20세기 러시아 천재 세르게이 프로코피예프는 올해 125세다. 러시아 음악 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명인 Sergei Prokofiev는 위대한 유산을 남겼습니다. 그러나 오늘 나는 작곡가의 작품에 대해 모든 사람에게 상기시키고 싶습니다. 러시아뿐만 아니라 세계 문화. 프로코피예프가 해냈다! 생일 축하해, 세르게이 세르게예비치!

"피터와 늑대"

어떻게 든 세계 순위에서 - 이것은 Sergei Prokofiev와 20 세기의 러시아 고전의 주요, 가장 인기 있고 가장 잘 알려진 작품입니다. 미하일 고르바초프와 피터 우스티노프부터 데이비드 보위와 클라우디오 아바도의 스팅에 이르기까지 모든 사람들이 교향곡을 수없이 연주했습니다. 전 세계의 어린이들이 전통적으로 우리 Petya와 Wolf의 도움으로 교향악의 세계로 들어가는 것은 매우 중요합니다.

Sergei Prokofev는 1918년 봄에 러시아를 떠났고 1936년 봄에 돌아왔습니다. 이 기간 동안 그는 1929년과 32년에 순회차 러시아에 두 번만 머물렀습니다. 그래서 그는 스페인 아내와 함께 주로 미국에서 살았고 진지한 전위 작곡가로 존경을 받았습니다. "Peter and the Wolf"는 Natalia Sats의 어린이 극장을 위해 새로운 소비에트 조국에서 쓴 그의 첫 작품입니다. 그 전에는 위대한 영화 중위 Kizhe의 사운드 트랙이 있었지만 Prokofiev는 해외에서 소비에트 문화부의 명령을 수행했습니다. 그러나 "Peter and Wolf"는 문화 사이의 다리 역할을 하며 환상적인 인기를 부분적으로 기반으로 합니다. 2007년부터 이 이야기의 두 가지 다중 버전(국내, 꼭두각시 및 유럽)을 제공합니다.

"알렉산더 네프스키"

순수주의자들은 Samkult를 태만이라고 비난할 수 있다. Sergei Prokofiev의 "Alexander Nevsky"는 다른 작품의 형태로 존재하지만 이것은 작품에 관한 것이 아니라 그의 조국을 열망하고 열광했던 Sergei Prokofiev에 대한 사실에 관한 것입니다. 전쟁(1938) 이전에도 소련 정부를 위해 일하면서 에이젠슈타인의 영화를 위해 러시아 애국심에 대한 진정한 찬가를 썼습니다. “일어나라, 러시아인들이여!” - 기사견의 앞을 가로막는 러시아 병사들의 같은 전투 노래. 그리고 문구 : 오, 짧은 체인 메일! - 이 음악으로 발음합니다. 얼마나 많은 러시아인들이 이 가사와 이 경보 음악으로 조국을 위해 목숨을 바쳤습니까? 물론 여기에는 특정 모순이 있습니다. 어제의 모더니스트 작곡가는 당국에 의해 과식하여 의사 러시아 노래를 씁니다. 그러나 태어날 때부터 그러한 권리를 가진 사람은 바로 Prokofiev였습니다. 훌륭한 피아니스트인 그의 어머니는 항상 우수한 교육을 받은 셰레메테프 백작의 농민 출신이었습니다. Seryozha가 음악을 공부하도록 강요한 것은 그의 어머니였으며 도네츠크 대초원의 소년은 20 세기의 위대한 작곡가가되었습니다.

"로미오와 줄리엣"

이 멋진 발레에는 Prokofiev의 펜에서 나온 인터넷에서 가장 인기 있는 음악 테마가 포함되어 있습니다. 아마 감정가들은 놀랄지 모르지만 이것은 "기사들의 춤"입니다. 프로코피예프의 발레는 타르코프스키의 영화나 아흐마토바의 시처럼 20세기 러시아의 동일한 특징이다. 세계에서 가장 인기 있는 발레 작품 중 하나로 남녀노소 누구에게나 무대에 오른다. 발레는 소련으로 돌아가기 전에 작곡되었으며 셰익스피어와 달리 결말이 낙관적 이었지만 쇼스타코비치가 박살 나고 작곡가가 매우 두려워하는 "음악 대신 머들"이라는 기사가 게시되었습니다. 프로코피예프는 결말을 다시 쓰고 비극적으로 만들었다. 셰익스피어처럼.

궁정 프로코피예프

소련으로 돌아온 Sergei Sergeevich는 위험이 크다는 것을 이해했지만 그를 기다리고 있는 명성과 기회로 인해 위험을 감수할 수 있었습니다. 프로코피예프는 레닌상과 6개의 스탈린상을 받았습니다! 그의 뛰어난 작품 중 하나는 Joseph Vissarionovich의 60 주년 기념 칸타타입니다. 이 전체주의적 포스트모더니티 작업의 특별한 특징은 칸타타가 민요. 또는 오히려, 민속과 지도자에 대한 사람들의 사랑을 모방하는 유사 민속.

알 수 없는 프로코피예프

1948년에는 프로코피예프의 머리에도 뇌우가 발생했습니다. 그는 싸우기 위해 또 다른 캠페인을 벌였습니다. 이번에는 형식주의와 사회주의 리얼리즘의 원칙에 반대하여 싸웠다. 그리고 실험 오페라인 The Tale of the Real Man과 함께 Prokofiev의 6번 교향곡은 산산이 부서졌습니다. 이 교향곡은 나중에 걸작으로 인정되어 정기적으로 공연되지만 오페라는 운이 좋지 않았습니다. 초연은 1960년 10월 7일 작곡가가 사망한 후 볼쇼이 극장. 2002년에는 V. A. Gergiev가 오페라 콘서트를 지휘했습니다. 2005년, 오페라는 "Fallen from the Sky"라는 제목으로 모스크바 헬리콘 오페라(Helikon Opera)에서 D. A. 버트만(D. A. Bertman)이 상연했습니다. 그의 작품을 위해 Bertman은 A. G. Schnittke의 오페라 요약본을 다음과 같이 사용했습니다. 음악 자료프로코피예프의 칸타타 "알렉산더 넵스키" 같은 해에 프로코피예프의 오페라는 사라토프 오페라 하우스에서 (컷과 함께) 상연되었습니다. 오페라는 컷 없이 전체가 상연된 적이 없습니다. 그러나 그럼에도 불구하고 인터넷 이전 시대에 밈으로 돌아갔습니다. 괴저, 괴저, 다리가 잘릴 것입니다. 모두가 이것을 학교에서 알고 있습니다. 그리고 이것은 또한 Prokofiev입니다.

음악 섹션 간행물

프로코피예프의 7작품

Sergey Prokofiev는 작곡가, 피아니스트 및 지휘자이며 오페라, 발레, 교향곡 및 기타 여러 작품을 저술했으며 전 세계와 우리 시대에 널리 알려져 있습니다. Prokofiev의 7가지 중요한 작품에 대한 이야기를 읽고 Melodiya의 음악 삽화를 들어보세요.

