2019년 12월 27일시 전시 홀(Gagarin Boulevard, 19)에서 "민속 대가들이 새해 복 많이 받으세요!"라는 예술 및 공예품 전시회를 엽니다.

그 이름은 이미 그 자체로 말해줍니다. 방문객들은 지역 통합 대회 "크리스마스 트리 in 휴일 시간– 2020”.

센터 "Folk Art"는 "Bryansk의 도자기 바퀴"전시를 발표합니다.

2019년 12월 25일 City Exhibition Hall (Gagarina Boulevard, 19)에서 가장 오래된 민속 공예 인 도자기에 전념 한 우리 지역의 주인들의 작품을 대표하는 예술 및 공예품 전시회 "Bryansk의 도자기 서클"이 열립니다.

브랸스크 지역의 민속 대가들은 국가 통일의 날을 기념하는 축제 행사에 참여했습니다.

2019년 11월 4일 민속 공예가브랸스크 지역 참여 축제 행사민족 통일의 날에 헌정합니다.

Druzhba 콘서트 홀 홀에서 우리 지역에 거주하는 다양한 국적의 문화와 전통에 전념하는 예술 공예품 전시회가 조직되었습니다.

Bryansk 지역의 마스터는 "예술의 밤 - 2019"에 참여했습니다.

11월 3일 Bryansk 지역 감리 센터 "Folk Art"와 함께 시 전시 홀에서 전 러시아 활동 "예술의 밤"의 일환으로 장식 및 응용 예술의 마스터 클래스가 개최되었습니다. 거의 100명이 참여했습니다.

Dubrovskaya 공예가는 "By Hands of a Woman" 국제 장식 및 응용 예술 박람회의 우승자 중 한 명이었습니다.

2019년 11월 3-4일제2회 국제 예술 공예 박람회 "By Hands of a Woman"이 WTC 의회 센터(모스크바)에서 개최되었습니다.

Bryansk 지역은 두브로브 공예가 Ageeva인 Larisa Vasilievna가 대표했으며, 그는 "Bryansk 상공회의소" 연합으로부터 상품권을 받았습니다. Golden Hands"가 브랸스크에서 개최되었습니다.

민속 마스터는 "예술의 밤 - 2019"에 참가합니다.

2019년 11월 3일예술의 밤은 러시아에서 일곱 번째로 개최됩니다. 액션의 모토는 "Art unites"입니다.

Bryansk 문화 기관은 다시 옆으로 서지 않았습니다. 그래서 시 전시관과 브랸스크 지역 방법론 센터 "민속 예술"은 이 날 공동 행동을 취하고 장식 및 응용 예술의 전통에 대한 사랑과 열정으로 모든 사람을 하나로 묶기로 결정했습니다.

Bryansk 마스터의 작품은 Tver의 All-Russian 전시회 리뷰 "Salute of Victory"에서 수상자 학위를 수여했습니다.

2019년 10월 16일박물관 및 전시 센터에서. Tver 지역 민속 예술 하우스의 L. Chaikina, 아마추어 예술가와 중서부 연방 지구 "승리의 경례"의 예술 및 공예 마스터에 대한 전 러시아 전시회 검토의 지역 간 무대 개막, 대승리 75주년을 기념하는 애국 전쟁 1941-1945

전시회는 추바시아 공화국, 벨고로드, 브랸스크, 블라디미르, 볼로그다, 보로네시, 이바노보, 칼리닌그라드, 칼루가, 쿠르스크, 레닌그라드, 리페츠크, 무르만스크, 노브고로드, 오리올, 프스코프, 랴잔, 스몰렌스크, 탐보프, 트베르의 24개 박람회를 선보입니다. , Yaroslavl 지역, St. Petersburg 및 Nenets Autonomous Okrug.

Dubrovskaya 공예가는 "By Hands of a Woman" 국제 페스티벌 - 장식 및 응용 예술 박람회에 참가합니다.

