개인의 미적 발달 영역 중 하나로서의 음악 교육. "현대 음악 교육학의 발달 교육 원리" 음악 교육학의 발달 교육을 주제로 한 교육 및 방법론 자료

알레페바 A.S.

음악 교사.

볼고그라드

일반 음악 교육의 현대 교육학에서 선도적인 방법론적 랜드마크로서의 인토네이션 접근법.

현 사회문화적 상황에서 기술관료적 패러다임에서 인도주의적 패러다임으로의 전환인 음악종합교육의 현대화 필요성이 대두되고 있는데, 이는 현대종합음악교육이 성숙해 온 문제점 때문이다.

차례로 현대 일반 음악 교육에서는 공연 음악가 활동의 세부 사항이 주로 음악 예술 작품의 창의적 해석과 관련된 문제를 해결하는 것을 목표로하는 활동으로 간주되는 매우 명확한 아이디어가 개발되었습니다. 이러한 문제를 해결하기 위해 일반 음악 교육 시스템을 업데이트할 수 있는 다양한 방법론적 접근이 필요했습니다. 이러한 접근 방식에는 문체, 장르 및 억양 접근 방식이 포함됩니다. 물론 이러한 각 접근 방식에는 고유한 특성이 있습니다. 음악의 의미가 억양에 있기 때문에 현대 음악종합교육의 내용을 구현하기 위한 가장 적절한 접근은 억양이며, 연주자가 악곡의 내용을 이해하는 데 도움을 주는 것이 억양이다.

억양적 접근의 본질을 이해하기 위해서는 억양의 개념을 역사적, 현대적 관점에서 고찰할 필요가 있다. 음악의 억양적 특성에 대한 첫 번째 연구는 B.V. Asafiev 및 B.L. Yavorsky. 러시아 음악학에서 억양 이론의 발전을 위한 토대를 마련한 것은 바로 이러한 연구였습니다.

BV 이해하기 Asafiev, 억양은 음성 억양의 특성과 관련이 있습니다. Asafiev의 음악적 억양은 구두 언어의 표현 억양과 공통된 의미 소스를 갖는 것으로 생각되었으며 언어, 말 및 단어 현상과 지속적으로 비교되었습니다. 말소리에서 음악적 억양을 도출한 것은 연구원만이 아니었습니다. 그의 생각은 L.L. 1923년에 출판된 책 "Music of Speech"의 Sabaneev.

B.L. Yavorsky는 또한 억양을 건전한 음성으로 간주했지만 특정 모달 측면에서 고려했습니다. 그는 "음악 억양은 말을 구성하는 세포이며, 따라서 각 민족의 문화 발전의 특정 단계에서 조직됩니다."라고 말했습니다.

철학, 미학, 기호학, 언어학, 심리학, 생리학 및 기타 여러 관련 과학의 관점에서 해석이 접근되기 시작했을 때 음악 억양에 대한 새로운 관심의 물결이 러시아 과학 사상에서 일어났습니다.

예를 들어 음악 억양과 단어 및 말의 상관 관계는 A.S. 소콜로프. 그는 음악적 억양을 어휘, 음소, 억양 및 억양과 같은 언어 및 말의 요소와 연관시킵니다. 연구자는 언어적 억양과 음악적 억양을 비교하여 두 현상이 특정 내용의 유사성으로 관련되어 있지만 근본적으로 독립성, 음악적 억양의 고립성, 음성 억양의 의미론적 의미를 수반하는 보조적 차이가 있음을 알 수 있습니다. Sokolov는 또한 음악 및 음성 억양의 피치 구성의 근본적으로 다른 특성을 강조합니다. 과학자는 음악과 구두 연설의 주요 차이점은 후자에 개별 사운드-피치 조직이 없고 이에 대한 사운드 매개변수의 부드러운 변화의 규범적 특성이라는 점에 주목합니다.

언어의 주요 요소 중 하나 인 억양에 대한 외국 연구원의 작업에 특별한 관심을 기울입니다. 그래서 B. Eikhenbaum은 억양을 시와 음악의 유사성의 주요 매개변수로 정의합니다. “시와 음악의 동시화로 인해 가사의 "노래 모드"가 탄생하는 것은 억양 요소의 지배로 표현됩니다. 음성 억양은 선율적인 특성을 획득하고 리드미컬한 케이던스와 연결되어 선율적인 움직임으로 형성됩니다.

E.G. Etkind는 "구절의 생명력, 소리의 역학이 집중되는 억양"이라고 주장했습니다. 한 언어에서 다른 언어로 시를 번역할 때 Etkind는 구절의 운율이 아니라 억양을 보존할 것을 요구합니다.

현대 국내 음악학에서 음악 억양 이론의 발전은 V.V. Medushevsky. "억양 형식"에 관한 여러 기사에서 연구원은 자연 스러움의 본질, 음악 억양의 생동감에 관심이있었습니다. V. V. Medushevsky는 작곡가의 생각을 표현한 억양을 특징으로했습니다. 연구원에 따르면 인토네이션은 음악 예술의 모든 사회적 및 미적 기능을 포함하는 전체 문화의 경험을 "접는" 능력이 있습니다.

V.V. 가장 광범위한 억양 콘텐츠 인 Medushevsky가 설명되고 모든 종류의 움직임을 재현 할 수있는 가능성과 진정으로 무한한 음악 및 음성 억양 분야가 주목됩니다. 구체적이고 상세한 유형의 인토네이션 콘텐츠입니다.

V. V. Medushevsky는 음악 감상 및 전문가의 연습에서 개발된 이기종 유형을 포함하는 음악 억양의 이론적 시스템을 결정했습니다. 음악적 창의성, 작곡 및 공연: 1) 감정을 표현하는 인토네이션(중요하고 음악 예술로 대표됨); 2) 움직임의 이미지 (현상 이미지 외부 세계예술) 3) 음악 및 장르 억양; 4) 음악 및 문체 억양; 5) 조화, 리듬, 선율, 음색 등 음악 수단으로 대표되는 별도의 억양 규모의 관점에서 다음과 같이 차별화됩니다. 1) 전체 작업의 일반화 억양; 2) 개별 섹션, 구성, 주제의 억양; 3) 개별 순간의 세부 억양. 연주자의 독창성은 모든 유형의 억양에 대한 연주 옵션을 생성한다는 점을 강조해야 합니다.

위치 V.V. Medushevsky는 V.N.과 같은 현대 음악 학자와 같은 연구에서 계속 발전했습니다. Kholopova, E. A. Ruchyevskaya 및 기타 그들은 음악의 억양이 비언어적 소리에 존재하는 표현적이고 의미 론적 통일성이며 형식에 직접적인 영향을 미치며 음악적 의미 및 음악 외 연관 표현의 경험 참여와 함께 기능한다고 지적합니다. .

따라서 음악학에서 "억양"의 범주는 다양한 수준에서 고려됩니다. 음악적 표현 방식으로; 음악 등의 의미 단위로 이와 관련하여 억양 이론의 일부 측면이 활발히 개발되고 있습니다. 특정 기능으로서의 음악의 과정적 특성; 역사적 진화 등에서 음악 억양의 의미 하지만가장 유명한 국내 및 현대 연구자들이 제공하는 억양에 대한 다양한 정의에도 불구하고 이 개념의 본질은 동일하게 유지됩니다. 예술 작품에 대한 창의성, 성능 및 인식의 삼위일체의 조합인 복잡하고 3차원적인 개념으로서 인토네이션 개념의 우선적인 기본 정의는 B.V. Asafiev.

또한 이 범주는 주의력과 음악적 심리가 없이는 남지 않았다. 억양은 E.V.와 같은 연구자들에 의해 연구 대상이 되었습니다. 나자이킨스키와 A.L. 고츠다이너. 잘 알려진 심리학자 Gotsdiner A.L.은 억양의 출현 문제에 대한 역사학을 언급하면서 억양이 연설보다 우선했으며 기쁨, 기쁨, 두려움, 절망과 같은 사람의 가장 안정적이고 깊은 감정 상태를 나타 내기 위해 형성되었음을 나타냅니다. 등.

차례로 E.V. 음악학과 심리학의 교차점에서 억양을 연구하는 Nazaikinsky는 언어와 음악의 공통성을 강조했습니다. E.V. Nazaikinsky "음악적 인식의 심리학". 여기서 Nazaikinsky는 음성 억양 소리가 음악 억양 소리에 미치는 영향에 주목하지만 사람의 전체 경험이 음악 억양에 대한 인식에 미치는 영향에 대해 말합니다. 연구원은이 단어의 단일 의미가 없다는 음악적 억양에 대한 이해의 다양성을 올바르게 지적합니다. 그는 음성과 음악적 억양의 특성을 명확히 설명합니다. E.V. Nazaikinsky "단어의 좁은 의미에서 음성 억양은 음조 곡선 일 뿐이며 넓은 의미에서는 음조, 리듬, 템포, 음색, 역학, 조음 요소의 움직임과 같은 하위 요소 시스템입니다."

일반적인 음악 교육의 교육학에서 억양의 범주도 다른 의미론적 관점에서 고려된다. 그들의 선택은 인토네이션 접근 방식이 사용되는 활동 유형, 음악이 연구되는 음악 자료의 예, 교사-음악가가 직면하는 특정 작업에 따라 다릅니다. 대부분의 경우 인토네이션은 음악 형식 개발의 "씨앗"으로 해석됩니다. 이 접근 방식은 D.B. 음악에 대한 억양 이해를 음악 교육 및 육성의 우선 영역으로 결정한 Kabalevsky는 음악 및 예술 활동의 억양-청각 및 실제 영역을 전체적으로 완전하게 다룰 수 있습니다.

음악 교육의 교육학에서 억양 접근 방식은 음악을 "살아있는 예술"로 인식하고 음악을 "입력"하는 문제의 해결과 관련하여 사용됩니다. 이 접근 방식은 음악 작품에 대한 예술적 지식의 기술을 형성하는 데 필요하며, 그 결과 특히 관련성이 높은 국제적 접근 방식입니다.

우리가 이미 말했듯이, 음악 연주 활동에서 억양의 과정이 주목의 중심에 있으며, 그 본질상 음악을 기악적으로 또는 성적으로 의미 있는 소리로 재생하는 과정을 지향합니다.

현대 일반 음악 교육의 방법론적 지침으로 간주되는 억양 접근법은 전인적 교육 과정에서 구현됩니다. 이러한 과정에는 일반 교육과 특수의 두 가지 유형의 원칙이 있습니다. Abdulin이 제시한 일반적인 교육학 원칙 체계에 따라 다음을 선별합니다.

인본주의적 지향.

과학.

연속성, 일관성, 체계성.

시계.

교육과 훈련의 미학화.

학생의 강점을 기반으로 합니다.

학생 개인의 특성을 고려합니다.

Nikolaeva E.V.가 강조한 특수 원칙을 참조하십시오. 우리는 다음을 나열합니다.

연구 된 음악의 억양의 특성과 교육 과정의 내용 조정.

음악학적 범주로서의 억양에 대한 의존.

억양의 심리적 측면을 설명합니다.

교육 과정의 개인 오리엔테이션.

1. 교육 과정의 내용과 연구 중인 음악의 억양의 특성을 조화시키는 원리. 이 원칙은 음악적 이미지에 침투하는 것부터 필요한 연주 동작을 찾는 것, 기술 작업 수준에서 작동하는 것까지 작품의 연주를 마스터하는 모든 단계에서 발견됩니다. 이 원칙은 중등학교 음악 수업에서 널리 사용되는 "유사점과 차이점" 방법과 관련이 있습니다. Chopin과 Schumann, Scriabin과 Brahms 등의 문체 억양은 그러한 유사점과 차이점의 예가 될 수 있습니다. 유사한 특징을 가지고 있으며, 단일한 스타일에 속하기 때문에 이러한 고전 작품은 억양이 다르며 각각 특별한 학습 방법이 필요합니다.

음악학적 범주로서 억양에 의존하는 원리. 음악학적 범주로서의 인토네이션의 주요 속성은 인토네이션 접근 방식의 맥락에서 발생하는 음악 및 교육 과정에서 그 위치를 찾습니다. 억양의 본질을 이해하기 위한 주요 접근법을 분석하였으므로, 이 원리를 음악적, 교육학적 과정에서 구현할 때 근본적인 음악학적 범주로서 억양에 기초한 음악에 대한 총체적 인식을 형성하는 것이 필요함을 강조한다.

억양의 심리적 측면을 고려하는 원리. 이 원칙은 학생의 사고 유형(합리적 또는 비합리적), 인식, 개인의 감정 상태와 관련되어 다양한 유형의 억양 수행으로 이어집니다. 이 원칙에 따라 교사는 개인의 성격 특성에 따라 학생들과 함께 일하는 방법을 조정할 수 있습니다.

교육 과정의 개인 지향 원칙.

이 원칙은 국가적 접근 방식의 교육 및 개발 작업을 해결하는 데 주요한 것입니다. 그 맥락에서 일어나는 교육 과정의 목표에 해당합니다. 이 원칙은 위에서 설명한 특수 원칙의 논리적 연속입니다. 학생의 개인 활동 실현을 위해 위의 원칙에 내재된 잠재력의 관점에서 위의 원칙을 고려하십시오. 따라서 "연구중인 음악의 억양의 특성과 교육 과정의 내용을 조정"하는 원칙을 업데이트 할 때 교육 과정의 개인적 성향을 가장 잘 드러내는 개별 스타일과 억양에주의를 기울입니다. 동시에 그것은 스타일과 억양을 기반으로 작곡가와 학생 연주자라는 두 성격을 결합하는 양면으로 밝혀 졌다고 말할 수 있습니다. 에 이 경우스타일과 억양은 두 가지 성격 구조의 대화에서 중재자이며, 건전한 실현 과정에서 억양 적합성을 수행합니다.