오페라 "거인"(1900)

러시아 음악의 미래 고전인 Sergei Prokofiev의 음악적 능력은 5세 반에 피아노를 위한 첫 작품인 Indian Gallop을 작곡한 어린 시절에 나타났습니다. 젊은 작곡가 Maria Grigorievna의 어머니는 그것을 노트에 녹음했고 Prokofiev는 그의 모든 후속 작곡을 스스로 녹음했습니다.

1900년 봄, 9세의 프로코피예프는 표트르 차이코프스키의 발레 <잠자는 숲속의 미녀>와 샤를 구노의 오페라 파우스트와 알렉산드르 보로댕의 이고르 왕자에서 영감을 받아 첫 오페라 <거인>을 작곡했습니다.

프로코피예프 자신이 회상한 것처럼 코메디아 델라르 장르의 이 순진한 아동 작곡에서 그의 "글쓰기 능력"은 "그의 생각을 따라가지 못했다"는 사실에도 불구하고, 그의 작업에 대한 미래 전문가의 진지한 접근은 이미 보입니다. 오페라에는 서곡이 있어야 하며, 작곡의 각 등장인물은 일종의 음악적 초상화인 고유한 출구 아리아를 가지고 있었습니다. 장면 중 하나에서 Prokofiev는 뮤지컬 및 무대 동시 발음을 사용하기도 했습니다. 주인공이 거인과 싸울 계획을 논의할 때 거인 자신이 지나가며 노래합니다. "그들은 나를 죽이고 싶어".

음악원의 유명한 작곡가이자 교수인 Sergei Taneyev는 거인에게서 발췌한 내용을 듣고 그 청년에게 진지하게 음악을 시작할 것을 권고했습니다. 그리고 Prokofiev 자신은 11 시대에 편집 한 그의 작곡의 첫 번째 목록에 오페라를 자랑스럽게 포함했습니다.

오페라 '자이언트'
지휘자 - 미하일 레온티예프
오케스트라 버전 복원의 저자는 Sergey Sapozhnikov입니다.
2010년 5월 23일 미하일로프스키 극장 초연

피아노 협주곡 1번(1911–1912)

많은 젊은 작가들처럼, 초기 Sergei Prokofiev는 그의 작품에 대한 비평가의 사랑과 지원을 찾지 못했습니다. 1916년에 신문은 다음과 같이 썼습니다. "프로코피예프는 피아노 앞에 앉아 건반을 닦거나 둘 중 어느 것이 더 높거나 낮은지 시험하기 시작합니다.". 그리고 저자가 직접 지휘한 Prokofiev의 Scythian Suite의 첫 공연에 대해 비평가들은 다음과 같이 말했습니다. “이런 센스도 없는 작품이 진지한 콘서트에서 연주될 수 있다는 게 믿기지 않을 정도다... 이런 것들은 끝없는 자랑 외에는 아무 것도 표현하지 못하는 일종의 뻔뻔스럽고 뻔뻔한 소리들이다.”.

그러나 프로코피예프의 연주 재능을 의심하는 사람은 아무도 없었습니다. 그 당시 그는 거장 피아니스트로서 자신을 확립했습니다. 그러나 Prokofiev는 대부분 자신의 작곡을 연주했으며 그 중 청중은 특히 피아노와 관현악을 위한 협주곡 1번을 기억했습니다. 이 협주곡은 활기찬 "타악기" 특성과 1악장의 밝고 기억에 남는 동기 덕분에 비공식적인 별명 ""을 받았습니다. 해골에!”.

피아노 협주곡 1번 라장조 Op. 10 (1911-1912)
블라디미르 크라이네프, 피아노
아카데믹 심포니 오케스트라 MGF
지휘자 - 드미트리 키타옌코
1976년 녹음
사운드 엔지니어 - Severin Pazukhin

교향곡 1번(1916–1917)

이고르 그라바르. 세르게이 프로코피예프의 초상화. 1941. 주 트레차코프 갤러리, 모스크바

지나이다 세레브리야코바. 세르게이 프로코피예프의 초상화. 1926. 국립 중앙 극장 예술 박물관. 바흐루시나, 모스크바

보수적인 비평가들에 대항하여, 자신이 쓴 것처럼 "거위를 놀리기"를 바라는 1916년에 25세의 Prokofiev는 스타일이 완전히 반대인 작품인 교향곡 1번을 썼습니다. 그녀는 Prokofiev가 저자의 부제 "Classical"을 주었습니다.

하이든 스타일의 오케스트라와 고전 음악 형식의 겸손한 구성은 "파파 하이든"이 그 시대를 볼 수 있도록 살았다면 대담한 선율과 신선한 하모니로 맛을 낸 그런 교향곡을 작곡했을 수도 있음을 암시합니다. 100년 전에 "모든 사람을 괴롭히기 위해" 창안된 Prokofiev의 교향곡 1번은 여전히 ​​신선하게 들리며 세계 최고의 오케스트라 레퍼토리에 포함되어 있으며 3악장인 Gavotte는 20세기의 가장 인기 있는 클래식 작품 중 하나가 되었습니다.

프로코피예프는 이후 이 가보트를 자신의 발레 로미오와 줄리엣에 삽입곡으로 포함시켰다. 작곡가는 또한 특히 시간이 지남에 따라 교향곡 1번이 정말로 고전이 된다면 비평가와의 대결에서 궁극적으로 승리할 것이라는 은밀한 희망을 갖고 있었습니다(후에 그 자신도 이것을 인정했습니다). 실제로 일어난 일입니다.

교향곡 1번 "클래식" D장조 Op. 25

지휘자 - 예브게니 스베틀라노프
1977년 녹음

I. 알레그로

III. 가보트. 논 트로포 알레그로

동화 "피터와 늑대"(1936)

그의 시대가 끝날 때까지 Prokofiev는 그의 세계관의 즉각성을 유지했습니다. 마음은 어쩐지 어린애 같아서 어린애에 대한 감각이 좋았다. 내면 세계동화 "미운 오리 새끼"(1914)에서 Hans Christian Andersen의 동화 텍스트에 이르기까지 이미 작곡 된 모음곡 "The Winter Fire"(1949)에 이르기까지 어린이를위한 음악을 반복적으로 썼습니다. 지난 몇 년삶.

1936년 오랜 이민을 마치고 러시아로 돌아온 프로코피예프의 첫 작품은 중앙어린이극장을 위해 나탈리아 사츠가 의뢰한 어린이 교향곡 "피터와 늑대"였다. 젊은 청취자들은 동화에 빠졌고 러시아뿐만 아니라 해외의 많은 학생들에게 여전히 친숙한 캐릭터의 밝은 음악적 초상화 덕분에 그것을 기억했습니다. 어린이를 위해 "Peter and Wolf"는 교육 기능을 수행합니다. 동화는 교향악단의 악기에 대한 일종의 가이드입니다. 이 작품으로 프로코피예프는 영국 작곡가 벤자민 브리튼(Benjamin Britten)의 청소년을 위한 교향악 오케스트라 안내서(퍼셀 주제에 따른 변주곡과 푸가)가 거의 10년 후에 쓰여지고 개념이 비슷할 것을 예상했습니다.

