예술가의 비전. 과학과 교육의 현대 문제

자연의 명암과 색상 관계의 정의는 동시 비교 방법으로 달성됩니다. 이 방법의 효과는 자연에 대한 특별한 비전, 즉 비전의 완전성, 또는 예술가들이 말했듯이 "넓은 보기", "전체론적 ​​일반 인식", "눈 뜨기" 때문입니다. 이미 언급했듯이 일반적인 시력으로 문제의 풍경은 우리의 시선이 향하는 부분에서 명확하고 명확하게 보입니다.

이것은 색상의 대비와 확실성, 물체의 기복이 시각적 중심(망막의 노란색 반점, 중심와라고 함)에 접근할 때 증가하고 멀어질 때 감소함을 의미합니다. 따라서 그림 표현 과정에서 시각적 중심을 한 대상에서 다른 대상으로 지속적으로 옮기면 관계를 올바르게 결정하지 못합니다.

화가는 사물 하나하나에 시선을 집중하지 말고 자연 전체를 한 번에 포괄하여 사물의 가벼움, 색채, 부조 등의 차이를 비교하고 주목해야 한다. 넓은 시야에서는 전체 개체 그룹이 모호하게 인식됩니다. 그러나이 일반화 된 "점"에서는 물체의 색상 차이, 한 색상의 활동과 음소거, 다른 색상의 종속, 계획의 구호를보고 결정하는 것이 더 쉽습니다.

B.V.는 눈에 띄게 따라 부르는 "가시적인 것의 넓은 범위로 아티스트는 모든 지점을 들여다 보지 않습니다."라고 적었습니다. 디테일에서 오는 작가가 박탈당하는 것... 온전한 비전의 통일성과 끊임없는 비교를 통해서만이 회화의 진실을 알 수 있다.

K. A. Korovin은 동일한 아이디어를 한 번 표현했습니다. "... 필요한 것은 그림자가 아니라 그림자와 함께 모든 색조의 비율입니다. 즉, 동시에 보기, 그림 관계의 미묘한 상호 의존성을 위반하지 마십시오 ... 처음에는 눈을 조금 교육 한 다음 눈을 더 넓게 펼치고 결국에는 캔버스에 들어가는 모든 것이 함께 보여야합니다 , 그리고 정확히 취하지 않은 것은 오케스트라의 잘못된 음표처럼 거짓이 됩니다. 숙련된 예술가는 훌륭한 지휘자가 바이올린, 플루트, 바순 및 기타 악기를 동시에 듣는 것처럼 모든 것을 동시에 봅니다. 그것. 말하자면 실력의 정점, 차근차근 접근할 필요가 있다.

전체론적 비전과 끊임없는 비교는 개별 개체, 중요하지 않은 세부 사항을 보는 것을 너무 오래 허용하지 않습니다. 이전에 알려진 색상에서 자신을 추상화할 수 있어야 해당 색상, 관찰 순간에 대상이 있는 관계를 볼 수 있습니다.

다양한 기술은 자연에서 볼 수 있는 관계를 올바르게 결정하는 데 도움이 됩니다. 따라서 많은 예술가들은 관찰 순간에 눈을 가늘게 뜨고 초점이 맞지 않는 물체를 보라고 조언합니다. 마치 "과거와 빠르게", "지점이 아니라 가까운"등입니다. 같은 목적으로 초보자 예술가 때로는 검정 유리, 거울, 뷰파인더-프레임을 사용하여 눈에 보이는 자연 색상과 팔레트의 순수한 색상을 비교하는 것이 좋습니다. 예를 들어, 유리나 이젤에 순수한 색상의 페인트를 적용할 수 있습니다.

묘사된 물체에 유리를 가리키고 유리의 순수한 색상과 색상을 비교하면 자연 색상의 소리를 판별할 수 있습니다. 때로는 색상의 채도를 결정하기 위해 예술가는 비슷한 색상 음영의 칠한 개체를 실물 옆에 놓습니다. 이러한 기술을 사용하면 묘사된 개체의 색상을 보다 정확하게 결정할 수 있습니다.

교육 작업에서 발생하는 시각적 인식 및 관련 오류의 일부 기능을 분석해 보겠습니다. 화가의 눈이 먼 자연 계획을 향하면 이 계획의 모든 대상과 세부 사항, 색조 및 색상 특성이 명확하고 명확하게 보입니다. 다른 물체는 덜 보입니다. 시선이 묘사 된 자연의 두 번째 또는 첫 번째 계획의 대상을 향하면 색상, 구호 및 먼 대상으로 명확하게 볼 수 있으며 반대로 모호하고 불분명합니다.