억양 접근 방식을 구현할 때 특수 원칙을 고려하면 일반 교육 원칙이 특수 원칙을 기반으로 작동한다는 결론을 내릴 수 있습니다. 특수 원칙의 행동은 일반적인 교육학을 통해 수행됩니다.

따라서 "인토네이션"이라는 범주에 전념하는 음악학의 기초 연구와 일반 음악 교육에서의 억양 접근 방식의 개발은 현대 일반 음악 교육의 내용을 점진적으로 업데이트할 기반이 될 수 있습니다.

서지

Aranovskaya I.V. 성격의 미적 발달과 현대 음악 및 교육학 교육에서의 역할(방법론적 기초): 모노그래프. - 볼고그라드: 변경, 2002. -257쪽.

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Galatenko, Yu.N. 시와 음악에서 억양의 의미적 역할 / Yu.N. 갈라텐코 // 예술과 교육. - 2013. - 제5호. - P. 7 - 17.

미학 교육의 필수적인 부분은 개인의 음악 문화 형성에 결정적인 요소로서의 음악 교육입니다.

개인의 미적 발달 방향 중 하나 인 음악 교육은 동시에 교육의 다른 요소 인 개인의 세계관 형성에 필요한 측면입니다. 그러한 교육의 특이성은 궁극적인 목표가 조화롭게 발달된 성격이라는 사실에 있습니다. 그것은 일반적인 문화를 개선하기 위해 사람의 창의적 능력을 활성화하는 것을 목표로합니다. 따라서 미적 교육은 오늘날 특히 중요합니다. 일반적인 이론적 수준에서 미학 교육은 미학, 주로 개인의 예술적 관심과 요구가 형성되고 충족되는 목적이 있는 활동으로 간주됩니다.

미적 교육은 아름다움을 지각하고 느끼고 이해하며 좋고 나쁨을 인지하고 독립적으로 창의적으로 행동함으로써 다양한 방식예술 활동.

미학 교육의 가장 밝은 수단 중 하나는 음악입니다. 이 중요한 기능을 수행하려면 사람의 일반적인 음악성을 개발해야 합니다. 일반적인 음악성의 일반적인 징후는 무엇입니까?

음악성의 첫 징후 - 성격을 느끼는 능력, 음악의 분위기, 들은 것에 공감하기, 감정적인 태도를 보이기, 음악적 이미지를 이해하기.

음악은 듣는 사람을 흥분시키고, 반응을 불러일으키고, 삶의 현상을 소개하고, 연상을 일으킵니다.

음악성의 두 번째 신호 - 듣는 능력, 가장 눈에 띄고 이해하기 쉬운 음악 현상을 비교하고 평가하십시오. 이를 위해서는 기본 음악 및 청각 문화, 특정 표현 수단에 대한 임의의 청각 주의가 필요합니다. 예를 들어 자식은 가장 간단한 속성을 매핑합니다. 음악 소리(고음과 저음, 피아노와 바이올린의 음색 등), 음악 작품의 가장 단순한 구조(노래와 합창의 노래, 연극의 세 부분 등)를 구별하고, 대조되는 예술적 이미지 (함께 노래하고 활기차고 움직이는 합창단의 다정하고 끌리는 캐릭터). 점차적으로 좋아하는 작품이 축적되어 음악적 취향의 기초를 형성합니다.

음악성의 세 번째 신호 - 음악에 대한 창의적인 태도의 표현.그것을 듣고 각자 자신의 방식으로 예술적 이미지를 표현하여 노래, 연주, 춤으로 전달합니다. 예를 들어, 모두가 움직이는 토끼, 유쾌하게 행진하는 남자 등의 표현적인 움직임을 찾고 있습니다. 익숙한 댄스 동작이 새로운 조합과 변형으로 사용됩니다.

일반적인 음악성이 발달함에 따라 감정적 태도음악에 맞춰 청력이 향상되고 창의적인 상상력이 탄생합니다.

에 현대 세계 음악 예술공통된 세계 문화의 일부로 간주됩니다. 그것은 동시에 인간 문화의 일반적인 발전의 일부로서 세계 인식의 일반적인 과정의 필수 요소로 작용하며 동시에 특정 형태의 미적 활동입니다. 일반적으로 예술의 특수성은 다른 특성 중에서도 매우 중요합니다. 본질적으로 "인간 요구의 다양성을 종합적으로 충족시키고 인간 활동 표현의 다양성을 구현하는 예술 문화의 다기능 하위 시스템"입니다. 실제로 음악은 본질적으로 다기능이며 사람과 관련하여 지식과 자기 지식의 도구, 의사 소통 및 가치 지향의 수단, 즐거움의 원천이자 현실의 영적이고 실질적인 변화를 위한 도구입니다. 은유적으로 “음악은 우주 전체의 조화의 축소판이다. 왜냐하면 우주의 조화는 생명 그 자체이기 때문이다. 그의 진동, 리듬 및 톤에서 심장 박동. ". 허브 과학 - 약리학 - 용어가 있습니다. 시너지,즉, 특정 생약이 그 구성 요소의 인공 화학 합성으로 재현되지 않을 때의 총 효과입니다. 분명히 사람에 대한 음악의 영향은 이러한 전반적인 영향을 미치며 위에 나열된 기능은 이론적 이해를 위해서만 "분해"됩니다. 정확한 과학의 대표자조차도 최근 음악 교육을 기리기 위해 칭찬을하고 미학 교육에 매우 중요한 기본 일반 교육학 원칙을 기질적으로 공식화하는 것이 특징입니다. 예를 들어, 영국의 교육자 Roy Slack은 철학자들의 생각에 주의를 기울입니다. 고대 세계"음악은 두뇌를 개발하고 감각을 개발하고 고상하게 하기 때문에 진정으로 교육적입니다." 음악이 미치는 영향의 의미와 특징에 대한 이러한 통합적인 생각은 모든 것이 소리가 나고 모든 것이 아름다운 음악적 우주에 대한 피타고라스의 생각에 바탕을 두고 있음을 쉽게 알 수 있다.

이제 러시아가 정보 문명과 시장 경제에 예측할 수 없을 정도로 빠르게 진입하는 상황에서 이러한 작업이 실제 지역 조건과 일치하지 않는 상황에서 사회의 우선 교육 과제는 교육 시스템의 구현과 보편적 과제의 구조입니다. 영적 문화의 구성 요소의 형성과 보존. 그러나 문제 선언에서 실제 구현까지는 상당한 거리가 있습니다.

어린이의 음악 교육은 어린이의 성격 발달에 특별한 역할을 하는 것이 바로 그런 종류의 현상입니다. 물론 오늘날 우리는 이전에 종합 학교의 틀 내에서 가정했던 것처럼 소련 음악 교육학과 그 주요 이데올로기 D. Kabalevsky의 정신에 따라 어린이의 대량 음악 교육에 대해 이야기 할 수 없습니다. 안에 현대적 조건사회의 사회적 재조직과 B. Bartok 및 Z. Kodály와 같은 헝가리 음악가 덕분에 살아난 헝가리 버전의 보편적 음악 교육. 이것은 그러한 과제가 오늘날 많은 객관적인 이유로 현실이 될 수 없는 국가 과제가 되어야만 달성할 수 있습니다.

중등 학교 어린이의 과부하가 러시아 교육학의 시급한 문제가되었다는 사실을 고려하지 않는 것도 불가능합니다. 이와 관련하여 충분한 근거가 있는 정당성이 절대적으로 필요합니다. 특별한임무 음악 학교국가, 사회, 학부모의 새로운 요구를 충족시킬 수 있어야 하는 예술 학교. 오늘날 교육과 양육이 사회가 사람에게 주는 가장 중요한 것이라는 주장을 의심하는 사람은 아무도 없습니다. 사회가 발전하는 과정에는 축적된 지식의 보존과 전승, 그리고 그것을 획득한 경험이 필요하다. 이와 관련하여 전통적인 개념 중 하나는 다음과 같습니다. 교육 내용축적된 실제적이고 영적인 경험을 전달하는 데 필요한 교육 과정의 특성과 관계의 집합입니다. 교육 내용 뒤에는 항상 원하는 교육의 이상적인 운반자 인 사람의 모델이 있습니다. 한편, 우리나라의 교육 발전 과정에서 특정 단계에서 문제를 제기하고 해결하기 위한 구체적인 모델을 만들어야 할 필요성이 생겼습니다. 이 모든 것을 교육의 과학적 패러다임이라고합니다. 차례로 과학 패러다임은 그 기준에 따라 교육 분야 및 과학적 방향의 개념을 충족하는 분야 및 영역의 수를 제한했습니다. 교육의 과학적 패러다임의 틀 안에서 체계화된 현상과 과정의 성공적인 개념과 정의는 고도로 전문화된 지식의 축적으로 이어졌고, 한정된 범위의 학문이 만들어짐에 따라 점차 교육기관이 문화를 전달하는 요소를 박탈했음을 인식해야 한다. 사회의 정서적, 영적 경험. 20년대 말에 (상호 관련된 모든 이유 때문에) 모든 유형의 문화와 교육이 어떻게 분리되었고, 여전히 존재하는 관련 국가 구조에 안치되어 있었는지 기억해 봅시다. 고도로 전문화 된 지식의 고립은 이미 어린 시절에 사람이 자신의 초기 태도를 선택할 기회를 박탈 당한다는 사실로 이어집니다. 이와 관련하여 우리는 E. Feinberg의 결론을 인용 할 수 있습니다. 현대인. 예술을 대신할 수 있는 것은 없습니다. 인류가 건강을 유지하려면 예술을 포함한 교육의 인도적 부분의 기능이 커져야 한다…

현재의 미술교육제도는 우리나라에서 오랫동안 발전해 왔으며 세계적으로 인정받는 음악문화의 전통을 바탕으로 하고 있다. 이와 관련하여 중요한 전문 인물 그룹을 교육한 Yaroslavl 교육 커뮤니티의 기여를 강조할 필요가 있습니다. 국가 문화그리고 교육. Rostov-on-Don에서 음악을 가르치는 것은 일반적으로 받아 들여지는 러시아 전통과 거의 다르지 않았으며 세기의 전환기에 Rostov Society of Lovers of Musical and Dramatic Arts (1875-1912)의 활동으로 시작되었습니다. N. N. Almazov의 학교 (1899), 1904 년 Imperial Russian Musical Society의 Rostov 지점 개관. 1917 년까지 러시아의 음악 학교는 사립이었고 원칙적으로 대도시에서만 일했지만 주로 19 세기 말에 생겼습니다.

에 소비에트 시간 7년제 음악 학교는 우리 지역의 거의 모든 지역 센터에 나타났습니다. 음악 및 미술 학교와 미술 학교에서 특히 우리 지역에서 음악 및 미술 학교와 문화 학교에서 수행하는 중등 직업 훈련에 이르기까지 지속적인 교육을 제공하는 다단계 시스템이 개발되었습니다. 1990-2003년 동안 교육 기관의 총 수는 변경되지 않았으며 약 10,000명의 어린이가 공부한 43개 학교에 달했습니다. 2003년 로스토프 지역의 학교 유형별 특징은 다음과 같다.

어린이 음악 학교(DMSH) - 27

아이들의 미술 학교(DHSH) - 9

어린이 미술 학교(DSHI) - 6

기타 - 1 (어린이 합창 학교 "Canzona").

이렇게 형성된 음악교육의 체계는 우리 사회의 특수하고 특징적인 현상이며, 조직적으로 복잡한 구조와 특수한 대내외적 관계를 가지고 있다. 소련 교육 시스템에서 태어난 어린이 음악 학교(DMSH)는 이 특정 시스템에 내재된 기능의 많은 특징과 특히 전문적일 뿐만 아니라 교육적인 해당 결정 요소를 가지고 있습니다. 이것은 다방면의 다기능 교육 기관입니다. 이데올로기 적 측면을 제외하면 1980 년부터 "소련 문화부 시스템의 어린이 음악 학교 및 예술 학교에 관한 규정"에 의해 결정된 음악 학교의 임무는 오늘날에도 관련이 있습니다.

1. 학생들에게 일반적인 음악 교육을 제공하고 아이들에게 예술을 소개하며 소련, 고전, 러시아 및 외국 예술의 가장 좋은 예에 대한 미적 취향을 교육합니다.

2. 적절한 특수 교육 기관에 입학할 수 있도록 가장 영재 아동을 준비시킵니다.

음악 학교의 우선 순위는 중등 전문 교육 기관의 인력 양성으로 선포되었습니다. 교육부에서 개발한 7-8년 교육 프로그램은 학생들이 악기 연주의 초기 기술을 습득할 수 있도록 하여 전문 교육의 토대를 마련했습니다. 커리큘럼, 입학 요건 및 기말 시험도이 작업에 종속되었습니다.

동시에 예술학교 미학과의 5년제 프로그램은 일반 음악 교육에 초점을 맞췄다. 음악 학교의 프로그램과 예술 학교의 음악 부서는 전문 음악 교육의 초기 연결 고리로 간주되었습니다.