2019년 11월 3-4일 WTC 의회 센터(모스크바)는 제2회 국제 예술 공예 박람회 "By Hands of a Woman"을 개최합니다.

Dubrovsky 지역의 공예가인 Larisa Ageeva는 지역 예술 및 공예품 경연 대회 "Golden Hands of the Woman-2019"에서 그랑프리를 수상했으며 이 국제 축제 박람회 현장에서 Bryansk 지역 대표가 됩니다. .

Bryansk 마스터의 작품은 Tver의 All-Russian 전시회 리뷰 "SALUT OF VICTORY"에서 발표됩니다.

2019년 10월 14일부터 10월 16일까지 박물관 및 전시 센터에서. Tver Regional House of Folk Art의 L. Chaikina는 위대한 애국 전쟁의 승리 75주년을 기념하는 전 러시아 전시 리뷰 "SALUT OF VICTORY"의 구역 무대를 주최합니다.

이 전시회는 전 러시아 민속 예술 축제 "승리의 경례"의 틀 내에서 개최됩니다.

Bryansk 마스터는 Tenishevsky 축제에 참여했습니다.

9월 21일제2회 테니셰프 축제가 테니셰프의 장원 공원에서 열렸다.

장식 및 응용 예술은 예술 활동의 다양한 영역을 다루고 실용적인 항목의 제작에 중점을 둔 광범위한 예술 섹션입니다. 그러한 작품의 미적 수준은 일반적으로 상당히 높습니다. 집합적인 용어는 응용 예술과 장식 예술의 두 가지 유형을 결합합니다. 첫 번째는 실제 적용의 징후가 있고 두 번째는 인간 환경을 장식하도록 설계되었습니다.

창의성과 유용성

응용 예술 - 무엇입니까? 우선, 이들은 예술적 양식에 가까운 특성을 가진 오브제이며 그 목적이 매우 다양합니다. 고급 도자기로 만든 꽃병, 주전자, 접시 또는 세트 및 기타 많은 품목이 거실, 주방 세트, 침실 및 어린이 방을 장식합니다. 일부 항목은 실제 예술 작품일 수 있지만 응용 예술 범주에 속합니다.

광범위한 활동

응용미술 - 대가의 관점에서 본 것은 무엇인가? 노동 집약적인 창작 과정인가 아니면 즉석 재료로 만든 단순한 공예인가? 예술 작품최고의 찬사를 받을 만하다. 제품의 실용적인 목적은 제품의 장점을 손상시키지 않습니다. 장식 및 응용 예술은 예술가와 조각가, 디자이너 및 스타일리스트에게 광범위한 활동 분야입니다. 단일 사본으로 만들어진 독점적인 예술 작품은 특히 높이 평가됩니다. 동시에 대량 생산된 제품은 기념품으로 분류됩니다.

집안의 장식

장식 및 응용 예술 - 가정 환경의 미적 채우기의 일부로 간주하면 무엇입니까? 주변에 있는 모든 제품과 사물은 아름다운 것으로 자신을 둘러싸고자 하는 만큼 가까운 사람의 취향을 반영한다고 해도 과언이 아닙니다. 장식 및 응용 예술은 주택, 사무실 공간, 레크리에이션 공간을 장식하는 것을 가능하게 합니다. 어린이를위한 방 디자인에 특별한주의를 기울입니다.

그리고 마지막으로 응용 예술 - 대중이 이해하는 것은 무엇입니까? 이들은 사람들에게 문화를 소개하는 전시회, 베르니사쥬, 박람회 및 기타 많은 공개 행사입니다. 미술과 공예는 인간 발달 수준을 높이고 미적 취향의 형성에 기여합니다. 또한 박람회를 방문하면 전반적인 시야가 넓어집니다. 응용 미술의 각 전시회는 예술적 창의성 분야에서 새로운 업적을 가진 일반 대중의 지인입니다. 이러한 행사는 젊은 세대의 교육에서 특히 중요합니다.