별도의 비교 및 ​​비전으로 스케치는 색상 반점, 대비로 가득합니다. 전체 이미지 평면의 세부 사항은 동일한 주의를 기울여 작업됩니다. 광학 및 구성 중심의 통일성은 없습니다. 올바르게 작성된 스케치는 광학 및 구성 중심의 통일성을 관찰하는 전체적인 그림 이미지입니다.

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무엇인가요 창작물- 예술가가 그린 그림 또는 작곡우리에게 감탄과 영감을 불러일으키는 것은 무엇입니까? 우리에게 새롭고 색다른 것을 보여주고 싶은 단순한 욕망에서 비롯된 것인가, 아니면 작가 자신이 보고 남들이 볼 수 없는 것을 표현하려는 인간의 욕망일까? 파블로 피카소(Pablo Picasso)가 말했듯이, “어떤 사람들은 그것이 무엇인지 보고 그 이유를 묻습니다. 나는 무엇이 될 수 있는지 보았고 왜 안되는지 묻습니다. 이 말의 요점은 어떤 사람들은 다른 사람들보다 주변 사물에서 더 많은 가능성을 본다는 것입니다. 이것이 바로 창의성 개념의 중심 연결 고리입니다.

창의성을 테스트할 때 심리학자들은 종종 발산적 사고 테스트에 의존합니다. 예를 들어, 어떤 사람은 평범한 벽돌과 같이 가장 단순한 것에 대해 가능한 한 많은 용도를 생각해 내라고 말합니다. 사람이 일반 벽돌을 사용하는 많은 옵션과 조합을 생각해낼 수 있다면(바비 인형을 위한 관 뚜껑을 만드는 것까지), 테스트는 그러한 사람이 다른 사람보다 훨씬 더 다양한 사고를 할 것임을 보여줍니다 벽돌은 벽이나 건물을 짓는 것과 같은 일상적인 작업을 해결하는 데만 사용할 수 있다고 믿는 사람입니다.

같은 연구에 따르면 경험에 대한 개방성 또는 단순히 새로운 경험에 대한 개방성은 창의성을 자극하는 성격의 측면입니다. 5가지 주요 성격 특성(외향성-내향성, 친화성, 성실성, 신경증, 경험에 대한 개방성) 중에서 개방성은 발산적 사고 과제 수행을 가장 잘 예측하는 요인입니다.

미국 심리학자 Scott Barry Kaufman과 Carolyn Gregoire는 Wired to Create라는 책에서 지적했듯이 창의성에 대한 사람들의 욕구는 "자신의 인지적 탐구에 대한 욕구에서 비롯됩니다. 자신의 세계그리고 주변 세계. 어떤 것에 대한 포괄적인 연구에 대한 호기심은 보통 사람들과 달리 주변 세계를 보는 개방성 수준을 높일 수 있습니다. 또는 이 문제의 다른 연구원들이 말했듯이 "다른 사람들에게는 이미 확립된 "익숙한 환경"에서 눈에 띄지 않는 복잡한 가능성을 볼 수 있는 능력"입니다.

창의적인 비전

성격 연구 저널(Journal of Research in Personality)에 발표된 연구에 따르면 열린 사람들은 사물을 다른 관점에서 보고 자신의 관점을 표현하려고 하는 것이 아니라 실제로 주변 세상을 봅니다.

전문가들은 개방성과 양안 경쟁과 같은 현상 사이에 어떤 연관성이 있는지 알아내고자 했습니다. 이 현상은 빨간색 카드와 녹색 카드와 같이 두 개의 서로 다른 이미지가 양쪽 눈에 동시에 제시될 때 발생합니다. 관찰자가 두 이미지를 모두 볼 때 후자에 대한 시각 효과가 생성되며, 한쪽 눈에 표시된 카드가 그대로 다른 쪽 눈으로 전달되고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 즉, 어느 시점에서 양쪽 눈이 녹색 또는 빨간색 배경을 보는 것처럼 보일 것입니다.

흥미롭게도 이러한 실험에 참여하는 일부 참가자의 경우 위의 중앙 그림에서 볼 수 있듯이 두 배경이 병합되거나 하나가 다른 배경에 중첩되어 일종의 구조화된 이미지를 생성하는 것처럼 보일 수 있습니다. 그리고 두 이미지가 동시에 가시화되는 그러한 쌍안 억제의 순간은 완전히 다른 시각적 자극( 다른 색상이 경우 배경).

실험에서 연구자들은 열린 사람들이 일반 사람들보다 더 오랜 시간 동안 병합되거나 겹치는 이미지를 볼 수 있다는 것을 발견했습니다. 또한, 이 순간의 사람이 좋은 분위기, 이전 연구에 따르면 창의성에서도 중요한 역할을 합니다. 이러한 관찰을 바탕으로 연구자들은 열린 사람들의 창의성이 기본적인 시각적 인식까지 확장된다는 결론을 내렸습니다. 그리고 그러한 열린 사람들은 보통 사람과 근본적으로 다른 시각적 경험을 경험할 수 있습니다.