어린이를 위한 교향곡 "피터와 늑대" Op. 67
소련 국립 학술 심포니 오케스트라
지휘자 - 예브게니 스베틀라노프
1970년 녹음

발레 로미오와 줄리엣 (1935-1936)

20세기를 대표하는 명작으로 인정받고 있으며, 다수의 국제 차트 1위를 기록하고 있는 고전 음악, - Sergei Prokofiev의 발레 "로미오와 줄리엣"은 어려운 운명을 겪었습니다. 예정된 초연 2 주 전에 Kirov Theatre의 크리에이티브 팀 총회는 모두가 믿었듯이 완전한 실패를 피하기 위해 공연을 취소하기로 결정했습니다. 예술가들의 그러한 분위기는 부분적으로 Dmitri Shostakovich의 연극 음악을 가혹하게 비판한 1936년 1월 Pravda 신문에 실린 "Muddle 대신에 음악" 기사에서 영감을 받았을 가능성이 있습니다. 연극계와 프로코피예프 자신 모두 이 기사를 현대 미술일반적으로, 그들이 말하는 것처럼 난동을 부리지 않기로 결정했습니다. 당시 연극계에는 “프로코피예프의 발레 음악보다 더 슬픈 이야기는 없다!”는 잔혹한 농담이 연극계에 퍼졌다.

그 결과 로미오와 줄리엣은 2년 후인 국립극장체코슬로바키아 브르노시. 그리고 국내 대중은 발레가 키로프 극장에서 상연 된 1940 년에만 프로덕션을 보았습니다. 그리고 소위 "형식주의"에 대한 정부의 또 다른 투쟁에도 불구하고 세르게이 프로코피예프의 발레 "로미오와 줄리엣"은 스탈린상을 받기까지 했습니다.

로미오와 줄리엣, 4막의 발레(9장면) Op. 64
소련 볼쇼이 국립 학술원 심포니 오케스트라
지휘자 - 게나디 로즈데스트벤스키
1959년에 녹음
사운드 엔지니어 - Alexander Grossman

1막. 장면 1. 3. 거리가 깨어난다

1막. 장면 2. 13. 기사단의 춤

1막. 장면 2. 15. 머큐시오

10월 20주년을 위한 칸타타(1936-1937)

1936년, 혁명 이후 첫 번째 물결의 이민자이자 성숙하고 성공하며 인기 있는 작곡가이자 피아니스트인 Sergei Prokofiev가 소비에트 러시아로 돌아왔습니다. 그는 완전히 다른 나라의 변화에 ​​큰 감명을 받았습니다. 새로운 규칙에 따른 게임은 창의성에 약간의 조정이 필요했습니다. 그리고 Prokofiev는 언뜻보기에 자연에서 솔직히 "궁정"인 많은 작품을 만들었습니다. 맑스-레닌주의의 고전 텍스트에 쓰여진 10 월 (1937) 20 주년을위한 칸타타, 칸타타 "토스트", 스탈린 건국 60주년(1939)과 스탈린 건국 30주년을 기념하는 칸타타 "번창하고 강력한 땅" 10월 혁명(1947). 사실, 프로코피예프의 독특한 유머 감각은 지금까지 그의 음악 언어로 나타났습니다. 음악 평론가작곡가가 이 작품들을 진지하고 진지하게 썼는지, 아니면 어느 정도 아이러니하게 썼는지에 대한 질문에 명쾌한 대답을 할 수는 없다. 예를 들어, "The Crisis is Ripe"라고 불리는 칸타타 "On 20th Anniversary of October"에서 소프라노는 가장 높은 음역에서 "위기가 무르익었다!"라고 노래합니다. , 반음 내림차순. 긴장된 주제의 이 소리는 코믹하게 보입니다. 그리고 그러한 모호한 해결책은 프로코피예프의 "친소련" 작품에서 매번 발견됩니다.

2개의 혼성 합창단, 교향악단과 군사 오케스트라, 아코디언과 소음 오케스트라를 위한 10월 20주년 기념 칸타타 Op. 74(약어)

주립 합창단 예배당
예술 감독 - Alexander Yurlov
모스크바 필하모닉 심포니 오케스트라
지휘자 - 키릴 콘드라신
1967년 녹음
사운드 엔지니어 - David Gaklin

칼 마르크스와 블라디미르 레닌의 텍스트:

소개. 공산주의의 유령, 유럽을 도는 유령

철학자

혁명

영화 "Alexander Nevsky"(1938)의 음악

20세기 전반기의 작곡가들은 처음으로 많은 일을 해야 했고, 그들이 만든 새로운 예술의 표본은 이제 교과서로 간주됩니다. 이것은 영화 음악에도 완전히 적용됩니다. 최초의 소련 유성영화(Putevka v zhizn', 1931)가 등장한 지 불과 7년 만에 Sergei Prokofiev는 촬영 감독의 대열에 합류했습니다. 영화음악 장르의 그의 작품들 중에서 눈에 띄는 것은 세르게이 에이젠슈타인의 영화 "알렉산더 넵스키"(1938)를 위해 작곡된 대규모 교향곡이며, 후에 같은 제목으로 칸타타로 수정(1939)된다. 이 음악에서 Prokofiev가 설정한 많은 이미지("죽은 들판"의 슬픈 장면, 십자군의 공격, 영혼이 없고 기계적인 소리, 러시아 기병의 즐거운 반격)는 여전히 영화의 문체 지침입니다. 오늘날까지 전 세계의 작곡가들.

Alexander Nevsky, 메조 소프라노, 합창단 및 오케스트라를 위한 칸타타(블라디미르 루고프스키와 세르게이 프로코피예프의 가사에 따름), Op. 78

메조 소프라노 Larisa Avdeeva(죽음의 들판)
A. A. Yurlov의 이름을 딴 러시아 국립 학술 합창단
합창단장 - 알렉산더 율로프
소련 국립 학술 심포니 오케스트라
지휘자 - 예브게니 스베틀라노프
1966년 녹음
사운드 엔지니어 - Alexander Grossman

알렉산더 넵스키에 관한 노래

얼음 위의 전투

죽은 자의 들판

뛰어난 러시아 작곡가 세르게이 프로코피예프는 그의 작품으로 전 세계적으로 알려져 있습니다. 혁신적인 작품. 그가 없으면 11개의 교향곡, 7개의 오페라, 7개의 발레, 많은 콘서트 및 다양한 기악 작품과 같은 중요한 흔적을 남긴 20세기 음악을 상상하기 어렵습니다. 그러나 그가 발레 '로미오와 줄리엣'만 썼다고 해도 그는 이미 세계 음악사에 영원히 기록되었을 것이다.

길의 시작

미래의 작곡가는 1891년 4월 11일에 태어났습니다. 그의 어머니는 피아니스트였으며 어린 시절부터 Sergei의 음악에 대한 타고난 성향을 격려했습니다. 이미 6세 때 그는 피아노 곡의 전체 주기를 작곡하기 시작했고 그의 어머니는 작곡을 적었습니다. 아홉 살이 되었을 때 그는 이미 많은 것을 가졌습니다. 작은 작품그리고 두 개의 전체 오페라: "거인"과 "황무지에서". 5살 때부터 그의 어머니는 그에게 피아노 연주를 가르쳤고, 10살 때부터 그는 정기적으로 작곡가 R. Gliere에게 개인 레슨을 받았습니다.