약간의 역사

민속 예술과 공예품은 러시아 마을에서 시작됩니다. 국내 장인의 단순 공예품은 종종 "민속 공예품" 카테고리의 제품으로 분류됩니다. 민속 스타일의 좋은 예는 소위 칠해진 수평아리, 인형, 붉은 점토 장식품입니다.

어업은 과거에 뿌리를두고 있으며 400 년이 넘습니다. 덕분에 고대 응용 예술이 나타났습니다. 민속 휴일"휘파람"은 전체 여성 인구가 닭, 양, 말의 형태로 오늘날의 점토 휘파람을 조각할 때입니다. 파티는 이틀 동안 계속되었습니다.

시간이 지남에 따라 휴일은 의미를 잃었고 민속 예술과 공예품은 계속 발전했습니다. 현재 Dymkovo 예술 제품은 Vyatka Toy 생산 협회에서 복제되고 있습니다. 제품은 전통적으로 백색 도료로 덮여 있으며 밝고 풍부한 색상으로 칠해져 있습니다.

미술

원래 형태의 민속 예술 제품은 원칙적으로 기초가됩니다. 동화 캐릭터, 러시아 마을 주민들이 발명 한 유명한 Palekh 관, Zhostovo 쟁반, 나무 Khokhloma 제품에 표시됩니다. 러시아의 응용 예술은 다양하고 각 방향은 고유 한 방식으로 흥미롭고 러시아 마스터의 제품은 외국 수집가들 사이에서 수요가 많습니다.

"수요가 공급을 낳습니다"-이 문구는 러시아 민속 공예 분야의 상황을 완벽하게 반영합니다. 예를 들어, Gzhel 스타일의 예술 제품은 수세기 동안 전 세계적으로 인기가 있었습니다. 명물인 흰색과 파란색의 화병, 접시, 찻그릇은 어느 집에나 탐나는 물건이며 특히 귀중한 표본은 수집가의 자부심입니다. 응용 예술이 무엇인지, 즉 작업, 공예 또는 예술적 창의성이 무엇인지는 여전히 불분명합니다. 사실 제품 하나하나가 만들어지기 위해서는 어느 정도의 노력이 필요하고 동시에 이미지에 예술적 가치를 부여해야 합니다.

어린이 방의 응용 미술

어떤 경우에는 예술적 창의성의 주제가 젊은 세대를 대상으로 할 수 있습니다. 특히 가치 있는 것은 아이들의 손으로 만든 제품입니다. 소년 소녀 고유의 자발성 취학 전 연령, 순진한 환상과 내면의 감정을 표현하려는 욕망이 만나 진정한 걸작이 탄생합니다. 그림, 플라스틱 인형, 판지 작은 남자로 대표되는 어린이 예술과 공예는 가장 진정한 예술적 창의성입니다. 오늘날 러시아 전역에서 소규모 "예술가"와 "조각가"가 참여하는 대회가 열립니다.

현대 러시아 응용 미술

사진, 단검, 에칭, 판화, 판화 및 기타 많은 예도 예술적 창작물입니다. 제품은 매우 다를 수 있습니다. 동시에 그들은 모두 대중에 속해 있으며 문화 생활일반 이름으로 - 장식 및 응용 예술. 이 지역의 작품은 특별한 민속 스타일로 구별됩니다. 모든 예술 공예품이 러시아 배후지, 마을 및 마을에서 시작된 것은 아무 것도 아닙니다. 작품에서 흔히 볼 수 있는 본연의 소박함과 소박함의 완전한 부재는 제품에서도 찾아볼 수 있다. 미술. 동시에 민속 예술의 예술적 수준은 상당히 높습니다.

러시아에서 예술과 공예는 국가 경제력의 일부입니다. 다음은 접수된 민속공예품의 주요 분야 목록이다. 세계 인정산업 규모로 수출됩니다.