다른 사람들이 보지 못하는 것을 보십시오

또 다른 잘 알려진 지각 현상은 부주의 실명이라고 합니다. 사람들은 무언가에 너무 집중하여 문자 그대로 눈앞의 다른 것을 알아차리지 못할 때 그것을 경험할 수 있습니다.

이러한 지각 결함의 좋은 예는 사람들에게 짧은 비디오를 시청하도록 요청하는 실험입니다. 그 위에 여러 사람들이 서로에게 농구공을 던집니다. 관찰자는 흰색 옷을 입은 선수들 사이의 패스 수를 세는 임무를 받았습니다.

어느 순간 프레임 중앙에 고릴라 슈트를 입은 남자가 나타났다가 자리를 뜬다. 그를 눈치채셨나요? 그렇지 않은 경우 걱정하지 마십시오. 혼자가 아닙니다. 원래 연구에 참여한 192명의 참가자 중 약 절반도 고릴라 옷을 입은 남자를 알아차리지 못했습니다. 그러나 어떤 사람들은 부주의한 실명을 경험하고 다른 사람들은 그렇지 않은 이유는 무엇입니까?

이 질문에 대한 답은 최근 연구에서 나왔고, 그 결과는 부주의 실명의 민감도가 성격에 달려 있음을 보여줍니다. 그리고 열린 사람들은 프레임에서 고릴라를 알아차릴 가능성이 더 큽니다. 다시 말하지만, 이것으로부터 우리는 더 많은 시각적 정보가 더 열린 사람들의 주변 세계에 대한 의식적인 인식 과정에 침투한다는 결론을 내릴 수 있습니다. 그들은 다른 사람들이 알아차리지 못하는 것을 볼 수 있습니다.

마음을 여세요. 그게 필요 할까?

열린 사람들은 다른 사람들보다 더 많은 선택권을 가지고 있는 것처럼 보일 수 있습니다. 그러나 처음에는 창의적이지 않은 성격 특성을 가진 사람들이 이러한 기회를 확장할 수 있습니까? 그리고 정말 필요한가요?

사람이 건축되고 진흙처럼 빚어지고 원하는 대로 만들어질 수 있다는 설득력 있는 증거가 있습니다. 예를 들어, 물질 실로시빈(일부 환각 버섯에 존재하는 화합물)을 사용하여 전문화된 인지 훈련 후에 인식의 개방성이 증가하는 것이 관찰됩니다. 덜 과감한 예에서, 외국에서 공부하는 학생들의 개방성이 증가하는 것을 종종 볼 수 있습니다. 이는 여행이 마음을 확장하는 데 도움이 된다는 개념을 강화합니다.

그러나 사실, "의식의 개방성"에서 모든 것이 언뜻 보기에 장미빛처럼 보이는 것은 아닙니다. 심리학자들은 개방성을 정신 질환의 특정 측면, 특히 환각 경향 증가와 연관시키는 경우가 많습니다. 더 많이 볼 수 있는 것과 없는 것을 볼 수 있는 것 사이에는 아주 미세한 선이 있습니다. 일반적으로 다양한 성격을 갖는 것이 좋습니다. 한 사람의 관점이 다른 사람의 관점보다 반드시 더 나은 것은 아니라는 점을 기억하는 것이 중요합니다.

그러나 작가는 이미 말했듯이 미학적 이미지를 생성하는 과정, 즉 묘사된 것에 대한 감정적 태도에 대한 꿰뚫는 비전을 도입합니다. 이와 관련하여 그의 비전은 불가피하게 매우 주관적이며, 그의 성격의 흔적을 지니고 있으므로 개인의 정신적 성향의 다른 표현과 마찬가지로 사회적 미학적 이상과 조화를 이루기도 하고 부조화하기도 하며, 진보적이면서 동시에 진보적일 수도 있습니다. 진실하고 반동적이며 거짓이다. 무의식에 대한 의존은 예술가에게 특정한 예리한 시각을 제공하지만 그가 보는 것에 대한 해석, 그의 작업에 부여하는 의미는 그의 성격에 의해 결정됩니다. 따라서 예술 작품의 예술적 진정성은 무의식에 의존하여 만들어지는 가능성에 의해 결코 보장되지 않습니다. 이 진실성은 미적 리뷰를 생성하는 심리적 과정의 특성의 기능이 아니라 이 이미지가 차지하는 장소와 시대의 미학적 가치 체계에서 그것이 수행하는 역할의 기능입니다.