70~80년대에 이러한 교육을 받는 명성과 인기는 이미 입학 첫 단계에서 경쟁적으로 아이들을 선발하는 것을 가능하게 했다. 교육의 모든 단계에서 전문적으로 유망한 학생에게 우선권이 주어졌습니다. 이를 뒷받침하는 주장 중 하나는 당시 음악 학교와 예술 학교의 교직원에게 부과되었던 자격 요건입니다. 다음 자격 등급을 부여하는 기준은 우선 중등 전문 문화 교육 기관에 등록한 졸업생의 존재와 전문 기술 경쟁에서 학생들의 참여 및 승리였습니다.

오늘 우리는 축하합니다 음악 학교 위기그 이유 중 일부는 금융 및 경제 분야에 있지만 주된 이유는 이러한 독특한 교육 유형의 개념적 특징과 관련이 있습니다. 완전한 그림은 모든 활동에 대한 총체적이고 지속적으로 변화하며 심화되는 분석을 필요로 합니다. 전통적으로 모든 교육 시스템의 "효율성"은 교육 조직의 목표와 결과 사이의 특정 일치를 의미하며 교육의 "품질"은 내용과 형식이 이상적인 수준에 일치함을 의미합니다. 교육적 "생산"의 품질을 결정할 때 프로세스 역학의 간접적 및 외부 징후를 사용하는 것이 더 쉬운 것으로 나타났습니다. 수업에서 얻은 지식의 양과 질은 이러한 편리한 지표로 설정되었습니다. 그러나 이 두 개념 모두 음악 교육과 관련하여 정의하고 검증하기 어려운데, 첫째는 공동체, 목표, 가치가 이질적이고 둘째, 어떤 것의 이상적인 수준은 조건부이기 때문이다.

전통적인 음악 학교에서는 한 가지를 제외하고는 학생에게 전혀 의존하지 않습니다. 일반적으로 받아 들여지는 규칙에 따라 연주하고 선언 된 인간화에도 불구하고 리더가 아닌 추종자로 남아 있으면 "보상"을받을 수 있습니다. 눈에 띄지 않게 목표의 대체가 있었고 아이는 음악 교육에 필요한 개별 접근 방식을 잃었습니다. 아동의 제한적이고 좁은 기간과 활동에서 주제에 대한 지식의 전달은 자체 포함된 가치를 획득하고 그 자체로 목적이 되었습니다.

단일 교육 과정은 서로 거의 의존하지 않는 하위 시스템으로 나뉩니다. 목적을 수단으로 대체하는 것이 일반 교사 개인의 실습에서만 발생했다면 문제의 절반이 될 것입니다. 모든 자연, 직감에는 아이의 성격을 전체적이고 균형 잡힌 방식으로 대할 지혜, 힘 및 책임이 부여됩니다. 그러나 교육적 실천을 일반화 할 때 경험적으로 발전하는 음악 교육 시스템의 기초에 오류가 발생했습니다.

제 생각에 오늘날 가장 건설적인 길은 시대의 전환기에 있으며 오늘날까지 실질적인 의미를 잃지 않은 지난 몇 년간의 귀중한 교육적 업적, 음악가의 교육적 발견, 실습 교사를 종합할 수 있습니다. 낡은 교육 모델을 현대화하려고 합니다.

현재 위기의 원인 중 하나가 로스토프 지역의 음악 학교교직원의 관성과 "제품"의 품질과 학생, 학부모, 지역 노동 시장 및 사회의 성격에 대한 요구 사항 증가 사이의 상당한 격차입니다. 오늘날 1 학년 입학이 유지되고 있음에도 불구하고 (매년 2,200 명이이 지역의 예술 교육 기관에 입학) 졸업반에 도달하는 비율은 40 % 미만입니다. 이 사실은 지역 수준에서 상황에 대한 더 많은 과학적 분석이 필요함을 나타냅니다. 관리자와 교직원이 해결해야 할 핵심 과제는 예산 부족과 학생 수 감소에 직면하여 외부 환경 변화에 적절하고 적시에 대응하고 양질의 교육을 제공하는 능력입니다. 인구 통계 학적 상황과 관련된 교육 기관의 학생 수 감소가 계속되어 한 자녀를 교육하는 비용이 증가합니다. 교육부에 따르면 등록금이 감소한 것으로 나타났다. 초등학교 Rostov-on-Don 시에서는 20%, 지역에서는 최대 30%에 이릅니다. 이러한 상황에서 아동의 개인적이고 사적인 필요, 그의 가족은 주문의 주요 원천입니다. 교육 활동음악 학교.

(L. Vygotsky에 따르면) 미학 교육의 주된 임무와 목표는 어린이에게 인류의 미적 경험을 익히는 것입니다. 수천 년 동안 그 정신을 예술로 승화시켰습니다. 따라서 모든 종류의 예술 기술에 대한 전문 교육은 어린이 자신의 창의성 및 예술적 인식의 문화와 같은 교육 라인과 결합되어야 합니다. 그러나 학습과 성격의 주관적 발달 사이의 차이는 상호 배타적이고 모순적인 과정이 아닙니다. 그들의 관계는 전술과 전략의 관계와 유사합니다. 공개 필요한 조건아동의 자기 결정, 자기 실현(자신의 이익을 위한 자기 홍보의 기회와 자유로운 선택의 기회를 아동에게 제공) 및 실제로 특수 교육 환경을 의도적으로 만드는 과정에서 아동을 지원하는 것이 하나의 전략입니다. 모든 기술을 습득하는 것은 전술입니다.

효과를 평가하려면 이 두 프로세스의 심리적 및 교육학적 본질과 최적의 대응을 강조할 필요가 있습니다.

아동의 관심사, 삶 및 직업적 자기 결정의 자유로운 선택을 위한 심리적 및 교육학적 지원

교사와 아동 사이의 주제-주제, 파트너십 관계에 대한 교육적 영향(교수 전술)의 종속.

음악 교육학 -악기 연주 교육, 음악의 역사와 이론, 음악 교육 및 육성 프로그램에 포함된 모든 것을 포함하여 영역 자체가 상당히 넓습니다. 특정 교육 활동어린이를위한 음악 교육 기관에서 실용적인 주제 수공예 훈련 (학습), 정보 및 기술 습득뿐만 아니라 어린이의 잠재력 개발과 그의 주제로서의 어린이의 형성 및 개선 과정과 관련이 있습니다. 자체 개발. 이러한 과정은 결과를 통계적 형식(콘서트, 콩쿠르, 졸업장 등)으로만 표현하는 것으로 축소될 수 없습니다. 학생들의 창의적 성장에 도움이 되는 여건을 조성하는 것입니다.

오늘날 교육 방법의 개별화 문제는 음악 학교 교사가 심리학, 해부학 및 생리학, 미학 분야에서 더 근본적인 지식을 가질 것을 요구합니다. 학생과의 수업은 매번 새로운 창의적인 작업입니다. 성공적인 솔루션은 성과를 바탕으로 개발된 교육학적 사고 없이는 생각할 수 없습니다. 현대 과학. 교육 과정의 효율성을 향상시키는 방법을 찾는 것은 또한 의도적인 예술 교육의 부족, 연주 귀, 리듬, 음악적 기억력, 주도권 및 대부분의 학생들의 창의적인 상상력.

전문적인 음악 교육은 학생의 유익한 활동을 위한 조건을 만들어야 하며, 이것이 진정한 전문성의 내용이자 품격입니다. 교사 작업의 질, 그의 음악 및 교육 활동의 효율성에 대한 질문이 가장 중요한 때가 왔습니다. 이와 관련하여 음악 학교 교사 훈련의 개선이 특히 중요하며, 이는 미래의 교사에게 교육학적 지식과 기술을 갖추도록 하는 음악 학교의 교육 과정의 재강조에 달려 있습니다. 기존 커리큘럼 및 프로그램 내에서 심리학, 교육학, 방법론 및 교육적 실습에 대한 연구에 훨씬 더 많은 관심을 기울일 필요가 있습니다. 현재 알려진 바와 같이 음악 학교와 음악원은 주로 공연 활동을 위해 학생들을 준비시킵니다. 젊은 음악가의 교육학 교육은 아직 명확하고 포괄적인 시스템으로 발전하지 못했습니다. 따라서 교육 검색의 랜드마크는 오늘날 모바일 교육 기술 개발 분야에 있습니다. 이런 의미에서 일반 교육 시스템에서 개발 된 창의적 원칙과 교훈 간의 관계의 중요성이 커집니다.

우리의 의견으로는 교육 시스템과의 통합 과정은 무엇보다도 문화에서 이러한 문제를 해결하는 건설적인 방법으로 이해되어야 합니다. 우리 지역 수준에서 우리는 로스토프 지역의 문화 및 예술 근로자의 교육 및 방법론 및 정보 센터(선도적인 방법론적 구조)와 교육학 대학 및 개발 연구소 간의 유익한 상호 작용 전망을 봅니다. 교육.

음악 교육의 현대 예술 및 교훈적 접근

N. N. 그리샤노비치,

현대 지식 연구소. A. M. Shirokova(벨로루시 공화국 민스크)

주석. 이 기사는 예술 교육학의 현대 패러다임과 관련된 음악 및 교육 과정의 조직에 대한 예술적 및 교훈적인 접근 방식을 정의하고 입증합니다: 가치 의미, 억양 활동, 대화, 체계, 다예술. 접근 방식이 음악 교육의 원칙을 구현하는 데 있어 툴킷의 기능을 교육 과정특정 기술을 사용해야 합니다. 중심적이고 강조된 원리이기 때문에 음악 교육의 다른 원리와 방법을 통합합니다.

키워드키워드: 예술적이고 교훈적인 접근, 가치, 의미, 억양, 활동, 대화, 시스템, 다중 억양, 동기 부여, 개발, 방법.

요약. 이 기사에서는 음악 교육 과정을 조직화하는 다섯 가지 예술적-교훈적 접근 방식이 정의되고 입증되었습니다. 그들은예술 교육학의 현대 패러다임에 대한 실제: 가치 감지, 억양 능동, 대화, 체계 및 다중 예술. 이 접근 방식은 음악 교육 원칙을 구현하는 동안 도구의 기능을 수행하고 새로운 기술의 적용을 필요로 한다는 것을 보여줍니다. 중심적이고 강조된 원칙인 이 접근 방식은 수많은 다른 예술적 교훈적 원칙과 음악을 가르치는 방법.

키워드: 예술적-교훈적 접근, 가치, 감각, 억양, 활동, 대화, 시스템, 다중 억양, 동기, 개발, 방법.

교훈적 접근법은 교육 내용을 구조화하고 그 목표를 달성하기 위한 방법을 선택하는 중심 원칙이며, 그 주위에 여러 가지 다른 원칙을 그룹화하고 이에 의존합니다. 음악 교육은 예술적 교훈의 특정 원칙에 기반을 두고 있기 때문에 이에 대한 접근 방식은 예술적이고 교훈적이어야 합니다. 아래에-

이 과정은 교육 과정에서 음악 교육의 원칙을 구현하는 툴킷(기술)의 기능을 수행합니다.

교육학적 연구는 교육의 문화적 패러다임이 학생 중심 및 활동 기반 접근법을 요구한다는 점을 강조합니다. 문화는 규범에 따라 발전하는 창의성과 활기찬 상호 작용을 기반으로 합니다.

소통과 협력. 따라서 문화적으로 적합한 학교에서 아이들은 문화 정보의 동화가 아니라 특별히 조직된 그들 자신의 창의적 활동 과정에서 문화를 접하게 됩니다. 음악인지 과정의 법칙과 실제 구현에 의존하는 원칙은 학생들의 음악 교육 개발 조직에 대한 적절한 예술적 및 교훈적인 접근 방식을 선택해야합니다.

가치 의미 론적 접근의 중심에는 학생들의 음악인지 활동의 동기 부여 측면과 음악에 대한 영적 이해 능력 (V. V. Medushevsky)의 개발이 있습니다. 아이의 영혼의 주요 작업은 보편적 인간 가치의 전유입니다. 사람은 자신의 영적 본질을 얻고 인류의 일부가되어 문화를 이해하고 창조합니다. 그래서 영적인 사람문화의 진원지로서 가장 높은 영적 가치 (P. A. Florensky)는 교육의 질을 평가하는 결과이자 주요 기준입니다 (E. V. Bondarevskaya). 이러한 위치에서 음악 교육의 진원지는 학생입니다. 그의 음악성 개발, 개성과 영성 형성, 음악적 요구 만족, 관심 및 창의적 가능성입니다. 성격의 음악 교육은 특별한 발달, 사회의 음악 문화와 상호 작용하는 능력뿐만 아니라 세계관을 형성하는 과정에서도 나타납니다.

진지한 음악의 예술적 내용은 인간의 숭고하고 아름다운 삶을 구현합니다.

체스키 정신. 따라서 음악의 영적 진리와 가치, 아름다움에 대한 이해는 음악교육의 의미론적 핵심이다. 음악적 지식의 목표는 음악적 지식의 습득이 아니라 인간의 높은 본질에 대한 침투의 깊이, 세계의 조화, 자신과 세계와의 관계에 대한 이해입니다. 음악 교육의 선도적 방법으로서 음악 작품의 억양-의미론적 분석은 교사와 학생 모두가 아름다움과 진리에 대한 인식, 영적 높이로의 상승을 요구합니다. 인간의 영혼. 학생들의 음악적, 인지적 활동에서 음악은 미적 평가의 대상일 뿐만 아니라 삶과 문화, 인간에 대한 정신적, 도덕적 평가의 수단으로 작용한다.

