V.L. 예술 작품(그래픽, 회화, 조각, 건축)의 진실 분석
작품 분석
시각 예술
안제로-수젠스크
케메로프스크 지역 교육과학부
GOU SPO ANZHERO - SUJENSKY 교육학 대학
작품 분석
시각 예술
중등 전문 교육 Anzhero의 주립 교육 기관 협의회 -
"____"____________ 2009
RIS 회장
검토자:
가르치는
GOU SPO Anzhero - Sudzhensky 교육학 대학.
작품 분석 시각 예술: 지침 . – Anzhero – Sudzhensk: 중등 전문 교육을 위한 주립 교육 기관 Anzhero – Sudzhensk Pedagogical College, 2009 – p.
이에 방법론적 발전미술 작품 분석과 관련된 문제를 다룹니다.
장점은 미술 작품 분석을 위한 계획과 알고리즘이 포함된 애플리케이션이 있다는 것입니다.
©GOU SPO Anzhero-Sudzhensky
교사 훈련 대학
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소개…..…………………………………………………….. | ||
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미술 작품 분석을 위한 방법론적 기초 | ||
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문학……………………………………………………….. | ||
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애플리케이션 ………………………………………………………… |
소개
우리가 세상을 보는 방법
미술 작품을 분석하는 것에 대해 이야기하기 전에, 미술 작품을 왜 시각적이라고 부르는지, 실제로는 무엇을 의미하는지 생각해 봅시다. “시선을 애무하기 위해, 눈을 위해!” -당신은 말할 것이고 당신이 옳을 것입니다. 비록 우리가 건축과 디자인에 대해 이야기하면 그들은 눈뿐만 아니라 몸도 애무할 수 있습니다. 시각 예술은 시각적 인식에 중점을 둡니다. 우리의 볼 수 있는 능력을 탐구해 봅시다.
그래서, 일반인두 눈으로 보면 각 눈에는 주변 물체의 이미지가 가장 명확하게 보이는 지점인 광학 중심이 있습니다. 이는 우리의 비전에 두 가지 초점이 있다는 것을 의미합니다. 실험을 해 봅시다. 종이 한 장을 가져다가 그 안에 작은 구멍을 뚫고 팔 길이로 이 구멍을 통해 벽의 먼 지점(예: 스위치)을 살펴보세요. 손을 움직이지 않고 오른쪽 눈과 왼쪽 눈을 번갈아 감습니다. 구멍의 스위치 이미지가 사라지거나 다시 나타납니다. 그게 무슨 뜻일까요?
인간의 시각 장치에서는 오른쪽 눈 또는 왼쪽 눈 중 하나의 초점만 작동합니다(어느 눈이 선두 눈인지에 따라 다름: 오른쪽 눈을 감았을 때 이미지가 사라지면 이것이 선두 눈이고, 왼쪽 눈이면 선두 눈), 그 다음 선두 왼쪽 눈입니다. 한쪽 눈은 "진짜"를 보고 다른 눈은 보조 기능을 수행합니다. 즉, "스파이"는 뇌가 그림을 완성하는 데 도움이 됩니다.
일반적인 대화 중에 대담자를 자세히 살펴보십시오. 당신의 시력은 그의 오른쪽 눈을 고정시키고 (당신에게는 왼쪽에 있을 것입니다) 당신은 그 사람만 분명히 볼 수 있습니다. 대담 자의 나머지 이미지는 중앙 (오른쪽 눈)에서 주변으로 점차 흐려집니다. 무슨 뜻이에요? 우리 눈의 수정체(수정체)는 구형 형태로 배열되어 있습니다. 그리고 이미지의 가장자리는 항상 흐릿합니다. 즉, 물체는 단일 초점에서만 명확하게 반사됩니다. 초점에서 멀어질수록 이미지가 흐릿해집니다.
이러한 시각의 "한심한 가능성"으로 인해 공간, 사물의 모양, 심지어 색상까지도 자연적으로 왜곡될 수 있음이 분명합니다. 역설적인 점은 우리가 생각하는 것만큼 대부분의 물체를 보지 못하고, 우리 비전의 메커니즘을 전혀 인식하지 못한다는 것입니다. 그리고 우리의 비전은 눈에 띄지 않게 훈련되어 있기 때문에 문화공간사회 (그리고 지난 600년 동안 이 훈련은 주로 고전의 직접적인 선형 관점에서 이루어졌습니다) 생리학자나 예술가. 그리고 우리는 여전히 이미지의 사실주의의 한계는 세잔의 그림이 아니라 순회자들의 작품에 있다고 생각합니다.
그래서 우리는 미술 작품을 분석하는 주제에 이르렀습니다. 미술을 인식하는 방법에는 두 가지가 있습니다. 하나는 마음을 통해, 다른 하나는 마음을 통해. 이것이 모든 예술을 이해하는 방법론적 기초이다.
미술 작품 분석을 위한 방법론적 기초
처음으로 예술 작품 분석에 직면한 사람들은 거의 즉각적으로 다음과 같은 논리적인 질문을 갖게 됩니다. “예술에 분석이 전혀 필요한가요? 그는 살아있는 사람, 즉각적인 사람을 죽이지 않습니까? 감정적 인식미술? 올바르게 수행되면 필요합니다.
명확한 분석은 감성적인 예술을 방해하지 않고, 작품의 새로운 측면을 드러내며 더 깊은 의미를 보여주는 데 도움이 됩니다. 이를 위해 분석은 캔버스에 있는 물체나 인물의 존재에 대한 간단한 설명, 줄거리를 다시 설명하는 것에서 끝나지 않고 그림의 의미에 대해 더 (또는 더 깊게) 진행되어야 합니다.
그러나 그 의미는 외형을 통해 표현된다. 우리는 작품에서 직접적으로 의미를 부여받는 것이 아니라 특정한 형태로만 의미를 부여받는다. 그리고 우리는 그것을 “읽고” 그 뒤에 숨은 의미를 보아야 합니다. 더욱이 작가는 자신이 원하는 의미를 더 잘 표현할 수 있도록 작품의 형태를 구축한다.
각 예술 작품에는 여러 수준이 있습니다. 이는 감정, 주제, 줄거리, 상징적 수준 및 작품의 내부 구조(마이크로 회로) 수준입니다.. 예술에 대한 우리의 인식은 감정에서 시작됩니다.
감정적 수준.
우리가 가장 먼저 "잡는" 것은 작품의 감정적 구조입니다. 그것은 엄숙하거나 서정적이며, 우리는 그것이 재미있거나 슬프다고 생각합니다. 작업이 우리에게 감정적으로 영향을 미치지 않았다면 더 이상의 분석은 이루어지지 않을 것입니다.! 따라서 분석 초기에는 작품과의 소통에서 발생하는 감정을 담아내려고 노력하는 것이 매우 유용하다. 이는 작업이 오랫동안 친숙해졌을 때 더욱 필요합니다. 결국 우리는 그림이 한때 우리에게 불러 일으켰던 "오래된"감정을 무의식적으로 기억했습니다. 하지만 이제 우리는 달라졌습니다. 이는 우리의 인식이 다르다는 것을 의미합니다. 그리고 이제 우리는 오래전 옛 사람들에 대해 다른 감정을 갖게 될 것입니다 유명한 작품. 그리고 분석 초기에 학생들에게 그림이 주는 첫인상에 대해 질문하는 것은 매우 유용하다.
더욱이, 이 첫인상은 분석 전반에 걸쳐 가능한 모든 방법으로 보존되고 뒷받침되어야 합니다. 분석적 결론의 정확성을 확인하는 것은 종종 이러한 첫 번째 감정적 인상입니다. 점차적으로 분석 과정에서 분석 결론의 정확성이 검증됩니다. 점차적으로 분석 과정에서 우리는 예술가가 어떻게 이런저런 감정적 인상을 달성하는지 보기 시작합니다.
분석의 끝부분도 감정적으로 이루어져야 합니다. 결국에는 유용할 뿐만 아니라 다시 한번 전체적인 감정적 인상으로 돌아가는 것이 필요합니다. 이제야 감정은 의미에 대한 지식으로 뒷받침됩니다.
감정적인 수준에서 작품을 분석하기 위한 샘플 질문.
1. 작품은 어떤 인상을 주나요?
3. 관람객은 어떤 감각(건축물)을 경험할 수 있나요?
4. 작품의 성격은 무엇입니까?
5. 작품의 규모, 형식, 부품의 수직, 수평 또는 대각선 배열, 건축 형태의 사용, 그림의 색상 사용 및 빛의 분포가 감정적 인상에 어떻게 기여합니까?
주제 수준.
직접적으로 묘사된 내용을 반영합니다. 이 수준에서 분석이 직접 시작됩니다. 모든 사물, 성격, 현상은 매우 중요합니다. 좋은 예술가의 그림에는 무작위적인 것이 없습니다. 따라서 캔버스에 있는 내용을 간단히 나열하는 것만으로도 이미 생각하게 됩니다.
그리고 여기서 우리는 종종 어려움에 직면합니다.
인간의 관심은 선택적이며 꽤 오랫동안 우리는 어떤 것도 알아차리지 못할 수 있습니다. 중요한 세부 사항. 그렇습니다. 역사적 상황은 때때로 인식할 수 없을 정도로 변합니다. 또는 어느 시대에나 현대인에게 사람에 대해 많은 것을 알려주는 소송-이것은 전체 백과 사전 일뿐만 아니라 외부 생활, 도덕, 성격, 삶의 목표도 있습니다.
그러므로 그림에 배치된 모든 것의 의미와 목적을 주의 깊게 명확히 하여 그림을 "읽기" 시작하는 것을 규칙으로 삼아야 합니다. 그림의 객관적 세계는 '우리에게 주어진 텍스트'를 구성하는 단어이다.
이미 이 수준에 있으며, 처음 접할 때 객관적인 세계그림에서 우리는 모든 사물과 얼굴이 캔버스 전체에 무작위로 흩어지지 않고 일종의 통일성을 형성한다는 것을 매우 빨리 알아차립니다. 그리고 우리는 다음과 같은 행동을 통해 무의식적으로 이 통일성을 이해하기 시작합니다. 그림 구성의 첫 번째 단계. 우리는 마지막에 마침내 그것을 마스터할 것입니다. 하지만 개별 기능을 즉시 기록하기 시작해야 합니다. 일반적으로 가장 중요한 요소는 단순하고 명확한 모양(삼각형, 원, 피라미드, 사각형...)을 형성한다는 것이 즉시 명백해집니다. 이러한 형태는 작가가 임의로 선택한 것이 아니라 어떤 감정적 구조를 만들어낸다. 원과 타원은 차분하고 완전합니다. 정사각형 또는 누워있는 직사각형은 안정감과 불가침성을 만듭니다. 피라미드와 삼각형은 보는 사람에게 동경감을 줍니다. 이 분석 단계에서는 그림의 기본과 보조가 쉽게 구분됩니다.
별도의 개체, 별도의 색상, 별도의 획은 의미를 이해하는 데 아무 것도 제공하지 않습니다. 그 비율만이 중요합니다. 색, 소리, 주제, 대상, 양의 관계를 통해 작품의 의미를 '읽을' 수 있어야 합니다.
대조되는 반대, 캔버스에서의 움직임 또는 휴식의 우세, 배경과 인물 간의 관계-이 모든 것은 이미 이 분석 단계에서 언급되었습니다. 여기서 우리는 움직임의 전달이 대각선, 물체 앞의 여유 공간, 움직임의 정점에 대한 이미지, 비대칭 패턴이라는 것을 알 수 있습니다. 나머지의 전달은 대각선의 부재, 물체 앞의 여유 공간, 정적 포즈, 대칭 패턴입니다. 그러나 이 모든 것은 지금은 단지 언급되고 있을 뿐입니다. 참뜻구성의 특징은 분석이 끝날 때만 얻을 수 있습니다.
주제 수준에서 예술 작품을 분석하기 위한 샘플 질문입니다.
1. 그림에는 무엇(혹은 누구)이 나와 있나요?
2. 방문객은 파사드 앞에 서서 무엇을 보는가? 인테리어에?
3. 조각품에서 누구를 보시나요?
4. 당신이 본 것 중 가장 중요한 것을 강조하세요.
5. 이것이 왜 당신에게 중요해 보이는지 설명해 보십시오.
6. 예술가나 건축가는 어떤 방법으로 중요한 것을 강조합니까?
7. 작품 속 사물은 어떻게 배치되어 있나요(주제 구성)?
8. 작품에서의 색상 비교(색상 구성)는 어떻게 되나요?
9. 건축 구조에서 볼륨과 공간은 어떻게 비교됩니까?
플롯 수준.
저는 연구자들이 매우 자주 경고하는 위험에 대해 즉시 경고하고 싶습니다. 이는 작가가 캔버스에 표현한 줄거리를 역사, 신화, 작가에 대한 이야기에서 알려진 줄거리로 대체하려는 욕구입니다. 작가는 플롯을 설명할 뿐만 아니라 플롯에 대한 이해를 제공하며 때로는 이 플롯의 범위를 훨씬 뛰어넘습니다. 그렇지 않으면 예술비평의 진부한 표현이 탄생하게 됩니다.
사람들은 종종 묻습니다. 모든 그림에는 줄거리가 있습니까? 장르나 역사적인 그림에서는 그것이 가장 명백하게 드러납니다. 인물 사진, 풍경 사진, 정물 사진은 어떻습니까? 그리고 추상 회화? 여기서는 모든 것이 그렇게 명확하지 않습니다. 프랑스어 단어 "플롯"은 사건의 전개를 의미하는 것이 아니라 일반적으로 작품의 "주제" 또는 "이유, 기회, 동기"를 의미합니다. 그리고 이 단어의 첫 번째 의미는 "소인이 있는, 취약한"입니다. 따라서 플롯은 작가가 캔버스 위에 구축한 인과관계로 우리에게 나타난다. 역사적으로나 장르 그림이러한 연결은 역사적 또는 일상적 사건과 관련이 있습니다. 초상화에서 - 묘사되는 사람의 개성, 그가 누구인지, 그가 나타나기를 원하는 사람 사이의 관계. 정물에서 - 사람이 남긴 것들과 "뒤에 있는" 사람 자신 사이의 관계. 그리고 추상회화에서 작가는 선, 점, 색, 도형 사이의 관계를 구축한다. 그리고 이 관계는 Surikov의 귀족 여성 Morozova의 몸짓만큼 중요하고 음모와 관련이 없습니다.
위에서 두 가지 결론이 나옵니다.
첫째, 플롯은 특정 그림의 현실을 기반으로 구성되어야 합니다. " 요청 자체에는 없습니다. 탕자그 의미는 회개 자체에 있는 것이 아니라 그러한 아버지의 사랑과 그러한 용서가 불러일으키는 놀라움에 있습니다.».
두 번째 결론은 어떤 식으로든 플롯 수준이 항상 캔버스에 존재한다는 것입니다. 그리고 분석에서 이를 우회하는 것은 단순히 비합리적입니다. 인과관계는 그림의 특별한 공간과 시간을 정확하게 구축한다.
플롯 수준이 명확해지고 구성적 특징캔버스. 우리는 그림(이야기)과 그림(쇼)을 구별하고 캔버스의 비유성과 표현력에 대해 이야기합니다. 여기서 작품의 장르가 결정된다.
그리고 모든 얼굴, 사물, 현상이 삶과 같은 의미로 그림에 나타나는 것은 아니라는 것이 즉시 분명해집니다. 그들 중 일부는 예술가를 키운 문화에서 특별한 상징적 의미를 부여받습니다. 다른 것들은 저자 자신이 다의미적 상징의 의미를 부여했습니다. 이것이 우리가 다음 단계, 즉 상징적 단계에 도달하는 방법입니다.
플롯 수준에서 작품을 분석하기 위한 샘플 질문입니다.
1. 그림의 줄거리를 말해보세요.
2. 이 건축 작업에서 어떤 사건이 더 자주 발생할 수 있는지 상상해보십시오.
3. 이 조각품이 살아있게 된다면 무엇을 할 수(말할) 수 있을까요?
상징적 수준.
상징적 수준에서 우리는 그림의 객관적인 내용으로 다시 돌아가는 것처럼 보이지만 질적 수준은 다릅니다. 정물이 갑자기 의미를 보이기 시작합니다. 보다- 시간이 흐르고 있어요. 빈 껍질- 공허한 필멸의 삶, 나머지- 갑자기 중단됨 인생의 길.
또한 각 형태는 다시 생각됩니다.
원형 구성영원의 상징이다. 정사각형(큐브)- 이것은 지구, 지속 가능한 지상 존재의 상징입니다. 한 예술가가 캔버스를 만들고 왼쪽에서 오른쪽으로 부분을 나누는 것을 볼 수 있습니다. 그리고 오른쪽에는 양수 값이 있고 왼쪽에는 음수 값이 있습니다. 눈이 왼쪽에서 오른쪽으로 움직이면 사건의 시작을 왼쪽에서, 끝을 오른쪽에서 볼 수 있습니다.
또 다른 작가는 회화 분야의 수직적 분할을 강조할 것이다. 그리고 나서 우리 주변 세계의 상단과 하단에 대한 우리의 생각이 발효됩니다. 높음, 낮음 또는 중간 지평선, 캔버스 상단 또는 하단의 "색상 무거움", 그림의 특정 부분의 채도, 공간의 개방성-이 모든 것이 상징적 수준에서 분석 대상이 됩니다.
그림의 수직적, 수평적 구성 자체도 중요한 상징이라는 점을 잊어서는 안 된다. 도상학적 구조는 수직으로 펼쳐지는 반면, 뉴에이지의 그림은 거의 모두 수평입니다.
그리고 그림은 평면의 배열이지만, 예술가들은 항상 공간의 깊이를 마스터하려고 노력합니다. 공간의 깊이를 드러낼 수 있다 다른 방법들. 그리고 그들 각각은 상징적입니다. 가까운 물체는 먼 물체를 가립니다. 공간의 깊이는 바닥의 평면,지면으로 인해 "그려집니다". 바닥은 그림에서 평화를주는 주요 의미를 얻습니다. 깊이는 건축 구조의 도움으로 구축됩니다. 그리고 건축은 캐릭터에 적극적으로 영향을 미치기 시작합니다. 캐릭터를 높이거나 부수고, 숨기거나 전시하는 것입니다.
이 수준의 분석에서는 큰 중요성그림에서 색과 빛을 얻으세요.
고대와 중세의 색은 적절하게 서로 명확하게 결합되어 밝은 상징으로 사용된 것으로 알려져 있다. 그리고 회화작업에서 색채는 회화세계를 구성하는 주된 수단이기 때문에 현대의 예술가들조차도 이러한 상징적 영향력을 회피하지 못한다. 빛과 어둠은 언제나 인간에게 단순한 조건 그 이상이었습니다. 실생활. 그러나 또한 외부와 내부의 상징적 반대에 의해서도: 밝은 얼굴과 내면의 깨달음; 어두운 그림과 어려운 삶의 길. 이것이 이 캔버스의 장대한 세계 시스템이 점차 구축되는 방식이다.
상징적 수준에서 작품을 분석하기 위한 샘플 질문입니다.