1. 나무 바닥에 래커 미니어처(Palekh, Mstyora, Fedoskino).
2. 금속에 Zhostovo 아트 페인팅, Limoges 에나멜, 에나멜.
3. Khokhloma, Gorodets, 나무에 Mezen 예술 그림.
4. Gzhel, Filimonovo 장난감, Dymkovo 장난감 - 도자기에 예술적 그림.

팔레크

Palekh 민속 공예품은 20 세기 초 러시아의 열린 공간에 나타났습니다. 옻칠의 예술은 Palekh라고 불리는 Ivanovo 지방의 작은 마을에서 시작되었습니다. 이 공예는 페트린 이전 시대에 뿌리를 둔 아이콘 페인팅 예술의 연속이었습니다. 나중에 Palekh의 주인은 모스크바 크렘린, Novodevichy 수녀원, Trinity-Sergius Lavra 대성당의 그림에 참여했습니다.

1917년 혁명으로 아이콘 페인팅이 폐지되고 예술가들은 일을 하지 못하게 되었습니다. 1918년에 장인들은 목공예품이 그려진 Palekh artel을 만들었습니다. 그런 다음 장인들은 종이 상자를 만들고 전통적인 아이콘 페인팅 기술을 사용하여 미니어처 스타일로 페인트하는 방법을 배웠습니다.

1923년에는 옻칠 미니어처가 전 러시아 농업 및 산업 전시회에 출품되어 2급 학위를 받았습니다. 그리고 2년 후, 팔레크 관은 파리 세계 박람회에서 전시되었습니다.

특이한 예술 제품의 성공은 소련 예술 기금에서 "Palekh Artists Union"및 "Palekh Art Workshops"조직을 창설하는 동기가되었습니다.

페도스키노

이 단어는 18세기 후반 모스크바 인근 페도스키노 마을에 나타난 공예품을 사용한 러시아 옻칠과 관련이 있습니다. 그림은 papier-mâché 제품에 적용된 다음 여러 레이어로 바니시되었습니다.

Fedoskino 미니어처 예술의 시작은 독일 도시 Braunschweig를 방문하여 그림 같은 그림으로 장식 된 스너프 상자, 구슬, 관 및 기타 품목을 만드는 기술을 채택한 러시아 상인 P. I. Korobov에 의해 시작되었습니다.

페도스키노 래커 미니어처 도색 중 유성 페인트네 단계로: 먼저 그림의 스케치가 만들어지고("페인팅"), 그 다음 자세한 연구("다시 칠하기"), 유약 - 투명 페인트로 코팅, 마지막 프로세스 - 이미지의 하이라이트와 그림자를 전달하는 눈부심 .

Fedoskino 드로잉 기술은 금속 분말 또는 금박과 같은 반사 구성 요소의 색조 레이어를 사용합니다. 어떤 경우에는 주인이 자개 안감을 만들 수 있습니다. 안감과 함께 투명한 글레이징 페인트가 독특한 딥 글로우 효과를 만듭니다. 잉크 레이어는 검정색 배경으로 밑줄이 그어집니다.

음스티오라

소위 러시아어 민속 공예, 블라디미르 지방에서 18 세기 중반에 나타났습니다. 모든 것이 "작은 글자"로 시작되었습니다. 가장 작은 세부 사항을 가진 미니어처 아이콘입니다. 1917년 혁명 이후 아이콘 페인팅이 필요하지 않게 되자 mstyora는 종이 상자로 만든 관과 상자로 전환했습니다. 그림은 계란 노른자 위에 혼합하여 적용되었습니다. 20 세기 중반까지 mstyora의 옻칠 미니어처 기술이 마침내 형성되었습니다.

그림 그리기의 기본 원리는 트레이싱 페이퍼에서 제품 표면으로 일반적인 윤곽을 전송 한 다음 "열림"이 따라 그림 자체를 그리는 것입니다. 다음 단계는 디테일 페인팅입니다. 그리고 마지막으로 "녹음" - 생성된 금(가장 작은 금 가루)을 포함하는 눈부심이 있는 최종 착색. 완성된 제품은 중간 건조와 함께 6층으로 투명 바니시로 덮인 다음 광택 처리됩니다.