수년간의 연구

13세에 음악원에 입학하여 당대의 뛰어난 음악가들인 N.A. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, N. Cherepnin. 그곳에서 그는 N. Myaskovsky와 우호적인 관계를 발전시켰습니다. 1909년에 그는 음악원을 작곡가로 졸업하고 5년을 더 바쳐 피아니스트의 예술을 마스터했습니다. 그런 다음 그는 3년 동안 오르간을 연구했습니다. 연구에서의 특별한 업적으로 그는 금메달과 상을 받았습니다. 18세 때부터 그는 이미 솔로이스트이자 자작곡의 연주자로 활동하며 콘서트 활동을 활발히 하고 있다.

초기 프로코피예프

이미 Prokofiev의 초기 작품은 많은 논란을 불러 일으켰으며, 전심으로 받아 들여지거나 맹렬한 비판을 받았습니다. 음악의 첫 걸음부터 그는 스스로를 혁신가로 선언했습니다. 그는 연극적인 분위기, 음악의 극화에 가까웠고 인간으로서 Prokofiev는 자신에게 관심을 끌기 위해 사랑받는 밝기를 매우 좋아했습니다. 1910년대에 그는 터무니없는 것에 대한 사랑, 고전적인 대포를 파괴하려는 열망 때문에 음악적 미래학자라고 불렸습니다. 작곡가는 파괴자라고 할 수는 없지만. 그는 고전적 전통을 유기적으로 흡수했지만 끊임없이 새로운 표현 형식을 찾고 있었습니다. 그의 초기 작품그의 작업에는 또 다른 특징이 있습니다. 이것이 바로 서정성입니다. 또한 그의 음악은 특히 초기 작곡에서 큰 에너지, 낙관주의, 이 끝없는 삶의 기쁨, 감정의 폭동이 특징입니다. 이러한 특정 기능의 조합은 Prokofiev의 음악을 밝고 독특하게 만들었습니다. 그의 콘서트 각각은 사치스럽게 변했습니다. 초기 프로코피예프 중 피아노 주기 "Sacasms", "Toccata", "Delusion", 피아노 소나타 2번, 피아노와 관현악을 위한 2개의 협주곡, 교향곡 1번은 특별한 주목을 받을 만하다. 20 대 말에 그는 Diaghilev를 만나 그를 위해 발레를 쓰기 시작했습니다. 첫 번째 경험 - "Ala and Lolly"는 임프레자리오에 의해 거부되었으며 Prokofiev에게 "러시아어로 쓰십시오"라고 조언했으며이 조언이 가장 중요한 전환이되었습니다. 작곡가의 인생 포인트.

이주

음악원을 졸업한 후 Sergei Prokofiev는 유럽으로 여행을 갑니다. 런던, 로마, 나폴리를 방문합니다. 그는 자신이 오래된 틀에 갇혀 있다고 느낍니다. 혼란스러운 혁명 시대, 빈곤 및 러시아의 일상적인 문제에 대한 일반적인 관심, 오늘날 그의 조국에서 아무도 그의 음악을 필요로 하지 않는다는 이해는 작곡가를 이민 아이디어로 이끕니다. 1918년 그는 도쿄로 떠나 그곳에서 미국으로 이주합니다. 미국에서 3년 동안 일하고 여행도 많이 다녔던 그는 유럽으로 이주했다. 여기에서 그는 많이 일할뿐만 아니라 그는 이민자로 간주되지 않는 소련을 세 번 여행하기도합니다. Prokofiev는 해외 출장을 오래했지만 소비에트 시민으로 남아 있다고 가정했습니다. 그는 소비에트 정부의 여러 명령을 수행합니다. 스위트 "Kizhi 중위", "Egyptian Nights". 해외에서 그는 Diaghilev와 협력하고 Rachmaninov와 가까워지고 Pablo Picasso와 의사 소통합니다. 그곳에서 그는 스페인인 Lina Codina와 결혼하여 두 아들을 두었다. 이 기간 동안 Prokofiev는 세계적으로 명성을 얻은 성숙하고 독창적 인 작품을 많이 만들었습니다. 그러한 작품에는 발레 The Jester, The Prodigal Son and The Gambler, 교향곡 2, 3, 4, 두 개의 화려한 피아노 협주곡, 오페라 세 개의 오렌지에 대한 사랑이 포함됩니다. 이때까지 Prokofiev의 재능은 성숙하여 새로운 시대 음악의 모델이 되었습니다. 음악가의 날카롭고 강렬하며 전위적인 작곡 스타일은 그의 작곡을 잊을 수 없게 만들었습니다.

반품

1930년대 초, 프로코피예프의 작업은 좀 더 온건해졌으며 강한 향수를 느끼며 복귀를 생각하기 시작했습니다. 1933년에 그와 그의 가족은 영구 거주를 위해 소련에 왔습니다. 이후 그는 두 번만 해외를 방문할 수 있게 됐다. 그러나 그의 창조적 인 삶이 기간 동안 가장 높은 강도가 특징입니다. 이제 성숙한 마스터가 된 Prokofiev의 작품은 분명히 러시아가되고 국가 모티브가 점점 더 많이 들립니다. 이것은 그의 오리지널 음악에 더 깊이와 개성을 부여합니다.

1940년대 후반, 프로코피예프는 "형식주의"라는 비판을 받았고, 그의 비표준 오페라 "실제 남자 이야기"는 소비에트 음악 표준에 맞지 않았습니다. 작곡가는 이 기간 동안 아팠지만 집중적으로 작업을 계속했으며 거의 ​​끊임없이 시골에서 살았습니다. 그는 모든 공식 행사를 피하고 음악 관료주의는 그에게 망각을 제공합니다. 그의 존재는 그 당시 소비에트 문화에서 거의 감지할 수 없었습니다. 동시에 작곡가는 계속 열심히 일하고 오페라 "돌 꽃 이야기", 오라토리오 "세계의 경비대", 피아노 작곡을 씁니다. 1952년 그의 교향곡 7번이 모스크바 콘서트홀에서 연주되었다. 마지막 작업작가가 무대에서 들은 말이다. 1953년 스탈린과 같은 날 프로코피예프가 사망했다. 그의 죽음은 거의 눈에 띄지 않게 지나가고 Novodevichy 묘지에 조용히 묻혔습니다.

프로코피예프의 음악 스타일

작곡가는 모든 것을 시도했으며 특히 초기에 많은 실험을 통해 새로운 형식을 찾으려고 노력했습니다. Prokofiev의 오페라는 그 시대에 너무 혁신적이어서 초연 당일 청중이 홀을 대량으로 떠났습니다. 그는 처음으로 시적 대본을 버리고 "전쟁과 평화"와 같은 작품을 기반으로 한 음악 창작을 할 수 있었습니다. 이미 그의 첫 번째 작곡인 "A Feast in the Time of Plague"는 전통적인 음악 기법과 형식을 대담하게 다루는 예가 되었습니다. 그는 낭송 기법과 음악적 리듬을 대담하게 결합하여 새로운 오페라 사운드를 만들었습니다. 그의 발레는 너무 독창적이어서 안무가들은 그런 음악에 맞춰 춤을 추는 것이 불가능하다고 생각했습니다. 그러나 점차 그들은 작곡가가 깊은 심리적 진실성을 가지고 인물의 외적 성격을 전달하려고 노력하는 것을보고 그의 발레를 많이 상연하기 시작했습니다. 성숙한 Prokofiev의 중요한 특징은 한때 M. Glinka와 M. Mussorgsky가 선언한 국가 음악 전통의 사용이었습니다. 그의 작곡의 독특한 특징은 날카롭고 표현력 있는 거대한 에너지와 새로운 리듬이었습니다.