예술을 조직함으로써

음악으로 학생들을 만날 때, 교사는 지속적으로 학생들의 주의를 알아차림에 집중시켜야 합니다. 가치론적 측면작품과 예술적이고 소통적인 상황. 가치-의미론적 접근은 위대한 음악의 도덕적, 미적 의미를 과소평가하는 것을 허용하지 않습니다. 더 높은 영적 의미는 "낮은" 삶의 연관성을 취소하지 않지만 지각-이해에 대한 의미론적 관점을 설정합니다.

음악 교육의 주요 기능은 학생들의 억양 청력 개발, 억양-음악적 사고 능력입니다. 음악을 가르치는 내용과 방법에 영적 악센트를 배치하려면 학생들의 "깨달음, 음악적 귀의 고양", "숭고한 아름다움에 대한 검색 및 인식 기관으로서의 형성"이 필요합니다.

그의 독특한 능력 (V. V. Medushevsky)의 개발뿐만 아니라.

과목의 내용은 다양한 장르와 경향의 고전적이고 고도로 예술적인 현대 음악과의 대화 연결에서 학생들이 국가 음악 문화를 마스터하는 방식으로 구성됩니다. 그러나 음악 교육은 가치를 강요해서는 안되며, 그 임무는 이러한 선택을 자극하기 위해 인식, 이해 및 선택을 위한 조건을 만드는 것입니다.

음악 활동에 대한 학생들의 동기 부여 개발에는 음악적 및인지 적 관심에 대한 교육적 자극이 포함되며, 여기에서 특정 음악적 행동과 음악 교육 전체의 개인적인 의미가 나타납니다. 학생들의 개인 경험의 양면 활동이 자극됩니다. 삶과 예술적 연관성은 음악 이미지의 내용과 표현 수단에 대한 인식을 돕습니다. 음악 작품의 해석과 개인의 예술적 의미 탐색은 다른 작가, 다른 시대 및 예술 유형의 작품에 구현된 동일한 삶의 현상에 대한 다른 견해에 대한 공감과 수용을 통해 학생들의 세계관을 풍부하게 합니다.

발달 교육, 문제 기반 학습, 예술적 및 교훈적인 게임, 대화식, 개인 의미 기반 교육 과정 구축 등 가치 지향적인 특성을 지닌 기술 및 방법에 우선 순위가 부여됩니다.

사회의 음악 문화와의 대화에 학생들을 포함시키는 교사는 자신의 도덕적, 미적 평가, 세계관 위치를 그들에게 부과 할 권리가 없습니다. 그것은 음악 작품의 필요한 사회 예술적 맥락을 만들고 자극할 수 있습니다. 비교 분석조화와 부조화, 숭고함과 천박함의 위치에서. 식별을 요청할 수 있습니다. 영원한 테마» 예술과 그들의 영속적인 영적 관련성에 대한 이해. 그러나 동시에 예술적 이미지의 의미 론적 해석은 억양 감각, 억양 어휘, 억양 의미 분석 및 예술적 일반화 기술, 떠오르는 도덕적 및 미적 감정을 기반으로하는 학생 자신의 창의성입니다.

교사는 음악적 이미지의 예술적 비밀을 끊임없이 파고들어 학생들이 흥미진진한 창의적 문제에 대한 해결책으로 이를 "발견"할 수 있는 길을 만들고 작곡가, 연주자 및 청취자의 창작 과정을 모델링합니다.

활동 접근법은 음악 교육에서 가장 전통적이라고 믿어집니다. 교육 프로그램은 계속 개발되고 있으며 교구, 활동 유형별 음악 교육 콘텐츠 구성이 옹호됩니다. 이 접근 방식을 통해 학생들은 섹션별로 합창, 음악 듣기, 기본 악기 연주, 음악으로 이동, 즉흥 연주 및 음악 읽기 능력을 배웁니다. 각 섹션에는 고유한 목표, 목표, 내용,

행동 양식. 기본 과목인 "음악"의 수업에서는 이러한 섹션이 결합되어 전통적인 수업의 특징적인 구조를 구성합니다.

이 접근법의 독특한 특징은 모델에 따르면 학습의 우선 순위와 완성된 형태의 지식, 기술 및 능력의 지배적인 동화입니다. 그러나 현대 음악 교육학은 모델에 따른 행동의 숙달과 완성된 형태의 지식 동화가 교수 활동 접근법의 본질이 될 수 없다고 주장합니다. 이것은 외부에서 학생들에게 활동을 제공하는 설명적-예시적 접근 방식의 전통적인 특징입니다. 교사는 학생들이 동화를 암기, 제어 및 평가하도록 설계된 완성된 콘텐츠를 방송합니다.

활동 접근법은 발달 학습에 일반적입니다. 확장 된 교육 활동은 교사가 학생들이 실험을 통해 주제에 대한 지식을 "발견"하도록 요구하는 조건을 체계적으로 만드는 곳에서 수행됩니다 (V. V. Davydov). 음악 및인지 활동은 학생들이 음악적 이미지의 탄생 과정을 재현하고, 표현 수단을 독립적으로 선택하고, 억양의 의미, 작가 및 연주자의 창의적 의도를 밝힐 때 수행됩니다. 이러한 활동의 ​​기초는 통합 음악 문화의 의사 소통 속성, 작곡가, 연주자 및 청취자의 개인-창조적 대화를 모델링하는 과정에서 학생의 억양 음악적 사고의 개발입니다.

억양 접근 방식의 중심에는 자신의 "초등" 음악을 듣고, 연주하고, 만드는 과정에서 학생들의 생생한 억양 음악 연설의 숙달, 억양 청각, 지각-이해 및 음악적 사고의 개발이 있습니다. 작곡가, 연주자, 청취자의 활동을 모델링하는 것은 음악적 연설을 마스터하는 방법론의 기초입니다. 능동적 인 행동, 보컬, 플라스틱, 연설, 기악 억양을 통해 학생들은 음악적 이미지로 이동하여 억양 의미를 발견합니다. 수업 내용과 전체 주제는 다음과 같이 주어진다. 예술적 커뮤니케이션음악에 대한 이론적 지식의 동화가 아니라 생생하고 국제적으로 창조된 예술로. 음악적 아이디어는 국제적이고 실용적인 경험을 기반으로 형성되며 학생들의 음악적이고 창의적인 개발 수단입니다 (D. B. Kabalevsky, E. B. Abdullin, L. V. Goryunova, E. D. Kritskaya, E. V. Nikolaeva, V. O. Usacheva 및 기타).

억양은 필수 속성이며 음악 프로그램의 모든 교육 주제의 핵심이며 따라서 학생의 주요 음악 역량의 실존 적 형태입니다. 억양 활동 접근법은 학생들이 음악의 소리 형식과 그 영적 내용 사이의 간극을 극복하는 데 도움이 됩니다. "인토네이션 뒤에는 항상 사람이 있습니다"(V. V. Medushevsky), 음악에서 사람과 그의 문제를 발견하면 음악 교육이 인간 과학의 높은 인도 주의적, 도덕적 및 미적 수준에 도달 할 수 있습니다.

대화적 접근은 유사점과 대조를 바탕으로 음악 교육의 내용과 방법에 대한 대화가 필요하다. 음악 작품의 마스터링은 항상 대화식 공동 창작물입니다. 작곡가가 만든 작품은 국제 분석, 연주, 해석 기술 및 대화 상대 학생과 교사의 개인적인 경험 덕분에 살아나고 의미 론적 완성도를 얻습니다. (청취자와 연주자).

음악 문화는 "가깝고 먼"대담 자 (작곡가, 연주자, 청취자, 예술가, 시인 등)를 대상으로하는 일련의 작품 (텍스트)으로 이해됩니다. 일반적으로 음악 및 예술 문화의 대화로 연결된 텍스트는 학생들에게 교육적 다원어에서 개인 이해, 개인 창의성의 바람직한 주제가 되어야 합니다.

음악 텍스트의 특수성은 청취자를 겨냥한 비 유적 콘텐츠의 불완전성, 개방성 및 무진장성에서 나타납니다. 작곡가의 아이디어는 최종 형태의 음악 텍스트 뒤에 숨겨져 있을 뿐만 아니라 연주자 또는 청취자의 반의식에 의해 해석 과정에서 부활되고 구체화되기 때문에 다음 중 하나입니다. 핵심 문제음악 교육의 대화는 의미론적 해석이 됩니다. 많은 과학자 (M. M. Bakhtin, M. S. Kagan, D. A. Leontiev)는 예술 작품의 저자와 해석자 공동 창작자 간의 상호 작용을 이해하는 과정에서만 예술 현상이 발생한다고 믿습니다.

심리학자들에 따르면 대화는 의식의 기본 구조에 "내장"되어 있으며 주요 속성 중 하나입니다. 인간의 의식은 추론 과정에서 특정 의미 론적 위치를 가진 상상의 대담 자, 자신과의 내부 대화가 특징입니다. 음악-인지 과정의 설계에 대한 대화적 접근은 현대 음악학의 입장을 기반으로 합니다. 음악적 귀는 말 듣기 및 모든 지각 능력(가소성, 시각, 촉각 등)과 상호 작용하여 발달하고 삶과 동시적 예술적 맥락 (V V. Medushevsky, A. V. Toropova).

음악 작품의 개인 개발은 대화 공동 창작, 의미 론적 공동 저술 없이는 불가능합니다. 이해와 자각의 과정은 동일한 가치에 대한 여러 견해가 만나는 경계점에서 개별적 의미의 성숙 과정과 관련된 공명 현상이 발생하는 긴장된 대화 공간이 형성됨을 시사한다. 이 대화 공간은 다른 유형의 예술 작품, 전기 자료, 개인 경험 등을 포함하는 연구 작품의 예술적 및 삶의 맥락의 도움으로 만들어집니다.

작곡가가 만든 이미지는 음악 작품의 삶을 구축하는 핵심입니다. 작가는 소통의 창시자로서 관객과의 대화 속에서 자신의 의도에 따라 음악적 텍스트를 형성한다. 시도할 때-

음악 교육의 다른 연령 단계에서 작곡가의 세계에 들어가기 위해 다양한 작품에 대한 호소와 작곡가 전기의 측면을 포함하는 다양한 내용의 성격 대화가 이루어집니다.

음악 교육의 대화적 특성으로 인해 수업의 학생들은 작곡가, 연주자 및 청취자, 예술가, 시인 및 예술가, 카메라맨, 사운드 엔지니어 및 시나리오 작가의 적극적인 역할 위치에 배치됩니다. 음악의 억양 언어에 대한 이해는 다음화 과정에서 발생합니다.

ing, 집단적 해석, 예술적 유희, 모델링 또는 음악적 이미지 생성.

교사의 가장 중요한 임무는 학생들을 끌어들이고 우호적 인 관계를 형성하는 흥미로운 예술적 및 교육적 의사 소통 분위기를 조성하는 것입니다. 교육 과정을 구성하는 그룹, 쌍 및 집단적 방법, 게임 형식의 창의적 활동은 학생들 간의 상호 작용을 구성하는 데 널리 사용됩니다.

음악 교육 과정에서 대인 커뮤니케이션 시스템

예술적 및 교육적 의사 소통 과정에서 학생은 적어도 세 단계를 거칩니다. 첫 번째는 음악 및 교사와의 내부 대화, 반성입니다. 두 번째는 인상과 성숙한 생각을 학생 및 교사와의 대인 커뮤니케이션에 몰입시키는 것입니다. 세 번째는 이미 스스로 가치 판단을 발전시킨 상세한 독백 진술입니다. 따라서 개인적인 독백(구두 또는 서면)은 대화의 자연스럽고 유익한 결과입니다. 음악 교육에서 대화식 접근 방식의 장점은 교사뿐만 아니라

독특한 개성으로 각 학생에게 메타.

체계적인 접근은 발달 교육 조직에 없어서는 안될 조건입니다. 그것은 방법론자와 교사를 안내하여 학생의 음악 교육의 무결성과 이러한 무결성을 보장하는 모든 요소의 다양한 국제적이고 창의적인 연결을 공개하고 구현하여 콘텐츠 및 방법의 계층 구조에서 시스템 형성 요소를 찾습니다. 음악 교육 과정의.

구성 요소의 내부 연결은 다음에 해당하는 새로운 통합 속성을 생성합니다.

어떤 구성 요소도 이전에 가지고 있지 않은 종류의 시스템입니다. 따라서 주제 내용의 주제별 구성 (D. B. Kabalevsky)은 기본 의미 론적 프레임 워크를 형성하여 음악의 억양-의미 론적 인식-인지에서 학생들의 모든 유형의 음악 활동을 통합합니다. 초등학교를 통해 음악 언어를 마스터 아이들의 창의력(K. Orff)는 어린이의 예술 및 검색 활동에서 리듬, 단어, 소리, 움직임을 합성합니다. 음악적 사고를 시스템 형성 요인으로 정의할 때 음악적 발전학생, 모든 기본 음악적 능력(음악 귀의 유형)은 음악적 사고의 속성(N. N. Grishanovich)으로 상호 연결된 방식으로 발전합니다.