Mstyora 그림의 특징은 카펫 장식, 정교한 음영 및 채색에 사용되는 세 가지 색 구성표(황토색, 빨간색 및 은청색)입니다. 그림의 주제는 고전입니다: 동화, 역사적 기념물, 건축.

조스토보

Zhostovo의 민속 공예품은 특별한 스타일로 칠해진 금속 쟁반입니다. Zhostovo 예술은 모스크바 지역의 Trinity volost 마을에서 19세기 초에 태어났습니다. 3개 마을(Ostashkovo, Zhostovo 및 Khlebnikovo)의 주민들은 papier-mâché 페인팅 항목을 만들기 시작했습니다. 그리고 Vishnyakov 형제의 워크샵에서 그들은 다채로운 패턴의 주석으로 쟁반을 만들기 시작했습니다.

Vishnyakovs의 가격 목록에는 금속과 종이로 만든 24가지 품목이 포함되어 있으며, 모두 페인트 칠이 되어 있고 다채롭게 디자인되어 박람회에서 수요가 많았으며 페인트 트레이는 항상 전경에 있었습니다.

Zhostovo 그림은 정원 꽃다발, 임의의 꽃, 화환, 고리버들 화환과 같은 여러 버전의 꽃 테마입니다. 현장 식물은 별도의 구성을 구성했습니다.

트레이의 꽃다발은 작은 세부 사항에 대한 세심한 연구로 인해 자연스럽게 보입니다. 이 경우 색상 팔레트는 최대한 포화 상태로 사용됩니다. 배경은 일반적으로 검은 색이고 트레이의 가장자리는 투각 장식으로 장식되어 있으며 식물 또는 목재 구조로 양식화되어 있습니다. Zhostovo 트레이는 항상 손으로 칠하며 독점적인 예술 작품입니다.

코클로마

이 이름은 17세기 초로 거슬러 올라가는 러시아 민속 공예에 주어졌습니다. Khokhloma 회화는 현재 존재하는 모든 기술 중에서 가장 복잡하고 비용이 많이 듭니다. 예술적 응용 예술은 목재 가공, 다층 프라이밍 및 유성 페인트 페인팅과 관련된 길고 창의적인 과정입니다.

Khokhloma 제품을 만드는 과정은 공백으로 시작됩니다. 먼저 장인, 즉 도끼로 나무 블록을 자릅니다. 그런 다음 공작물은 기계에서 원하는 크기와 모양으로 처리됩니다. 가공된 블랭크를 "린넨"이라고 합니다. 연삭 후 특수 액체 점토로 코팅하고 건조합니다. 그런 다음 이미 프라이밍 된 공작물을 중간 건조와 함께 여러 층의 아마 인유로 덮습니다. 그 다음 주석 도금을 하거나 알루미늄 분말을 표면에 문지르면 제품이 백색 거울 색상이 됩니다. 이 단계에서는 이미 페인팅할 준비가 되어 있습니다.

Khokhloma의 주요 색상은 검정색과 빨간색(그을음 및 진사)이고 보조 색상은 금색, 갈색, 밝은 녹색 및 노란색입니다. 이 경우 스트로크가 거의 눈에 띄지 않는 터치로 적용되기 때문에 매우 얇은 브러시(다람쥐 꼬리로만 제작)가 사용됩니다.

그림의 주제 내용은 마가목 열매, 가막살나무속, 딸기, 작은 잎사귀, 얇고 약간 구부러진 녹색 줄기입니다. 모든 것이 밝고 강렬한 색상으로 그려지며 윤곽이 명확하게 표시됩니다. 이미지는 대비의 원리를 기반으로 합니다.

그젤

이것은 예술적 도자기 생산을위한 전통적인 러시아 센터 인 가장 인기있는 민속 공예품입니다. 그것은 모스크바에서 60km 떨어진 Gzhel Bush라는 일반 이름으로 27개의 마을로 구성된 광대한 지역을 차지합니다.