오페라 유산

어린 나이부터 Sergei Prokofiev는 오페라와 같은 복잡한 음악 형식으로 변했습니다. 젊었을 때 그는 고전 오페라 플롯 작업을 시작합니다. Ondine(1905), A Feast in the Time of Plague(1908), Maddalena(1911). 그 안에서 작곡가는 인간의 목소리가 지닌 가능성을 과감하게 실험한다. 30년대 말, 오페라라는 장르가 경험하고 있는 급성 위기. 주요 예술가들은 더 이상 이 장르에서 작업하지 않으며 새로운 모더니즘 아이디어를 표현할 수 있는 표현 가능성을 보지 못합니다. 프로코피예프의 오페라는 고전에 대한 대담한 도전이 되었습니다. 그의 가장 유명한 작품인 "The Gambler", "Love for Three Oranges", "Fiery Angel", "War and Peace"는 오늘날 20세기 음악의 가장 귀중한 유산입니다. 현대 청취자와 비평가는 이러한 작곡의 가치를 이해하고 깊은 멜로디, 리듬, 캐릭터 생성에 대한 특별한 접근 방식을 느낍니다.

프로코피예프의 발레

작곡가는 어린 시절부터 연극에 대한 갈망이 있었고 많은 작품에 극적 요소를 도입했기 때문에 발레 형식에 대한 호소력이 상당히 논리적이었습니다. 와의 지인은 음악가가 발레 "일곱 광대를 능가하는 광대 이야기"(1921)의 쓰기를 시작하도록 자극했습니다. 이 작품은 "Steel lope"(1927) 및 "The Prodigal Son"(1929)과 같이 Diaghilev의 기업에서 상연되었습니다. 따라서 새로운 뛰어난 발레 작곡가 인 Prokofiev가 세상에 나타났습니다. 발레 "로미오와 줄리엣"(1938)은 그의 작품의 절정이되었습니다. 오늘날 이 작품은 세계 최고의 극장에서 상연되고 있습니다. 나중에 그는 발레 "신데렐라"라는 또 다른 걸작을 만듭니다. 프로코피예프는 이러한 그의 최고의 작품들에서 그의 숨겨진 서정성과 멜로디를 깨달을 수 있었다.

"로미오와 줄리엣"

1935년, 작곡가는 셰익스피어의 고전적인 플롯을 사용합니다. 2 년 동안 그는 새로운 유형의 작곡을 작성 했으므로 그러한 자료에서도 혁신가 Prokofiev가 나타납니다. 발레 '로미오와 줄리엣'은 작곡가가 기존의 카논에서 벗어나는 안무 드라마다. 첫째, 그는 이야기의 끝이 행복할 것이라고 결정했는데, 이는 문학적 출처와 전혀 일치하지 않습니다. 둘째, 그는 춤의 시작이 아니라 이미지 발달의 심리학에 초점을 맞추기로 결정했습니다. 이러한 접근 방식은 안무가와 공연자들에게 매우 이례적인 일이었으므로 발레가 무대에 오르기까지 5년이라는 긴 시간이 걸렸습니다.

"신데렐라"

발레 "신데렐라" Prokofiev는 그의 가장 서정적인 작품인 5년 동안 썼습니다. 1944년에 작곡이 완료되었고 1년 후 볼쇼이 극장에서 상연되었습니다. 이 작품은 미묘한 심리적 이미지가 특징이며 음악은 진정성과 복잡한 다양성이 특징입니다. 여주인공의 이미지는 깊은 경험과 복잡한 감정을 통해 드러납니다. 작곡가의 풍자는 신하, 계모, 딸들의 이미지를 만드는 데 나타났습니다. 네거티브 문자의 신고전주의 양식은 작품의 추가적인 표현 기능이되었습니다.

교향곡

작곡가는 평생 동안 총 7개의 교향곡을 작곡했습니다. 그의 작업에서 Sergei Prokofiev 자신은 네 가지 주요 라인을 선택했습니다. 첫 번째는 음악적 사고의 전통적인 원리를 이해하는 것과 관련된 고전입니다. 교향곡 1번 D장조로 대표되는 이 라인은 저자 자신이 "클래식"이라고 불렀습니다. 두 번째 줄은 작곡가의 실험과 연결된 혁신적입니다. 교향곡 2번이 이에 속하며 교향곡 3번과 4번은 연극적 창의성과 밀접한 관련이 있다. 5번과 6번은 작곡가의 군생활 경험의 결과로 등장했다. 교향곡 7번은 삶에 대한 성찰, 단순함에 대한 열망으로 시작되었습니다.

기악

작곡가의 유산 - 10개 이상의 약 10개의 소나타, 많은 희곡, 작품, 스케치. Prokofiev 작업의 세 번째 줄은 주로 기악 작품으로 대표되는 서정적입니다. 여기에는 첫 번째 바이올린 협주곡, "꿈", "전설", "할머니 이야기"가 포함됩니다. 그의 창의적인 가방에는 1947년에 작곡된 바이올린 독주를 위한 혁신적인 소나타 D장조가 있습니다. 작곡 다른 기간진화를 반영하다 창의적인 방법저자: 날카로운 혁신에서 서정성과 단순함으로. 그의 플루트 소나타 2번이 오늘이다. 고전많은 연주자들을 위해. 그것은 선율적인 조화, 영성 및 부드러운 바람 리듬으로 구별됩니다.

피아노포르테는 그의 유산의 큰 부분을 차지했으며, 그들의 독특한 스타일은 작곡을 전 세계의 피아니스트들에게 극도로 인기 있게 만들었습니다.

다른 작품

그의 작품에서 작곡가는 또한 가장 큰 음악 형식인 칸타타와 오라토리오로 눈을 돌렸습니다. 첫 번째 칸타타 "Seven of them"은 1917년 K. Balmont의 운문으로 작곡되어 생생한 실험이 되었습니다. 그 후 칸타타 "우리 시대의 노래", 오라토리오 "평화를 수호하다" 등 8개의 주요 작품을 더 썼다. 아이들을 위해 그의 작업에서 특별한 장을 구성합니다. 1935년, Natalya Sats는 자신의 극장을 위한 글을 쓰도록 그를 초대합니다. Prokofiev는이 아이디어에 관심을 가지고 응답했으며 저자의 특이한 실험이 된 유명한 교향곡 동화 "Peter and Wolf"를 만들었습니다. 작곡가의 전기의 또 다른 페이지는 Prokofiev의 영화 음악입니다. 그의 필모그래피는 8개의 그림으로 구성되어 있으며, 각각은 진지한 교향곡이 되었습니다.