이러한 상황을 고려할 때만 우리는 예술에서 비합리적인 것의 존재를 방법론적으로 적절하게 해석하고, 미학적 이미지가 형성되는 심리적 과정을 고려할 때 이러한 비합리성에서 추상화하는 것이 불가능하다는 것을 이해하고, 동시에 예술가가 창조한 예술 작품의 사회적 가치의 이러한 비합리성의 불확정성.

(2) 위에서 말한 것과 같이 우리는 예술적 창조의 과정과 무의식의 활동 사이의 연결의 깊이를 강조하려고 했습니다. 우리는 또한 이와 관련하여 무의식이 수행하는 역할에 대한 이해가 무의식 기능에 대한 보다 엄격한 심리학적 개념의 발전이 시작된 후에야 접근했다는 점에 주목했습니다.

소비에트 문헌에서 잘 알려진 바와 같이 수십 년 동안 무의식 개념의 발전은 D. N. Uznadze의 이름과 관련이 있으며, 이 사상가와 그의 학교가 입증한 심리적 태도에 대한 아이디어입니다. 심리태도 이론을 바탕으로 무의식에 대한 관념의 어려운 영역에 객관성과 실험주의의 정신을 도입하고, 이러한 관념에 대한 고찰과 해석을 다음의 원리와 논리에 종속시키는 것이 가능함을 알 수 있었다. 엄격한 과학적 이해의 인지 과정. 우리는 지금 머뭇거릴 수 없다 일반적 특성이 개념적 접근 방식은 이전 주제 섹션의 소개 기사에서 이미 여러 번 논의되었으며 모노그래프의 마지막 기사에서 다시 논의할 것입니다. 우리는 심리적 태도의 개념과 직접적으로 관련된 무의식적 정신 활동 개념의 두 가지 측면만을 강조하고 무의식과 예술의 연결을 검토할 때 특히 명확하게 나옵니다.

이것은 첫째, 예술가가 여러 가지 상이하고 모순적이기까지 한 무의식적 심리적 태도를 동시에 존재할 수 있는 가능성입니다. 아티스트; 둘째, 무의식의 표현 가능성 - 심리적 태도의 다른 본성으로 인해 - 예술적 창의성의 조직의 다른 수준에서 : 생성 된 미적 이미지의 내용이 사람의 정신적 활동 인 가장 높은 수준에서 개별적이고 사회적인 표현의 모든 복잡성에서, 그리고 이미지의 미적 가치가 주로 물리적 속성(기하학적 구조, 색조 등)에 의해 결정되는 보다 기본적인 것입니다. 이러한 각기 다른 수준에서 개발된 창의적 활동에 무의식이 관여하는 것은 주로 심리적 태도의 다형성, 즉 성격 특성을 표현하는 것에서 직접적으로 결정되는 것에 이르기까지 정신 상태의 계층 구조의 모든 수준에서의 표현 때문인 것으로 밝혀졌습니다. 생리적 영향에 의해

이 두 가지를 고려하지 않는다면 형질무의식의 활동으로 인해 우리는 쉽게 일방적이고 따라서 무의식의 표현에 대한 단순화된 이해에 빠질 수 있습니다. 먼저 이 요점 중 첫 번째 사항에 대해 살펴보겠습니다.

몇 년 전 프랑스에서 열린 한 심포지엄, 특히 예술과 정신분석의 관계 문제를 다룬 심포지엄에서는 이 복잡한 주제의 다양한 측면을 다루었습니다. 그 중 열띤 토론을 촉발시킨 한 가지는 우리가 논의하고 있는 문제와 직접적인 관련이 있었습니다.

N. Drakoulides의 "정신분석을 받는 예술가의 작업" 보고서에서 질문이 제기되었고 매우 간단하게 해결되어 우리를 프로이트의 원래 아이디어로 되돌렸습니다. 이 메시지의 저자는 작가의 작업이 자신의 운명에 처한 고통스러운 경험에 의해 자극된다는 테제를 옹호했습니다. Stendhal의 생각에 따라 N. Dracoulides는 "예술에는 약간 우울하고 오히려 불행한 사람들이 필요합니다."라고 주장합니다. 재능의 잠재력을 증가시키는 일종의 촉매로서 예술가의 재능에. 이러한 이해에서 예술적 창의성은 정신적 갈등을 극복하고 삶의 실패에 적응하는 특별한 형태로 나타난다. 트라우마적 경험이 순조롭거나 사라지면 창조하려는 동기도 약해집니다. N. Dracoulides는 일반적으로 지나치게 광범위한 일반화와 관련된 상당한 위험을 무시하고 "행복하지 않은 사람들 사이에서 예술이 번성합니다"와 같은 독특한 사회 심리학적 일반화에도 멈추지 않습니다.