성격의 음악 교육은 그 구조 내에서 순서가 있는 연결을 가진 복잡한 동적 시스템입니다. 이 시스템의 각 요소는 내용, 활동, 능력 개발, 방법 등의 하위 시스템으로 간주될 수 있습니다. 음악 수업, 모든 예술적 및 의사 소통 상황도 음악 교육의 하위 시스템입니다.

시스템의 무결성은 기본적으로 구성 요소의 속성의 합으로 환원될 수 없습니다. 시스템의 각 요소는 구조, 기능 및 전체 내의 다른 요소와의 연결에서 차지하는 위치에 따라 달라집니다. 예를 들어, D. B. Kabalevsky의 시스템은 합창, 음악 문해력 및 기타 지식과 기술을 배제하지 않지만 교육 과정에서의 기능과 위치는 극적으로 변화하고 있습니다. 개인 학습 목표 대신 음악 문화를 개발하는 수단이됩니다. 개인.

체계적인 접근 방식은 음악 교육 과정의 무결성에 대한 특정 메커니즘을 검색하고 내부 연결에 대한 상당히 완전한 그림을 식별하고 구축할 수 있는 백본 요소의 할당을 필요로 합니다. 전체 시스템 기능의 성공 또는 실패에 대한 "분석의 운영 단위".

다예술적 접근

통합, 예술적 영향의 합성을 의미합니다. 그리고 통합은 예술적 이미지의 억양적 관계를 드러내는 것이다. 다양한 억양 언어의 도움으로 동시에 표현력을 습득함으로써 학생들은 표현력의 뉘앙스를 더 잘 인식하고 자신의 감정과 이해를 더 완벽하게 표현할 수 있습니다.

억양은 일반적인 예술 범주입니다. 이것은 예술의 재료와 이미지로 구현된 영적 에너지입니다. 모든 유형의 예술의 일반적인 국제적 비 유적 특성은 상호 작용, 통합 및 합성의 기초입니다 (B. V. Asafiev, V. V. Medushevsky). 학생들은 자신의 방식으로 구현한 다양한 유형의 예술 작품을 비교함으로써 예술적 이미지의 영적 의미를 발견할 수 있습니다.

표현 억양 및 억양 의사 소통 (음성, 음악, 플라스틱, 색상)의 경험은 예술적주기의 분야를 병렬로 마스터하는 과정과 다중 억양 기술의 도움으로 학생들이 축적합니다. 교육 과정에서 예술 활동의 합성 유형: "목소리로 그리기", "플라스틱 드로잉" , 유창한 시와 그림,

문학 텍스트의 억양 악보 생성, 리드미컬한 선언, 문학 및 음악 구성, 의성어(음향 그림 생성), 연설 및 플라스틱 게임.

음악적 사고를 포함한 예술적 사고의 가장 중요한 속성 중 하나는 연관성이라는 점을 고려해야합니다. 모든 예술 교육에서 다른 모든 유형은 학생들의 삶과 문화적 경험의 확장에 기여하고 상상력을 키우고 예술적 사고의 최적 개발을위한 조건을 만드는 필요한 연관 비 유적 분위기를 만듭니다. 다양한 예술 작품의 도움으로 수업에 감성적이고 미적인 분위기가 조성됩니다. 예술적 인식, 정서적 "조정", 예술적 이미지와의 만남을위한 적절한 지각 및 미적 설정 생성을 제공합니다.

음악 수업 내용의 유사성과 대조에 관여하는 관련 예술 형식의 작품은 연구 중인 작품에 대한 예술적 맥락을 만들고 주제 내용의 대화화에 기여하며 문제적이고 창의적인 상황을 생성합니다. 개발 기술의 사용은 다양한 표현 요소의 도움으로 예술적 이미지와 창작 과정을 모델링하는 다중 억양을 기반으로 합니다. 예술적 언어.

예술 교육의 다예술적 접근 방식은 B.P. Yusov에 의해 이론적으로 입증되었습니다.

조건부 현대 생활감각 시스템의 모든 매개 변수에서 근본적으로 변형된 문화. 현대 문화다국적, 다국어, 다성적 특성을 획득했습니다. 모든 유형의 예술의 통일된 특성은 각 어린이의 다원적 가능성의 통합과 실현을 전제로 합니다.

이 접근 방식은 삶에 대한 다양한 유형의 예술적 인식과 결과적으로 다양한 유형의 예술에 대한 다양한 연령대의 지배적 아이디어가 특징입니다. 예술 유형은 교육 분야 "예술"의 단일 예술 공간의 모듈(교대로 연속 블록) 역할을 하며, 주니어에서 중급 및 고급 클래스로 이동함에 따라 차례로 지배합니다. 주어진 연령 단계에서 지배적인 예술 활동의 유형과 학생들의 관심에 따라 다중 예술 단지에서 우세한 예술 유형은 슬라이딩 모듈 방식에 따라 서로 대체됩니다. 전체적인 예술 및 교육학 생태계에서 서로 다른 예술적 언어와 예술적 활동 유형을 보다 완벽하게 이해하기 위한 조건이 만들어지고 한 유형의 예술에서 다른 유형의 예술로 예술적 아이디어를 전달할 수 있는 능력이 제공됩니다. 개인의 예술적 재능의 보편화.

예술 교육에 대한 다중 예술적 접근 방식은 두 가지 유형의 프로그램으로 구현될 수 있습니다. 1) 모든 유형의 예술 학습을 통합하는 프로그램; 2) 교육 프로그램

다른 유형의 예술 활동과 통합된 별도의 유형의 예술. 수업 내용의 강조점은 이론적 지식 체계를 습득하는 미술사 전통에서 다양한 유형의 어린이 자신의 예술 및 창의적 활동 개발로 이동하고 있습니다. 교육은 "살아있는 예술"과 학생들의 상호 작용을 기반으로합니다 : 라이브 사운드, 라이브 색상, 자신의 움직임, 표현적인 연설, 어린이의 라이브 창의성. 학생들과의 통합 및 상호 작용 형태의 작업을 통해 예술적 사고, 창의적 상상력, 연구 및 의사 소통 기술을 개발합니다.

음악 교육의 구체적인 원리를 함께 실현함으로써 예술적이고 교훈적인 접근 방식을 상호 연결하여 교육 과정에서 서로의 효율성을 높이고 현대 미술 교육학의 문화 및 성격 중심 패러다임에 대한 준수 여부를 결정할 수 있습니다.

출처 및 문헌 목록

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따라서 학생 음악가의 일반적인 음악적, 개인적 및 직업적 발전은 학습 과정에서만 이루어집니다. 어떤 형태로든 훈련을 우회하여 음악가의 의식 영역, 의지, 감정 및 감정, 특수 능력의 복합체 (청력, 리듬감, 기억력)에 영향을 미칠 수 있습니까? 여기에서 교육학의 모든 개인 분야에서와 마찬가지로 "지식과 기술을 습득하는 과정에서 과학의 기초를 동화함으로써 개발 과제가 수행되는 행동의 지침은 흔들리지 않는 진리로 남아 있습니다"(L.V. 잔코프).

따라서 학생-음악가의 개인적이고 전문적인 발전을 해결하는 방법은 학습 과정을 우회하는 것이 아니라 학습 과정 외부가 아니라 반대로 후자 내에서 모색되어야 합니다. 그러한 조직에서 높은 개발 결과를 얻을 수 있습니다.어떤 직업에서든 사람은 학습에 의해 발전한다는 것이 확립된 것으로 간주될 수 있으므로 고려 중인 문제는 본질적으로 다음과 같은 형식을 취합니다. 음악 교육, 특히 음악 연주가 학생의 발전에 가장 유망한 사람이 되기 위해 어떻게, 어떤 방식으로 구축되어야 할까요?여기에서 이러한 종류의 교육의 토대가 되도록 고안된 특정 음악 및 교육학 원칙에 대한 질문이 제기됩니다. 연습에 따르면 사례의 한 조직에서 음악 교육의 개발 활동 계수가 크게 증가하고 다른 조직에서는 눈에 띄게 감소 할 수 있습니다. 그러한 경우, 무엇보다도 예술 분야의 교육학에 관해서는 주로 교사의 성격, 그녀의 개별 특성 및 특성, 학식, 영적 구성 등을 다루는 것이 일반적입니다. 한편, 외부 뒤에는 교육 활동에서 구현되는 원칙과 태도 시스템 인 특정 교사의 외모의 개인적 특징 뒤에 내부가 가장 자주 숨겨져 있습니다.

성취를 목표로 하는 음악적 및 교육학적 원리의 문제 훈련의 최대 발달 효과, - 본질적으로 중심적이며 고려중인 문제에서 절정에 이릅니다.

일반적으로 음악 교육에서 음악 교육 및 공연 수업을 개발하기위한 상당히 견고한 기반을 형성 할 수있는 주요 음악 및 교육학 원칙을 체계적으로 정리하여 나열하겠습니다.

1. 교육 실습에 사용되는 자료의 양 증가, 가능한 한 많은 수의 작품, 더 넓은 범위의 예술 및 문체 현상으로 전환하여 음악 및 공연 수업에서 학생들의 레퍼토리를 확장합니다. 광범위한 음악 및 교육적 일상 생활에서 약간의 일반적인 집중과는 달리 음악 공연 수업 과정에서 많은 것을 마스터합니다. 이것은 이러한 원칙 중 첫 번째이며 일반 음악, 개인 및 직업에 대한 중요성에서 첫 번째입니다. 학생의 발달, 그의 직업 의식, 음악 및 지적 경험을 풍부하게 합니다. 마스터한 자료의 양은 학생이 동화한 것(음악 ​​작품, 이론 및 음악 정보)이 대부분의 경우 예술 및 지적 활동의 질로 변환됩니다. 여기서 변증법의 기본 법칙 중 하나가 충분히 느껴집니다.

그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 음악 및 공연 수업의 수업에서 다루는 자료의 양의 부족은 학생의 예술적 및 정신적(및 기타) 작업의 품질 수준에 상당한 영향을 미칩니다.

2. 교육 자료의 특정 부분을 통과하는 속도를 가속화, 뮤지컬 작품에 대한 수업을 수행하는 데 지나치게 오랜 기간의 작업 거부, 단기간에 필요한 연주 기술과 능력을 습득하는 데 중점을 둡니다. 음악 교육 과정에 다양한 정보를 지속적이고 신속하게 제공하는 이 원칙의 구현은 또한 학생의 일반적인 음악 발달 문제를 해결하고 전문적인 지평을 넓히며 지식의 무기고를 풍부하게 하는 길을 열어줍니다.

3. 세 번째 원칙은 음악 연주 수업의 수업 내용과 그 구현의 형식 및 방법에 직접적으로 관련됩니다. 연주수업의 이론능력 척도 향상, 즉. 이러한 활동에 대한 순전히 실용적인 해석 인 "좁은 상점"의 거부; 음악-이론 및 음악-역사적 성격의 가능한 가장 광범위한 정보의 수업 중 사용, 인지적 요소를 강화하여 음악 및 공연 수업에서 수업의 전반적인 지능화; 연주 레퍼토리의 특정 자료와 관련된 아이디어 및 개념의 확장된 시스템으로 악기를 연주하는 사람의 의식이 풍부해집니다. 이 모든 것이 언급된 원칙의 본질을 반영합니다.

지금까지 말한 것에 더해, 음악 수업 과정에서 다양한 현상, 법칙 및 사실을 학습해야 한다는 점을 추가해야 합니다. 서로의 조합("합금"). 즉, 지식은 본질적으로 통합적(이상적으로는 초학문적)이어야 합니다. 이 경우에만 기본 학습 요구 사항을 충족합니다. 그리고 학습 과정의 일반적인 "맥락"이 더 깊고 방대해질수록 교사(피아니스트, 바이올리니스트, 지휘자 등)가 연구 중인 작품의 자료에 대해 더 광범위하고 의미 있는 일반화를 할수록 궁극적으로 더 높아질 것입니다. 뮤지컬 공연 수업에서 수업의 발전 효과.

4. 네 번째 원칙은 다음을 요구합니다. 수동-생식(모방) 활동 방식에서 벗어나기, 학생 환경에서 널리 사용되는 음악 자료 작업의 필요성을 강조합니다. 활동, 독립 및 창의적 이니셔티브학생 연주자. 학생에게 특정한 것을 제공하는 것입니다. 자유그리고 독립교육 과정에서-그의 전문적 능력에 상응하는 자유와 독립성은 그의 음악적 지성, 일반 및 특수 능력의 발달 수준에 상응할 것입니다.

숙련 된 전문가의 경우 창의적 행동의 필요하고 충분한 자유가있는 학생 만이 다양한 교육 상황 (예 : 해석 솔루션 선택 등)에서 선택할 권리가 있다는 것은 비밀이 아닙니다. 자유가 없는 조건에서 창의적인 직업을 가르치는 데 긍정적이고 충분히 안정적인 결과는 있을 수 없습니다. 그럼에도 불구하고 정확히 상황비자유 실제 교육적 일상 생활에서 발견되는 것보다 훨씬 더 자주-교육 과정 참가자 자신이 실현하는지 여부에 관계없이!

이 경우 다음이 근본적으로 중요합니다. 인지적 행동의 자유와 창의적인 선택의 권리는 젊은 음악가에게만 부여되어서는 안 됩니다. 그들은 창의적 독창성과 독립성을 보여야 하는 상황에 놓이게 함으로써 특별히 그렇게 하도록 격려받아야 합니다. S.I. Gessen은 "자유"는 "사실이 아니라 실제 교육학의 목표이며 주어진 것이 아니라 교사에게 매우 구체적인 과제"라고 썼습니다. 학생이 내적 자유, 심리적 해방 등을 느끼기 위해서는 때때로 역설적으로 보일지라도 "작업으로서의 자유는 배제하는 것이 아니라 강제의 사실을 전제로 합니다" 1 .