1948년 이후, 작곡가는 일부를 제외하고 거의 성공을 거두지 못한 이 시기의 작곡에 있습니다. 작곡가의 작업은 오늘날 고전으로 인식되고 많이 연구되고 연주됩니다.

“내 인생의 가장 큰 장점(혹은 단점)은 항상 독창적이고 나만의 음악적 언어를 찾는 것이었습니다. 나는 모방을 싫어하고 엉뚱한 트릭을 싫어합니다.”(S. Prokofiev).

봄 여름 시즌. Prokofiev는 8개의 오페라, 8개의 발레, 7개의 교향곡 및 기타 오케스트라 작곡, 9개의 독주 악기 및 오케스트라를 위한 협주곡, 9개의 피아노 소나타, 오라토리오 및 칸타타, 실내 성악 및 기악 작곡, 영화 및 극장용 음악의 저자입니다. 그는 모든 현대 장르에서 글을 썼습니다.

세르게이 세르게예비치 프로코피예프(1891-1953)

7세의 세르게이 프로코피예프
봄 여름 시즌. 프로코피예프는 예카테리노슬라프 지방의 농학자 집안에서 태어났습니다. 미래 작곡가의 어린 시절은 음악 가족에서 지나갔다. 그의 어머니는 훌륭한 피아니스트였으며 또한 그녀의 아들의 첫 번째 교사이기도 했습니다. 그녀는 그에게 음악뿐만 아니라 프랑스어와 독일어도 가르쳤고 그의 아버지는 그에게 수학을 가르쳤습니다. 프로코피예프는 5세에 피아노를 위한 첫 작품을 작곡했으며 9세에는 오페라 거인을 작곡했습니다.
1902년에 젊은 작곡가는 모스크바의 S. Taneyev를 소개받았고 소년의 능력에 깊은 인상을 받았습니다. 그의 요청에 따라 R. Gliere는 그와 함께 구성 이론을 연구했습니다.
1904-1914년. S. Prokofiev는 상트페테르부르크 음악원에서 N. Rimsky-Korsakov(악기), J. Vitols(음악 형식), A. Lyadov(작곡), A. Esipova(피아노)와 함께 공부했습니다.
기말고사에서 프로코피예프는 협주곡 1번을 연주하여 상을 받았습니다. A. 루빈스타인.

1918년 세르게이 프로코피예프
1918년부터 젊은 음악가는 미국, 프랑스, ​​독일, 영국, 이탈리아, 스페인 등 해외 여행을 시작했습니다. 동시에 그는 작곡을 하고 있었다.

초기 작업

1919년에는 프롤로그와 함께 4막으로 된 오페라가 쓰여졌다. "오렌지 세 개에 대한 사랑". 대본은 Carlo Gozzi의 동명 동화를 바탕으로 작곡가 자신이 만들었습니다.
오페라의 첫 번째 프로덕션은 1921년 12월 30일 시카고에서 프랑스어로 이루어졌습니다. 소련에서는 1926년 2월 18일 학술 극장오페라와 발레(레닌그라드). 유쾌하고 유쾌한 오페라는 즉시 청중과 사랑에 빠졌습니다.
오페라 "Fiery Angel" V. Bryusov(S. Prokofiev의 대본)의 동명 소설을 원작으로 한 이 작품은 1927년에 완성되었지만 무대 초연은 1954년 파리에서만 이루어졌습니다. 액션은 16세기 독일에서 일어납니다. 오페라의 줄거리는 복잡하고 신비주의로 가득 차 있습니다. 오랜 세월극장은 감히 무대에 오르지 못했습니다.
단막 발레 "스틸 로프", 러시아의 혁명적 사건에서 영감을 받아 1925년에 만들어졌습니다. 1927년 6월 7일 디아길레프 러시아 발레단이 파리 사라 베른하르트 극장에서 첫 공연을 했습니다. 디아길레프는 프로코피예프에게 예상치 못한 명령을 내렸습니다. 바로 동시대의 소비에트 러시아에 대한 "볼셰비키" 발레였습니다. 그러나 새로운 발레의 아이디어는 볼셰비키주의 사상을 미화하는 것이 아니라 소련의 산업 발전을 생생하게 보여주기 위한 것이었다. G. Yakulov와 작곡가 자신의 대본.

발레 "스틸 로프"의 한 장면
발레의 음악은 밝은 오케스트라와 함께 다채롭다. S. Prokofiev의 이 작품은 걸작으로 간주됩니다. Boris Asafiev는 발레가 "우리 시대의 진정한 스타일을 표현합니다. 여기에서 단조된 리듬, 강철처럼 탄력 있는 억양, 거대한 풀무의 숨결과 같은 음악적 썰물에 대해 말할 수 있기 때문입니다!"
단막 발레 "탕자"누가복음의 비유의 유명한 줄거리에 따라 만들어졌으며 1929년 5월 20일 사라 베른하르트 극장에서 러시아 발레 S. Diaghilev의 극단에 의해 파리에서 처음 상연되었습니다. 발레 음악은 세련된 서정성과 절묘한 오케스트레이션.

발레 탕자의 한 장면 (상트페테르부르크 마린스키 극장)
뮤지컬 테마 « 탕자"는 작곡가가 교향곡 4번을 작곡할 때와 피아노를 위한 "6곡의 콘서트 작품" 중 세 곡을 작곡할 때 사용했습니다.

창의성의 전성기

1927-1929년. S. Prokofiev는 소련을 성공적으로 여행했습니다. 1932년부터 러시아에 거주하면서 그의 작품은 절정에 달합니다. 그의 음악은 N. Golovanov, E. Gilels, B. Sofronitsky, S. Richter, D. Oistrakh와 같은 소련 최고의 음악가들이 연주합니다.
이 기간 동안 그는 자신의 걸작 중 하나를 만듭니다. 발레 "로미오와 줄리엣" W. Shakespeare(1936)에 따르면; 가사 만화 수도원의 오페라 약혼"("두에나", R. Sheridan, 1940에 따름); 칸타타 "알렉산더 넵스키"(1939) 및 "토스트"(1939); 자신의 텍스트가 있는 교향곡 "피터와 늑대"악기 문자 (1936); 여섯 번째 소나타피아노 (1940); 피아노 조각의 순환 "어린이 음악"(1935). 소비에트 안무의 최고 업적은 G. Ulanova가 만든 Juliet의 이미지였습니다. 1941년 여름 모스크바 근처의 다차에서 프로코피예프는 레닌그라드 오페라 발레 극장에서 주문한 발레 이야기를 썼다. "신데렐라".