올 가을, 프랑크푸르트의 주민과 손님들은 독일 영화 박물관(Deutsches Filmmuseum)에서 열린 재능 있는 모스크바 예술가 Misha Levin의 "비전"이라는 독일 최초의 그림 전시회를 방문할 수 있었습니다. 네 살 때부터 그림을 그리기 시작한 젊은 재능은 비평가들이 한때 현대의 마티스라고 불렀으며 오늘날 그림의 대가로 명성이 자자하며 그의 그림은 모스크바, 런던, 제네바, 신시내티 및 기타 세계 도시에서 전시되고 있습니다. Misha Levin의 그림은 엘리자베스 2세, 찰스 왕세자, 블라디미르 스피바코프, 독일, 일본, 미국의 미술 감정가의 개인 소장품에 보관되어 있습니다. 프랑크푸르트 개인전 개막을 계기로 vernissage에서 우리는 러시아 예술가그의 작업, 성공 스토리, 영감의 원천 및 미래 계획에 대해.

미샤, 독일에서 그림을 선보이는 것은 이번이 처음인가요? 프랑크푸르트를 선택한 이유는 무엇입니까?

네, 독일에서의 첫 전시회입니다. 프랑크푸르트에서 그림을 전시하자는 제안은 독일 영화 박물관의 공동 관장인 Dr. Hensel로부터 온 것입니다. 그는 모스크바에 도착하여 내 작품을 보고 관심을 갖게 되어 많은 대형 그림을 전시할 수 있는 박물관 본관에 전시하겠다고 제안했습니다. 베르니사주가 이루어지게 되어 매우 기쁩니다. 지난 몇 년, 이렇게 대규모로.

프랑크푸르트는 당신에게 어떤 인상을 주었습니까?

아내와 나는 프랑크푸르트에서 살기에 편안하고 쾌적한 도시를 찾았습니다. 물론 건축물의 아름다움에 감동을 받지는 못하지만 그래도 이곳은 분위기가 아주 좋습니다. 이렇게 서로 다른 것을 섞는 것에 대한 많은 비평가들과는 ​​달리 건축 양식나는 전쟁 중에 분명히 살아남은 다소 낮은 건물과 고층 빌딩 사이의 시각적 대조에 항상 매료되었습니다. 도시가 지루해 보이지 않습니다.

미술에 평생을 바치고 싶다는 생각을 몇 살 때 깨달았습니까?

사실 미술에 대한 나의 관심은 아주 일찍부터 태어났다. 나는 음악가 집안에서 자랐고 여섯 살 때 바이올린을 배우기 시작했습니다. 내 음악적 재능에도 불구하고 나는 이러한 활동을 좋아하지 않았다. 또 무대공포증과 과도한 불안으로 리허설 때만큼의 연기를 하지 못했다. 내가 11살이었을 때, 아버지는 또 다른 시험에서 그다지 좋지 않은 시험을 치른 후 나에게 미술과 음악 중에서 하나를 선택할 수 있는 기회를 주겠다고 말씀하셨습니다. 세 살 때부터 글자 그대로 그림을 그리기 시작해서 망설임 없이 그림을 선택했어요. 그리고 단 1초도 후회하지 않았다. 물론이 직업은 매우 어렵고 많은 함정이 있습니다. 미술에 관한 한, 대부분의 사람들은 생계를 꾸리는 방법에 대한 질문에 겁을 먹습니다. 지금은 많이 가르치기 때문에 학생들이 나중에 디자인이 아니라 미술에 참여하도록 동기를 부여하려고 노력합니다. 물론 모든 사람이 반드시 성공적인 예술가가 되리라는 보장은 없지만 저는 운이 좋습니다. 제 자신의 연습과 가르침을 결합할 수 있어 필요한 안정성을 얻을 수 있습니다.

뛰어난 음악가 Vladimir Spivakov가 경력 초기에 당신을 도왔다는 것이 사실입니까?

예, 아버지는 Central에서 그와 함께 공부했습니다. 음악 학교, 이후 20년 이상 모스크바 거장 오케스트라에서 연주했습니다. 블라디미르 테오도로비치(Vladimir Teodorovich)는 젊은 재능을 위한 자선 재단을 이끌고 있는데, 그 재단의 나도 회원이었습니다. 나의 첫 해외 개인전은 매년 프랑스 콜마르에서 열리는 그의 음악 축제에서 조직되었다. 그때 나는 열 살이었다.

열살에 개인전?

예. 블라디미르 테오도로비치(Vladimir Teodorovich)는 예술에 대한 열렬한 애호가이자 나의 첫 감정가 중 한 명이라고 말할 수 있습니다. 나는 또한 많은 러시아 프로젝트에 참여했습니다. 모스크바에는 현재 Denis Matsuev가 회장인 자선 재단 "New Names"가 있습니다. 재단 덕분에 태국에서 개인전을 열었고, 캠페인의 일환으로 B. N. 옐친 대통령과 엘리자베스 2세 여왕에게 작품을 기증했습니다.