1. 작품에는 무언가를 상징하는 오브제가 있나요?
2. 작품의 구성과 작품의 주요 요소가 수평, 수직, 대각선, 원, 색상, 큐브, 돔, 아치, 둥근 천장, 첨탑, 탑, 제스처, 자세, 의상, 리듬, 테너 등 본질적으로 상징적인가? ?
3. 작품 제목은 무엇인가요? 그것은 줄거리와 상징주의와 어떤 관련이 있습니까?
다음으로 우리는 그림을 이해하는 새로운 수준으로 올라갑니다. 여기서 분석의 개별적인 측면은 이 특정 작업의 단일 세계로 통합되어야 합니다.. 이에 분석의 마지막 단계전체에서 벗어나는 그림의 세부 사항이 하나도 남아 있어서는 안 됩니다. 여기서 다시 우리는 정직성에 관해 이야기해야 합니다. 그리고 이러한 성실성은 논리적으로 이해되는 것이 아니라 감정적으로 이해되는 경우가 많습니다. “정말 멋지고 현명한 일이군요!” - 면밀한 분석의 결과 감탄이 나올 것입니다. 이 형식으로 그림을 정신적으로 움직이고 일부는 끄고 다른 일부는 강조 표시하면 이것이 표현력뿐만 아니라 그림의 의미에도 영향을 미친다는 것을 알 수 있습니다. 이 단계에서 그림은 '우리 자신의 것'이 됩니다.
그러나 이것은 이상적인 분석 시스템입니다. 실제로는 일이 잘 안 풀리고, 때로는 생각하지 못하고, 제대로 느낄 시간이 없을 때도 있습니다. 하지만 우리는 학생들에게 분석의 전체 과정을 적어도 한 번은 보여주고, 이해할 수 있도록 지도해야 합니다.
각각의 특정 작업에서 우리는 하나의 레벨을 분리하여 학생들과 함께 작업할 수 있습니다. 더욱이 모든 예술 작품은 이러한 각 수준에서 완전히 독립적으로 존재할 수 있습니다. 또한 한 작업에서는 플롯 수준이 명확하게 강조 표시되고 다른 작업에서는 상징적 수준이 강조 표시됩니다.
분석 능력을 키우려면 민간 기술을 활용하는 것이 유용합니다:
Ú 그림에 대한 간단한 설명, 즉 실제로 그림에 묘사된 내용. 이러한 설명은 주어진 캔버스에 주의를 집중시키고 그림의 세계로 들어가는 데 매우 도움이 됩니다.
Ú 콘텐츠를 접습니다. 여기서 선생님은 단순히 이미지를 다시 말하라고 요청하지만 매번 이야기를 줄입니다. 결국 이야기는 가장 중요한 것만 남은 몇 가지 간결한 문구로 귀결됩니다.
Ú 건물 계층 구조. 여기에서 교사는 학생들과 함께 예술가가 제안한 가치를 서로 연관시켜 "무엇이 더 중요한가?"라는 질문에 답하려고 노력합니다. - 이 기술은 모든 수준에서 유용합니다.
Ú 분석 "필드" 생성. 종종 의미의 "발견"은 예술가 전기의 중요하지 않은 사실이나 특정 문화의 사실에 의해 도움이 됩니다. 그것은 우리의 관심을 다른 차원으로 이끈다. 그것은 우리의 생각을 다른 길로 보냅니다. 그러므로 우리는 사실을 축적해야 합니다. 그리고 실습에서 알 수 있듯이 성격 특성이나 사건이 우리에게 더 이상해 보일수록 그것이 우리에게 더 창의적입니다.
Ú 관조적 및 운동적 감정(공감). 이것은 이미 연기 기술입니다. 그림의 세계에서 자신을 상상하고 포즈를 취하는 시도입니다. 캐릭터, 표정을 짓고 풍경의 길을 따라 걸어보세요. 이 길에서는 많은 발견이 여러분을 기다리고 있습니다. 이 기술은 어떤 이유로 분석이 막다른 골목에 도달했을 때 자주 사용됩니다.
분석의 형태가 다를 수 있다는 것은 분명합니다. 이것과 개별적인 문제평범한 수업에서 아이들에게 누군가처럼 느끼고 무언가를 상상하도록 가르치는 것입니다. 한 환경 또는 다른 환경에 자신을 담그십시오. 이것은 또한 비교 및 비교 질문입니다. 이것은 주의 집중을 위한 연습입니다(무엇이 보이나요?). 이는 특정 작업에 대한 간단한 논리적 구성입니다.
부록 1
회화 분석 계획
1. 제목.
2. 문화적, 역사적 시대, 스타일에 속합니다.
4. 저작물 창작의 역사.
5. 이름의 의미. 줄거리의 특징. 장르 소속.
6. 구성(묘사된 내용, 그림의 요소 배열 방법, 역동성, 리듬).
7. 고정자산 예술적 표현(색상, 선, 명암대비, 질감, 글쓰기 스타일).
8. 개인적인 인상.
견본
Savrasov의 그림 "The Rooks have Arrived". Savrasov는 보고 있어도 질리지 않는 그림을 그리는 놀라운 예술가였습니다. 그들은 가벼움과 다양한 색상으로 구별됩니다. 그는 러시아 풍경화에 혁명을 일으킨 예술가였습니다. 다른 예술가들과 달리 그는 단순한 러시아 풍경을 묘사했습니다. 그의 가장 유명한 걸작 중 하나는 "The Rooks Have Arrived"라는 그림입니다.
이 그림은 1860~70년대 초에 그려졌습니다. 그 안에서 작가는 첫 번째 새(까마귀)가 도착하여 나무에 둥지를 짓기 시작하는 순간인 이른 봄을 묘사합니다.
우리는 그림의 색상 팔레트에 주목하고 싶습니다. Savrasov는 흐린 봄 풍경의 느낌을 사용하지만 동시에 태양 광선이 풍경을 더욱 화창하게 만듭니다. 물론 그림의 중요한 요소는 교회입니다. 그녀의 실루엣은 흐린 날의 이미지에 시적인 느낌을 더해줍니다.
작가가 우리와 함께 자신의 풍경을 감상하는 느낌.
부록 2
건축 기념물 분석 계획
1. 이름.
2. 위치.
3. 건축가.
4. 작업의 목적:
a) 컬트;
b) 세속적:
· 주택,
· 공공건물.
5. 그것은 무엇으로 만들어졌나요?. 가능하다면 이 특정 자료를 선택한 이유를 표시하십시오.
6. 디자인 특징이를 통해 스타일(또는 사용된 건축 세부 사항, 계획, 치수 등)을 결정할 수 있습니다.
7. 작업 유형에 대한 결론, 건축 양식또는 어떤 문명에 속해 있습니다.
8. 기념비에 대한 당신의 태도는 무엇입니까?. 귀하의 의견을 정당화하십시오.
견본
1. 조세르의 피라미드.
2. 이집트, 사카라.
3. 건축가 임호테프.
4. 컬트 건물은 무덤입니다.
5. 돌로 만든 건축물.
6. 무덤방이 있는 계단식 피라미드 형태. 높이 60m, 측면 길이 120m.
7. 건축 양식이 없으며 건물은 문명에 속합니다. 고대 이집트.
8. …
부록 3
조각품 분석 계획
1. 이름.
2. 조각가.
3. 조각품 유형:
a) 실행을 통해:
1. 둥근;
2. 구제:
· 심층적,
§ 높은 안도감.
b) 의도된 목적을 위해:
1. 컬트,
2. 세속적인,
c) 용도별:
1. 독립,
2. 건축 앙상블의 일부,
3. 건물의 건축 장식의 일부;
d) 장르별 :
1. 초상화:
§ 전체 길이;
2. 장르 장면.
4.작품이 만들어지는 재료.
5.정교함과 마무리의 철저함 정도.
6.(특징)에 더 많은 관심을 기울이는 것:
a) 유사성
b) 장식적,
다) 디스플레이 내부 상태사람,
d) 어떤 생각이라도.
7.캐논이 있다면 그에 해당합니까?
8.장소:
a) 제조,
b) 지금은 어디에 있나요?
9. 조각의 발전 스타일, 방향 또는 기간과 주어진 작품에서의 표현.
10.기념비에 대한 당신의 태도는 무엇입니까?. 당신의 의견을 정당화하라.
부록 4
견본
1. 사모트라키아의 니케.
2. 조각품은 알려져 있지 않습니다.
3. 조각품 유형:
ㅏ) 디자인 - 라운드,
비) 목적에 따라-컬트,
V) 초기 사용에 따라 - 건축 앙상블의 일부,
G) 장르별-여신의 전신 초상화.
4. 대리석으로 제작되었습니다.
5. 작업은 매우 철저합니다.
6. 멈출 수 없는 승리의 비행 아이디어에 주목된다.
7. 캐논은 없었습니다.
8. 4세기 그리스에서 제작되었습니다. 기원전 즉, 현재 루브르 박물관(프랑스 파리)에 있습니다.
9. 헬레니즘 시대의 고대 조각상.
10.나는 기념물을 좋아한다(싫어한다). 왜냐하면…
부록 5
예술 작품 분석을 위한 알고리즘
회화 작품을 분석하는 알고리즘.
이 알고리즘을 사용하기 위한 주요 조건은 작업을 수행하는 사람들에게 그림의 이름이 알려져서는 안 된다는 사실입니다.
1. 이 그림을 뭐라고 부르겠어요?
2. 사진이 마음에 드시나요? (대답은 모호해야합니다.)
3. 이 사진을 모르는 사람도 알 수 있도록 이 사진에 대해 알려주세요.
4. 이 사진을 보면 어떤 느낌이 드나요?
7. 첫 번째 질문에 대한 답변에 추가하거나 변경할 내용이 있습니까?
8. 두 번째 질문에 대한 답변으로 돌아갑니다. 귀하의 평가는 동일하게 유지되었습니까, 아니면 변경되었습니까? 지금 이 사진을 왜 그렇게 평가하시나요?
회화 작품 분석 알고리즘.
2. 예술시대에 속한다.
3. 그림 제목의 의미.
4. 장르별 소속.
5. 그림 줄거리의 특징. 그림을 그리는 이유. 질문에 대한 답 찾기: 저자가 자신의 아이디어를 시청자에게 전달했습니까?
6. 그림 구성의 특징.
7. 예술적 이미지의 기본 수단: 색상, 드로잉, 질감, 명암대비, 붓놀림.
8. 이 예술 작품이 당신의 감정과 기분에 어떤 영향을 미쳤습니까?
10. 이 작품은 어디에 있나요?
부록 6
건축 작품을 분석하기 위한 알고리즘.
1. 건축 구조 창조의 역사와 그 저자에 대해 알려진 것은 무엇입니까?
2. 이 작품이 문화적, 역사적 시대, 예술적 스타일 또는 운동에 속하는지 여부를 표시하십시오.
3. 비트루비우스의 공식인 힘, 이익, 아름다움의 이 작품에서 어떤 구체화가 발견되었습니까?
4. 다음을 가리킨다 예술 매체구조적 시스템(포스트 빔, 뾰족한 아치, 아치형 돔)에서 건축 이미지(대칭, 리듬, 비율, 명암 및 색상 모델링, 규모)를 생성하는 기술.
5. 건축 유형을 나타냅니다: 체적 구조(공공: 주거용, 산업용); 풍경(정원 가꾸기 또는 작은 형태); 도시 계획.
6. 건축물의 외부와 내부 외관의 연관성, 건물과 부조의 연관성, 풍경의 성격을 지적합니다.
7. 건축 외관 디자인에 다른 형태의 예술이 어떻게 사용됩니까?
8. 그 작품이 당신에게 어떤 인상을 주었나요?
9. 예술적 이미지는 어떤 연관성을 불러일으키며 그 이유는 무엇입니까?
10. 건축구조물은 어디에 위치하나요?
조각 작품 분석 알고리즘.
1. 작품 창작의 역사.
3. 예술시대에 속한다.
4. 작품 제목의 의미.
5. 조각품의 종류(기념비, 기념관, 이젤)에 속합니다.
6. 사용재료 및 가공기술.
7. 조각품의 크기(알아두는 것이 중요한 경우).
8. 받침대의 모양과 크기.
9. 이 조각품은 어디에 있나요?
10. 이 작품은 당신에게 어떤 인상을 주었나요?
11. 예술적 이미지는 어떤 연관성을 불러일으키며 그 이유는 무엇입니까?
문학
1. Ageev, V.N. 기호학 [텍스트] /. - M.: 전 세계, 2002.
2. Ivlev, S.A. 세계 예술 문화 교육에 대한 학생들의 지식 통제 [텍스트] /. – 엠., 2001.
3. 혁신적인외국 교육학 검색의 교육 모델 [텍스트]. – 남: 아레나, 1994.
4. 크리스코, 브이. 민족심리학 입문 [텍스트] /V. 크리스코. – 엠., 2000.
5. 질서 있는교육 분야 "예술"[텍스트]의 맥락에서 "음악", "MHC", "극장" 주제에 대한 자료: 수집, 교사를 돕기 위한 것입니다. – M.: MHC 회사, 2001.
6. 오이스트라흐, O.G.세계 예술 문화 [텍스트]: 모스크바 예술 극장 교사를 위한 자료 /, . – 엠., 2001.
7. 포체프초프, G. G.러시아 기호학 [텍스트] /. – M.: Refl-Buk, K.: “Vakler”, 2001.
8. 솔로부드, 유. P. 예술 작품에서 상징의 텍스트 형성 기능 [텍스트] // 철학적 과학. – 2002. - 2호. – P.46-55.
우리는 우리 자신의 눈으로 세상을 보지만, 예술가들은 우리에게 그것을 보도록 가르쳤습니다. S. Maugham.
20세기 초 러시아 미술의 상징주의와 아르누보. PETROV-VODKIN Kuzma Sergeevich (1878-1939) “붉은 말 목욕”
혁명 이후 첫 해인 1917년 10월의 사건은 이제 우리에게 역사이자 전설이 되었습니다. 우리 아버지와 할아버지와 다르게 인식하면서 우리는 정치인의 범주적인 진술을 우회하고 시대, 그 파토스 및 드라마를 느끼고 이해하기 위해 노력하며 예술에 몰입합니다.
1926년에 출판된 책 중 하나(Shcherbakov N.M. Art of the 소련. - New Russia in Art. M., Publishing House "AHRR", 1926)에서 아이디어는 다음과 같이 표현되었습니다. 노래 ", 소설, 동상-기념비-죽음의 거울 같은 삶의 그림자가 오랫동안 저장되었을뿐만 아니라 수세기에 걸쳐 접근하는 사람들을 위해 그 책임을 유지하는 에너지의 일부이기도합니다. 그것."
쿠즈마 세르게예비치 페트로프(Kuzma Sergeevich Petrov) - 러시아 아방가르드의 대표자인 보드킨(1878 - 1939)은 사라토프 지방의 크발린스크에서 제화공의 가족으로 태어났습니다. 그는 사마라와 상트페테르부르크에서 잠시 공부했고, 1897년부터 모스크바 회화, 조각, 건축 학교에서 A.E. 아르키포프와 V.A. 세로프와 함께 공부했습니다. 이탈리아와 북아프리카 여행, 뮌헨의 Aschbe 학교와 파리 스튜디오에서 공부하고 유럽 예술에 대한 지식은 Petrov-Vodkin의 예술적 지평을 크게 확장했습니다. 초기작가의 작품은 Vrubel과 Borisov-Musatov의 영향을 식별할 수 있는 상징주의적 방향(“Dream”, 1910)으로 표시됩니다. Petrov-Vodkin은 1912년 그의 그림 "붉은 말의 목욕"이 World of Art 전시회에 전시되어 대담한 독창성으로 시청자를 놀라게 하면서 러시아에서 유명해졌습니다. 작가의 이 작품은 그의 작품에서 중요한 이정표를 세웁니다. 예술적 언어빨간색, 파란색, 노란색의 삼색 시스템에서 아이콘 그림, 색상의 전통에서 플라스틱 비 유적 표현을 찾습니다. 작가는 인간에게서 세계 질서의 영원한 법칙의 표현을 발견하고 특정 이미지가 우주 세력의 연결을 의인화하도록 노력합니다. 따라서 스타일의 기념비성과 "구형 관점", 즉 우주적 관점에서 조각을 인식하고 공간을 "그림의 주요 스토리 텔러 중 하나"로 이해합니다.
붉은 말을 목욕시키는 중.
거대한 캔버스에는 전체 캔버스 표면의 절반을 차지하는 거의 평평한 빨간 말이 (큰 크기 : 160 x 180cm) 주황색과 노란색 페인트로 칠해진 벌거 벗은 소년이 앉아 있습니다. 그는 한 손으로 고삐를 잡고 다른 손으로는 거대한 붉은 말에 기대어 앞으로 돌진하며 마치 포즈를 취하는 것처럼 고의적으로 우리를 향해 몸을 돌립니다. 말은 액자에 맞지 않고 가장자리에 기대어 있습니다. 눈은 열광적으로 빛나고 콧구멍은 파르르 떨리지만 남자는 참는다. 거인은 아니지만 연약한 청년인 십대는 쉽게 말에 앉아 탄력 있는 크룹에 손을 얹고 쉽고 자유롭게 말을 제어하며 두 개가 더 있는 저수지의 청록색 배경에 분명히 눈에 띕니다. 소년들은 말과 함께 훈련을 하고 있다.
이렇게 이상한 이미지는 무슨 뜻인가요? 요점은 그렇지 않다 일상의 이야기(예술은 일상 생활과 관련이 없습니다) 목욕하는 말 (제목에서 분명합니다. 결국 빨간 말이 없습니다.) 분명합니다. 그림의 의미는 암호화되어 있으므로 읽을 수 있어야합니다. 매우 널리 퍼져 있는 현대적 해석 중 하나에 따르면, 말은 아름다움과 힘을 의인화하는 러시아의 상징으로 인식되며, 러시아의 과거와 현대, 그리고 영원히 남을 영원한 것. 미술 평론가 D. Sarabyanov가 표현한 훨씬 더 일반화된 또 다른 해석은 다음과 같습니다. “이것은 일상이 아니라 예상치 못한 아름다움에 대한 꿈, 각성감, 미래의 시련 전에 에너지를 모으는 느낌, 이것은 위대한 사건과 변화의 예감입니다. ”
그림 개념의 모호함은 Petrov 자신에 의해 확인되었습니다. Vodkin은 그림을 만든 지 2년 후, 세계 대전이 시작되었을 때 "예기치 않게 그에게 한 생각이 그의 마음에 번쩍였습니다. 이것이 제가 쓴 이유입니다. " 붉은 말 목욕”(Rusakov Yu.A. Petrov - Vodkin. Art., 1975.) 지난 몇 년그는 이미 이것에 대해 아이러니했고, 말한 내용을 거부하고 자신의 사진을 특정 항목과 연결하는 것을 꺼린다는 점을 강조했습니다. 역사적 사건: “전쟁이 발발했을 때 우리의 영리한 미술 평론가들은 “이것이 바로 “붉은 말 목욕”이 의미하는 바였습니다. 그리고 혁명이 일어났을 때 우리 시인들은 “이것이 바로 붉은 말이 의미하는 것입니다”라고 썼습니다. 이것은 휴일입니다. 혁명의”(인용: Mochalov L. V. Petrov - Vodkin - L., “Aurora”., 1971.) 작품 아이디어의 불확실성, 작품에 포함된 예감의 모호함은 사실입니다. Petrov-Vodkin뿐만 아니라 20 세기 첫 20 년 동안 일반적인 지식인의 정신 상태를 표현합니다. 사람들의 경험과 열망, 꿈이 붉은 말이라는 상징적 이미지로 구체화되는 듯했다. 그들은 개별적으로 매일이 아니라 멋진 미래에 대한 영원한 꿈처럼 높고 거대하며 영원합니다. 이 상태를 표현하려면 특별한 예술적 언어가 필요했습니다.