발레 "로미오와 줄리엣"(1936)

발레 "로미오와 줄리엣"의 한 장면(상트페테르부르크 마린스키 극장)
4막의 발레. 안무가 - L. Lavrovsky.
이 작업은 르네상스 초기에 베로나에서 발생합니다.
Prokofiev의 음악과 Lavrovsky의 무대는 등장인물의 생생한 특성을 만들어 냈습니다. 작곡가가 생각한 것처럼 발레의 주요 주제는 주인공에 대한 사랑이 아니라 구식 전통에 순종하지 않으려는 태도였습니다. Lavrovsky의 연극에서 주인공은 Juliet였습니다.
"로미오와 줄리엣"의 가장 좋은 정의는 음악학자 G. Ordzhonikidze에 의해 주어졌습니다. Prokofiev의 "로미오와 줄리엣"은 개량주의 작품입니다. 그것은 교향곡 발레라고 할 수 있습니다. 그것은 순수한 교향곡의 숨결로 모든 것이 스며들어 있습니다. 음악의 모든 비트에서 우리는 주요 극적 아이디어의 떨리는 숨을 느낄 수 있습니다. 가장 표현력이 풍부한 수단인 음악적 언어의 극단은 여기에 적시에 사용되며 내부적으로 정당화된다... 프로코피예프의 발레는 음악의 깊은 독창성이 특징이다. 그것은 주로 프로코피예프의 발레 스타일의 특징인 춤 시작의 개성에서 나타납니다. 고전 발레의 경우 이 원칙은 일반적이지 않으며 일반적으로 서정적인 아다지오에서 영적 고양의 순간에만 나타납니다. Prokofiev는 아다지오의 명명된 극적 역할을 전체 서정적 드라마로 확장합니다.

어린이를 위한 교향곡 동화 "피터와 늑대"(1936)

N.I.의 주도로 만들어졌습니다. 그녀의 Central Children's Theatre에서 공연하기 위해 앉아 있습니다. 초연은 1936년 5월 2일에 이루어졌다. 이 작품은 독자가 연주하고, 텍스트는 작곡가 자신과 오케스트라가 썼다.
이 작품의 각 캐릭터는 특정 악기와 별도의 모티브로 표현됩니다.

Petya - 활을 휘감은 현악기, 주로 바이올린);
버디 - 높은 음역의 플루트;
오리 - 오보에, 낮은 음역에서 "꽥꽥거리는" 멜로디;
고양이 - 클라리넷, 고양이의 은혜를 묘사합니다.
할아버지는 투덜거리는 모습을 흉내 내는 바순이다.
늑대 - 3개의 뿔;
헌터 - 팀파니와 베이스 드럼, 관악기.

구성

이른 아침. 큰 녹색 잔디에 개척자 Petya입니다. Petya를 알아 차린 그의 친숙한 새가 날아갑니다. 오리는 연못으로 가서 누가 진짜 새, 그녀 또는 새로 간주되어야 하는지에 대해 새와 논쟁을 시작합니다. 고양이는 그들의 논쟁을 지켜보고 있지만 Petya는 새에게 위험에 대해 경고했고 새는 날아가고 오리는 연못으로 뛰어듭니다. Petya의 할아버지가 나타나 손자에게 투덜거리기 시작하고 큰 소년이 숲을 걷고 있다고 경고합니다. 회색 늑대그리고 그를 데려갑니다. 곧 늑대가 나타납니다. 고양이는 재빨리 나무를 오르고 오리는 늑대의 입에 떨어집니다.
로프의 도움으로 Petya는 울타리를 넘어 키가 큰 나무로 끝납니다. 그는 새에게 늑대의 주의를 분산시키도록 요청하고 꼬리에 올가미를 던집니다. 늑대는 스스로를 풀어주려 하지만, Petya는 밧줄의 다른 쪽 끝을 나무에 묶고, 올가미는 늑대의 꼬리에 더욱 단단히 조여집니다.
숲속의 사냥꾼들은 오래전부터 늑대를 쫓아다녔습니다. Petya는 그들이 늑대를 묶고 동물원에 데려가는 것을 돕습니다. 이야기는 모든 등장 인물이 참여하는 일반적인 행렬로 끝납니다. Petya는 앞으로 걷고 사냥꾼은 늑대를 뒤에서 이끌고 새는 그 위로 날아가고 뒤에는 고양이가있는 할아버지입니다. 조용한 꽥꽥거리는 소리가 들립니다. 이것은 늑대의 뱃속에 앉아 있는 오리의 목소리로, 너무 서두르며 산 채로 삼켜버렸습니다.
"동화의 주요 목표는 어린 학생들에게 음악과 악기를 익히는 것입니다"(N. Sats).

전쟁 중 창의성

발레 "신데렐라"(1945)

3막의 발레. Ch. Perrault의 동화를 바탕으로 H. Volkov의 대본. 동화의 줄거리는 모두에게 알려져 있습니다. "신데렐라"- 클래식 발레, 다채로운 그림의 순간과 함께 왈츠를 기반으로 한 풍부한 변주, 전환 및 신조로 동화 공연의 전통을 이어갑니다. "위대한 왈츠"는 작곡가의 가장 인상적인 왈츠 중 하나입니다. 발레는 신데렐라의 주제, 그녀의 꿈, 사랑에 대한 조용하지만 의기양양한 소리와 함께 또 다른 아름다운 왈츠로 끝납니다.
S. Prokofiev의 새로운 창조적 인 상승은 위대한 시작과 관련이 있습니다. 애국 전쟁조국의 역사에서 이어지는 비극적 인 사건.
그는 L. Tolstoy(1943)의 소설을 바탕으로 장대한 영웅-애국 서사극 "전쟁과 평화"를 만들고, 역사 영화 "Ivan Terrible"(1942)에서 S. Eisenstein 감독과 작업합니다.

오페라 '전쟁과 평화'

합창 프롤로그가 있는 13개 장면의 오페라 L.N.의 동명 소설을 바탕으로 S. Prokofiev와 M. Mendelssohn-Prokofiev의 대본. 톨스토이.
초연은 S. Samosud의 지휘 하에 1946년 6월 12일 레닌그라드의 말리 오페라 극장에서 열렸습니다.
물론 소설의 전체 내용을 오페라에 온전히 담을 수는 없었다. 작곡가이자 대본가는 뮤지컬과 드라마 작품을 만드는 데 가장 중요한 에피소드와 사건을 선택했습니다. 그 결과 7개의 "평화" 그림과 6개의 "전쟁" 그림의 두 부분으로 구성된 거대한 역사적 캔버스가 탄생했습니다. 주제가 축약된 플롯으로 적절하게 번역될 수 있도록 대본이 여러 번 변경되었습니다. Prokofiev는 오페라에서 아리아와 함께 암송-선언 기법을 사용했습니다. 합창단은 오페라에서 중요한 역할을 합니다. 오페라의 최종 버전은 모스크바 뮤지컬 극장에서 상연되었습니다. 1957년의 스타니슬라브스키와 네미로비치-단첸코
교향곡 5번(1944)에서 작곡가는 "자유롭고 행복한 사람, 그의 강력한 힘, 그의 고귀함, 그의 영적 순수성을 노래하기를 원했습니다."
이 기간 동안 S. Prokofiev는 영화 Alexander Nevsky(1938)와 Ivan the Terrible(두 시리즈, 1944-1945)의 음악을 작곡했습니다.