태곳적부터 Gzhel 지역은 약국에 적합한 고급 점토 매장지로 유명했습니다. 1770년에 Gzhel volost 토지는 약품 주문에 할당되었습니다. 동시에 Gzhel 마을에서는 모스크바를 위한 벽돌, 도자기 파이프, 스토브 타일 및 어린이 장난감 생산을 시작했습니다.

Gzhel 점토로 만든 접시는 특히 좋고 가볍고 내구성이 뛰어납니다. 19세기 초, 본당에는 25개의 식기 생산 공장이 있었습니다. 모스크바의 근접성은 점토 제품 생산의 발전을 자극했으며 수도의 박람회에서 무수한 그릇, 접시, 접시 및 기타 주방 용품이 판매되었습니다.

당시 Gzhel 장난감은 쓰레기 도구로 만들어졌습니다. 찰흙이 아무리 남아도 모두 수탉, 암탉, 양, 염소를 만드는 데 사용되었습니다. 처음에는 수공예 작업장이 혼란스럽게 진행되었지만 곧 특정 생산 라인이 윤곽이 잡혔습니다. 특히 기념품을 위해 원자재를 수확하기 시작했으며, 장인들도 가장 인기 있는 제품의 프로필을 전문으로 다루었습니다.

하얗게 빛나는 말과 인형들이 그려져 있었다. 다른 색상만능 도료인 코발트가 등장하기 전까지. 강렬한 밝은 파란색은 공작물의 순백색 에나멜과 가장 잘 어울립니다. 지난 세기의 50 년대에 예술가들은 다른 모든 색상을 완전히 포기하고 유약을 칠한 파란색 코발트 착색을 사용하기 시작했습니다. 동시에 그림의 동기는 주제에 따라 매우 다를 수 있습니다.

기타 공예품

러시아 민속 예술 공예품의 범위는 비정상적으로 넓습니다. 여기 산재된 요소로 예술적인 Kasli 주조 및 엠보싱이 있습니다. Intarsia 및 상감 세공 기술을 사용하면 멋진 그림과 패널을 만들 수 있습니다. 러시아 응용 예술은 국가의 광대 한 문화적 계층, 사회의 재산입니다.

얼굴이 없는 대량 생산품과 달리 핸드메이드 제품은 항상 독특합니다. 능숙하게 만든 가정 용품, 옷, 인테리어 요소는 비쌉니다. 그리고 옛날에 그런 것들이 실용적인 물건이었다면 오늘날에는 예술의 범주에 들어섰습니다. 좋은 장인이 만든 아름다운 것은 언제나 가치가 있습니다.

에 지난 몇 년응용 예술의 발전은 새로운 자극을 받았습니다. 이러한 추세는 고무적입니다. 나무, 금속, 유리 및 점토, 레이스, 직물, 보석, 자수, 장난감으로 만든 아름다운 요리 - 수십 년의 망각 후에이 모든 것이 다시 관련성이 있고 유행하며 수요가 많습니다.

모스크바 민속 예술 박물관의 역사

1981년 모스크바의 Delegatskaya Street에 장식, 응용 및 민속 예술 박물관이 문을 열었습니다. 그의 컬렉션은 제품의 독특한 샘플로 구성되었습니다. 스스로 만든과거의 국내 마스터뿐만 아니라 최고의 작품현대 예술가들.

1999 년에 다음과 같은 중요한 이벤트가 발생했습니다. 전 러시아 장식, 응용 및 민속 예술 박물관은 Savva Timofeevich Morozov의 이름을 딴 민속 예술 박물관 전시품을 컬렉션으로 수락했습니다. 이 컬렉션의 핵심은 1917년 혁명 이전에 형성되었습니다. 그 기초는 최초의 러시아 민족지 박물관의 전시물이었습니다. 1885년에 문을 연 소위 수공예 장식 및 응용 예술 박물관이었습니다.