Petrov-Vodkin의 혁신은 현대 및 이전 시대의 예술, 주로 인상파와 마티스의 작품, 고대 러시아 예술의 전통에 대한 이해를 기반으로 합니다(예를 들어 15세기 노브고로드 학교의 유명한 아이콘을 기억하세요). 세기의 "뱀에 대한 조지의 기적"), 영원하고 영적이며 순수한 도덕성을 묘사하는 풍부한 수단을 소유했습니다. 명확하게 정의된 물체의 실루엣, 부분적으로 칠해진 표면, 원근법의 거부 및 볼륨 묘사, 색상의 특별한 사용 - Petrov-Vodkin의 유명한 "삼색"이 예술가를 위한 이 랜드마크 캔버스에 존재합니다. 그의 예술적 언어의 독창성. 안에 민화붉은 말을 탄 기수의 이미지도 있습니다. 러시아어로 "빨간색"이라는 단어는 넓은 의미를 갖습니다. 빨간색 - 아름답다. 이는 아름답고 친절함을 의미합니다. 빨간색 - 소녀.
아이콘 페인팅의 전통에 대한 작가의 적극적인 호소는 우연이 아닙니다. 그의 첫 번째 교사는 볼가 강둑에 위치한 그의 고향 Khvalynsk의 아이콘 화가였습니다.
그림의 모든 것은 대비를 바탕으로 만들어졌습니다. 붉은 색은 놀랍고 매력적으로 들립니다. 그리고 꿈처럼, 숲처럼-파란색, 햇빛처럼-노란색. 색상은 충돌하지 않고 반대하지 않고 조화를 이룹니다.
"주요 특징은 새로운 시대움직임이 있었고 공간에 대한 지배력이 있었습니다.”라고 작가는 주장했습니다. 이것을 어떻게 전달해야 할까요? 그림에서 공간을 마스터하는 방법은 무엇입니까? Petrov-Vodkin은 소위 말하는 것을 사용하여 세계의 무한함을 전달하려고 노력했습니다. "구형 관점". 관점이 고정되어 있는 르네상스 예술가들이 발견한 선형 원근법과 달리 구형 원근법은 다중성, 관점의 이동성, 묘사된 대상을 다른 측면에서 볼 수 있는 능력을 가정하여 행동의 역동성을 전달할 수 있습니다. 다양한 시야각. 구형 원근법은 Petrov-Vodkin 그림의 구성 특성을 결정하고 그림의 리듬을 결정했습니다. 수평면은 지구의 구형 표면처럼 둥글게 변했습니다.
수직축이 부채꼴 모양과 비스듬하게 갈라져 있어 우주 공간의 느낌에 더욱 가까워지기도 합니다.
Petrov와 Vodkin의 색 구성표는 일반적입니다. 색면은 지역적이고 폐쇄적입니다. 그러나 미묘하고 타고난 색채 감각을 지닌 작가는 색채 원근법에 기초하여 감성적 상상 구조를 지닌 작품을 창작했는데, 이는 그림의 이념적 개념과 파토스를 정확하고 완전하게 드러냈다.
Petrov-Vodkin은 특유의 철학적 지혜로 러시아 혁명 시대를 받아들입니다. 그는 다음과 같이 썼습니다. “건설의 혼란 속에서 개인 점수에 열중하지 않는 모든 사람에게... 알람처럼 울리는 한 줄: 인생은 멋질 것입니다! 정말 멋진 삶이 될 거예요!” (인용: Kamensky A. A. 로맨틱 몽타주. M., 소련 예술가. 1989)
Petrov-Vodkin이 그의 작품에서 특히 어려운 20대에 가장 좋아하는 주제는 모성과 어린 시절 등의 주제였습니다.
“1918년 페트로그라드” – “페트로그라드 마돈나”
안나 아크마토바의 초상
자화상
파란색 재떨이가 있는 정물
거울이 있는 정물
편지가 있는 정물
핑크 정물. 사과나무가지
아침 정물
과거와 현재에 대한 그의 이해의 결과가 담긴 대형 기념비적 캔버스
"커미사르의 죽음"
예술가가 죽은 후 그의 작품은 소련 미술에서 지워졌고 1960년대에야 재발견되어 실현되었습니다.
문학
1. Emokhanova L.G. 세계 예술. 지도 시간. 엠., 1998.
2. 우리는 러시아 예술가들에 대해 읽고 이야기합니다. 외국인 학생들을 위한 러시아어 교과서입니다. 에드. T.D. 칠리 키나. 엠., 1989.
3. 파호멘코 I.T. 세계사와 국가 문화. 엠., 2002.
4. 소콜로바 M.V. 세계문화그리고 예술. 엠., 2004.
5. Ostrovsky G. 러시아 회화에 관한 이야기. 엠., 1989.
6. 라파츠카야 L.A. 러시아 예술 문화. 엠., 1998.
러시아 음악의 사실주의 형성. 미하일 이바노비치 글린카 (1804 - 1857)
오페라 "차르를 위한 삶"
“음악은 사람이 만들고, 우리 작곡가들은 편곡만 해요.” 미. 글린카.
M.I. Glinka는 러시아 민족 음악 고전의 창시자로 음악사에 기록되었습니다. 그는 이전 시대의 러시아 작곡가들(Varlamov, Alyabyev, Verstovsky, Gurilev, Dubyansky, Kozlovsky 등)이 성취한 모든 최고를 요약하여 러시아 음악을 새로운 수준으로 끌어올렸고 세계 음악 문화에서 선도적인 중요성을 부여했습니다.
M.I. Glinka의 예술은 A.S. Pushkin 및 그 시대의 다른 인물들의 작품과 마찬가지로 다음과 관련하여 발생한 러시아의 사회적 고조에서 탄생했습니다. 애국 전쟁 1812년과 데카브리스트 운동 - 1825년
M.I. 글린카는 자신의 작품에서 깊고 포괄적인 표현을 할 수 있었기 때문에 러시아 음악의 첫 번째 고전이 되었습니다. 고급 아이디어, 이러한 사회적 고조로 인해 추진되었습니다. 주요한 것은 애국심과 국적에 대한 아이디어입니다. Glinka 작품의 주요 내용은 사람들의 이미지, 그들의 생각과 감정의 구체화입니다.
Glinka 이전에는 러시아 음악에서 사람들은 그들의 방식으로만 묘사되었습니다. 일상 생활: 일상 생활에서 - 그의 휴식, 재미. 러시아 음악에서 처음으로 글린카는 국민을 활동적인 세력으로 묘사하여 애국심의 진정한 전달자는 국민이라는 생각을 구현했습니다.
Glinka는 조국을 위해 많은 노력을 기울이는 사람들로부터 본격적인 영웅의 음악적 이미지를 만든 최초의 인물입니다. Ivan Susanin, Ruslan 등과 같은 이미지에서 Glinka는 조국에 대한 사랑, 용기, 영적 고귀함, 순결 및 희생과 같은 전체 사람들의 최고의 영적 특성을 요약합니다.
가장 본질적인 것을 충실하게 구현한, 전형적인 특징영웅과 국민 전체가 함께 Glinka는 새롭고 최고 수준의 현실감에 도달합니다.
그의 작품에서 Glinka는 민요에 의존합니다. “사람들은 음악을 만듭니다. 우리 예술가들이 편곡만 하는 거죠.” 친밀감, 내적 친밀감 민속 예술 Glinka의 모든 곳에서 느껴집니다. 일상적인 에피소드(Glinka 이전의 다른 작곡가처럼)와 영웅적이고 서정적인 에피소드에서 느껴집니다.
Glinka는 음악의 푸쉬킨입니다. 푸쉬킨 A.S. Glinka와 마찬가지로 그는 러시아 문학에 민속 이미지와 민속 언어를 도입했습니다.
Glinka는 작곡가 기술의 모든 업적을 마스터했습니다. 그는 바흐, 헨델, 모차르트, 베토벤, 쇼팽 등 외국 작곡가들의 경험을 연구하는 동시에 국가적 러시아 작곡가로 남아있었습니다.
오페라 "차르를 위한 삶"은 음악 역사상 영웅적인 민속 뮤지컬의 첫 번째 예입니다. 그 핵심은 - 사실- 코스트로마 근처 Domnino 마을 농민의 애국적 위업 - Ivan Osipovich Susanin은 1613년 초에 헌신했습니다. 모스크바는 이미 폴란드 개입주의자로부터 해방되었지만 침략자들의 분리는 여전히 러시아 땅을 배회하고 있었습니다. 이 파견대 중 하나는 Domnino 마을 근처에 살았던 Tsar Mikhail Fedorovich를 붙잡기를 원했습니다. 그러나 적들이 가이드로 삼고 싶어했던 수잔인은 합의를 가장하여 폴란드 분리대를 울창한 숲으로 이끌고 그들을 죽이고 스스로 죽었습니다.
그의 오페라에서 글린카는 조국과 국민의 이름으로 성취한 위업의 위대함에 대한 아이디어를 구체화했습니다. 오페라의 극작법은 러시아 국민과 폴란드 신사라는 두 세력의 갈등을 기반으로합니다. 오페라의 각 행동은 이 갈등을 드러내는 단계 중 하나이며, 이는 오페라의 줄거리뿐만 아니라 음악에서도 드러납니다. 러시아 농민과 폴란드인의 음악적 특성은 정반대입니다. 러시아인은 노래가 특징이고 폴란드인은 춤이 특징입니다. 사회 심리적 특성도 정반대입니다. 폴란드 침략자들은 부주의하거나 호전적인 "폴로네즈"와 "마주르카" 음악을 동반합니다. 러시아인은 농민이나 군인 유형의 차분하고 용감한 민속 노래로 묘사됩니다. 오페라가 끝날 무렵, "폴란드" 음악은 전투적인 정신을 잃고 우울하게 들립니다. 점점 더 힘이 넘치는 러시아 음악이 강렬하고 환희에 찬 찬가 “GLOR”로 쏟아져 나옵니다.
오페라의 영웅은 Susanin, Antonida (딸), Vanya (입양 아들), 전사 Sobinin과 같은 러시아 농민 출신입니다. 그들은 개인이며 동시에 사람들의 성격 측면 중 하나를 의인화합니다. Susanin-현명한 위대함; 소비닌 - 용기; Antonida - 따뜻함. 캐릭터의 무결성은 오페라의 영웅을 인간 성격의 이상의 구체화로 만듭니다.
오페라 2막 - "폴란드 막" - "폴로네즈" 및 "마주르카" - 밝기로 구별되는 전형적인 폴란드 춤 국민적 성격. "폴로네즈"는 자랑스럽고 의례적이며 전투적인 것처럼 들립니다. (듣기).
"Mazurka"는 웅장한 멜로디를 지닌 브라부라입니다. 음악은 탐욕, 오만, 허영심을 외면의 찬란함으로 덮는 폴란드 상류층의 초상화를 그린다. (듣기).
폴로네즈와 마주르카는 모두 농민 춤이 아니라 기사 춤으로 선보입니다.
글린카(Glinka)는 춤에 극적인 의미를 부여한 최초의 사람이었습니다. 이 오페라의 "폴란드 행위"로 글린카는 러시아 발레 음악의 토대를 마련했습니다.
“수사닌의 아리아” – (4막), 오페라 전체의 극적인 클라이막스. 여기서 영웅 외모의 주요 특징은 그의 인생의 결정적인 시간에 드러납니다. 오프닝 암송 – “그들은 진실을 감지합니다...” 여유롭고 자신감 넘치는 곡 구조를 기반으로 합니다. 아리아 자체 "당신은 일어날 것입니다, 나의 새벽..." 깊은 생각과 설렘, 가슴에서 우러나오는 슬픔과 용기를 표현합니다. Susanin은 조국을 위해 자신을 희생합니다. 그리고 그녀에 대한 사랑은 그에게 힘을 주고 모든 고통을 존엄하게 견디도록 도와줍니다. 아리아의 선율은 단순하고 엄격하며 널리 불려진다. 러시아 서정가요의 특징인 억양의 따뜻함이 가득하다. 아리아는 세 부분으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 부분은 집중적이고 절제된 성격을 띠고 있습니다. 두 번째는 더 흥분되고 표현력이 풍부합니다. 세 번째는 첫 번째 부분의 반복입니다. (듣기).
이 아리아에서 글린카는 처음으로 민요의 억양을 바탕으로 진정한 비극이 담긴 음악을 창조했습니다. "그는 민요를 비극으로 승격시켰습니다." 이것이 민요에 대한 작곡가의 혁신적인 접근 방식입니다.
찬란한 “HAIL”이 오페라를 장식합니다. 이 합창단은 애국심과 조국의 위대함을 구현하고 있으며 여기에서 가장 완전하고 완전하며 생생한 비유적 표현을 얻습니다. 음악은 ANTHEM의 특징인 엄숙함과 장대한 힘으로 가득 차 있습니다. 멜로디는 영웅적이고 용감한 민요의 멜로디와 비슷합니다.
피날레의 음악은 수잔인의 위업이 사람들을 위해 이루어졌으므로 불멸의 위업이라는 생각을 표현합니다. 피날레의 음악은 3개의 합창단, 2개의 오케스트라(하나는 무대 위의 금관 오케스트라), 벨로 연주됩니다. (듣기).
이 오페라에서 Glinka는 낭만적 인 세계관의 특징을 유지하고 강력한 열정, 반항적 정신, 자유로운 상상의 비행, 음악적 색상의 힘과 밝기, 러시아 예술의 높은 이상 등 러시아 현실적인 음악의 최고의 특징을 구현했습니다.
문학
1. 러시아 음악문학. 에드. 엘자. 볶은 것. 엘., 1970
2. 칸 - Novikova E. M.I.에 관한 작은 이야기. 글린카. 엠., 1987.
3. 리바노바 T.M. 미. 글린카. 엠., 1962.
4. 레미조프 I.V. 글린카 M.I. 엠., 1960.
계몽주의 사상 외국문학조나단 스위프트(1667~1745) <걸리버 여행기>
우리 시대는 풍자에만 가치가 있습니다. J. 스위프트
계몽주의 시대에 탄생한 위대한 예술 작품은 4세기 동안 이어져 왔습니다. 그 먼 시대 사람들의 생각과 열정, 행동은 다른 시대 사람들과 가까워지고 그들의 상상력을 사로잡으며 삶에 대한 믿음을 심어준다. 그러한 창작물 중에는 어떤 상황에서도 결코 낙심하지 않고 결코 포기하지 않는 영웅이 등장하는 모차르트의 오페라 "피가로의 결혼"이 있습니다. 이러한 창작물 중에는 Daniel Defoe의 소설 "Robinson Crusoe"와 William Hogarth와 Jean Baptiste Simeon Chardin 및 기타 시대의 거장들의 그림이 있습니다.
여행자가 아일랜드의 수도인 더블린에 오면 그는 항상 성 베드로 대성당의 주임이 있는 작은 집으로 데려갑니다. 페트라 조나단 스위프트. 이 집은 아일랜드 사람들을 위한 성지입니다. Swift는 영국인이지만 미래 작가의 아버지가 일자리를 찾아 이사한 더블린에서 태어났습니다.
Swift의 독립 생활은 영국의 Moore Park 부지에서 시작되었으며, 그곳에서 Dublin University를 졸업한 후 영향력 있는 귀족 William Temple 경의 비서직을 맡았습니다. 템플 전 목사는 은퇴한 뒤 자신의 사유지에 정착해 문학 활동을 시작했다. 글쓰기에 남다른 재능을 갖고 있던 스위프트는 젊은 비서의 일을 뻔뻔하게 이용했던 템플에게는 그저 신의 선물일 뿐이었다.
이 봉사는 젊은 비서에게 큰 부담이 되었지만 그는 템플의 넓은 도서관과 Swift가 평생 동안 부드러운 애정을 지녔던 그의 어린 제자 Esther Johnson에 의해 Moore Park에 보관되었습니다.
Stele(Swift가 그녀를 불렀음)은 그의 친구이자 선생님을 따라 아일랜드의 Laracor 마을로 갔고, 그곳에서 그는 Temple이 죽은 후 그곳에서 신부가 되었습니다. 수년 후 Swift는 Stela의 생일에 다음과 같은 편지를 썼습니다.
마음친구! 당신에게 어울릴 거예요
오늘은 서른다섯 번째 해입니다.
당신의 세월은 두 배로 늘어났습니다
그러나 나이는 문제가 되지 않습니다.
잊지 않을게요, 스텔라, 아니,
당신은 열여섯 살에 어떻게 꽃을 피웠나요?
그러나 아름다움이 우선합니다.
오늘은 그것이 당신의 마음을 사로잡습니다.
신들은 언제 나누겠는가?
이 선물은 반으로 나누어 져 있습니다.
인간의 감정을 느낄 수 있는 나이는 얼마나 됩니까?
그는 이와 같은 두 명의 어린 님프를 보여주었습니다.
그래서 당신의 세월을 나누어서,
그럼 그 아름다움이 둘로 나뉘는 건가요?
그렇다면 운명의 괴물에게
나는 내 간청에 귀를 기울여야 할 것이다
나의 영원한 열정을 어떻게 공유했는지,
두 사람이 공통적으로 사용할 수 있도록.
Swift는 Stele에서 살아남아야했으며 "내가 ... 축복을 받았던 가장 충실하고 합당하며 귀중한 친구"의 죽음을 깊이 애도했습니다.
Swift는 목사의 겸손한 활동에만 자신을 국한시킬 수 없었습니다. 템플이 살아 있는 동안 그는 첫 시와 팜플렛을 출판했지만, 진정한 시작은 문학 활동 Swift는 인류의 일반적인 개선을 위해 작성된 그의 저서 "The Tale of a Barrel"(의미가 있는 영어 민속 표현: 말도 안되는 소리, 말도 안되는 갈기)로 간주될 수 있습니다.
"The Tale of the Barrel"을 읽은 Voltaire는 다음과 같이 말했습니다. “Swift는 그의 세 아들을 백 개의 막대로 대했지만 그의 아버지에 대한 존경심으로 가득 차 있다고 확신했지만 믿을 수없는 사람들은 막대가 너무 길어서 아버지에게도 손을 댔어요.”
"The Tale of a Barrel"은 Swift를 런던의 문학계와 정치계에 큰 명성을 안겨주었습니다. 그의 날카로운 펜은 휘그당과 보수당 모두에서 높이 평가됩니다.