전술한 내용은 중등 및 고등 음악 교육 기관의 음악 연주 수업에서 가르치는 것과 직접적인 관련이 있습니다.

5. 다음, 다섯 번째, 발달 교육의 원칙은 다음과 직접 관련이 있습니다. 현대 정보 기술, 특히 오디오 및 비디오 자료를 음악 및 교육 과정에 도입합니다.현실은 전적으로 전통적인 음악 교육 방법을 사용하는 학생은 오늘날 자신이 필요로 하는 모든 지식을 통달할 수 없다는 것입니다. 카세트에 각인 된 녹음과 컴퓨터 기술은 이제 학생 음악가의 지식을 빠르고 포괄적으로 보충하고 그의 예술적 지적 지평을 넓히며 전문적인 학식을 확장하는 가장 좋은 방법 중 하나입니다. 능숙하게 사용되는 최신 TSS를 사용하면 학습한 음악 자료를 학생의 개별 요구 및 요청과 관련하여 "적응"할 수 있습니다.

고려중인 발달 교육 원칙의 관련성은 오늘날 음악 및 공연 수업에서 일하는 많은 교사들이 "적절한 방법론과"작업 기술 "을 소유하지 않고 더 나쁜 것은 아무것도 변경할 필요가 없다고 생각하기 때문입니다. 그들의 실제 활동에서. 이것의 장애물 이 경우 교육적 사고의 보수주의가 나타나고, 교육 작업의 변화와 현대화에 대한 전문적 및 심리적 준비가 부족합니다." 1 .

전문가들은 거의 모든 과목에 대한 현재 교육 방법론이 폐쇄적이고 자급 자족하며 자급 자족하는 교육 작업 방법 및 방법 시스템이라는 사실에 주목합니다. 가르침의 2 . 즉, 러시아 음악 교사의 상당 부분, 특히 구세대 대표는 실제로 일반적이고 확립 된 교육 방법을 넘어 설 준비가되어 있지 않았습니다.

따라서 우리는 음악 및 공연 수업에서 고려된 발달 교육 원칙의 관련성을 반복합니다.

6. 마지막으로 여섯 번째 원칙은 다양한 작품(피아노, 바이올린, 성악 등)의 연주와 관련된 음악 교육학의 영역뿐만 아니라, 음악 교육 및 육성. 이 원칙의 본질: 젊은 음악가는 배우는 법을 배워야 한다, 기본적이고 전략적인 작업으로 지정하고 빠를수록 좋습니다. 그것은 주로 교사에 달려 있습니다. 학생이이 수업을 좋아할지 여부, 자신의 "기술"을 습득할지 여부, 졸업 후 습관적으로 교사를 뒤돌아 보지 않고 스스로 직업을 이동할 수 있는지 여부, 외부의 힌트에 의존하지 않습니다. 그는 개인 및 직업 개발 과정을 시작하고 규제하여인지 및 자기 지식의 정신 메커니즘을 개선하여 미래의 직업 활동이 필연적으로 직면하게 될 모든 종류의 놀라움과 놀라움에 대한 높은 수준의 준비를 보장할 수 있습니까?

오늘 교사가 직면한 문제는 뿐만 아니라 그다지어떤 식 으로든 충분하지 않은 특수 지식을 학생에게 제공하고 어떤 경우에도 확장, 업데이트, 변형 등을해야하는 특정 전문 기술을 형성하지 않습니다. 문제는 음악 교육 기관 졸업생의 개인 및 직업적 자질과 속성의 복합체를 개발하여 비표준 상황에 적응하고 상당히 넓은 범위에서 "제작"업무를 수행하는 데 필요한 수준으로 상승하는 것입니다. 그리고 요구되는 품질 수준에서.

따라서 특정 작업의 중요성에도 불구하고 음악 연주 수업에서 해결되는 "지금 여기", 교육적 태도, 지향 더 높은 교육 우선 순위학생들의 의식의 "재 장비"와 관련하여 수년에 걸쳐 만들어진 습관적이고 의존적인 분위기를 제거합니다.

어제의 학생에게서 종합적으로 개발되고 현대적인 성격, 탐색할 준비가 되어 있고, 위험을 감수하고, 새롭고 미지의 것을 만날 준비가 된, 자기 운동, 자기 실현, 스스로 성공을 달성하기 위해 충전된 성격을 찾아내기 위해 - 이것이 오늘날의 삶이 제시하는 요구사항이며, 이것이 발달교육의 여섯 번째 원칙의 의미입니다.

전문 음악 교육 기관의 학생들은 연구의 결승점에 도달하고 이미 상당히 의식적으로 (물론 교사와 상담하지 않고는 아니지만) 능력, 타고난 능력, 관심사, 요구 사항을 고려하여 개별적으로 설명된 교육 궤적을 선택해야 합니다. , 전문적인 전망 등 .d. 사실 이것은 이 원칙의 실제 구현에서 "배울 수 있다"는 것을 의미합니다.

교육 발전의 여섯 번째 원칙에 따라 음악 수업 과정에서 본질적이고 귀속적인 특징 및 특성에서 창의적 휴리스틱 과정을 모델링하는 데 중요한 위치를 차지해야 합니다. 더 많은 V.P. Vakhterov는 한 번에 학생이 이러한 종류의 활동에 대해 충분히 준비된 교육 방법, 교육 문제를 해결함으로써 과학자 또는 발명가의 창의적 실천에 특징적인 사고 과정에 접근하려고 시도하는 교육 방법을 강력히 권장했습니다. .

당연히 Vakhterovs는 예술 및 미학주기의 분야가 아니라 음악 교육 분야를 염두에 두었습니다. 그러나 학생의 창의적 사고, 창의적 환상, 상상력 등의 메커니즘을 최대한 활용하면서 학생을 창조자이자 발견자의 위치에 놓이게 하는 과정이 바로 이 영역에서 탁월한 능력을 발휘할 수 있습니다. 효과. 더욱이, 이 경우 중요한 것은 학생 음악가가 달성할 특정한 창의적 결과가 아니라 성숙한 마스터의 행동을 모델링하고 이러한 행동을 모델로 삼는 것(또는 적어도 이를 취하려고 하는 것)이 아니라는 점을 강조하는 것이 중요합니다. . 창의적 휴리스틱 상황에서 프로세스 자체, "기술"의 개발 및 내부 구조가 중요하며, 그 안에서 높은 부하를 받고 미래 전문가에게 필요한 개인 및 직업적 자질이 형성됩니다 2 .

이것들은 음악 교육, 그리고 무엇보다도 음악 연주가 본질적으로 진정으로 발전할 수 있는 기본 원칙입니다. 실제로 그들의 구현은 쉽게 볼 수 있기 때문에 교육 내용에 영향을 미치고 특정 유형과 형태의 교육 작업을 전면에 내세우며 교육 방법 (방법)을 제쳐두지 않습니다. 이것이 우리가 지금 나아가야 할 것입니다.

1 게센 S.I.교육학의 기초. 응용 철학 입문. - M. 1995. - S. 62.

1 Gorlinsky V.I.음악 육성 및 교육 시스템의 현대화 현대 러시아: 과도기의 실제 문제. - M., 1999. - S. 119.

2 참조: Grebnev I.V.학교 교육 전산화의 체계적인 문제 // 교육학. - 1994. - 5호. - S. 47.

1 오늘날 해외에서는 가르치고 지시할 뿐만 아니라 조언하고 학습을 돕는 교사의 특별한 역할에 대해 자주 이야기합니다.

§ 14. 음악 악보 읽기 및 악보 스케치 학습의 잠재력 개발

음악 및 공연 수업에서 전문적으로 개발하는 작업 유형 및 형식에 대해 이야기하는 경우 먼저 언급해야 합니다. 시트에서 읽기.음악 교육학은 오랫동안 학생을 위한 이 수업의 이점을 알고 있었습니다. 이 주제에 대한 진술은 F.E.의 논문에서 찾을 수 있습니다. Bach, X. Schubart 및 기타 저명한 음악가-17-18 세기 교사. 모든 수준의 전문가를 위한 음악 읽기에 숨어 ​​있는 특별한 이점은 이후의 주요 연주자와 교사에 의해 두 번 이상 지적되었습니다.

시력 읽기의 이점은 정확히 무엇입니까? 어떤 이유로 학생의 전반적인 음악적 발달을 자극할 수 있습니까?

초견은 음악 문학에 대한 포괄적이고 폭 넓은 지식을 얻을 수 있는 가장 유리한 기회를 열어주는 활동의 한 형태입니다.음악가 앞에는 다양한 작가, 예술적 스타일, 역사적 시대. 즉, 초견은 새로운 음악적 인식, 인상, "발견", 풍부하고 다양한 음악 정보의 강렬한 유입의 지속적이고 빠른 변화입니다. "우리가 얼마나 많이 읽는지 - 우리가 아는 만큼" - 이 오래되고 반복적으로 검증된 진실은 음악 교육에서 그 중요성을 완전히 유지합니다.

학생의 음악적, 지적 자질은 물론 독서할 때뿐만 아니라 다른 유형의 직업 활동에서도 구체화됩니다. 그러나 이를 위한 '최대혜국'의 조건이 만들어지는 것은 시각에서 음악을 읽는 것이다. 왜, 어떤 상황에서?

우선, 음악을 읽을 때 학생은 공연("기술") 계획을 마스터하기 위해 미래에 배울 필요가 없는 작품을 다루고 있기 때문입니다. 거장-기술적 의미에서 개선하기 위해 특별히 연구할 필요가 없습니다. 이 작품들은 그들이 말했듯이 암기용이 아니라 암기용이 아니라 단순히 새로운 것을 발견하고 배우는 즐거움을 위한 것입니다. 따라서 특별한 심리적 태도. 특별한 관찰에 따르면 독서 중 음악적 사고는 자연스럽게 충분히 숙련되고 자격을 갖춘 독서로 눈에 띄게 톤이 높아지고 지각은 더욱 생생하고 생생하며 날카 롭고 강인해집니다. "여기에는 하나의 미묘한 심리적 패턴이 있습니다. 그것은 그 자체와 관련이 있고 기억할 필요가 없으며 특정 "해부학"(V.A. Sukhomlinsky ).

시트에서 읽음으로써 생성되는 학생의 음악적, 지적 힘의 활성화에 유리한 조건은 또한 새로운 음악- 항상 특히 밝고 매력적인 감정적 색상이 있는 프로세스입니다. 이 상황은 많은 음악가들에 의해 반복적으로 강조되었습니다. 이전과의 첫 접촉 알려지지 않은 일"우선 즉각적인 느낌에 자유를 부여합니다. 나머지는 나중에옵니다"(K.N. Igumnov); 시트에서 작품을 읽고 "연주자는 음악의 힘에 완전히 굴복하고 음악의 본질을 흡수합니다"(G.P. Prokofiev).

감정적 요인은 일반적으로 인간 정신 활동의 구조, 특히 예술적이고 비유적인 사고에서 근본적으로 중요한 역할을 합니다. 감정적 파동의 정점에서 음악적, 지적 능력이 일반적으로 상승합니다.

행동, 그들은 더 많은 에너지로 포화되고 특별한 명확성과 확실성으로 흐릅니다. 즉, 플레이어의 직접적이고 생생한 감정적 반응을 불러 일으키는 즉시 시력 읽기가 레퍼토리 지평을 확장하는 방법으로뿐만 아니라 중요합니다. 다양한 음악적, 이론적, 음악사적 정보를 축적하고 궁극적으로 이러한 활동이 품질음악적 사고 과정의 개선.

이런 식으로, 초견은 학생의 일반적인 음악적 발달 방향으로 이끄는 가장 짧고 가장 유망한 방법 중 하나입니다.실제로 공연 수업에 존재하는 다양한 형태의 작업 중 악기 연주의 예술을 성공적으로 가르치고 전문적이고 기술적인 기술과 능력 개발의 문제를 해결하는 경우가 적지 않습니다. 하지만 노트를 읽는 과정에서 학생이 사용하는 음악 자료의 양 증가와 그 악절 속도의 가속화와 같은 발달 학습의 원리가 완전하고 분명하게 드러납니다.

실제로, 시력 읽기는 동화가 아니라면 무엇을 의미합니까? 최고정보 최저한의시각? 따라서 결론: 학생의 일반적인 음악적 발달(그의 능력, 지성, 전문적인 청각 의식)이 음악 교육학의 특별한 목표가 되어야 한다면, 원칙적으로 악보 읽기는 그 중 하나가 될 모든 이유가 있습니다. 이 목표를 실질적으로 달성하는 특별한 수단.

에 대해서도 마찬가지라고 할 수 있습니다 스케치 학습뮤지컬 작품 - 음악가 (학생 및 기성 마스터 모두)의 무기고에서 특정 활동 형태 중 하나입니다. 이 경우 재료의 숙달은 완성도가 높지 않습니다. 이 작품의 마지막 단계는 음악가가 작품의 비유적이고 시적인 아이디어를 수용하고, 예술적으로 진정성 있고 왜곡되지 않은 아이디어를 받아들이고, 연주자로서 이 아이디어를 설득력 있게 구현할 수 있는 단계입니다. 악기에. "학생이 자신에게 필요한 기술과 지식을 추출한 후 (교사가 미리 계획함) 텍스트를 파악하고 음악 자료를 올바르게 연주하고 의미있게 작업 작업이 중지됩니다."라고 L.A.는 썼습니다. Barenboim은 스케치 학습을 악보 읽기와 악보 숙달 사이의 중간으로 특징지을 수 있는 특별한 형태의 학습 활동으로 정의했습니다.