작곡가 작품의 전후 기간

전후 기간에 Prokofiev는 아팠지만 그는 많은 중요한 작품을 만들 수있었습니다. 육분의 하나(1947) 및 교향곡 7번(1952), 아홉 번째 피아노 소나타 (1947), 오페라 "전쟁과 평화"의 새 판 (1952), 첼로 소나타(1949) 및 첼로와 오케스트라를 위한 심포니 콘서트 (1952).
40대 후반~50대 초반. 캠페인은 소비에트 예술의 "반국가적 형식주의적" 방향, 즉 최고의 대표자들에 대한 박해에 반대하여 시작되었습니다. Prokofiev는 음악의 주요 형식 주의자 중 한 명으로 불 렸습니다. 1948년 그의 음악에 대한 대중의 명예 훼손은 작곡가의 건강을 더욱 악화시켰습니다. 1948년 소련 작곡가 연합 제1차 대회가 개최되어 "형식주의에 반대하는 화해할 수 없는 투쟁"이 계속되었습니다. 프로코피예프의 교향곡 6번(1946)과 오페라 "진짜 남자 이야기", 오페라는 비표준적이고 실험적입니다.
Prokofiev는 그의 사랑하는 러시아 자연의 한가운데에 Nikolina Gora 마을에 있는 그의 dacha에서 생애 마지막 몇 년을 보냈습니다. 의사들이 엄격하게 금지했지만 그는 계속 작곡을 했습니다.
이 기간 동안 오늘의 주제(서곡 "돈과 볼가의 만남", 1951, 오라토리오 "세계의 경비대") 등을 주제로 뛰어난 작품과 통과한 작품이 만들어졌습니다.
봄 여름 시즌. 프로코피예프는 스탈린과 같은 날(1953년 3월 5일) 사망했고, 그의 마지막 여행에서 위대한 러시아 작곡가와의 작별은 인민의 위대한 지도자의 장례식과 관련된 전국적인 "비탄"으로 가려졌다. 새로운 에너지, 역동성, 신선한 발상을 음악에 접목시키는 등 '반대중 형식주의적 방향'으로 인식되었다.
Prokofiev는 음악 언어의 혁신가였습니다. 그의 스타일의 독창성은 조화 분야에서 가장 두드러집니다. 예를 들어, 그는 강장 기능과 가변 미터("농담")에서 불협화음을 사용했습니다. 그는 "Prokofiev's"라고 불리는 특별한 형태의 도미넌트를 사용했습니다. 그의 작품에서는 피아노 작품(Toccata, "Delusion", Seventh Sonata 등)의 매우 특징적인 특정 리듬을 식별할 수 있습니다.
프로코피예프 스타일의 독창성은 오케스트라에서도 드러난다. 그의 작곡 중 일부는 현악 그룹의 불협화음과 복잡한 다성음 패턴을 기반으로 한 초강력 사운드가 특징입니다.
Prokofiev는 거대한 창조적 유산을 남겼습니다: 8개의 오페라; 7개의 발레; 7개의 교향곡; 9개의 피아노 소나타; 5개의 피아노 협주곡(4번 - 한 왼손을 위한 것); 바이올린 2개, 첼로 협주곡 2개; 6개의 칸타타; 오라토리오; 2개의 보컬 및 교향곡 모음곡; 많은 피아노 조각; 오케스트라를 위한 작품("러시아 서곡", "교향곡", "전쟁 종전 송가", 2 "푸쉬킨의 왈츠"); 챔버 조성; 오보에, 클라리넷, 바이올린, 비올라 및 더블 베이스를 위한 5중주; 2개의 현악 4중주; 바이올린과 피아노를 위한 2개의 소나타; 첼로와 피아노를 위한 소나타; A. Akhmatova, K. Balmont, A. Pushkin 등의 단어에 대한 많은 보컬 작곡.
창의성 S. Prokofiev는 전 세계적으로 인정을 받았습니다. 그는 20세기에 가장 많이 활동한 작가 중 한 명입니다. Prokofiev는 또한 뛰어난 지휘자이자 피아니스트였습니다.

4월 23일은 뛰어난 작곡가이자 피아니스트이자 지휘자인 Sergei Sergeevich Prokofiev의 탄생 120주년입니다.

러시아 작곡가, 피아니스트 및 지휘자, RSFSR의 인민 예술가 Sergei Sergeevich Prokofiev는 1891년 4월 23일(구 스타일에 따르면 4월 11일)에 예카테리노슬라프 지방의 손초프카 사유지(현재 도네츠크 지역의 크라스노예 마을)에서 태어났습니다. 우크라이나).

그의 아버지는 부동산을 관리하는 농학자였고, 그의 어머니는 집을 돌보고 아들을 양육했습니다. 그녀는 훌륭한 피아니스트였으며 그녀의 지도하에 소년이 아직 5세가 되지 않았을 때 음악 수업을 시작했습니다. 그때 처음으로 작곡에 도전했다.

작곡가의 관심 범위는 회화, 문학, 철학, 영화, 체스 등 광범위했습니다. Sergei Prokofiev는 매우 재능있는 체스 선수였으며 정사각형 보드가 육각형 보드로 대체 된 새로운 체스 시스템을 발명했습니다. 실험 결과, 이른바 "프로코피예프의 9체스 체스"가 등장했다.

타고난 문학적, 시적 재능을 소유한 프로코피예프는 오페라 대본을 거의 다 썼다. 2003년에 출판된 이야기를 썼습니다. 같은 해에 모스크바에서 세르게이 프로코피예프의 일기 전집 발표회가 열렸으며, 이는 작곡가의 상속자들이 2002년 파리에서 출판했습니다. 이 출판물은 1907년부터 1933년까지 작곡가의 노트를 모아 세 권으로 구성되어 있습니다. 프로코피예프가 고국으로 마지막으로 돌아온 후에 쓴 자서전은 소련과 러시아에서 반복적으로 재발행되었습니다. 2007년에 마지막으로 재발행되었습니다.

Sergei Prokofiev의 "일기"는 캐나다 감독 Iosif Feiginberg가 촬영 한 다큐멘터리 영화 "Prokofiev : Unfinished Diary"의 기초를 형성했습니다.

박물관. Glinka는 3개의 Prokofiev 컬렉션(2004, 2006, 2007)을 출시했습니다.

2009년 11월 주립 박물관처럼. 모스크바의 푸쉬킨에서는 1916년부터 1921년까지 세르게이 프로코피예프가 제작한 독특한 유물이 전시되었습니다. - "Sergei Prokofiev의 나무 책 - 동족 영혼의 교향곡." 이것은 저명한 사람들의 인용문 모음입니다. 원본 사인 책을 만들기로 결정한 Prokofiev는 응답자에게 "태양에 대해 어떻게 생각합니까?"라는 같은 질문을했습니다. 금속 걸쇠와 가죽 등뼈가 있는 두 개의 나무 판자로 묶인 작은 앨범에서 48명의 사람들이 사인을 남겼습니다. 유명한 예술가들, 음악가, 작가, 친한 친구 및 Sergei Prokofiev의 지인.

1947년, Prokofiev는 RSFSR의 People's Artist의 칭호를 받았습니다. 소련 국가상 수상자(1943, 1946 - 세 번, 1947, 1951), 레닌 상 수상자(1957, 사후).

작곡가의 뜻에 따라 그의 서거 100주년이 되는 해, 즉 2053년에 세르게이 프로코피예프의 마지막 기록 보관소가 열립니다.

자료는 오픈 소스의 정보를 기반으로 작성되었습니다.