스위프트는 처음에는 휘그당을 지지했지만, 휘그당의 외교 정책에 대한 의견 차이로 인해 곧 휘그당을 떠났습니다. 휘그당의 지도자인 말보로 공작은 '스페인의 유산'을 놓고 프랑스와 피비린내 나는 전쟁을 계속하려 했다. 이 전쟁으로 나라는 망했지만 말버러는 군수품을 공급받아 부자가 되었습니다. Swift는 Tories를 지원하기 시작했고 그의 펜으로 전쟁에 맞서 싸웠습니다.
1713년 위트레흐트 조약은 작가의 직접적인 영향 없이 체결되었습니다. 이 합의는 "Swift's Peace"라고도 불립니다.
스위프트는 이제 정치계에서 영향력 있는 인물이 되었기 때문에 그를 마을 신부로 남겨두는 것이 불편했다.
친구들은 그가 최소한 감독직까지 올라갈 것이라고 확신했습니다. 그러나 고위 성직자들은 그의 유명한 "통 이야기"를 쓴 뛰어난 풍자가를 용서할 수 없었습니다. 수년간의 망설임 끝에 여왕은 Swift에게 명예 망명에 해당하는 더블린 대성당의 학장 (총장) 직위를 부여했습니다.
8년 동안 Swift는 거의 지속적으로 아일랜드, 더블린에 있었습니다. 그리고 58세인 1726년에 그는 다시 정치적 투쟁의 중심에 서게 되었습니다. 이번에 그는 아일랜드 사람들을 보호하는 데 자신의 재능을 바쳤습니다.
스위프트가 정치계에 등장한 이유는 아일랜드 돈을 둘러싸고 터진 스캔들이었다. 아일랜드를 위해 구리 화폐를 주조한 영국 기업가 우드는 영국 정부로부터 받은 구리의 일부를 챙겼습니다. 아일랜드인들은 실링으로 급여를 받았는데, 이는 같은 명칭의 영국 동전보다 구리가 10배나 적게 포함되어 있었습니다. Swift는 "Letters from a Draper"라는 제목의 일련의 팜플렛을 출판했는데, 그 책에서 그는 표면적으로는 더블린의 포목꾼을 대신하여 아일랜드인의 끔찍한 빈곤을 묘사하고 그것을 Wood의 손을 통해 영국 정부에 비난했습니다. 아일랜드 경제를 약화시킵니다.
스위프트의 팜플렛은 더블린에서 봉기를 일으켰고, 영국 총리 월폴 경은 스위프트의 체포를 명령했습니다. 그러나 내성적이고 엄격한 더블린 대성당의 학장은 아일랜드 사람들이 가장 좋아하는 사람이 되었습니다. 밤낮으로 Swift의 집 근처에서 근무하는 그를 보호하기 위해 특별 부대가 만들어졌습니다.
이에 월폴 총리는 아일랜드로부터 “스위프트를 체포하려면 1만 명의 군인이 필요하다”는 응답을 받았고, 이 문제는 잠잠해질 수밖에 없었다. 총독
아일랜드의 Carteret 경은 다음과 같이 선언했습니다. "나는 Swift 박사의 허가를 받아 아일랜드를 통치합니다."
스위프트는 1745년에 사망하여 더블린 대성당에 묻혔습니다. 그의 묘비에는 그가 직접 쓴 비문이 새겨져 있었습니다. “여기 이 대성당 교회의 교장인 조나단 스위프트의 시신이 누워 있으며, 극심한 분노가 더 이상 그의 마음을 찢지 않습니다. 가서 여행하며 가능하다면 남자다운 자유를 완고하게 옹호하는 사람을 본받으십시오.” Swift는 그의 특별한 비밀로 구별되었습니다. 그는 자신의 인생의 주요 작품, 즉 그가 6년 이상 작업한 소설인 "세계의 일부 외딴 나라로의 여행"(처음에는 외과의사, 그 다음에는 군의 선장인 르무엘 걸리버의 작품)을 창작하는 과정을 특별한 미스터리로 둘러쌌습니다. 여러 척의 선박.” 1726년 '알 수 없는 사람'으로부터 소설 원고를 받은 출판사도 작가가 누구인지 몰랐다. Swift는 원고를 문앞에 놓고 전화했습니다. 출판사가 문을 열었을 때 원고와 택시가 떠나는 것을 보았습니다. Swift는 즉시 런던을 떠나 더블린으로 돌아갔습니다.
우리 모두는 어렸을 때 이 흥미로운 책을 읽었습니다. 비록 어른들을 위해 썼지만요. 그러므로 다시 한번 읽어보며 작가의 의도를 꿰뚫어보도록 노력해보자.
소설의 구성은 4부분으로 구성되어 있다. 각 부분은 환상적인 나라에 대한 이야기입니다. 이야기는 우연히 이 나라들에 가게 된 항해사 걸리버(Gulliver)라는 주인공의 관점에서 진행됩니다. 즉, 로빈슨크루소처럼 여행소설이다. 소설이 어디서 시작되는지 기억해 봅시다.
걸리버는 보통 사람보다 12배나 작은 작은 사람들이 살고 있는 나라인 릴리푸트에서 자신을 발견합니다.
우리는 릴리푸트에는 군주제가 있고 국가의 수장은 황제라는 것을 알게 됩니다. 작은 남자, 모든 Lilliputians와 마찬가지로 그는 자신을 "우주의 기쁨과 공포"라고 부릅니다. 제국에서는 “...약 70개월 전에 Tremexens와 Slemexes로 알려진 두 개의 전쟁 정당이 형성되었습니다. 전자는 하이힐 지지자이고, 후자는 낮은 굽을 지지하는 사람들이다. 폐하께서는 낮은 굽 지지자이시며 모든 정부와 법원 직원들이 낮은 굽을 신도록 명하셨다.” 우리는 그들의 차이점이 얼마나 "중요한"지 봅니다.
중요한 정부 직위에 지원하는 고위 인사들은 줄타기 능력을 놓고 경쟁합니다. Swift는 그러한 연습을 통해 음모를 능숙하게 짜고 군주의 호의를 얻는 능력을 의미합니다.
릴리푸트(Lilliput)는 이웃 블레푸스쿠(Blefuscu) 주와 알을 깨기 위한 전쟁을 벌이고 있습니다. 몇 년 전, 왕위 계승자가 아침식사를 하다가 계란의 뭉툭한 끝부분을 깨다가 손가락을 베었습니다. “그러자 그의 아버지인 황제는 모든 신민들에게 가혹한 처벌을 가하여 달걀 끝부분을 깨뜨리라는 명령을 내렸습니다. 이 법령은 인구를 몹시 괴롭혔습니다... 그것은 여섯 번의 봉기의 원인이었습니다... Blefuscu의 군주는 이러한 봉기를 꾸준히 선동하고 참가자들을 소유물로 보호했습니다. 계란의 날카로운 끝 부분을 깨는 것을 거부하여 사형을 선고받은 광신도는 최대 11,000명에 이릅니다."
우리는 이 피비린내 나는 전쟁의 이유가 얼마나 터무니없는지 봅니다. 그리고 Gulliver는 이것을 이해하지만 Lilliputian 삶의 사건에 영향을 미칠 수 있습니까? 걸리버는 처음으로 릴리퍼트의 포로가 되었습니다. 그는 아무런 저항도 하지 않고 단지 이 작은 생물들에게 해를 끼치지 않는 것에만 관심을 가집니다. 그런 다음 그는 9가지 의무 사항에 서명하여 매우 제한적인 자유를 얻었고 즉시 적 함대를 포획하여 Lilliput의 통치자에게 귀중한 서비스를 제공했습니다. 덕분에 릴리푸트에게 유리한 조건으로 평화 조약이 체결됐다.
황제는 걸리버에게 이 봉사와 그가 제공한 다른 봉사에 대해 어떻게 갚았습니까?
부러워하는 사람들의 비방으로 걸리버는 반역죄로 기소되어 사형을 선고 받았지만 황제는 "그 특유의 친절 때문에 목숨을 아끼고 두 눈을 뽑으라는 명령에 만족하기로 결정했습니다." 그리고는 굶어 죽습니다.
이것이 황제와 그의 부하들이 걸리버의 칭찬과 친절, 도움에 대해 보답한 방법입니다.
걸리버는 더 이상 황제의 자비를 신뢰하지 않고 Blefuscu로 도망 쳤고 그곳에서 배를 만든 후 고국으로 출발했습니다.
이로써 걸리버의 첫 번째 여행이 끝났습니다.
릴리푸트 국가의 환상적인 점은 무엇입니까? 이 나라의 주민들과 그들을 둘러싼 모든 것의 작은 크기? 정상적인 인간 키에 비해 걸리버는 Lilliputians보다 정확히 12 배 더 크므로 Lilliputians에게 환상적인 생물로 보이는 사람은 바로 그 사람입니다. 다른 모든 측면에서 Lilliput은 매우 실제적인 국가입니다.
분명히 Lilliput은 전쟁을 벌이는 두 정당, 정치인의 비하인드 스토리, 젠장할 가치가 없지만 수천 명의 생명을 앗아가는 종교적 분열을 포함하는 Swift의 현대 영국과 유사합니다.
우리는 또한 영국과 프랑스와 같은 이웃의 고대 적대감을 인식하고 있으며 Swift만이 지리적 위치를 변경했습니다. Lilliput은 그의 본토이고 Blefuscu는 섬입니다.
이 환상적인 축소의 요점은 무엇입니까? Swift가 영국을 설명하려면 왜 Lilliput이 필요했나요?
Swift는 영국이 뒤에 보이는 이 나라가 매우 재미있어 보이는 방식으로 소인국 생활의 모든 질서와 사건을 묘사합니다. 그의 조국을 릴리푸트(Lilliput)로 바꾸고 우리에게 그 현실을 믿도록 강요한 Swift는 영국의 도덕, 정치, 종교를 신랄하고 풍자적인 조롱의 대상으로 삼습니다.
즉, 릴리푸트는 예술가가 바라보고, 예술이라는 수단을 통해 드러나는 현대 부르주아 영국, 스위프트가 부정하는 사회 시스템을 지닌 곳이다.
현대 영국 사회가 이상적이지 않다는 것을 보여주는 Swift는 그의 영웅을 다른 "세계의 먼 나라"로 보냅니다. 무엇을 위해? 이 이상을 찾아서.
스위프트는 사람들이 자유롭고 평등하며 서로에 대한 형제애를 가질 수 있는 이상적인 사회 질서를 찾았습니까?
이 질문에 답하기 위해 우리는 소설의 두 번째 부분의 일부를 읽습니다. “나를 보고, 아기가... 키워지고... 울고... 그는 나를 장난감으로 착각했습니다. 여주인은 어머니의 부드러움에 이끌려 나를 데리고 아이 앞에 놓았습니다. 그는 즉시 내 허리를 잡고 내 머리를 입에 밀어 넣었습니다. 너무 필사적으로 비명을 지르자 아이는 겁에 질려 나를 떨어뜨렸습니다. 다행히 안주인이 나에게 앞치마를 건넸다. 그렇지 않으면 나는 틀림없이 떨어져 죽고 말았을 것입니다."
이 단편은 소설 "Journey to Brobdingnag"의 두 번째 부분에서 나온 것입니다. 여기서 Gulliver 자신은 이 나라의 주민들과 관련하여 Lilliputian의 역할을 하게 되었으며 이는 재미있는 상황의 원인이 되었습니다.
예를 들어, 걸리버가 단도를 휘두르며 용감하게 자신을 방어했던 두 마리의 쥐에 관한 이야기입니다.
걸리버의 배를 돛으로 침몰시킬뻔한 개구리의 에피소드를 기억해보자. 그리고 불쌍한 걸리버를 아기인 줄 알고 고문하여 죽을 뻔한 원숭이와의 이야기는 정말 극적입니다.
이 모든 에피소드는 거인과 독자 모두에게 매우 재미 있습니다. 그러나 걸리버 자신은 생명의 위험에 처해 있었습니다.
걸리버는 이 우스꽝스럽고 굴욕적이며 위험한 상황에서 어떻게 자신의 모습을 드러냅니까?
그는 여행자의 정신, 고귀함, 자존감, 호기심을 잃지 않습니다. 예를 들어, 걸리버는 1분 전에 자신을 찢어버릴 수도 있는 쥐를 죽인 후 바쁘게 쥐의 꼬리를 측정하고 꼬리의 길이가 2야드에서 1인치를 뺀 길이임을 독자에게 알려줍니다.
작은 장난감의 굴욕적인 위치는 걸리버를 비겁하거나 사악하게 만들지 않았습니다. 그는 변함없이 관대함과 중보로 왕실 난쟁이의 장난에 반응합니다. 드워프는 한때 그를 뼈에 찔렀고 또 다른 때는 그를 크림 한 그릇에 익사시킬 뻔했습니다.
걸리버는 거인의 나라에서 무엇을 합니까? 그는 친절하고 지적인 Brobdingnag의 왕과 대화하기 위해 Brobdingnagian 언어를 연구합니다.
왕과 걸리버는 무슨 이야기를 하고 있나요?
왕은 걸리버에게 영국 정부에 대해 묻고, 걸리버는 이에 대해 아주 자세하게 이야기합니다. 왕에게 보고한 그의 보고에는 다섯 명의 청중이 모였습니다.
왕은 왜 그렇게 관심을 가지고 걸리버의 이야기를 듣는 걸까요? 왕 자신이 이 질문에 답했습니다. 그는 이렇게 말했습니다. “...주권자들은 항상 자국의 관습을 확고하게 고수하지만, 다른 주에서도 본받을 만한 것을 발견하게 된다면 기쁘겠습니다.”
그러면 걸리버는 왕에게 어떤 “모방할 만한 것”을 제안했습니까? 그는 화약을 채운 총의 파괴적인 효과를 자세히 설명했습니다. 동시에 걸리버는 화약을 만들겠다고 친절하게 제안했습니다. 왕은 이 제안에 겁을 먹었습니다. 그는 이러한 파괴적인 기계의 활동으로 인해 발생한 끔찍한 유혈 사태에 깊은 분노를 느꼈습니다. “인류의 적인 어떤 사악한 천재만이 그것을 발명할 수 있었을 겁니다.” 왕이 말했습니다. 왕은 과학적 발견만큼 그에게 기쁨을 주는 것은 없지만 그러한 발명의 비밀을 알게 되느니 차라리 왕국의 절반을 잃는 것이 낫다고 말했습니다. 전쟁은 모방할 만한 어떤 것도 찾지 못했습니다. Brobdingnag의 왕은 이렇게 말합니다. “... 좋은 정부에는 상식, 정의, 친절만이 필요합니다. 그는 풀 이삭 하나나 풀 한 줄기 대신 같은 밭에서 풀 이삭 두 개를 키우는 사람은 모든 정치인을 합친 것보다 인류와 조국에 더 큰 봉사를 하게 될 것이라고 믿습니다.”
이것은 깨달은 군주이고 그의 국가는 깨달은 군주제입니다. 이러한 상태가 계몽자들이 꿈꾸던 이상적인 상태라고 할 수 있습니까? 당연히 아니지! 이 나라의 주민들은 탐욕과 이익에 대한 갈증에 사로잡혀 있습니다. 농부는 그에게서 돈을 벌어 걸리버를 지치게 만들었습니다. 걸리버가 병들어 죽을지도 모른다는 것을 안 농부는 그를 천 즐로티에 여왕에게 팔았습니다.
수도의 거리에서 걸리버는 거지들을 보았습니다. 그는 이에 대해 이렇게 말합니다. “끔찍한 광경이었습니다. 거지들 중에는 가슴에 상처가 있어서 마치 동굴처럼 거기에 숨어 있을 수도 있을 정도의 상처를 입은 여자가 있었습니다. 또 다른 거지의 목에는 양털 다섯 뭉치만한 작물이 걸려 있었습니다. 세 번째 사람은 각각 20피트 높이의 나무 다리 위에 서 있었습니다. 하지만 무엇보다도 가장 역겨운 것은 이가 옷에 기어다니는 것이었습니다.”
보시다시피, 거인국의 사회는 이 나라의 수장에 자신의 백성을 걱정하는 왕과학자, 왕철학자가 있다는 사실에도 불구하고 사회적 병폐에서 자유롭지 않습니다. 사회의 삶은 돈, 이익에 대한 열정입니다. 그러므로 사회의 한 부분은 방해받지 않고 부유해지고, 다른 부분은 가난해진다.
Swift는 사람들에 대한 돈의 힘이 이 상태에 남아 있고 따라서 빈곤과 불평등이 지속된다면 계몽된 군주제는 그 국민들에게 자유, 평등, 박애의 승리를 제공할 수 없다는 것을 보여주었습니다.
하지만 저자는 희망을 잃지 않는다. 어쩌면 더 공정하게 구조화된 다른 나라들이 있을 수도 있습니다. 검색은 끝나지 않았습니다. 그리고 걸리버, 기적적으로해방되어 고국으로 돌아온 그는 여행에 대한 열정을 잃지 않았습니다.
"우리는 1706년 8월 5일에 닻을 올렸습니다..." 이렇게 걸리버의 세 번째 여행이 시작되었습니다 - "라퓨타로의 여행"
걸리버는 결국 날아다니는 섬에 도착하게 됩니다. 그는 거기서 누구를 보았나요?
“나는 몸매, 옷, 얼굴 표정으로 그토록 놀라움을 자아내는 인간을 본 적이 없습니다. 그들의 머리는 모두 오른쪽과 왼쪽으로 기울어져 있었습니다. 한쪽 눈은 안쪽으로 가늘게 뜨고 다른 쪽 눈은 똑바로 위를 바라보고 있었습니다. 그들의 겉옷바이올린, 플루트, 하프, 트럼펫, 기타, 클라비코드의 이미지가 산재해 있는 태양, 달, 별의 이미지로 장식되었습니다."
섬의 이상한 주민들은 무엇을 하고 있나요?
라푸탄인들은 가장 추상적인 과학과 예술, 즉 수학, 천문학, 음악에 전념하고 있습니다. 그들은 생각에 너무 몰입해서 주변에 아무것도 눈치 채지 못합니다. 따라서 그들은 필요에 따라 주인의 입술, 눈, 귀를 공기로 부풀린 거대한 거품으로 두드려 듣고, 보고, 말할 수 있도록 격려하는 하인과 항상 동행합니다.
수도에는 다소 이상한 과학 연구를 수행하는 프로젝트 아카데미가 있습니다. 과학자 중 한 명이 오이에서 태양 광선을 추출합니다. 또 다른 사람은 지붕에서 건물을 짓는 새로운 방법을 생각해 냈습니다. 세 번째는 벌거벗은 양의 품종을 사육합니다. 그러한 “위대한” 발견, 이 모든 과학적 활동은 사람들의 삶을 개선하는 것을 목표로 하지 않습니다. 나라의 경제가 망가졌습니다. 사람들은 굶주리고 누더기를 걸치고 집이 파괴되고 있지만 과학 엘리트들은 이에 대해 신경 쓰지 않습니다.
라퓨타 왕과 지상에 사는 그의 신민들 사이에는 어떤 관계가 있나요?
이 군주의 손에는 끔찍한 징벌 기계, 즉 비행 섬이 있으며, 그 도움으로 그는 전체 국가를 복종시킵니다.
