들은 바로
사진에 보이는 대로 세상을 복사하세요. 예술가들의 작품에는
인간이 만든 제품에 대한 아이러니를 읽을 수 있습니다. 화가들은 주로 그림을 그립니다.
현대 대도시의 삶에 대한 이야기.

리처드 에스테스- 상점 창문, 자동차 후드 또는 카페 카운터에 대도시의 모습을 묘사하는 것을 좋아합니다.

바라보다:

Chuck Close, Don Eddie, Richard Estes의 작품 - 메트로폴리탄 미술관, 구겐하임 미술관(미국 뉴욕), 브루클린 미술관(미국).

5. 설치.
이것은 무엇이든 만들 수 있는 갤러리의 구성입니다. 가장 중요한 것은 하위 텍스트와 아이디어가 있다는 것입니다.

분수(뒤샹)

이런 일은 일어나지 않을 가능성이 크다
Duchamp의 상징적인 소변기가 아니라면 방향. 세계의 주요 이름
설치자: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis 및 Kabakov.

"짐 다인. 퐁피두 센터 소장품 중"

설치에서 가장 중요한 것은 예술가들이 진부한 사물들이 충돌하는 서브텍스트와 공간이다.

바라보다:
테이트 모던(영국 런던), 구겐하임 미술관(미국 뉴욕).

6. 환경.
이는 실제 환경을 모방하는 3차원 구성을 만드는 기술입니다.

환경 예술의 운동으로서
20세기 20년대에 등장했습니다. 시대보다 몇 가지 앞서
수십 년 동안 다다이스트 예술가가 대중에게 자신의 작품을 선보였을 때
작품 '메르츠 빌딩(Merz-building)'은 다양한 오브제와
묵상 외에는 적합하지 않은 재료입니다.

에드워드 키엔홀츠

화분으로서의 역사

반세기 후에 이 장르는
Edward Kienholz와 George Siegel이 일하고 성공했습니다. 당신의 일에
그들은 필연적으로 망상적 환상의 충격적인 요소를 도입했습니다.

바라보다:
에드워드 키엔홀츠(Edward Kienholz)와 조지 시겔(George Siegel)의 작품
— 현대 미술관(스웨덴 스톡홀름)

7. 비디오 아트.
이러한 추세는 20세기 후반 휴대용 비디오 카메라의 출현으로 인해 발생했습니다.

이것은 예술을 다시 되돌리려는 또 다른 시도이다.
현실이지만 이제는 비디오와 컴퓨터 기술의 도움으로 가능해졌습니다.
미국인 백남준이 교황이 거리를 지나가는 모습을 영상으로 만들었다.
뉴욕을 거쳐 최초의 비디오 아티스트가 되었습니다.

백남준의 실험이 영향을 미쳤다
텔레비전, 뮤직 비디오(그는 MTV 채널의 창립자였습니다),
영화에서의 컴퓨터 효과. June Pike, Bill Viola의 작품이 해냈습니다.
예술의 방향은 실험을 위한 활동 분야입니다. 그들은 넣어
'비디오 조각', '비디오 설치', '비디오 오페라'의 시작.

바라보다:
사이키델릭에서 소셜까지 다양한 비디오 아트
(중국에서 인기, Youtube.com에서 Chen-che-yen)

8. 낙서.
집 벽에 새겨진 비문과 그림은 대담한 메시지를 담고 있습니다.

70년대 북부에서 처음 등장
미국. 한 지역의 갤러리 소유자가 외모에 참여했습니다.
맨해튼. 그들은 옆집에 사는 사람들의 창의성을 후원하는 사람이 되었습니다.
푸에르토리코인과 자메이카인. 그래피티는 도시적인 요소를 결합합니다.
하위 문화와 민족.

팝아트 천재 키스 해링

그래피티 역사에 등장하는 이름: Keith Haring,
장 미셸 바스키아, 존 마톰, 케니 샤프. 악명 높은 성격
- 영국의 그래피티 아티스트 뱅크시(Banksy). 그의 작품이 담긴 엽서가 곳곳에 있다
영국 기념품 가게

바라보다:
Graffiti Museum(미국 뉴욕), Banksy의 작품(banksy.co.uk 웹사이트).

9. 트랜스아방가르드.
포스트모던 회화의 경향 중 하나. 과거와 새로운 회화, 표현력을 결합합니다.

트랜스아방가르드 예술가 Alexander Roitburd의 작품

트랜스아방가르드라는 용어의 저자는
현대 평론가 보니토 올리바. 그는 이 용어로 창의성을 정의했습니다.
그의 동포 중 5명 - 산드로 치아(Sandro Chia), 엔조 쿠치(Enzo Cucchi), 프란체스코(Francesco)
클레멘테, 미모 팔라디노, 니콜로 데 마리아. 그들의 창의성은 다음과 같은 특징이 있습니다.
콤비네이션 클래식 스타일, 국가에 대한 애착 부족
학교에서는 미적 즐거움과 역동성에 중점을 둡니다.

쉬른(프랑크푸르트)의 프란체스코 클레멘테

보기: 페기 컬렉션 박물관
구겐하임(이탈리아 베니스), 팔라조 현대미술관
(베니스, 이탈리아), 현대미술관 (밀라노, 이탈리아)

10. 바디 아트.
행동주의의 방향 중 하나. 몸은 캔버스 역할을 한다.

바디 아트는 70년대 펑크 문화의 표현 중 하나입니다.
문신과 나체주의에 대한 당시의 패션과 직접적인 관련이 있습니다.

살아있는 그림이 바로 눈앞에서 만들어집니다.
시청자를 영상으로 녹화한 후 갤러리에서 방송합니다. 브루스
갤러리에 전시된 뒤샹의 소변기를 묘사하고 있는 나우만. 듀엣 길버트와
조지는 살아있는 조각품이다. 그들은 평범한 영국인의 유형을 묘사했습니다.

예를 들어 아티스트 Orlan orlan.eu의 웹사이트를 참조하세요.

11. 스택주의.
영국 구상화 협회. 개념주의자들을 반대했다.

첫 번째 전시회는 2007년 런던에서 열렸으며,
테이트 갤러리에 대한 항의처럼요. 한 버전에 따르면 그들은 다음과 같이 항의했습니다.
갤러리가 법을 위반하여 예술가의 작품을 구매하는 것과 관련됩니다. 소음
언론에서 Stuckists의 관심을 끌었습니다. 이제 세상에는
120명이 넘는 예술가. 그들의 좌우명은: 그림을 그리지 않는 예술가는 예술가가 아니다.