어떻게 당신의 그림이 대영제국의 여왕이 된 걸까요?

1994년 소련 붕괴 이후 엘리자베스 2세의 러시아 공식 방문이 처음으로 이뤄졌다. 상트페테르부르크의 공식 리셉션에서 New Names Foundation은 콘서트를 조직했습니다. 여덟 살짜리 소년인 나는 왕비에게 데려가 개인적으로 소개받았다. 나도 모르게 영어의, 나는 내가 전달한 연설을 암기했습니다. "폐하, 당신을 만나서 매우 기쁩니다. 웨스트민스터 대성당을 떠나는 당신의 사진을 보여주고 싶습니다.” 그녀는 처음에 그것이 내 그림인 줄 몰랐습니다. (웃음) 나중에 찰스 왕세자가 설립한 드로잉 아카데미에서 공부할 때 왕실의 모든 선물이 보관되어 있는 윈저 궁전의 리셉션에 초대를 받았습니다. 내 요청에 따라 그들은 아카이브를 살펴보고 내 그림을 찾았습니다. 14년이 지난 후에도 여전히 그곳에 보관되어 있었습니다.

당신은 러시아와 영국에서 그림을 공부했습니다. 어떻게 운명이 당신을 Foggy Albion으로 데려왔나요?

열세 살이나 열네 살 때 어떤 교육 기관을 선택해야 하는지에 대한 질문이 생겼습니다. 나는 원래 모스크바의 Surikov 또는 Stroganov 학교에 들어갈 생각이었습니다. 저는 항상 우리 예술 대학의 교육 시스템에 반대해 왔지만 학생이 개인이 되기 전에 먼저 일상적인 기술 훈련을 받아야 하는 교육 시스템에 반대했습니다. 예술에 대한 특별한 비전이 있다고 믿었기 때문에 열다섯 살에 유학을 가게 되었습니다. 그는 옥스포드에서 2년 동안 살면서 적응하고, 학교에서 공부하고, 추가로 언어를 공부하고, 대학 입학을 위해 일정 수의 시험에 합격했습니다. 4년의 학교생활을 마치고 시각 예술런던 대학교에서 Slade에서 학사 학위를 받았습니다.

어떤 비평가들은 당신을 현대의 마티스라고 부릅니다. 어떤 마스터의 작업이 가장 영향을 미쳤다고 생각합니까? 누구와 더 관련이 있습니까? 영적으로 누가 당신과 더 가깝습니까?

어렸을 때 나는 저명한 예술가들을 모방하려고 노력했습니다. 예를 들어 6살부터 11살까지 렘브란트를 사랑했고 그림에만 관심이 있었다. 성경 이야기. 나중에 인상파와 후기 인상파에 관심을 갖게 되었습니다. 물론 나이가 들면서 그렇게 강한 영향을 받을 수 없다는 것을 깨닫게 됩니다. 어떤 식으로든 당신은 모방자가 되기 때문입니다. 그리고 작가에게 가장 중요한 목표는 자신의 개성을 유지하는 것입니다. 그것은 확실히 예술을 따라야하지만. 그러므로 나는 이제 어느 한 화가를 나의 멘토나 영감으로 지목할 수 없습니다. 일반적으로 현대 독일 회화는 나에게 매우 가깝고 Neo Rauch, Daniel Richter, Max Beckmann 및 Otto Dix와 같은 독일 예술가의 작품을 좋아합니다.

당신의 그림 스타일을 어떻게 설명하시겠습니까?

일종의 신표현주의라고 할 수 있습니다. 신고전주의, 네오팝의 영향도 추적할 수 있습니다. 즉, 이런 비네그레트인데 내 스타일이면 좋겠다. (웃음) 어쨌든 저에게 가장 중요한 것은 어느 정도 달성한 스타일에 안주하지 않고 끊임없이 탐색하는 것입니다. 따라서 이번 전시는 다양한 기법으로 만들어진 작품들을 선보인다. 그러나 그들은 인간의 성격, 줄거리의 이미지, 어딘가에서 더 현실적이되고 어딘가에서 추상 미술로 들어가는 주된 것으로 결합되어 있습니다.

그림 하나를 완성하는 데 얼마나 걸립니까?

다르게. 그림은 문자 그대로 3~4일 만에 완성되는 경우도 있고, 1년 이내에 업무에 복귀하는 경우도 있습니다. 일반적으로 어떤 동기, 아이디어 또는 플롯이 여러 작품에 반영됩니다. 때때로 시리즈는 10개 또는 15개의 그림으로 구성된 별도의 프로젝트가 됩니다. 저에게 이러한 각 프로젝트는 창의성의 새로운 페이지입니다.