어떤 도시가 세금 납부를 거부하면 왕은 그 섬을 멈추고 사람들에게 태양과 비를 빼앗고 돌을 던집니다. 그들이 불순종을 계속한다면 왕의 명령에 따라 섬은 불순종하는 사람들의 머리 위로 직접 내려져 집과 함께 그들을 평평하게 만들 것입니다.
이것은 과학적 성취가 비인간적인 통치자의 손에 있을 때 얼마나 파괴적일 수 있는지를 보여줍니다. 이 나라의 과학은 비인간적이며 사람을 대상으로 합니다.
여행하는 걸리버의 눈앞에는 군주제라는 한 유형의 정부가 있던 세 나라가 지나갔습니다.
독자들은 걸리버와 함께 모든 군주제가 악하다는 결론에 도달했습니다. 왜?
우리는 이것을 확인할 수 있습니다. 깨달은 대왕이라 할지라도 사람들이 살기에 이상적인 경제적, 사회적 조건을 조성할 수는 없습니다. 국민의 이익에 무관심한 사악한 독재자가 무한한 권력을 갖는 최악의 형태의 군주제는 인류에게 가장 큰 악입니다.
네 번째 부분에서 Gulliver는 Houyhnms의 나라에서 자신을 찾습니다. 이 나라의 주민들은 말이지만 걸리버에 따르면 지능과 도덕적 자질이 인간보다 우월합니다. Houyhnms는 거짓말,기만, 부러움, 탐욕과 같은 악을 모릅니다. 그들의 언어에는 이러한 개념을 나타내는 단어조차 없습니다. 그들은 서로 다투지도 않고 싸우지도 않습니다. 그들은 무기가 없습니다. 그들은 친절하고 고귀하며 무엇보다도 우정을 소중히 여깁니다. 그들의 사회는 합리적인 원칙을 바탕으로 구축되었으며, 그 활동은 모든 구성원의 이익을 목표로 합니다. 이 나라의 정치체제는 공화국이다. 그들의 권력 형태는 평의회입니다.
“4년마다 춘분이면…전국민 대표회의가 열린다. ...이 협의회에서는 건초, 귀리, 소 및 야후가 충분히 공급되는지 여부 등 다양한 지역의 상황이 논의됩니다. 한 구역에 부족한 것이 있으면 의회는 다른 구역에서 필요한 모든 것을 제공합니다. 이에 대한 결의안은 항상 만장일치로 채택됩니다.”
걸리버에게는 이 나라가 이상적으로 보였습니다. 하지만 우리 입장에서는 이상적인가?
Houyhnms에는 문자가 없으므로 문학도 없습니다. 그들은 과학이나 기술을 개발하지 않습니다. 그들은 사회적 진보를 위해 노력하지 않습니다. 그들의 자랑스러운 지능은 아직도 새로운 것을 배우려고 끊임없이 노력하는 호기심 많은 인간의 마음과 비교할 수 없습니다.
"그들의 삶의 기본 규칙은 그들의 행동을 이성의 인도에 완전히 종속시키는 것입니다." 그러나 이것은 사실상 모든 감정을 배제합니다. 그들은 심지어 사랑하는 사람의 죽음을 “합리적으로” 즉 무관심하게 대합니다. 여기서 남편의 갑작스런 죽음으로 방문에 늦었던 암말 한 마리와의 에피소드를 회상하는 것이 적절합니다. 그녀는 지각에 대해 사과했고, 저녁 내내 다른 손님들처럼 차분하고 쾌활했습니다.
그럼에도 불구하고 선량한 Houyhnms는 걸리버를 조국에서 추방하고 그러한 의심스러운 생물을 사회에 유지하는 것이 불합리하다고 결정했습니다. 그가 그들에게 해를 끼친다면 어떨까요!
걸리버는 고국으로 돌아와 현재 대부분의 시간을 마구간에서 보내고 있습니다. 여행은 끝났습니다. 결과를 요약하자면, 그의 영웅을 여러 나라로 데려간 후 Swift는 이상적인 사회 질서를 찾을 수 있을까요?
아니요. Swift는 현대 영국 부르주아 사회(Liliput)나 깨달은 거인의 군주제, 날아다니는 과학자들의 섬에서 긍정적인 이상을 찾지 않습니다. 그리고 후이넘 선량공화국은 유토피아처럼 보이지만, 결국 사람이 아닌 말의 사회인 것은 우연이 아닙니다. 스위프트 소설의 가장 큰 장점은 무엇인가요?
그의 소설의 강점은 사회적 존재의 부당한 형태를 풍자적으로 조소하는 데 있는데, 소설 4부에는 서사에서 큰 역할을 하는 특이한 생물들이 등장한다. 야후는 누구인가? 소설 속 그들의 등장 의미는 무엇입니까?
Yahoos는 Houyhnms 국가에 풍부하게 서식하는 더럽고 추악한 야생 동물입니다. 그에게 모습그들은 매우 인간과 같습니다. 면밀히 조사한 결과, 걸리버도 이러한 유사성을 발견하고 겁을 먹었습니다. 하지만 야후가 사람과 닮은 것은 겉모습뿐일까요?
회색 말은 걸리버와 비슷한 대화를 나눈 후 유럽 민족의 관습과 도덕이 야후의 관습과 많은 유사점을 가지고 있다는 결론에 도달했습니다. “...이 가축들 사이의 다툼의 원인은 동료 부족들 사이의 다툼의 원인과 같습니다. 실제로 야후에게 50명이 먹을 음식을 5개 주면 침착하게 먹기는커녕 싸움을 시작한다. 모두가 모든 것을 스스로 차지하려고 합니다.” 종종 싸움에서 그들은 발톱과 이빨로 서로에게 심각한 상처를 입힙니다. 야후는 음식뿐만 아니라 서로 숨기는 다색의 반짝이는 돌인 보석을 놓고도 싸웁니다. 사람들과 다른 유사점이 있습니다. 예를 들어, 그들은 뿌리를 빠는 것을 좋아하는데, 이는 유럽인들에게 술과 마약이 미치는 것과 같은 효과를 줍니다. 대부분의 무리에는 본질적으로 특히 사악한 통치자가 있으므로 전체 무리를 복종시킵니다. 그들은 다른 사람들이 싫어하는 불쾌한 좋아하는 것들로 자신을 둘러싸고 있습니다. 회색 말은 안으로 보았다
이것은 유럽 군주와 그 장관들과 매우 유사합니다... 이 사악한 동물은 Houyhnms 국가에서 어디에서 왔습니까? 전설에 따르면 한 쌍의 사악한 야후가 바다 건너편에서 이 나라에 도착했다고 합니다. 그들은 번성하고 거칠어졌고 그들의 후손은 완전히 정신을 잃었습니다. 즉, 야후는 문화와 문명을 잃었지만 인간 사회의 모든 악덕을 간직한 타락한 사람들입니다.
여기에서 Swift는 Defoe와 그의 이상적이고 합리적인 부르주아 이미지에 대해 논쟁을 벌입니다. 왜냐하면 Yahoo의 이야기는 반로빈소나드이기 때문입니다. 네 번째 부분에서는 Swift의 풍자가 절정에 이르렀습니다. 재미있어지면 무서워집니다. 스위프트는 야후의 법칙에 따라 살아가는 인간 사회의 타락을 그렸다.
네 번째 부분은 이 철학적 여정의 결과인 최종 결론이다. 인류가 이익, 권력, 육체적 쾌락에 대한 갈증에 의해 움직이는 한 사회는 이성의 법칙에 따라 건설되지 않을 것입니다. 더욱이 타락과 멸망의 길을 따르게 될 것입니다. Swift는 특정에서 일반으로, 특정 국가에서 보편적 일반화로 이동하면서 계몽-부르주아 이데올로기를 일관되고 논리적으로 폭로합니다.
뛰어난 풍자가는 그의 시대보다 훨씬 앞서있었습니다. 우리에게 소설 사운드의 현대성은 무엇인가? Swift의 경고가 관련성을 잃었습니까?
탐욕, 기만, 돈과 물건의 힘, 술취함, 마약중독, 공갈, 노예, 과거에도 이루지 못했고 현재에도 이룰 수 없는 터무니없는 야망과 야망, 동족과의 도발과 끝없는 불화라면, 끔찍하고 피비린내 나는 전쟁으로 변해 인류를 지배하게 될 것이고 사람들은 야후로 변할 위험이 있습니다. 그리고 아무리 많은 문명과 높은 수준의 과학 기술 진보도 그들을 이로부터 구할 수 없습니다. 문화가 문명 뒤에 절망적으로 뒤쳐져 있다면 무섭습니다! 사람들은 옷을 갈아입지만 문명화된 외모를 갖춘 악덕은 그대로 남아 있습니다.
기본 개념 사전.... 419
예술 작품 분석
샘플 질문 및 차트
건축 작품
건축 작품을 분석할 때 예술 형식으로서의 건축의 특징을 고려할 필요가 있습니다. 건축은 다음과 같은 형태로 표현되는 예술의 한 형태이다. 예술적 성격구조. 따라서 구조물의 외관, 규모, 형태 등을 분석해야 한다.
1. 건물의 어떤 물체에 주의를 기울여야 합니까?
2. 이 작품에는 작가의 생각이 어떤 기법과 수단으로 표현되어 있나요?
3. 작품은 어떤 인상을 주나요?
4. 수용자(지각자)는 어떤 감각을 경험할 수 있나요?
5. 건축 기념물의 규모, 형식, 부분의 수평, 수직 또는 대각선 배열, 특정 건축 형태의 사용 및 빛의 분포는 작품의 정서적 인상에 어떻게 도움이 됩니까?
6. 방문객은 파사드 앞에 서서 무엇을 보는가?
7. 이것이 당신에게 가장 중요하다고 생각되는 이유를 설명해 보십시오.
8. 건축가는 어떤 방법으로 중요한 것을 강조합니까? 건축 이미지를 만들기 위한 기본적인 예술적 수단과 기술(대칭, 리듬, 비율, 명암, 색상 모델링, 규모)을 설명합니다.
9. 건축구조(건축구성)에서는 볼륨과 공간이 어떻게 구성되어 있나요?
10. 이 물체가 특정 유형의 건축물에 속하는지 설명하십시오: 체적 구조(공공: 주거용, 산업); 조경(원예 또는 소규모 형태), 도시 계획.
11. 이 건축 구조에서 어떤 이벤트가 더 자주 발생할 수 있는지 상상해보십시오.
12. 작품의 구성과 주요 요소는 돔, 아치, 금고, 벽, 탑, 고요함 등 본질적으로 상징적입니까?
13. 작품 제목이 무엇인가요? 그것을 무엇이라고 부르겠습니까?
14. 이 작품이 문화적, 역사적 시대, 예술적 스타일 또는 운동에 속하는지 확인하십시오.
16. 이 작품의 형식과 내용은 어떤 관련이 있습니까?
17. 이 건축물의 외부모습과 내부모습은 어떤 연관이 있나요? 조화롭게 어울리나요? 환경?
18. 이 작품에서 비트루비우스의 공식은 이익, 힘, 아름다움 등 어떤 구체화를 찾았다고 생각하시나요?
19. 이 건축물의 외관을 디자인하는 데 다른 유형의 예술이 사용됩니까? 어느? 작가의 선택이 정당하다고 생각하시나요?
회화 작품
줄거리와 일상생활에 대한 인식을 추상화하기 위해, 그림은 세상을 들여다보는 창이 아니라, 회화적 수단을 통해 공간의 환영을 만들어낼 수 있는 평면이라는 점을 기억하라. 따라서 작업의 기본 매개변수를 분석하는 것이 먼저 중요합니다.
1. 그림의 크기(기념물, 이젤, 미니어처)?
2. 그림의 형식: 가로 또는 세로로 긴 직사각형(끝이 둥근 경우도 있음), 정사각형, 원형(톤도), 타원형?
3. 그림은 어떤 기법(템페라, 유화, 수채화 등)과 어떤 기반(나무, 캔버스 등)으로 만들어졌나요?
4. 어느 거리에서 가장 잘 인식됩니까?
이미지 분석.
5. 영화에 줄거리가 있나요? 무엇이 표시되나요? 묘사된 인물과 사물은 어떤 환경에 위치해 있나요?
6. 이미지 분석을 바탕으로 장르(인물, 풍경, 정물, 누드, 일상, 신화, 종교, 역사, 동물)에 대한 결론을 도출합니다.
7. 작가가 해결하는 문제는 시각적인 것이라고 생각하시나요? 나타내는? 이미지의 관습성이나 자연주의 정도는 어느 정도입니까? 관습은 이상화 경향이 있는가 아니면 표현 왜곡 경향이 있는가?
구성 분석
8. 구성 요소는 무엇입니까? 이미지의 피사체와 그림 캔버스의 배경/공간은 어떤 관계가 있나요?
9. 이미지 속 사물이 화면에 얼마나 가까이 있나요?
10. 작가는 묘사된 대상의 위, 아래, 수평에서 어떤 화각을 선택했습니까?
11. 시청자의 위치는 어떻게 결정됩니까? 그는 그림에 묘사된 것과 상호 작용에 참여합니까, 아니면 분리된 명상가의 역할을 할당받습니까?
12. 구성을 균형 잡힌, 정적 또는 동적이라고 부를 수 있습니까? 움직임이 있다면 어떻게 방향을 정하나요?
13. 그림 공간은 어떻게 구성되는가? 공간적 깊이에 대한 환상은 어떻게 달성됩니까(묘사된 인물의 크기 차이, 사물이나 건축물의 부피 표시, 색상 그라데이션 사용)?
도면 분석.
14. 그림에서 선형 시작 부분이 얼마나 뚜렷합니까?
15. 개별 개체를 구분하는 윤곽선이 강조됩니까, 아니면 부드러워집니까? 이 효과는 어떤 방법으로 달성됩니까?
16. 물체의 부피는 어느 정도 표현되나요? 볼륨의 환상을 만드는 기술은 무엇입니까?
17. 사진에서 빛은 어떤 역할을 합니까? 어떤가요(균등, 중립, 대비, 조각적 볼륨, 신비로움)? 광원/방향을 읽을 수 있습니까?
18. 묘사된 인물/사물의 실루엣을 읽을 수 있습니까? 그 자체로 얼마나 표현력이 풍부하고 가치가 있습니까?
19. 이미지가 얼마나 상세합니까(또는 그 반대로 일반화되었습니까)?
20. 묘사된 표면(가죽, 천, 금속 등)의 다양한 질감이 전달되나요?
색상 분석.
21. 그림에서 색상은 어떤 역할을 합니까(디자인과 볼륨에 종속됩니까, 아니면 반대로 디자인 자체에 종속되어 구성 자체를 구성합니까)?
22. 컬러는 단순히 볼륨감의 착색인가, 아니면 그 이상인가? 시각적으로 충실한가요, 아니면 표현력이 풍부한가요?
23. 색반점의 경계선이 보이나요? 볼륨과 객체의 경계와 일치합니까?
24. 아티스트는 많은 양의 색상이나 작은 점획을 사용하여 작업합니까?
25. 따뜻한 색과 차가운 색은 어떻게 칠하는가? 작가는 보색의 조합을 사용하는가? 왜 이러는 걸까요? 가장 밝은 부분과 어두운 부분은 어떻게 전달되나요?
26. 눈부심이나 반사 신경이 있습니까? 그림자는 어떻게 쓰여지나요(깊은가요, 투명한가요, 색깔이 있나요)? 지배적인 색상/색상 조합이 있습니까?
다른 옵션
1. 대상(사실, 사건, 현상)에 대한 작가의 감정적 태도 중 어떤 대상에 주목할 가치가 있습니까?
2. 이 작품이 회화 장르(역사, 초상화, 정물, 전투 등)에 속하는지 확인합니다.
3. 이 작품에서는 작가의 생각을 표현하기 위해 어떤 기법과 수단을 사용했나요?
4. 작품은 어떤 인상을 주나요?
7. 특정 색상의 사용이 감성적인 인상에 어떻게 도움이 됩니까?
8. 그림에는 무엇이 나와 있나요?
9. 당신이 본 것 중 가장 중요한 것을 강조하세요.
10. 이것이 당신에게 가장 중요하다고 생각되는 이유를 설명해 보십시오.
11. 작가는 어떤 방식으로 중요한 것을 강조하는가?
12. 작품 속 색의 비교(색상 구성)는 어떻게 되나요?
13. 그림의 줄거리를 다시 말해보세요.
14. 작품 속에 무엇인가를 상징하는 플롯이 있나요?
15. 작품 제목이 무엇인가요? 그것은 줄거리와 상징주의와 어떤 관련이 있습니까?
16. 작품의 구성과 주요 요소는 수평, 수직, 대각선, 원형, 타원형, 색상, 입방체 등 본질적으로 상징적입니까?
조각 작품
조각 작품을 분석할 때, 예술 형식으로서의 조각 고유의 매개변수를 고려할 필요가 있습니다. 조각은 실제 3차원 볼륨이 주변 3차원 공간과 상호 작용하는 예술 형식입니다. 따라서 볼륨, 공간 및 상호 작용 방식을 분석해야 합니다.
1. 작품은 어떤 인상을 주나요?
3. 작품의 성격은 무엇입니까?
4. 대상(사실, 사건, 현상)에 대한 작가의 감정적 태도 중 어떤 대상에 주목할 가치가 있습니까?
5. 이 작품에서는 작가의 생각을 표현하기 위해 어떤 기법과 수단을 사용했나요?
6. 조각품의 크기는 얼마나 되나요? 조각품의 크기(기념비, 이젤, 미니어처)는 공간과의 상호 작용에 영향을 미칩니다.
7. 이 조각품은 어떤 장르에 속합니까? 무엇을 위한 것이었나요?
8. 저자가 사용한 원본 자료와 그 특징을 설명하십시오. 재료에 따라 조각품의 어떤 특징이 결정됩니까(이 작품에 이 특정 재료를 선택한 이유는 무엇입니까)? 그 속성이 작품의 아이디어와 호환됩니까? 다른 재료를 이용해 같은 작품을 상상하는 것이 가능할까? 그것은 어떤 모습일까요?
9. 조각 표면의 질감은 어떤가요? 부분마다 균일하거나 다른가요? 매끄럽거나 "스케치"된 도구의 터치 흔적은 눈에 보이고 자연스럽고 관습적입니다. 이 질감은 재료의 특성과 어떤 관련이 있습니까? 질감은 조각 형태의 실루엣과 볼륨에 대한 인식에 어떤 영향을 미치나요?
10. 스케일이나 형식, 부분의 수평, 수직, 대각선 배치가 작품의 감성에 어떤 도움을 주나요?
11. 조각에서 색의 역할은 무엇입니까? 볼륨과 색상은 어떻게 상호 작용하며, 서로 어떻게 영향을 줍니까?
12. 조각품에서 누구(무엇)가 보이나요?
13. 당신이 본 것 중에서 가장 중요하고 특히 가치 있는 것을 강조하십시오.
14. 이것이 당신에게 가장 중요하고 특히 가치 있다고 생각되는 이유를 설명해 보십시오.
15. 조각가는 어떤 방법으로 중요한 것을 강조합니까?