많은 뛰어난 공연 음악가와 교사는 오랫동안 교육 레퍼토리의 스케치 마스터링을 지지해 왔습니다.

예를 들어 A. Boissier는 젊은 Liszt와의 만남에 대한 인상을 받아 다음과 같이 썼습니다. 증거이지만 연대순으로 우리 시대에 더 가까운 것은 Neuhaus의 학생 B.L. Kremenstein : "... 여러 레슨 후 Heinrich Gustavovich는 젊은 연주자에게 행동의 자유를주었습니다 ... 그는 "마지막"단계에 도달하지 못했습니다. Heinrich Gustavovich는 의식적으로 학생과 함께 작품을 끝내고 모든 것을 연마하고 싶지 않았습니다. 표현력이 풍부한 스트로크, 의도한 모든 음영을 빛나게 합니다." . 이러한 작업 방법은 어느 정도 관습적으로 교육학적 "스케치"라고 부를 수 있습니다.

질문은 자연 스럽습니다. 교육학 석사 작품의 스케치 형식을 끌어들이는 것은 무엇입니까? 특별하고 구체적인 이점은 무엇입니까? 이러한 유형의 활동이 교육 및 교육 과정을 정확히 어떻게 풍부하게 할 수 있으며 학생 음악가에게 어떤 전망을 약속합니까?

작업 시간 단축, 수업의 스케치 형식은 학생이 공부하는 음악 자료의 양을 크게 증가시킵니다., 교육 활동 과정에서 배우고 숙달한 내용이 눈에 띄게 증가합니다. 연주 연습은 각 뮤지컬을 "풀업"하고 세심하게 "완성된" 사운드 그림 수준으로 "스케치"를 수행할 때보다 훨씬 더 크고 다양한 교육 및 교육적 레퍼토리를 포함하며 모든 세부 사항과 세부 사항이 완성됩니다. 따라서 작품에 대한 스케치 형식의 작업과 초견은 교육 및 교육 실습에서 상당한 양의 음악 자료를 사용해야 하는 발달 교육의 중심 원칙 중 하나를 완전히 구현합니다. 학생이 목록을 확장하기 위해 노력해야한다고 확신하는 뛰어난 음악 교육 석사 수업의 스케치 형식에주의를 기울이는 이유는 "많은"과 "다른"을 언급하는 능력에 있습니다. 그의 주된 임무는 넓은 음악적 시야를 갖는 것이기 때문에 가능한 한 많은 작품을 마스터하고 가능한 한 많은 샘플을 배우고 연주해야 합니다.

수업의 스케치 형식으로 진행되는 작업 시간 제한의 제한은 본질적으로 음악 자료의 통과 속도를 가속화하는 것을 의미합니다. 교육 및 교육 과정 자체가 가속화되고 있습니다. 학생은 짧고 압축된 시간 내에 특정 정보를 동화해야 할 필요성에 직면해 있습니다. 후자는 L.V. Zankov는 이전에 다룬 내용의 단조로운 반복에서 마킹 시간 거부에 이르기까지 점점 더 많은 새로운 지식을 지속적으로 풍부하게 만듭니다. 따라서 스케치 형식의 수업은 교육 레퍼토리 작업 속도를 높이고 학생의 집중적이고 멈출 수없는 발전을 요구하는 음악 발달 교육 원칙의 구현에 기여합니다.

여러 면에서 교실 작업의 한 형태인 스케치 학습이 악보에서 악보를 읽는 것과 눈에 띄게 가깝다는 것을 발견하는 것은 어렵지 않습니다. 이러한 각 활동의 일부로 학생은 다양한 음악적 현상을 상당히 많이 이해하고 이를 빠르고 효율적으로 수행합니다. 두 경우 모두 음악 교육 과정은 동일한 발달 교육 원칙을 기반으로 합니다. 동시에 레퍼토리를 대략적으로 마스터하는 것과 초견 사이에는 일정한 차이가 있습니다. 새로운 음악에 대한 일회성, 일시적인 지식과는 달리, 작품에 대한 개요 연구는 훨씬 더 진지한 연구를 위한 기회를 열어줍니다. 물론 수업의 질이 필요한 요구 사항을 충족한다면 말입니다. 여기. 그림에서와 마찬가지로 음악에서도 스케치가 다소 성공적일 수 있습니다. 우리는 그 자체로 완벽한 교육 및 교육학 "스케치"로 훌륭하고 능숙하게 실행되는 것에 대해 이야기하고 있습니다. 이 경우 학생은 작품의 예술적 외관에 대해 피상적으로만 아는 사람에 국한되지 않습니다. 일정 시간 동안 반복적으로 연주하면서 그는 연주되는 음악의 억양과 표현의 본질, 구성과 구성의 특징, 그리고 궁극적으로 음악의 정서적이고 비유적인 내용을 훨씬 더 깊이 이해합니다. 따라서 스케치 방식으로 작업하는 학생의 음악적 사고는 매우 복잡한 구조, 광범위하게 분기된 분석 및 합성 활동에 관여합니다.

앞서 말한 내용을 통해 다음과 같은 결론을 내릴 수 있습니다. 연주 "스케치"를 만드는 원칙에 기반한 악기 수업은 학생의 일반적인 음악적 발달(그리고 가장 중요한 것은 음악적 및 지적 개발). 시력 읽기와 함께 이러한 수업은 예술적 지평의 확장, 음악 및 청각 경험의 보충, 음악 학생들 사이의 전문적 사고의 기초 형성이 우선 교육 과제로 제시되는 상황에서 특히 중요한 결과를 가져올 수 있습니다.

이제 스케치 학습을 위한 레퍼토리에 대해 몇 마디 하겠습니다. 이와 관련하여 하나의 본질적으로 결정적인 요구 사항을 제시할 수 있습니다. 가능한 한 구성이 다양하고 스타일이 풍부하고 다면적이어야 합니다.

원칙적으로 이 레퍼토리는 일반 테스트 및 시험 프로그램을 편집할 때 교사가 사용하는 것보다 훨씬 더 광범위한 작곡가의 이름과 작품을 포함할 수 있고 포함해야 합니다. 이것은 많은 예술 및 시적 현상의 이해를 통해서만 미래 음악가를 형성하는 바로 그 과정이 형성되기 때문에 스케치 학습을 위한 레퍼토리의 특정 기능, 직접적인 음악 및 교육적 목적입니다.

스케치 형식으로 공부하는 작품은 학생이 좋아해야 생생한 감정적 반응을 일깨우는 것이 중요합니다. "필수" 프로그램(예: 시험 또는 대회)에서 때때로 ~해야 한다젊은 음악가를 연기하려면 여기서 그가 나는 원한다일하다. 따라서 실제 경험에서 알 수 있듯이 "지인을 위해"연극 목록을 작성할 때 학생의 희망을 충족시키는 것이 적절하고 정당합니다. 이 상황에서 교사의 레퍼토리 정책은 다른 상황보다 훨씬 더 유연해야 할 이유가 있습니다.

스케치 형식으로 마스터한 작품의 난이도는 특정 한도 내에서 학생의 실제 연주 능력을 초과할 수 있습니다. 수업 내 범주의 연극, 작업 "스케치"는 향후 공개 상영 및 리뷰에 나타날 운명이 아니기 때문에 교사는 여기에서 특정 위험을 감수할 권리가 있습니다. 이 위험은 알려진 바와 같이 학생의 일반적인 음악 및 운동 기술 개발을 강화하는 활동 수행에서 "가장 큰 저항"의 경로이기 때문에 더욱 정당화됩니다. A. Cortot는 학생들의 발전을 자극하는 가장 좋은 방법은 작업 계획에 적시에 어떤 작업에 대한 연구를 제공하는 것이라고 믿으며, 그 작업의 난이도는 지금까지 그들이 알고 있는 어떤 것보다 확실히 더 높을 것입니다. 이러한 "너무 어려운" 작업의 완벽한 실행을 요구해서는 안되며, 빈번한 변경은 매우 편리합니다. 따라서 A. Cortot는 클래스의 스케치 형식을 정확하게 염두에 두었습니다.

작품의 스케치 형식으로 작품을 암기해야 하나요? 평판이 좋은 많은 교육자들에 따르면 이것은 필요하지 않습니다. 음표로 음악을 연주하는 전문적인 관점에서 충분히 자신감 있고 "좋습니다". 더욱이 M. Feigin은 "이런 형태의 작업에서 마음으로 배우는 것은 불필요할 것"이라고 합리적으로 생각했습니다. 그리고 그는 자신의 생각을 다음과 같이 주장했습니다. 음악 생활훨씬 더 자주 피아니스트는 콘서트 공연보다 음표로 연주해야 합니다. 한마디로 음표 연주 능력을 체계적으로 길러야 한다.

스케치 학습의 조건 하에서 교육 과정을 지시하는 교사의 기능과 책임은 현저하게 변경됩니다. 우선, 학생이 마스터한 작업과의 만남의 횟수가 대략적으로 그리고 상당히 감소합니다. 경험에 따르면 원칙적으로 그러한 회의는 두세 번이면 충분합니다. 특히 학생 청소년과 함께 일할 때는 더욱 그렇습니다. 또한 음악 해석 및 악기의 기술적 구현과 관련된 문제는 학생 자신이 "스케치"를 만들 때 해결됩니다. 여기에서 교사는 작업에서 멀어지고 작업의 최종 예술적 목표를 설명하고 일반적인 방향을 제시하며 학생에게 가장 합리적인 방법과 활동 방법을 제안하는 것입니다.

학생들의 전반적인 음악적 발달과 관련하여 스케치 형식의 작품이 가진 잠재적 자원은 크고 다양하지만, 이 활동을 정기적이고 체계적으로 참고해야만 확인할 수 있다. 학생이 매일 스케치 학습에 시간의 일정 부분을 할애해야만 원하는 효과를 얻을 수 있습니다.

일부 작품의 스케치 개발은 다른 작품의 완성된 학습과 함께 지속적으로 그리고 반드시 공존해야 합니다. 두 형태의 학습 활동은 서로 긴밀하고 조화로운 조합을 통해서만 잠재력을 완전히 실현합니다. 이 조건에서만인지, 음악 및 교육 과제 해결에 대한 학생의 초점은 필요한 전문 및 연주 자질의 개발, 악기를 신중하고 정확하게 작업하는 능력-자격을 갖춘 교사가 절대 제공하지 않는 요구 사항을 손상시키지 않습니다. 위로.

1 Feigin M.E.학생들의 음악적 경험 // 피아노 교육학의 문제. -M., 1971. -호. 3. - S. 35.

§ 15. 학생 음악가의 능동적이고 독립적인 창의적 사고 형성

악보를 읽는 동안 연주 수업의 학생이 받은 모든 양의 음악 정보와 음악 작품의 대략적인 학습 과정에서 그가 습득한 지식의 모든 다양성과 함께, 이러한 요소만으로는 개별적으로 취해도 아직 충분하지 않습니다. 젊은 음악가의 개인적이고 전문적인 자질을 성공적으로 개발하기에 충분합니다. 이 개발은 위에서 언급한 바와 같이 학생이 필요한 지식과 기술을 능동적이고 독립적으로 습득하고 외부의 도움 없이 스스로 다양한 음악 예술 현상을 탐색하고 지원하다.

즉, 전문적인 음악적 의식을 형성하는 과정에서 무엇학생이 학업 과정에서 취득한 것, 그리고 어떻게이러한 인수는 어떤 방식으로 특정 결과를 달성했는지.

학생의 이니셔티브, 독립성 및 정신적 행동의 특정 자유에 대한 요구 사항은 앞서 언급한 음악 교육 개발 원칙 중 하나, 보다 광범위하게는 일반적으로 발달 교육의 주요 교훈 원칙 중 하나를 반영합니다.

오늘날 창의적 사고의 독립성 개발 문제는 특히 생생한 소리를 얻었습니다. 그것의 관련성은 학습을 강화하고 발달 효과를 향상시키는 작업과 밀접한 관련이 있습니다. 이 문제의 다양한 측면은 현재 많은 러시아 및 외국 전문가에 의해 과학적 입장에서 개발되고 개선되고 있습니다. 음악 교육학은 일반 교육학의 진보적 움직임을 특징짓는 경향에서 동떨어져 있지 않습니다. 학생들의 창의적 주도권과 독립성을 자극하는 주제는 현재 철저히 고려되고 있으며 그 중요성에 따라 가장 중요한 주제로 선정되었습니다.

질문은 자연스럽습니다. 음악 연구와 관련하여 "독립성"의 개념이 어떻게 해독됩니까? 그것에 대한 대답은 언뜻보기에 간단하고 모호하지 않습니다. "독립적인 음악적 사고", "독립적인 악기 작업"의 개념은 다양한 방식으로 해석되며 가장 일반적으로 대략적으로 해석됩니다. 예를 들어, 많은 현직 교사는 활동, 독립성 및 창의성과 같은 젊은 음악가의 교육 활동 특성을 근본적으로 구분하지 않는 경우가 있습니다. 한편, 이러한 특성은 본질적으로 결코 동일하지 않습니다. 마찬가지로 이들을 표현하는 용어는 동의어가 아닙니다. 음악 학생의 활동에는 독립성과 창의성의 요소가 없을 수 있으며, 모든 작업(또는 교사의 지시)을 독립적으로 수행하는 것이 반드시 창의적일 필요는 없습니다., 등.