끝으로 귀하의 계획에 대해 알고 싶습니다. 유럽에서 다른 개인전을 계획 중이신가요?

나는 계획한다. 저는 하나의 큰 프로젝트를 진행하고 있습니다. 러시아 박물관에서 열리는 전시회라는 아이디어는 2009년에 다시 시작되었습니다. 비엔나 프로젝트에도 참여하겠습니다. 러시아 문화계 인사인 로만 페친은 내년 봄에 15명의 예술가들의 작품을 선보이는 대규모 전시회 "러시아 회화 대가의 눈으로 본 오스트리아"를 개최할 계획이다. 비엔나 유대인 박물관 관장과 내 전시회에 대한 협상도 있습니다. 많은 계획이 있지만 불행히도 전시회 조직은 협상, 그림 운송 및 기타 많은 세부 사항을 포함하는 매우 복잡한 프로세스로 수개월이 걸립니다.

각 역사적 시대그의 유형을 보여줍니다 예술적 비전해당 언어 수단을 개발합니다. 동시에 모든 역사적 단계에서 예술적 상상력의 가능성은 무한하지 않습니다. 각 예술가는 자신과 관련된 시대의 특정 "광학 가능성"특성을 찾습니다. 동시대 인의 지배적 인 아이디어 (세계의 그림)는 모든 다양한 예술적 관행을 특정 초점으로 "끌어 당기고"근본적인 기초로 작용합니다. 문화 존재론 예술적 의식 (즉, 존재의 방식, 해당 문화 공동체의 경계 내에서 예술적 의식의 창조적 표현).

특정 시대의 예술에서 창조적 과정의 통일성은 출현을 결정합니다 예술적 무결성특별한 유형. 예술적 무결성의 유형은 해당 항목의 독창성을 이해하는 데 매우 대표적인 것으로 판명되었습니다. 문화의 힘 분야.또한 예술적 창의성의 재료에서 발견할 수 있을 뿐만 아니라 캐릭터 특성의식과 자기 인식 시대의 기본적인 성격,뿐만 아니라 그들의 문화적 한계, 역사적 경계를 느끼며 그 너머에서 다른 유형의 창의성이 시작됩니다. 예술 의식의 역사적 존재론은 예술과 일반 문화 사이에 상호 접촉이 있는 공간입니다. 그것은 직접 및 역 영향의 많은 "모세혈관"을 드러냅니다.

따라서 예술적 시각의 층에는 고유한 역사가 있으며, 이러한 층의 발견은 예술의 미학 및 문화 연구의 가장 중요한 과제라고 할 수 있습니다. 예술적 시각의 변형에 대한 연구는 정신의 역사를 밝힐 수 있습니다. 예술적 비전의 개념은 매우 일반화되어 있으며 창조적 인 개성의 일부 기능을 고려하지 않을 수 있습니다. 서로 다른 작가의 동일한 역사적 유형의 예술적 비전에 속하는 미적 분석은 필연적으로 개별 인물의 여러 가지 독특한 특성을 "똑바르게"하여 그들을 하나로 묶는 공통점을 강조합니다.

이 개념의 발전에 많은 노력을 기울인 G. Wölfflin은 예술 발전의 일반적인 과정이 별도의 지점으로 나뉘지 않는다고 믿었습니다. 창의성의 개별 형태. 모든 독창성을 위해 아티스트는 별도의 그룹으로 결합됩니다. 서로 다른 Botticelli와 Lorenzo di Credi는 베네치아와 비교할 때 피렌체와 비슷합니다. 같은 방식으로 Gobbema와 Reyedal은 차이점이 무엇이든간에 네덜란드에 반대하면 즉시 관련됩니다. 일부 플레밍, 예를 들어 루벤스". 예술 문화 연구 분야의 현대 연구에 매우 유익한 예술적 비전 개념 개발의 첫 번째 고랑은 20세기 초반에 독일과 비엔나 미술사 학교에 의해 마련되었습니다.

문화에서 이런 저런 문제를 공식화하는 것은 그것이 창의성의 어떤 영역과 관련이 있더라도 항상 특정 역사적 순간에 종속됩니다. 예를 들어, O. Beneš는 이러한 입장에 기초하여 예술의 조형적 구조에서 특정 문체(시간,그것은 예술과 과학 모두에 공통적일 것입니다. Benes는 "아이디어의 역사는 동일한 영적 요소가 문화 활동의 다른 영역에 깔려 있음을 가르쳐줍니다. 이를 통해 우리는 예술적 현상과 과학적 현상 사이의 유사점을 도출하고 이를 통해 상호 설명을 기대할 수 있습니다. 주어진 모든 것에서의 창조적 의식 역사적 순간은 예술과 과학에 대해 명확한 특정 형태로 구현됩니다. 여기에 수직이 구축됩니다. 예술적 비전의 유형은 궁극적으로 예술을 통해 의식의 일반적인 문화적 매개 변수를 구현하는 것입니다. 요점은 예술계에서 지배적으로 자리 잡은 예술적 사고방식과 지각방식이 이 시대가 자각하고 있는 일반적인 지각방식과 어느 정도 연결되어 있다는 점이다.