16. 작품 속 사물의 배열(주제 구성)은 어떻게 되나요?
17. 작품은 어떤 공간(사원, 광장, 집 등)에 위치해 있었나요? 인식의 어떤 지점에서(멀리서, 아래에서, 가까이에서) 의도되었나요? 건축이나 조각 앙상블의 일부인가요, 아니면 독립적인 작품인가요?
18. 조각품은 고정된 시점으로 디자인되었나요, 아니면 걸어 다닐 때 완전히 드러나나요? 그녀는 몇 개의 완성된 표현 실루엣을 가지고 있습니까? 그것들은 무엇입니까(닫힌 것, 컴팩트한 것, 기하학적으로 규칙적인 것, 그림 같은 것, 열린 것)? 그들은 서로 어떻게 관련되어 있습니까?
19. 이 조각품이 '살아난다'면 무엇을 할 수(혹은 말할 수) 있을까요?
20. 작품 제목이 무엇인가요? (이름)의 의미가 무엇이라고 생각하시나요? 그것은 줄거리와 상징주의와 어떤 관련이 있습니까?
21. 모티프의 해석은 무엇입니까(자연주의적, 관습적, 정경에 따라 결정됨, 건축 환경에서 조각품이 차지하는 장소에 따라 결정됨 등)?
22. 작품의 작가는 어떤 이념적 입장을 사람들에게 전달하고 싶었다고 생각하시나요?
23. 작품에서 건축, 회화 등 다른 유형의 예술의 영향을 느끼십니까?
24. 조각품을 사진이나 복제품보다 직접 보는 것이 더 낫다고 생각하는 이유는 무엇입니까? 대답에 대한 이유를 제시하십시오.
장식 및 응용 예술품
장식 예술과 응용 예술의 대상을 분석할 때, 그것들은 주로 개인의 삶에 적용되는 역할을 했으며 항상 미적 기능을 수행하는 것은 아니라는 점을 기억해야 합니다. 동시에 물체의 모양과 기능적 특징은 이미지의 성격에 영향을 미칩니다.
1. 이러한 품목의 용도는 무엇입니까?
2. 크기는 어떻게 되나요?
3. 아이템의 장식 위치는 어떻게 되나요? 형상적, 장식적 장식 영역은 어디에 있습니까? 사물의 형상과 이미지의 배치는 어떤 관계를 맺고 있는가?
4. 어떤 종류의 장식품이 사용되나요? 물체의 어느 부분에 위치합니까?
5. 비유적인 이미지는 어디에 있습니까? 장식용 기록부보다 더 많은 공간을 차지합니까, 아니면 단순히 장식용 기록부 중 하나입니까?
6. 비유적인 이미지로 레지스터를 어떻게 구축합니까? 여기서는 자유로운 구성 기법이 사용되었다고 말할 수 있습니까, 아니면 병치의 원리가 사용되었다고 말할 수 있습니까(동일한 포즈의 인물, 최소한의 움직임, 서로 반복)?
7. 그림은 어떻게 묘사되어 있습니까? 움직이고, 얼어붙고, 양식화되어 있나요?
8. 수치의 내용은 어떻게 전달되나요? 더 자연스러워 보이나요, 아니면 장식적으로 보이나요? 인물을 전달하는 데 어떤 기술이 사용됩니까?
9. 가능하다면 물체 내부를 살펴보십시오. 거기에 이미지와 장식품이 있나요? 위의 다이어그램에 따라 설명하십시오.
10. 장식품과 피규어 제작에 어떤 기본 색상과 추가 색상이 사용됩니까? 점토 자체의 음색은 무엇입니까? 이것이 이미지의 성격에 어떤 영향을 미치나요? 이미지를 더 장식적으로 만들까요, 아니면 반대로 더 자연스럽게 만들까요?
11. 이러한 유형의 장식 및 응용 예술의 개별 패턴에 대한 결론을 도출해 보십시오.
예술 작품 분석을 위한 알고리즘
이 알고리즘을 사용하기 위한 주요 조건은 작업을 수행하는 사람들에게 그림의 이름이 알려져서는 안 된다는 사실입니다.
이 그림을 뭐라고 부르겠어요?
그림이 마음에 드나요, 마음에 들지 않나요? (대답은 모호해야합니다).
이 그림을 모르는 사람이 아이디어를 얻을 수 있도록 이 그림에 대해 알려주십시오.
이 사진이 당신에게 어떤 느낌을 주나요?
첫 번째 질문에 대한 답변에 추가하거나 변경하고 싶은 내용이 있나요?
두 번째 질문에 대한 답변으로 돌아갑니다. 귀하의 평가는 동일하게 유지되었습니까, 아니면 변경되었습니까? 지금 이 사진을 왜 그렇게 평가하시나요?
회화 작품 분석 알고리즘
그림 제목의 의미.
장르 소속.
그림 줄거리의 특징. 그림을 그리는 이유. 질문에 대한 답 찾기: 저자가 자신의 아이디어를 시청자에게 전달했습니까?
그림 구성의 특징.
예술적 이미지의 주요 수단: 색상, 드로잉, 질감, 명암대비, 붓놀림.
이 예술 작품이 당신의 감정과 기분에 어떤 영향을 미쳤나요?
이 예술 작품은 어디에 있나요?
건축 작품 분석 알고리즘
건축 구조 창조의 역사와 그 저자에 대해 알려진 것은 무엇입니까?
이 작품이 문화역사적 시대, 예술적 스타일 또는 운동에 속하는지 여부를 표시하십시오.
비트루비우스의 공식인 힘, 이익, 아름다움의 이 작품에서 어떤 구체화가 발견되었습니까?
건축 이미지(대칭, 리듬, 비율, 빛과 그림자, 색상 모델링, 규모), 구조 시스템(포스트 빔, 뾰족한 아치, 아치형 돔)을 만들기 위한 예술적 수단과 기술을 지적합니다.
건축 유형을 나타냅니다: 체적 구조(공공: 주거용, 산업용); 풍경(정원 가꾸기 또는 작은 형태); 도시 계획.
건축 구조물의 외부와 내부 외관의 연관성, 건물과 부조의 연관성, 풍경의 성격을 나타냅니다.
건축 외관 디자인에 다른 형태의 예술이 어떻게 사용됩니까?
그 작품이 당신에게 어떤 인상을 주었나요?
예술적 이미지는 어떤 연관성을 불러일으키며 그 이유는 무엇입니까?
건축 구조는 어디에 있습니까?
조각 작품 분석 알고리즘
작품 창작의 역사.
예술시대에 속한다.
작품 제목의 의미.
조각품의 종류(기념비, 기념관, 이젤)에 속합니다.
재료 및 가공 기술의 사용.
조각품의 크기(알아두는 것이 중요한 경우)
받침대의 모양과 크기.
이 조각품은 어디에 있나요?
이 작품이 당신에게 어떤 인상을 주었나요?
예술적 이미지는 어떤 연관성을 불러일으키며 그 이유는 무엇입니까?
영화의 역사 분석.
분석의 첫 번째 부분입니다. 외모의 역사. 감독의 아이디어. 각본가, 카메라맨과 함께 일한다.
1. 등장인물의 성격을 분석합니다.
영화에는 등장인물이 가득하다. 주인공의 특징 (의인화 세부 사항). 작은 캐릭터의 특성(주인공과 관련된 기능, 영화의 액션). 자신의 역할에 최선을 다하는 배우들. 배우의 게임 분석.
2. 감독의 주관이 반영된 영화 분석
영화를 독립적인 예술 작품으로 소개합니다. 저자의 것, 즉 감독의 입장 (대부분 인터뷰에서 나타납니다. 영화 제작에 참여한 참가자의 인터뷰, 회고록 및 기사에서 찾을 수 있습니다). 실제 사건이 개인과 개인에 미치는 영향 사회 생활영화에. 반사 내면 세계감독.
실제 분석을 시작하기 전에 한 가지 중요한 언급을 할 필요가 있습니다. 그림에서 그림에 없는 것을 찾아서는 안 됩니다. 즉, 어떤 경우에도 살아있는 작업을 특정 계획에 맞게 조정하려고 시도해서는 안됩니다. 구성의 형태와 수단을 논할 때 작가의 행동에 대해 가능한 동작과 옵션을 나열했지만, 그 모든 것이 반드시 그림에 사용되어야 한다고는 전혀 주장하지 않았습니다. 우리가 제공하는 분석은 작품의 일부 특징을 보다 적극적으로 드러내고, 가능하다면 작가의 구성 의도를 설명합니다.
단일 유기체를 여러 부분으로 나누는 방법은 무엇입니까? 전통적인 작업 세트를 사용할 수 있습니다. 대각선 축을 그려 그림의 기하학적 중심을 결정하고, 밝은 부분과 어두운 부분, 차가운 톤과 따뜻한 톤을 강조 표시하고, 구성의 의미 중심을 결정하고, 필요한 경우 구성 축을 표시하는 등의 작업을 수행할 수 있습니다. 이미지의 형식적인 구조를 설정하는 것이 더 쉽습니다.
2.1. 정물 구성 분석
정물화를 구성하는 다양한 기법을 보다 광범위하게 다루기 위해 17세기의 고전적인 정물화와 세잔과 마슈코프의 정물화를 살펴보겠습니다.
2.1.1. V. 케다. 블랙베리 파이로 아침 식사를 합니다. 1631년
첫 번째 대각선을 그린 후 정물의 구성이 파울 직전에 만들어졌지만 작가는 균형 작업에 훌륭하게 대처하여 배경을 왼쪽과 위쪽으로 점진적으로 밝게 만들었습니다. 일반화된 밝은 부분과 어두운 부분을 개별적으로 조사하여 구성의 밝은 톤 무결성을 확신하고 흰색 천과 누워 있는 꽃병 바닥의 조명 표면이 어떻게 주요 악센트를 유지하고 조건을 만드는지 확인합니다. 어두운 점을 리드미컬하게 배열한 것입니다. 커다란 밝은 점은 점차 작은 빛의 섬광으로 부서집니다. 어두운 점의 위치는 동일한 구성표를 사용하여 구성됩니다.
거의 단색에 가까운 회화적 맥락 속에서 정물의 따뜻함과 차가움이 매우 미묘하고 섬세하게 디테일하게 표현되어 있으며 좌우로 큰 덩어리로 나누어져 있다. 색상의 무결성을 유지하기 위해 Heda는 그림의 왼쪽 "따뜻한"쪽에 개체의 차가운 음영을 도입하고 그에 따라 오른쪽 "차가운"쪽에 따뜻한 톤을 도입합니다.
드레스덴 갤러리의 장식인 이 정물의 광채는 대상의 절대적인 물질성뿐만 아니라 그림의 신중한 구성에도 있습니다.
2.1.2. P. 세잔. 복숭아와 배. 1880년대 후반.
이 정물화에서는 두 개의 일관된 중심을 추적할 수 있습니다. 첫 번째는 과일과 접시가 놓인 흰색 수건이고 두 번째는 그림 중앙의 접시에 복숭아입니다. 이것은 그림의 초점에 대한 눈의 리드미컬한 3방향 접근 방식을 만듭니다. 즉, 일반 배경에서 수건, 접시에 있는 복숭아, 근처의 배까지입니다.
헤다의 정물화에 비해 세잔의 작품은 색역이 더 넓어 정물의 따뜻함과 차가움이 그림 전체에 퍼져 있어 국부적으로 배열된 따뜻한 색과 차가운 색을 구분하기 어렵다. 정물의 특별한 장소는 배경에 비스듬하고 넓은 어두운 줄무늬가 있습니다. 이는 구성의 일종의 반 지배적이며 동시에 하이라이트 부분에서는 직물의 흰색을 강조하고 그림자 부분에서는 색상의 순도를 강조합니다. 그림의 전체 구조는 거칠고 의도적으로 분명한 붓의 흔적을 담고 있습니다. 이는 손으로 만든 특성과 그림을 만드는 과정 자체의 계시를 강조합니다. 훗날 입체주의에 입문한 세잔의 구성미학은 형태의 색채성형이라는 강한 틀의 건설적인 적나라함에 있다.
2.1.3. I. Mashkov. 모스크바 음식. 1924년
정물의 구성은 대칭적인 경향이 있습니다. 그림의 전체 공간의 충만 함은 프레임을 넘어서지 않으며 구성은 내부에 단단히 자리 잡고 원형이나 사각형 (빵 배열)으로 나타납니다. 풍성한 음식은 그림의 경계를 무너뜨리는 듯하고, 동시에 빵은 흰색 꽃병을 색상의 선두주자로 남겨두고 그 주위로 모여든다. 빵의 두껍고 채도가 높은 색상과 밀도 높은 물질성은 구운 제품의 정확한 질감으로 강조되어 대상을 조화롭게 그룹화된 뜨거운 일체형 지점으로 통합하고 배경은 다소 시원한 색상을 유지합니다. 화병의 흰 반점은 평면을 벗어나지 않으며, 의미적 중심이 될 만큼 크지는 않지만, 구도를 견고하게 잡아줄 만큼 활동적이다.
그림에는 서로 수직으로 위치한 두 개의 어두운 직사각형 점이 있습니다. 이것은 벽과 탁상 표면에 매달린 천 조각입니다. 색상을 조합하여 물체의 "흩어짐"을 억제합니다. 선반 측면과 테이블 상판에 있는 두 개의 가로 줄무늬를 통해 동일한 억제, 통합 효과가 생성됩니다.
Cezanne과 Mashkov의 정물화를 비교해 보면 Ilya Mashkov는 위대한 Cezanne의 색채 업적을 사용하여 "단색"Heda의 웅장한 색채주의로 전환한다는 인상을 받게됩니다. 물론 이것은 단지 인상일 뿐입니다. Mashkov와 같은 위대한 예술가는 완전히 독립적이며 그의 업적은 그의 예술적 본성에서 자연스럽게 성장했습니다.
2.2. 풍경 구성
풍경에는 하나의 전통적인 규칙이 있습니다. 하늘과 풍경은 구성 질량이 동일하지 않아야 합니다. 예술가가 공간, 무한한 공간을 보여주기 위해 목표를 설정하면 그림의 대부분을 하늘에 맡기고 그것에 주된 관심을 기울입니다. 작가의 주요 임무가 풍경의 세부 사항을 전달하는 것이라면 그림 속 풍경과 하늘의 경계는 일반적으로 구성의 광학 중심보다 훨씬 위에 위치합니다. 테두리가 중앙에 배치되면 이미지가 두 부분으로 분할되어 똑같이 지배력을 주장합니다. 즉, 보조 부분이 메인 부분에 종속되는 원칙을 위반합니다. 이 일반적인 언급은 P. Bruegel의 작업에 잘 설명되어 있습니다.
2.2.1. 피터 브뤼겔 장로. 이카루스의 몰락. 1560년경
풍경의 구성은 복잡하고 동시에 매우 자연스럽습니다. 언뜻 보기에는 세부적으로 다소 축소되었지만 신중하게 분석하면 매우 긴밀하게 맞춰져 있습니다. Pieter Bruegel의 역설은 그림의 의미 중심(이카루스)이 주변으로 이동하고 보조 인물(쟁기질)이 구성 중심으로 이동하는 것으로 나타났습니다. 어두운 톤의 리듬은 무작위로 보입니다. 왼쪽의 덤불, 쟁기질하는 사람의 머리, 물가의 나무, 배의 선체. 그러나 해안 높은 부분의 어두운 가장자리를 따라 어두운 대각선 스트립을 따라 시청자의 눈이 그림에서 떠나는 것을 허용하지 않는 것은 바로 이러한 리듬입니다. 캔버스의 밝은 영역의 따뜻한 톤과 풍경 공간을 해안, 바다, 하늘의 세 평면으로 명확하게 구분함으로써 또 다른 리듬이 만들어집니다.
많은 세부 사항으로 구성은 고전적인 기술, 즉 농부의 빨간색 셔츠로 만든 색상 악센트로 지원됩니다. 들어가지 않고 상세 설명그림의 세부 사항을 보면 작품의 깊은 의미를 표현하는 눈부신 단순함에 감탄하지 않을 수 없습니다. 세상은 이카루스의 몰락을 알아차리지 못했습니다.
2.2.2. 프란체스코 과르디. 베니스의 이솔라 디 산 조르조(Isola di San Giorgio). 1770년대.
색상면에서 이것은 전체 회화 역사상 가장 장엄한 그림 중 하나이지만 모든 고전 표준을 충족하는 아름답게 구성된 구성이 없었다면 회화적 완성도는 달성되지 않았을 것입니다. 비대칭이 있는 절대적인 균형, 역동적인 리듬이 있는 서사적 장엄함, 정확하게 찾아낸 색 덩어리의 비율, 공기와 바다의 마법 같은 따뜻함과 차가움-이것이 위대한 거장의 작품입니다.
분석에 따르면 구성의 리듬은 수직, 수평 및 대각선으로 구성되어 있습니다. 수직적 리듬은 배의 돛대에 맞춰 탑, 기둥, 궁전 벽의 분할로 형성됩니다. 수평 리듬은 두 개의 가상 수평선, 궁전 기슭, 벽과 연결되는 지붕 선을 따라 보트의 위치에 따라 결정됩니다. 매우 흥미로운 것은 탑 꼭대기, 돔, 현관 위의 조각상, 오른쪽 벽의 관점, 그림 오른쪽의 보트의 대각선 리듬입니다. 구성의 균형을 맞추기 위해 왼쪽 보트에서 궁전 중앙 돔까지, 그리고 인근 곤돌라에서 오른쪽 돛대 꼭대기까지 대체 대각선 리듬이 도입되었습니다.
궁전 벽의 뜨거운 색상과 보는 사람을 향한 정면의 태양 광선의 금색은 바다와 하늘의 전체적으로 풍부한 색상을 배경으로 건물을 조화롭고 강력하게 강조합니다. 바다와 하늘 사이에는 경계가 없습니다. 이는 전체 풍경에 경쾌함을 더해줍니다. 만의 잔잔한 바다에 비친 궁전의 모습은 일반화되어 있으며 세부 사항이 전혀 없으므로 노 젓는 사람과 선원의 모습이 길을 잃지 않습니다.
2.2.3. G.니스키. 모스크바 지역. 2월. 1957년
Nyssky는 자신의 작품을 순수한 구성으로 만들었으며 실제 생활에서 직접 쓰지도 않았고 예비 스케치도 많이 만들지 않았습니다. 그는 풍경을 기억하고 그것을 가장 의식에 흡수했습니다. 캐릭터 특성세부 사항은 이젤 작업을 시작하기 전에도 마음 속 선택을 했습니다.