일반적으로 음악 교육, 특히 음악 공연에서 독립의 개념은 그 구조와 내적 본질에서 이질적입니다. 상당히 방대하고 다면적이며 다양한 수준에서 자신을 드러내며 (예를 들어 악기를 연주할 때) 외부의 도움 없이 생소한 음악 자료에 자신을 적응시키고 저자의 텍스트를 올바르게 해독하며 ​​설득력 있는 해석을 하는 학생의 능력을 합성합니다. "가설"; 작업에서 효과적인 방법을 찾고 필요한 방법과 구현 수단을 찾을 준비가 되어 있습니다. 예술적 의도; 자신의 음악 및 공연 활동 결과뿐만 아니라 다른 사람의 결과를 비판적으로 평가할 수 있는 능력

통역사 샘플 등. 실제 교육적 측면에서 학생 음악가의 독립성을 교육하는 문제는 교육 방법, 교육 방법 (방법) 및 음악 연주 수업에서 교육 활동을 구성하는 형태 모두에 영향을 미칩니다.

학생의 독립적이고 탐구적이며 궁극적으로 창의적인 사고의 개발은 위대한 음악가들에게 항상 지칠 줄 모르는 관심의 대상이었습니다. 예를 들어, 그들 중 일부의 이름과 교육학적 개념을 참조할 수 있습니다. 그래서 L.A.의 회고록에 따르면 바렌보임, F.M. Blumenfeld는 학생들에게 모방을 요구하지 않았으며 교육적 "화장품"에 의지하지 않았습니다. 그는 창의적인 소심함과 수동성을 보이며 스스로 생각할 필요를 없애기 위해서만 자신의 생각을 찾거나 추측하려는 학생들에 대한 불만을 매우 정력적으로 표현했습니다. 유사한 교육학 원칙이 K.N. Igumnov는 제자들에게 "자신의 탐구를위한 출발점 일뿐"이라는 의사 소통을 찾도록 끊임없이 가르쳤습니다. 교사의 임무는 무언가를 가르치는 틀을 넘어 여기에서 상당히 공개적으로 표시됩니다. 저명한 전문가에게 이러한 작업은 훨씬 더 광범위하고 필수적인 것으로 판명되었습니다. 학생에게 기본 일반 조항을 제공하여 후자가 도움 없이도 스스로 자신의 예술적 경로를 따를 수 있도록 하는 것이 L.V. 교수의 관점입니다. 니콜라예프. 젊은 음악가의 독립성과 이니셔티브 교육은 때때로 교사에게 학생이 수행하는 작업에서 일시적으로 떠나는 편의성을 지시하고 그의 과정에서 발생하는 과정에 대한 비 간섭을 규정합니다. 예술적 의식. Ya.V. Flier는 작업을 수행하는 동안 교수가 때때로 "친절한 중립성"정책을 고수했다고 들었습니다. 그의 개발 된 개인 개념이 학생의 아이디어와 일치하지 않는 경우입니다. 우선, 그는 학생이 자신을 이해하도록 돕기 위해 노력했습니다 ...

그러나 학생의 창의적으로 독립적이고 개별적으로 안정된 사고의 개발에 초점을 맞추면 음악 공연 교육학의 대가가 후자에게 소위 "모델에 따른 행동"을 요구하지 못한다고 믿는 것은 잘못된 것입니다. 가능한 경우 의도적으로 "정부의 고삐"를 약화시키고 필요한 경우 학생의 개인 이니셔티브에 범위를 부여하는 동일한 교사는 반대로 특정 방식으로 자신의 성과를 규제하고 그에게 무엇을 어떻게 구체적으로 나타냅니다. 공부하는 일을 하고, 젊은 음악가를 위해 떠나지 말고, 선생님의 뜻에 순종하는 것 외에는 아무것도 없습니다.

물론 그러한 교육 방법에는 그 자체의 이유가 있다고 말해야 합니다. 그의 기술의 대가인 고도로 박식한 전문가가 학생에게 "기성품" 정보를 전달하는 것입니다. 그것을 동화하고 직접적이고 명확한 "지시"의 방법을 통해 작업하십시오. 이 모든 것은 특정 상황에서 음악 교육학 및 일반적 교육학 모두에서 많은 유용한 것들을 그 자체로 수행합니다. 일정량의 "기성" 전문 지식, 정보 등의 동화는 말할 필요도 없습니다. 학생의 많은 에너지와 시간을 절약합니다.

그러나 요점은 학생의 주도권과 독립성을 자극하는 교수법("보고, 생각하고, 시도하라...")과 "권위주의적" 교수법("기억하고, 이렇게 하라...")의 방법론이다. 마스터의 실습에서 원칙적으로 그들은 능숙하게 균형 잡힌 것으로 판명되었습니다. 이러한 방법의 비율은 교육에서 발생하는 상황에 따라 달라질 수 있으며 학생에게 다양한 형태의 영향을 미칩니다. 이것이 교사의 전술적 과제입니다. 전략적 과제에 관해서는 변함이 없습니다. 성숙이라고 불리는 목표를 달성하십시오 ..."(G.G. Neuhaus).

다른 방식으로 그림은 종종 광범위한 음악 및 교육 연습에서 보입니다. 학생에게 일정한 학습 자유를 제공하기 위해 학생의 창의적 독립성을 형성하는 과정은 여기에서 거의 볼 수 없습니다. 여러 가지 이유가 이러한 현상을 야기합니다. 학생들이 흥미로운 해석 솔루션을 스스로 찾을 수 있는 능력에 대한 교사의 불신하고 회의적인 태도; 그리고 소위 "실수에 대한 두려움", 음악 공연 클래스의 리더가 독립적이고 외부로부터 규제되지 않는 젊고 자격이 부족한 음악가의 행동과 관련된 위험을 감수하지 않으려는 것; 학생의 공연에 시각적인 매력, 무대의 우아함을 부여하려는 욕구(강력한 지도력을 가진 교사의 지원으로 훨씬 쉽게 달성할 수 있음); 및 교육적 자기 중심주의; 그리고 훨씬 더. 자연스럽게 선생님은 와드에게 개별적으로 독창적이고 창의적으로 독립적인 예술적 의식을 교육하는 것보다 무언가를 가르치는 것이 더 쉽습니다.이것은 주로 학생 음악가의 독립적 사고 문제가 특정 주요 마스터의 실습보다 훨씬 더 어렵고 덜 성공적으로 대량 교육 일상 생활에서 해결된다는 사실을 설명합니다.

후자의 교육 활동이 말했듯이 학생에게 영향을 미치는 가장 다양하고 때로는 대조되는 형태와 방법을 포용한다면 일반 음악가는 교육학에서 지시 설정 ( "이것과 저것")의 길은 하나뿐입니다. 악명 높은 "훈련"에 대한 그의 극단적 인 표현으로 이어집니다. 교사는 필요한 경우 알리고, 지시하고, 보여주고, 지적하고, 설명합니다. 학생은 메모하고, 기억하고, 수행합니다. 독일 과학자 F. Klein은 한때 학생을 대포와 비교했는데, 대포는 얼마 동안 지식으로 채워져 어느 화창한 날 (시험일을 의미) 아무 것도 남기지 않고 발사 될 수 있습니다. 권위주의적인 음악 교육학의 노력의 결과로 비슷한 일이 일어납니다.

그리고 위와 관련하여 몇 가지 더 고려할 사항이 있습니다. 이미 언급했듯이 "활동", "독립성", "창의성"의 개념은 본질적으로 동일하지 않습니다. 현대 교육 심리학의 관점에서 볼 때 "적극적 사고", "독립적 사고" 및 "창의적 사고"의 관계는 일종의 동심원으로 나타낼 수 있습니다. 이들은 질적으로 다른 수준의 사고이며, 각각의 후속 사고는 이전 사고와 관련하여 구체적입니다. 기초는 인간 사고의 활동입니다. 따라서 독립성, 창의적 주도성과 같은 음악 지능의 자질을 자극하기 위한 초기 출발점은 후자의 완전한 활성화가 될 수 있고 또 되어야 합니다. 다음은 관련 교육 작업 체인의 중심 링크입니다.

학생 연주 수업에서 음악적 의식은 어떻게 활성화되는가? 이 목표를 달성하기 위해 연습하는 것으로 알려진 모든 다양한 기술과 방법을 통해 원칙적으로 한 가지로 줄일 수 있습니다. 학생 연주자에게 자신의 게임을 밀접하고 불가분의 경청하도록 소개하는 것입니다. 지칠 줄 모르는 관심을 가지고 자기 자신의 말을 듣는 음악가는 수동적이고, 내적으로 무관심하고, 감정적으로나 지적으로 비활성 상태를 유지할 수 없습니다. 즉, 학생을 활성화해야합니다. 자신의 말을 듣고 음악에서 일어나는 과정을 경험하도록 가르치는 것입니다. 표시된 방향으로만 이동합니다. 즉, 연주자 학생이 자신의 게임을 듣고 다양한 사운드 수정을 경험하고 이해하는 능력을 심화 및 차별화함으로써 교사는 학생의 능동적 사고를 독립적으로 그리고 후속 단계에서 창의적 사고로 전환할 수 있는 기회를 얻습니다.

일반적으로 음악 교육과 특히 음악 공연에서 능동적이고 독립적인 창의적 사고의 문제는 동일하지는 않지만 밀접하게 간격을 둔 두 가지 측면을 가지고 있습니다. 그중 하나는 관련 활동의 특정 결과와 연결되고 다른 하나는 구현 방법과 연결됩니다(예: 어떻게학생이 작업하여 의도한 예술 및 공연 목표를 달성했으며, 어느 정도그의 작업 노력은 본질적으로 창의적이고 탐구적이었습니다). 첫 번째(결과)가 두 번째(활동 방법)에 직접적으로 의존한다는 사실은 매우 명백합니다. 뮤지컬 수업을 듣는 학생의 자립심 형성 문제는 능동적, 창의적, 건설적 능력과 관련된 것을 주요 구성요소로 포함한다고 할 수 있다. 공부하다악기에. 과거의 위대한 사상가와 교사들이 살았던 시대부터 오랫동안 알려져 왔습니다. 창의성은 가르칠 수 없다하지만 당신은 그것을 가르칠 수 있습니다 창의적으로 일하다(또는 최소한 그렇게 하기 위해 필요한 노력을 기울입니다). 이러한 작업은 교사 활동에서 근본적으로 중요한 기본 범주에 속합니다.

이 문제를 해결할 수 있는 가능한 방법은 무엇입니까? 많은 저명한 음악 교육자들은 다음과 같은 방법을 사용합니다. 교실 수업은 학생 숙제의 일종의 "모델"로 구성됩니다. 교사의지도하에 리허설과 같은 젊은 음악가의 독립적 인 숙제 과정을 "디버깅"합니다. 후자는 정보를 받고 최신 정보를 얻습니다. 숙제를 구성하고 수행하는 것이 얼마나 편리한지; 재료를 배열하는 순서, 휴식과 번갈아 가며 작업; 어려움을 식별하고, 인식하고, 각각 전문적인 목표와 목표를 설명하고, 문제를 해결하는 가장 정확한 방법을 찾고, 생산적인 기술과 작업 방법을 사용하는 방법 등을 설명합니다.

가장 경험 많은 교사 중 일부는 학생에게 다음과 같이 제안합니다. "집에서하는 방식으로 일하십시오. 혼자 있고 주변에 아무도 없다고 상상해보십시오. 나없이 운동하십시오 ..."- 그 후 교사가 직접 발걸음을 내딛습니다. 옆으로 비켜서 학생의 뒤를 관찰하면서 그의 숙제가 실제로 어떻게 생겼는지 알아내려고 노력합니다.

그런 다음 교사는 자신이보고들은 것에 대해 설명하고 학생에게 좋은 점과 좋지 않은 점, 성공한 작업 방법과 그렇지 않은 방법을 설명합니다. 대화는 방법에 관한 것이 아닙니다. 공연하다음악, 어떻게 일하다그 위에는 특별하고 구체적이며 거의 항상 관련된 주제입니다.

이것은 주로 음악 학교 및 대학 학생들에게 적용됩니다. 그러나 학생 청소년이 이미 "곡예 비행"(또는 어쨌든해야 함)에 종사하는 음악 대학에서도-때로는 문제의 이러한 측면을 만지고 특별 비용을 지불하는 것이 유용합니다 그것에주의하십시오. "운동 없는 예술은 없고, 예술 없는 운동은 없다"-위대한 고대 그리스 사상가 Protagoras가 말했습니다. 젊은 음악가가 이것을 더 빨리 이해할수록 더 좋습니다.

그리고 마지막. 젊은 음악가에 대한 발전되고 진정으로 독립적 인 전문적 사고의 특징적인 징후 중 하나는 다양한 예술적 현상을 평가할 수있는 능력이며 무엇보다도 자신의 교육 활동에서 다소 정확한 전문적 자기 진단을 할 수있는 능력입니다. . 교사의 임무는 가능한 모든 방법으로 이러한 종류의 품질을 장려하고 자극하는 것입니다.

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