예술적 비전은 주로 예술 작품을 구성하는 방식과 형식으로 나타납니다. 모델과 현실에 대한 예술가의 태도는 주관적인 변덕이 아니라 역사적 조건화의 가장 높은 형태로 드러난 것은 예술적 표현의 방법이다. 동시에 역사 속의 예술적 비전의 유형을 연구하는 방식에는 많은 문제가 발생한다. 따라서 같은 시대의 같은 사람들이 다른 유형의 예술적 비전을 가지고 있다는 사실을 무시할 수 없습니다. 공존하다.예를 들어, 이러한 분열은 16세기 독일에서 관찰할 수 있습니다. Grunwald는 미술사 연구에서 알 수 있듯이 Dürer와 다른 유형의 예술 구현에 속했지만 둘 다 동시대 사람입니다. 이러한 예술적 시각의 분리는 당시 독일에 공존했던 다양한 문화적, 일상적 방식과도 일치함을 알 수 있다. 이것은 예술뿐만 아니라 문화 전체의 과정을 이해하기 위한 예술적 비전 개념의 특별한 의미를 다시 한 번 확인시켜줍니다.

예술적 비전 개념의 중심인 형태감은 어떤 식으로든 민족적 인식의 토대와 접하게 된다. 더 넓은 맥락에서 예술적 비전은 다음과 같이 이해될 수 있습니다. 일반적인 문화적 사고방식의 생성적 원천연대. 개념의 관련 내용에 대한 아이디어 예술 형태예술적 비전은 A. Schlegel에 의해 훨씬 더 일찍 표현되었으며, 그는 스타일바로크 뿐만 아니라 삶의 감각바로크, 심지어 남성바로크. 따라서 예술적 비전에 대한 합리적인 아이디어는 다음과 같이 형성됩니다. 국경 개념,예술 내적 조건과 일반적인 문화적 조건을 모두 포함합니다.

예술적 창의성의 진화 과정은 결코 멈추지 않지만, 강렬한 탐구의 예술 시대와 더 느린 상상력의 시대를 발견하는 것은 어렵지 않습니다. 문제는 이러한 유형의 예술적 시각의 역사에서 이 또는 저 작가가 이해한 대로 적절한 예술적 문제를 해결하는 일관된 과정을 식별할 수 있을 뿐만 아니라 문화의 보편성을 이해하는 열쇠를 찾을 수 있다는 것입니다. 주어진 시간과 공간에서 작동하는 인간 의식의 문화적 존재론에 침투하여 그것들을 일으켰습니다. 역사가 진행됨에 따라 고려중인 문제가 점점 더 복잡해집니다. 예술에서 이미 발견한 기술의 무기고가 확장됨에 따라 예술적 창의성의 자기 운동 능력도 증가하기 때문입니다. 관객에게 강렬한 영향을 미치기 위해 지각의 둔해짐에 저항해야 할 필요성은 각 예술가가 창의성의 방법을 바꾸도록 강요합니다. 게다가 이미 발견된 각각의 효과는 새로운 예술적 효과를 미리 결정한다. 이것은 스스로를 드러낸다. 예술적 컨디셔닝예술적 비전의 유형을 변경합니다.

예술 작품 형식의 모든 요소는 내용의 임의적인 장식으로 작용하지 않으며 시간의 일반적인 영적 방향, 예술적 비전의 세부 사항에 의해 깊이 미리 결정됩니다. 강렬하고 느린 상상력으로 어느 시대에나 예술 형식의 적극적인 경향을 관찰할 수 있으며, 이는 문화적 창조 가능성을 증언합니다. 문화적예술의 (또는 문화 창조) 가능성은 새로운 이상, 지향, 취향이 발생하고 예술 영역에서 발아되어 넓게 퍼지고 다른 문화 영역에서 포착될 때 나타납니다. 그런 의미에서 한 사람은 말한다. 문화적 특성예술은 다른 형태의 문화와 달리 예술이 축적된다는 점을 염두에 두고 문화의 모든 측면물질적이고 영적이고 직관적이고 논리적이며 감정적이고 합리적입니다.

• 울플린 G.미술사의 기본 개념. 중.; L., 1930. S. 7.
• 베네시 O.북부 르네상스의 예술. 현대 영적 및 지적 운동과의 연결. M., 1973. S. 170, 172.