이러한 세련된 구성의 예는 "Podmoskovye"입니다. 색상 덩어리의 위치성, 길고 차가운 그림자와 눈의 분홍빛이 도는 흰색의 명확한 분리, 중간 지대와 먼 숲에 있는 전나무의 엄격하게 보정된 실루엣, 콘크리트 고속도로처럼 굽은 곳을 돌진하는 화물 열차 눈금자를 따라 그려짐-이 모든 것이 현대적인 느낌을 만들어냅니다. 이 뒤에는 산업 시대를 볼 수 있지만 순수한 눈, 아침 고요함, 높은 하늘이 있는 겨울 풍경의 서정으로 인해 그림을 작품으로 분류할 수는 없습니다. 예술의 제작 테마:
특히 주목할 점은 배경의 색상 관계입니다. 일반적으로 거리는 전경보다 차가운 톤으로 기록되는 반면 Nyssa에서는 먼 숲이 유지됩니다. 난색. 그런 색으로는 그림의 깊숙한 곳으로 사물을 밀어 넣는 것이 어려울 것 같지만, 하늘의 분홍빛이 도는 주황색에 주목하면 작가는 숲이 숲이 되도록 공간을 구성하는 일반적인 규칙을 깨뜨려야 했다. 하늘을 배경으로 뚜렷하게 눈에 띄지는 않지만 하늘과 조화롭게 융합됩니다. 주인은 배경에 빨간 스웨터를 입은 스키어의 모습을 배치했습니다. 매우 작은 영역에 있는 이 밝은 점은 구도를 적극적으로 유지하고 공간적 깊이를 제공합니다. 그림의 왼쪽으로 모이는 수평 덩어리의 분할과 전나무의 수직과의 병치는 작품에 드라마틱한 구성을 제공합니다.
2.3. 인물 구성
예술가들은 초상화를 다양한 방식으로 작품으로 해석합니다. 어떤 사람들은 주변 상황에 대한 세부 사항을 소개하지 않고 사람에게만 관심을 기울이고 중립적 인 배경에 그림을 그리며 다른 사람들은 초상화에 주변 환경을 도입하여 그림으로 취급합니다. 일반적으로 두 번째 해석의 구성은 더 복잡하며 앞서 언급한 많은 형식적 수단과 기술을 사용하지만 중립 배경의 단순한 이미지에서도 구성 작업이 결정적으로 중요합니다.
안기숄라 소포니스바. 자화상
2.3.1. 틴토레토. 남자의 초상화입니다. 1548년
작가는 얼굴의 생동감 있는 표현력을 전달하는 데 심혈을 기울인다. 실제로 초상화에는 머리 외에는 아무것도 그려져 있지 않으며, 옷과 배경의 색상 차이가 거의 없어 조명을 받은 얼굴만이 작품에서 밝은 부분이다. 이런 상황에서는 구성의 규모와 균형이 특히 중요해집니다. 작가는 이미지의 윤곽을 사용하여 프레임의 크기를 신중하게 측정하고 고전적인 정확성으로 얼굴의 위치를 결정했으며 색상의 무결성 내에서 핫 페인트로 중간색과 그림자를 조각했습니다. 구성이 간단하고 완벽해요.
2.3.2. 라파엘. 청년의 초상(피에트로 벰보) 1505년경
전성기 르네상스의 전통에 따라 이탈리아 풍경을 배경으로 초상화가 만들어졌습니다. 그것은 자연 환경이 아닌 배경에 위배됩니다. 주변이 없는 초상화에서 개발된 프레임과 관련하여 인물의 규모를 유지하는 조명의 특정 관례를 통해 주인은 모든 특징적인 세부 사항에서 매우 밀접하게 묘사되는 사람을 보여줄 수 있었습니다. 라파엘로의 <젊은 남자의 초상>입니다.
청년의 가슴 길이 인물은 여러 색상 쌍의 리듬을 기반으로 구성적으로 구축되었습니다. 첫째, 빨간색 모자와 빨간색 셔츠의 눈에 보이는 부분이 있습니다. 둘째, 오른쪽과 왼쪽에는 흐르는 머리카락과 망토로 인해 형성된 한 쌍의 검은 반점이 있습니다. 셋째, 이것은 손과 왼쪽 소매의 두 조각입니다. 넷째, 이것은 흰색 레이스 칼라와 접힌 종이 조각입니다. 오른손. 공통적으로 따뜻한 지점을 형성하는 얼굴과 목은 구성의 형식적이고 의미론적인 초점입니다. 청년의 등뒤 풍경은 시원한 색상으로 디자인되어 전체적인 색상의 맥락 속에서 아름다운 범위를 형성하고 있다. 풍경에는 일상적인 세부 사항이 포함되어 있지 않으며 황량하고 조용하여 작품의 서사적 성격을 강조합니다.
초상화에는 수세기 동안 예술가들에게 미스터리가 된 세부 사항이 하나 있습니다. 세심한 기안자가 어깨와 목의 선을 머리(오른쪽)까지 추적하면 전문적인 용어로 목이 다음과 같은 것으로 나타납니다. 머리의 질량과는 전혀 관련이 없습니다. 라파엘로와 같은 훌륭한 해부학 전문가가 그렇게 단순한 실수를 저지를 리가 없었을 것입니다. 살바도르 달리(Salvador Dali)는 "라파엘로의 목을 가진 자화상"이라는 그림을 가지고 있습니다. 실제로 라파엘로 초상화의 목 모양에는 설명할 수 없는 조형적인 매력이 담겨 있다.
2.3.3. K. 코로빈. F.I의 초상화. 샬랴핀. 1911년
이 작품의 많은 부분은 고전 회화를 공언하는 시청자에게는 이례적입니다. 형식 자체도 이미 이상하고, 가수의 모습과 테이블의 윤곽선, 셔터의 구도적 반복도 이상하고, 마지막으로 엄격한 드로잉 없이 형태를 그림처럼 조각하는 것도 이상하다.
오른쪽 하단 모서리(벽과 바닥의 뜨거운 톤)에서 왼쪽 상단 모서리(창 밖의 녹지)까지 색상 덩어리의 리듬은 차가운 방향으로 변경되면서 세 단계를 거칩니다. 구성의 균형을 맞추고 색상의 무결성을 유지하기 위해 차가운 영역에 따뜻한 톤의 섬광이 도입되고 그에 따라 따뜻한 영역에 차가운 톤이 도입되었습니다.
작가는 세부적으로 또 다른 색상 리듬을 사용합니다. 그림의 전체 표면 (신발-벨트-유리-손)에 뜨거운 악센트가 번쩍입니다.
프레임과 관련된 그림의 규모를 통해 주변을 배경이 아니라 그림의 본격적인 영웅으로 간주할 수 있습니다. 사물의 경계가 해소되는 공기의 느낌, 빛과 반사 신경은 고의적인 구도 없이 자유로운 즉흥 연주의 환상을 만들어내지만, 초상화는 형식적으로 유능한 구도의 모든 징후를 가지고 있습니다. 마스터는 마스터입니다.
2.4. 이야기 그림의 구성 2.4.1. 라파엘. 시스틴 마돈나. 1513
이 그림은 아마도 레오나르도 다빈치의 라 조콘다(La Gioconda)와 맞먹는 인기를 누리는 세계에서 가장 유명한 그림일 것입니다. 밝고 순수한 하나님의 어머니의 이미지, 영감을받은 얼굴의 아름다움, 작품 아이디어의 접근성과 단순함이 그림의 명확한 구성과 조화롭게 합쳐집니다.
작가는 축 대칭을 구성 수단으로 사용하여 선의 최종 승리를 믿는 기독교 영혼의 원래 완벽 함과 균형 잡힌 평온함을 보여주었습니다. 구성 수단으로서의 대칭은 문자 그대로 모든 것에서 강조됩니다. 그림과 커튼의 배열, 얼굴의 회전, 수직 축을 기준으로 한 그림 자체의 질량 균형, 따뜻한 톤의 롤 호출 등이 있습니다.
중심 인물을 살펴보겠습니다. 마돈나의 팔에 안긴 아기는 왼쪽을 구도적으로 더 무겁게 만들지 만 라파엘은 정밀하게 계산된 망토의 실루엣과 인물의 균형을 맞춥니다. 오른쪽 소녀의 모습은 왼쪽 식스투스의 모습보다 질량이 다소 작지만 오른쪽 인물의 채도가 더 활동적입니다. 대중의 대칭의 관점에서 보면 마돈나와 아기 그리스도의 얼굴 배열을 볼 수 있고, 그림 아래쪽에 있는 천사들의 얼굴 배열을 볼 수 있습니다. 이 두 쌍의 얼굴은 역위상에 있습니다.
그림 속의 모든 주요 인물의 얼굴 이미지를 선으로 연결하면 규칙적인 마름모가 형성됩니다. 마돈나의 지지 다리는 그림의 대칭축에 있습니다. 이러한 구성 체계는 라파엘로의 작품을 절대적으로 균형 있게 만들어주며, 광학 중심을 중심으로 타원형으로 인물과 물체를 배열함으로써 부분이 일부 불일치하더라도 구성의 무결성을 유지합니다.
2.4.2. A.E.Arkhipov. 오카 강을 따라. 1890년
정적 인물에서도 개방적이고 역동적인 구성은 오른쪽에서 위에서 왼쪽으로 역대각선을 따라 구성됩니다. 롱보트의 일부는 사진의 아래쪽 가장자리 아래에서 보는 사람을 향하고 있습니다. 이는 롱보트에 앉아 있는 사람들 사이에 우리가 직접 존재한다는 느낌을 줍니다. 작가는 햇빛과 맑은 여름날을 전달하기 위해 인물의 전체적인 밝은 색상과 그림자 액센트의 대비를 구성 수단으로 사용합니다. 선형 원근법은 롱보트의 뱃머리에 있는 수치를 줄여야 했지만 공중 원근법(해안 거리의 착각을 위해)은 근처 수치에 비해 뱃머리 수치의 선명도를 감소시키지 않았습니다. 롱보트 내부에는 사실상 공중 전망이 없습니다. 구도의 균형은 중앙 왼쪽의 일반적인 어두운 구도 타원과 오른쪽의 활성 어두운 점(두 인물과 접시의 그림자 부분)의 상대적 위치에 의해 보장됩니다. 또한 돛대에주의를 기울이면 그림의 축을 따라 위치하고 있으며 멀리서 오른쪽과 왼쪽에는 대칭적인 밝은 색상의 악센트가 있습니다.
2.4.3. N.Eryshev. 변화. 1975년
이 구성은 수직의 리듬을 기반으로 만들어졌습니다. 산업 건물 (그런데 매우 전통적인), 단일 나무, 인물-모든 것이 위쪽으로 뾰족하게 뻗어 있으며 그림의 아래쪽에만 콘크리트 슬라브, 파이프 및 수평선으로 형성된 여러 개의 수평선이 있습니다. 구성의 초점은 작업 감독의 양쪽에 거의 대칭으로 위치한 십대 여행가 그룹입니다. 정유 시설은 두 십대의 흰색 유니폼과 함께 수직 직사각형을 형성합니다. 작가는 이 직사각형을 제한하듯이 테라색 옷을 입은 두 청년을 배치했다. 거장의 모습을 수직축에 배치하고, 오른쪽에는 곧게 선 나무와 파이프 형태의 구조물을 병치시켜 묘한 대칭성을 만들어낸다.
직접적인 정렬, 상황의 고의적인 관습성, 명확하게 의도된 인물의 정적인 성격은 현실적 삶의 표현에 있어서 논란의 여지가 있는 점으로 간주될 수 있지만, 이 작품은 이 모든 것이 유기적이고 논리적이며, 기념비적인 디자인 방향의 특징을 담고 있습니다. 필요한. 구성의 관점에서 그룹화부터 리드미컬한 그라데이션 및 분할에 이르기까지 명확하고 형식적으로 완벽한 수단이 여기에서 사용됩니다.
4부
구성과 예술성
이제 실제로 미적 가치, 영적 충만함, 예술적 이미지의 활력을 담고 있는 작품의 특성에 대해 이야기할 때가 왔습니다. 이것은 미묘한 문제이고, 여기에는 예술가의 영적 에너지, 개성, 세상에 대한 태도와 관련되어 파악하기 어려운 많은 것들이 있습니다. 구성의 역할은 읽고 쓰는 능력, 아름다움과 조화의 언어로 계획된 것을 표현하는 능력, 훌륭하고 강력한 형태를 구축하는 능력으로 귀결됩니다.
1. 일반화 및 유형화
고전 예술 실천의 전통에서는 이미지의 무결성, 상징적 확실성을 파괴하는 사고의 축적을 피하는 것이 관례입니다. 객관적 현실 진영의 정보로서 사실 자료를 수집하는 수단으로서의 스케치는 그 자체로 과도한 보도, 즉각성, 때로는 장황함을 담고 있습니다. 완성된 작품의 가장 특징적인 특징을 선택하고 일반화하고 강조점을 전환함으로써 작가는 자신의 예술적 아이디어와 가장 가까운 유사점을 얻습니다. 일반화와 선택의 결과로 고립되지 않고 무작위가 아닌 가장 심오하고 일반적인 진실을 흡수하는 전형적인 이미지가 탄생합니다.
이런 식으로 I. Repin 초상화의 프로토 디콘이나 I. Levitan 그림의 절대적 러시아 풍경과 같은 일종의 영웅 또는 풍경이 탄생합니다.
미술사적 분석의 종류와 가능성
그들의 신청 MHC 수업
.미술사 분야에서 방법론적 혁신과 학생들에게 현대 이론적 지식을 소개하는 것은 여러 가지 이유로 매우 시급합니다. 문화 및 예술 현상에 대한 평가의 이념적 획일성은 과거의 일이되었으며, 이와 관련하여 비판적이고 사회주의적 현실주의 예술에 대한 엄격한 지향의 필요성이 사라졌습니다. 또한 현대 미디어, 인터넷, 서적 출판사의 대량 생산은 예술 방송 및 복제에 있어서 엄청난 중요성을 획득했습니다.
현대 문화의 현실도 변했습니다. 최근에는 예술작품 못지않게 생활환경이 예술의 존재형태가 되고 있다. 예술과의 소통은 전문기관에서 일상생활의 영역으로 옮겨가고 있습니다. 예술을 삶에 도입하는 반대 과정도 있습니다. 그 결과 '예술문화'라는 개념이 확대되고 있으며, 이는 고급문화 현상뿐만 아니라 일상문화의 사실까지 포함하여 대중문화의 문제, 사회생활에서의 위치와 역할을 포괄하고 있다. 밀접하게 얽혀 있습니다.
이러한 맥락에서 교사는 미술에 대한 독점적인 평가 권위자이자 정보의 주요 원천으로서의 지위를 상실합니다. 그러나 동시에 학생의 발전과 활동에 대한 주요 지침을 나타내는 네비게이터의 지위를 얻습니다.
D. S. Likhachev는 다음과 같이 썼습니다. “예술은 인간의 삶을 밝히고 동시에 성화시킵니다. 그러나 예술 작품을 이해하는 것은 결코 쉬운 일이 아니다. 당신은 이것을 배워야합니다 - 평생 동안 오랫동안 배워야합니다... 항상 예술 작품을 이해하려면 창의성의 조건, 창의성의 목표, 예술가의 성격과 시대를 알아야합니다. . 보는 사람, 듣는 사람, 읽는 사람은 지식과 정보로 무장해야 합니다. 그리고 특히 디테일의 중요성을 강조하고 싶습니다. 때로는 작은 것들이 우리로 하여금 중요한 것을 꿰뚫게 하기도 합니다. 왜 이런 저런 것이 쓰여지고 그려졌는지 아는 것이 얼마나 중요합니까!”
그러므로 분석할 때 미술품에세이만으로는 성공할 수 없다 자신의 비전예술의 대상. 이러한 배경에서 미술사 교육에 미술사 분석 방법을 사용하는 것이 중요해졌습니다.
MHC 수업에서 사용되는 미술사 분석의 주요 유형은 비교 역사적, 형식적 도상학적, 구조적 분석일 수 있습니다.
1. 비교역사분석
이는 가장 효과적인 분석 유형 중 하나입니다. 이는 한편으로는 사물의 유사점과 차이점을 식별하는 가장 간단한 인지 작업인 비교에 기초하고, 다른 한편으로는 끊임없는 변화의 관점에서 현실을 보는 역사주의 원칙에 기초합니다. 시간.
비교의 결과로 발생하는 가장 단순한 유형의 관계, 즉 동일성(동등성)과 차이의 관계는 관찰 가능하고 생각할 수 있는 모든 대상에 적용 가능합니다. 결과적으로 비교 연산 자체가 세상을 일관성 있는 다양성으로 제시하는 것을 가능하게 한다. 이러한 기본 작업과 적용 결과에 따른 결론은 예술 문화 전체를 이해하는 데 매우 중요합니다.
어떤 문화 현상이든 그 고유성과 특성, 그리고 문화 전체와의 공통성을 모두 살펴보는 것이 필요합니다. 비교는 동적 작업입니다. 처음에는 일종의 반대를 전제로 합니다.
당신의 문화를 이해하려면 마치 외부에서 보는 것처럼 볼 필요가 있습니다.
설명과 달리 비교는 두 대상의 반대를 전제로 하며 이는 보다 창의적으로 생산적입니다. 시간과 스타일이 멀어질수록 표현 수단예술적 언어, 비교를 위해 학생들에게 제공되는 작품일수록 비교하기가 더 쉽고 그 결과가 더 독창적이고 예상치 못한 것일 수 있습니다. 동시에, 적어도 하나의 매개변수에서 작품에는 공통점이 있어야 합니다. 이는 공통 장르(초상화, 풍경, 정물), 형태 유형(고대 이집트 및 메소아메리카 피라미드), 공통 목적 및 기능(다른 문화의 사원, 기념 묘비), 플롯, 도상학적 상수, 형식(세로, 가로, 론도) 등
잠재력의 차이는 학생들이 아직 해당 과목의 특정 문제를 인식하지 못하는 MHC 문제에 대한 첫 번째 단계에서 특히 중요합니다. 학생들은 스타일이 비슷한 것을 비교할 만큼 충분한 경험이 없습니다. 따라서 Kramskoy와 Perov의 초상화를 비교하는 것은 효과적이지 않을 것입니다. 학생들에게 알려지지 않은 사람들의 초상화를 찍고 분석이 완료된 후에야 그들의 운명을 소개하는 것이 더 생산적입니다. 이를 통해 학생들이 분석의 질과 상징적으로 사람을 판단하는 능력에 대해 추가로 성찰할 수 있는 조건을 만듭니다. 다른 사인 시스템의 분야.
비교 역사적 분석 기술은 예술 작품, 시대, 스타일에 대한 학생들의 감정적 이미지를 만들고 기록하는 데에도 사용될 수 있습니다. 따라서 Novgorod와 Vladimir-Suzdal 공국의 사원 건축을 비교하면 차이점, 특징, 공통점을 분리할 수 있으며 결과적으로 둘 다의 이미지를 생성하여 특정 감정을 낳을 수 있습니다. 아이의 코드.
비교역사적 방법의 주요 형태는 다음과 같다.
- 비교 분석;
- 역사적-유형적, 역사적-유전적 비교;
- 상호 영향을 기반으로 유사점을 식별합니다.
비교 및 비교 분석에는 서로 다른 개체를 비교하는 작업이 포함됩니다. 이는 비교가 될 수 있습니다.
- 대규모 문화 지역(동서)
- 문화 지역(러시아 - 서유럽)
- 무대 이질적 문화(전통적인 민속 문화와 "이교-기독교" 유형의 세계 종교 문화)
- 스타일(르네상스-바로크, 바로크-고전주의 등)
- 다양한 유형의 예술과 표현 능력.
이러한 유형의 비교는 크고 뿌리깊은 문제를 식별하는 것을 목표로 합니다.
역사적-유형학적 비교는 기원과 관련이 없는 현상의 공통성을 확인하는 것을 목표로 합니다. 예를 들어, 고대 이집트, 메소포타미아, 중앙아메리카의 문화는 유전적으로 관련이 없으며, 그 유사성은 문명에 속하는 유형학적 특성에 따라 결정됩니다. 고대 세계.
역사적-유형학적 비교에서는 두 가지 보완적 과정, 즉 차이점을 식별하기 위한 분석과 공통성을 인식하기 위한 종합이 중요합니다.
고대 세계 문화의 공통된 특징은 다음과 같습니다.
- 그들의 마법적 성격;
- 위계, 정경성, 전통주의
- 신화에서 테러형 및 동물형 형태의 우세;
- 개인에 대한 집단의 지배.
건축에서는 자연 형태가 재현되고 형상성의 원칙이 우세합니다(피라미드 - 산, 기둥 - 나무, 성소 - 동굴, 궁전 - 동굴 미로).
세계산의 이미지는 우주(지구라트, 피라미드, 스투파)의 일반적인 기본 모델이며, 세계수의 원형은 공간의 상징적 구성의 기초입니다.
역사적-유전적 비교는 공통 조상으로 인한 유사성을 식별하는 것을 목표로 합니다. 교육 활동에서 이 방법은 역사상 두 가지 전환점에서 러시아 문화의 예술적 기반의 급격한 변화와 관련이 있습니다.
기독교의 채택은 비잔틴 대포로의 전환으로 이어졌고, 베드로의 개혁은 여러 단계를 거쳐 일종의 도약을 이루었고 현대 서유럽 예술의 형식 언어를 이미 확립된 체계적 현실로 인식하게 되었습니다.
고대 러시아 건축을 중세 아르메니아, 조지아, 불가리아의 유전적으로 유사한 건축 학교와 비교하면 흥미로운 결론을 도출하고 미적 인식을 풍부하게 할 수 있습니다. 그들의 원래 모델은 비잔티움에서 만들어진 십자가형 돔형 사원입니다. 십자가 돔 교회는 이란에서 내부 벽 부분에 돔을 놓는 기술을 사용하여 형성되었습니다. 서아시아 건축가들에게 친숙한 건물의 체적-공간 건축 원칙은 최초의 기독교 교회 건물의 구성 계획을 개발하는 기초가 되었습니다.
1017-1037년 현자 야로슬라프 아래 키예프에 성 소피아 대성당이 세워졌습니다. 비잔티움에는 이 구조와 직접적인 유사점이 없었지만 대성당의 핵심은 크로스 돔 디자인에 따라 형성되었습니다.
방법론적 관점에서 고대 러시아 건축을 다른 국가 사례와 비교하면 독창성에 대한 이해가 날카로워지는데, 이는 내부 지역 학교인 Vladimir-Suzdal, Novgorod 등의 전통적인 교육에서는 발생하지 않습니다. 학교의 특징은 학생들에게 늙은 러시아 건축의 단조로움에 대한 인상을 줍니다. 국내 예술 문화의 국가적 특성 문제, 독창적인 예술적 성과는 학생들의 관심을 불러일으킵니다. 대조적으로, “우리 조상들은 정확히 무엇을 창조했는가?”라는 질문에 대한 답의 본질을 그들에게 전달하는 것이 더 쉽습니다.
문화의 상호 영향은 또 다른 유형입니다. 비교 분석, 외부 차입의 동화의 유기성과 해석의 독창성을 확인하는 것을 목표로합니다. 이러한 문제를 논의할 때 가장 유익한 개념은 “자신의 발전된 문화를 가진 민족은 외국 문화와의 교차로 인해 독창성을 잃지 않고 오히려 그 문화를 더욱 풍요롭게 만든다”고 믿었던 Y. Lotman의 개념입니다. 신원. 정체성은 다른 사람에 대한 지식이 아니라 자신의 부에 의해 달성됩니다. 그러면 외계인은 더 이상 외계인이 아닙니다.”
2.형식분석
다양한 유형의 미술 언어의 특성을 연구하는 첫 번째 단계는 소위 공식 미술 비평 학교에서 이루어졌습니다. 그녀의 업적은 MHC 교육과 매우 관련이 있습니다. 첫째, 학파의 기본 원리에 기초한 분석은 예술 작품에 담긴 작가의 의도와 시대적 구체적 과제를 이해하는 첫 번째 단계이다. 둘째, 형식분석의 범주를 통해 시각예술의 은유적 언어를 이해하고 학생들의 자발적인 반응과 평가를 확인할 수 있다.
건축, 조각, 회화 작품의 형식 분석 시스템에는 재료, 형식, 크기, 비율, 질감, 빛, 색상, 리듬 및 구성 구성, 디자인, 외부 환경과의 상호 작용, 내부 및 외부 비율과 같은 매개 변수가 포함됩니다. 구조와 공간, 지각과 생활의 임시 지침.
위의 형식 분석 매개변수는 미술 분야의 차세대 표준 텍스트에 포함되어 있습니다. 고등학교. 그러나 불행히도 교사로서 우리는 종종 학생들에게 분석 방법론을 가르치는 것을 잊고 이를 예술 작품에 대한 에세이 설명이나 그에 대한 감정 설명으로 대체합니다. 적어도 한 번은 학생들은 주어진 좌표에서 건축, 조각, 회화 작품을 독립적으로 분석해야 합니다. 그렇지 않으면 활동 기반, 문제 기반 또는 실습 중심 교육에 대해 이야기 할 수 없습니다.
각 예술 유형에 대한 매개변수 세트는 세부 사항에 따라 조금씩 다릅니다.
아키텍처 분석
공간을 조직하는 것이 주된 임무인 건축의 추상적 성격(자연에는 비유가 없음)으로 인해 분석의 주요 요점은 다음과 같습니다.
- 구조의 목적과 기능;
- 절대적인 차원과 환경과의 관계
- 구성을 위해 선택한 재료와 비유적 해석의 특징
- 계획;
- 공간과 대중의 일반적인 조직(우세한 것: 첫 번째 또는 두 번째, 그리고 그 이유는 무엇입니까?)
- 디자인과 아이디어가 담겨있습니다.
- 건물의 규모(사람의 크기, 환경과의 상관관계)
- 비율(건물의 각 부분 사이의 관계와 전체에 대한 관계)
- 리듬(공간과 덩어리, 다양한 공간 셀, 구조의 분할, 개구부 등)
- 정면과 실내 공간의 빛과 그림자 구성;
- 색상과 소리의 역할
- 조각 및 기념비적 회화와의 관계
-구조와 그 안에 흐르는 삶에 대한 인식의 임시 조직.
건축 분석에는 또한 작업에 대한 개인적인 경험이나 계획, 단면도, 풍경 사진, 여러 관점에서 본 정면 사진, 내부 사진 등 매우 많은 양의 시각적 자료가 필요합니다.
회화 분석
그림을 분석할 때 한편으로는 추상화가 아니라 인식 가능한 현실 이미지로 작동하지만, 반면에 그림 이미지는 환상적이라는 점을 고려해야 합니다(즉, 그다지 추상적이지는 않습니다). 2차원 평면의 이미지, 현실에 대한 어떤 해석, 그것의 변형된 이미지.
현실과 줄거리에 대한 인식은 작가의 메시지를 쉽게 해독할 수 있다는 잘못된 인상을 주는 경우가 많습니다. 분석할 때 이 점을 고려해야 합니다. 예술 작품에 적용되는 형식적 분석은 1학년 때 가르치는 줄거리를 원시적으로 다시 말하는 것과 근본적으로 달라야 합니다.
그림 이미지의 유형을 결정하여 분석을 시작하는 것이 좋습니다. 벽화 또는 이젤 그림은 무엇입니까? 다음으로, 그림의 표면인 2차원 평면의 디자인과 관련된 그림 이미지의 그림 및 표현적 장식 기능에 대해 살펴보겠습니다.
크기, 형식(수평, 수직 원 및 기타 옵션) 및 프레임(3차원 개체로서의 프레임)은 환상 이미지와 실제 이미지 간의 관계에 대한 임계 매개변수를 결정합니다.
중요한 은유적, 상징적 범주는 종종 이미지가 적용되는 기반(돌, 나무, 회반죽, 유리) 및 그림이 만들어지는 기술(프레스코, 템페라, 모자이크, 유화, 파스텔 등)과 연관되어 있습니다. . 질감 문제는 표면 디자인의 문제일 뿐만 아니라 이미지 내부 해석의 문제이기도 합니다.
다음 질문은 공간 구성(평면 또는 환상 공간)과 관련되어 있습니다.
- 선, 실루엣, 플라스틱 볼륨, 명암의 해석
- 관점, 수평선 선택;
- 사진의 오른쪽과 왼쪽 구성(원래 입구와 사진 공간의 입구)
-리듬 구조와 구성 전체.
조각 분석
조각의 특징은 현실성과 물질성, 입체적인 볼륨감, 촉각적 영향과 경험에 중점을 둔 점이다. 주요 주제조각은 인간의 형상이고, 그 언어는 언어이다 인간의 몸그리고 표정.
이것은 가장 의인화된 예술 형태 중 하나라고 말할 수 있습니다. 그러나 조각가는 인간의 모습을 실제 형태로 맹목적으로 반복하지 않고 특정 이상적인 현실, 즉 아이디어가 플라스틱 에너지 덩어리의 형태로 구현되는 이상적인 형태를 만듭니다. 사람에게만 초점을 맞추면 분석 매개변수의 수가 크게 제한되고, 다른 한편으로는 각 항목에 대한 매우 심층적인 해석이 필요합니다.
조각의 유형(기념물 조각 또는 작은 조각, 독립형 조각상, 조각상 그룹 또는 부조)을 결정한 후에는 그 크기와 주변 공간과의 관계, 건축 및 인간 규모를 명확하게 기록하여 요점을 식별할 필요가 있습니다. 작성자가 계획한 보기입니다.
조각에서 재료(돌, 청동, 목재, 도자기 및 기타 현대 재료)의 선택은 매우 중요하며 작가의 주요 이념적 입장 중 하나를 보여줍니다. 처리 방법(플라스틱 또는 조각), 절단 가능성 및 색상 은유, 내부 구조(프레임)의 구성, 질량과 구조 및 그 사이의 관계, 역학과 정역학의 관계, 구조적 순간 운동 긴장과 이완의 순간은 주로 그것에 달려 있습니다.
조각에서 받침대(또는 받침대가 없음)의 문제는 회화의 프레임 문제와 유사합니다. 이는 예술 세계와 현실 세계를 연결하는 연결 고리입니다.
조각의 줄거리는 부차적입니다. 특정 줄거리 위에는 전체 조각품에 대한 주요 공통 줄거리, 즉 3차원 형태를 만드는 행위, 인체 생성이 있기 때문입니다.
경험의 범위는 "정적-움직임"이라는 반대에 의해 제한되지만 경험의 강도는 다른 형태의 예술보다 훨씬 높으며 관객의 상당한 의지 집중이 필요합니다. 조각품을 인식하고 분석할 때 이 특징을 고려해야 합니다.
3. 도상학적 분석
"순수한 형태" 외에도 특정 정보 구조로서의 예술은 정보를 저장하고 전달하는 방법이 많을 뿐만 아니라 보는 사람에게 영향을 미치는 방법도 더 많습니다.
경험이 부족한 중세 시청자에게는 예술 언어의 완전히 다른 측면, 즉 전형적인 형식적 음모 계획, 즉 성경의 인물이나 사건 묘사에 대한 도상학이 더 관련성이 높습니다. “계층 구조에 대한 개념이 스며든 중세 의식은 11~2세기에 성자, 상징, 심지어 색상의 계층 구조를 형성했습니다. 이 상징을 모르면 아이콘의 내용을 완전히 이해할 수 없으며 우리를 피할 수 있습니다. 이것은 아이콘의 형상 구조의 기초 중 하나입니다. 그리고 그림에서 색상이 감정적이고 정보를 제공하는 역할을 한다면, 도상학적 계층에서는 표준적인 역할을 합니다.”
교회 예술의 정식 체계는 일종의 슈퍼폼, 슈퍼텍스트로, 시청자에게 매우 빠른 속도로 영향을 미쳐 한편으로는 신성한 이미지의 내용과 그 거룩함, 즉 다른 세계에 속하는 것을 거의 즉각적으로 인식할 수 있습니다. , 반면에.
도상학은 예술 비평에서 예술 언어의 표준적인 측면을 다룹니다. 그 방법은 사람이나 줄거리를 묘사할 때 채택된 유형학적 특징과 패턴의 설명 및 체계화, 사람의 이미지 세트 분석, 특정 시대 또는 운동의 예술 특성입니다.
이 방법을 사용하는 MHC 교사에게는 완성된 결과가 매우 중요하므로 학생들에게 익숙해지는 것이 필요합니다. 이를 통해 학생들은 도상학, 불교와 힌두교의 표준 이미지를 더 잘 "읽고" 이해하고, 북부와 이탈리아 르네상스의 작품을 해독할 수 있으며, 다른 한편으로는 변화에 더 민감하게 될 것입니다. 르네상스 예술의 성취와 엄격하게 규제된 캐논을 거부한다는 사실 자체를 재평가하는 데 도움이 될 것입니다.
예술 비평의 방향으로서의 도상학은 종교 숭배에 의해 확립된 표준뿐만 아니라 예술 작품의 안정적인 플롯과 시각적 모티프(구성 계획, 다이어그램 조각, 주제, 플롯, 속성, 기호 및 문장 기호), 시대에서 시대로, 한 유형의 예술에서 다른 유형으로, 마스터에서 마스터로 전달됩니다. 예술 언어의 이러한 안정적인 요소는 예술 비평의 도상학파에서 형태 기억의 독특한 운반체, 즉 문화의 "숨겨진 의미와 메시지", 암호화된 코드를 포함하는 "상징 형태"로 간주됩니다. 미술.
도상학적 방법의 모든 복잡성에도 불구하고 MHC 수업을 듣는 학생들은 쉽게 접근할 수 있습니다. 사실 어린 시절 동화를 읽은 모든 어린이는 형상 기억에 대한 특정 기본 지식을 가지고 있습니다. 신화, 서사시, 동화의 신과 영웅들은 그들의 기능을 수행하는 데 도움이 될 뿐만 아니라 종종 생명력을 담고 있는 특별한 마법적 속성을 지닌 물건을 가지고 있다는 것을 누구나 알고 있습니다.
속성의 불변성은 신화적 인물이 통합적인 이미지를 잃고 단편적인 형태로 후속 시대의 문화에 계속 존재하는 경우에 사용될 수 있습니다. 이 경우 속성은 많은 문화적 현상을 해석하기 위한 지침 역할을 할 수 있으며 겉보기에 양립할 수 없는 이미지의 연속성을 추적하는 데 도움이 될 수 있습니다.
구조 분석
구조 분석은 기호 체계를 기반으로 수행되므로 기호학(기호 체계의 과학) 및 의미론(의미의 과학)과 밀접한 관련이 있습니다. 문화 코드, 이항 대립, 원형, 신화와 같은 개념과 관련된 기호 및 상징 시스템의 개발 패턴 관점에서 예술사를 고려하면 한편으로는 의미 론적, 실질적인 구성 요소를 강화할 수 있습니다. 애초에 십대를 걱정하게 만드는 예술 문화 연구와 다른 한편으로는 이 내용에 대한 개인적인 독해를 강조합니다.
가치 지향의 관점에서 전 세계 예술 문화의 통일성을 이해하는 것은 외국 문화의 형태와 가치에 대한보다 관용적인 태도의 발전으로 이어집니다. MHC 프레임워크 내에서 독립적인 교육 및 프로젝트 활동 과정에서 세계수, 길, 대지, 그림자, 현명한 노인, 현명한 노인, 아니마, 영웅, 안티 히어로 등 모든 문화에 공통된 프로토타입은 학생들의 개인적인 관심을 높이기 위한 학습 및 작업의 활동 구성 요소입니다.
구체적인 사물은 구체성을 잃지 않으면서도 다른 사물과 개념의 기호(코드)가 되어 상징적으로 대체될 수 있다.
가장 오래된 것 중 하나는 기하학적 기호의 코드와 이와 밀접하게 관련된 수치적 상징입니다.
코드는 확대/축소, 식물, 색상, 식품, 화학, 숫자, 기하학적 등 매우 다를 수 있습니다.
MHC 수업에서 사용될 때 구조 분석은 변환 작업이 가장 중요하기 때문에 중요하며 이는 학생들의 사고를 발전시키는 측면에서 매우 중요합니다. 기본 객체 세트 식별, 객체를 기본 요소로 분할, 변환 관계 식별과 같은 작업을 수행함으로써 학생들은 분석 능력, 일반을 볼 수 있는 능력, 지식을 구조화하고 체계화하는 능력을 개발합니다.
세계 예술 문화 과정의 발전 잠재력은 주제 자체의 이념적 성격, 창의성 및 자기 지식과 직접적인 관련이 있습니다. 이러한 조건에서 교사는 학생의 독립적 작업에 대한 일종의 관심있는 관찰자이자 동반자가됩니다.
미술사 분석을 통해 학생들은 문화 기념물에 대한 체계적인 지식을 바탕으로 사고 과정의 방향을 선택하고 인류의 영적 발전에 대한 전체적이고 다차원적인 그림에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다. , 자체 개발 버전을 개발합니다. MHC 교사는 미술사 분야에 대한 다양한 전문 지식을 갖추고 있어야 합니다. 단 하나의 교육 대학도 "MHC 교사"라는 전문 분야를 준비하지 않기 때문에 이는 특히 문제가 됩니다. 오늘날 감히 이 과목을 가르치는 교사들은 엄격하고 지속적인 자기 교육을 받습니다. 이는 교육 방법뿐만 아니라 미술사 주제 자체에 대한 연구에도 적용됩니다.
예술 작품의 분석을 형식과 내용의 틀, 또는 수필적 인식으로 제한하는 것은 예술의 대상을 연구하는 것은 말할 것도 없고 알아가는 유일한 방법이 될 수 없습니다.
반면에 예술 작품에 대한 분석은 사실 분야에 대한 광범위한 지식과 기본 이론적 기초 없이는 불가능합니다. 이 경우 다양한 유익하고 유익한 과제 카드, 교육 검색 방법 사용, 정보 기술 사용이 큰 역할을 할 수 있습니다. 실제로 사회가 정보화 시대로 접어들면서 MHC 교사에게 없어서는 안될 요구 사항 중 하나는 정보를 획득하고, 사용하고, 사용하는 다양한 방법(교육용 컴퓨터 프로그램, 인터넷, 시청각 미디어 등)을 숙달하는 것입니다.
이러한 조건에 따라 학교에서 MHC를 가르치는 것은 생산적인 교육 문제를 해결하는 데 도움이 될 것이며, 이를 통해 어린이는 독립적으로 문제 공식을 구성하고 실제 상황에서 문제 해결을 분석하여 생산적인 비판적 사고를 개발할 수 있습니다.