박물관에는 미술 이론과 역사에 관한 희귀 도서를 접할 수 있는 전문 도서관이 있습니다.

박물관 소장품

전통 공예품을 체계화하여 학과로 구분한다. 기본 주제 영역- 도자기 및 도자기, 유리, 보석 및 금속, 뼈 및 나무 조각, 직물, 래커 미니어처 및 고급 재료입니다.

공개 기금 및 창고의 장식 및 응용 예술 박물관에는 120,000개 이상의 전시품이 있습니다. 러시아 아르누보는 Vrubel, Konenkov, Golovin, Andreev 및 Malyutin의 작품으로 대표됩니다. 지난 세기 2/4분기의 소비에트 선전 도자기 및 직물 컬렉션은 광범위합니다.

현재이 민속 예술 및 공예 박물관은 세계에서 가장 중요한 박물관 중 하나로 간주됩니다. 높은 예술적 가치를 지닌 가장 오래된 전시품은 16세기로 거슬러 올라갑니다. 박물관의 컬렉션은 개인의 기부와 소비에트 권력 기간 동안 국가 기구의 책임 있는 관리의 노력을 통해 항상 적극적으로 보충되었습니다.

따라서 N. L. Shabelskaya가 수집 한 러시아, 동양 및 유럽 직물의 대규모 컬렉션을 박물관에 제공 한 프랑스 시민 P. M. Tolstoy-Miloslavsky의 관대함 덕분에 직물의 독특한 전시가 형성되었습니다.

소련 예술의 뛰어난 인물인 Leonid Osipovich Utyosov와 배우자 Maria Mironova와 Alexander Menaker가 두 개의 대규모 도자기 컬렉션을 박물관에 기증했습니다.

모스크바 응용 예술 박물관(Moscow Museum of Applied Arts)은 다양한 시대의 러시아인들의 삶에 전념하는 홀을 자랑합니다. 여기에서 다양한 계급의 대표자의 주거에 대해 알 수 있습니다. 가구, 기구, 농민 및 도시 거주자의 의복, 어린이 장난감이 보존, 복원 및 전시되어 있습니다. 건축물과 지붕 봉우리의 조각된 장식, 타일로 된 난로, 상자는 물건을 편리하게 보관할 수 있을 뿐만 아니라 침대로도 사용되며 적절한 크기로 만들어져 조용하고 측정되고 잘 먹힌 삶의 그림을 연상시킵니다. 러시아 아웃백.

옻칠 미니어처

응용 예술로서의 옻칠 미니어처는 18세기와 19세기에 절정에 이르렀습니다. 아이콘 페인팅 워크샵으로 유명한 도시는 주요 방향에 거주 허가를주는 예술 센터가되었습니다. 이들은 Palekh, Mstyora, Kholuy 및 Fedoskino입니다. papier-mâché로 만든 관, 브로치, 패널, 상자는 유성 페인트 또는 템페라로 칠하고 니스 칠했습니다. 그림은 동물, 식물, 동화 및 서사시의 캐릭터 이미지를 양식화했습니다. 예술가, 옻칠 미니어처의 대가, 페인트 아이콘, 주문에 따라 초상화를 만들고 장르 장면을 그렸습니다. 각 지역마다 고유 한 문체를 개발했지만 우리나라의 거의 모든 유형의 응용 예술은 채도 및 밝기와 같은 특성으로 통합되었습니다. 그림의 자세한 정교함, 부드럽고 둥근 선 - 이것이 러시아 미니어처를 구별하는 것입니다. 과거의 장식적 응용미술의 이미지가 현대 미술가들에게도 영감을 준다는 점은 흥미롭다. 빈티지 디자인은 종종 패션 컬렉션을 위한 패브릭을 만드는 데 사용됩니다.

나무에 아트 페인팅

Khokhloma, Mezen 및 Gorodets 그림은 러시아뿐만 아니라 해외에서도 알아볼 수 있습니다. 이러한 기술 중 하나로 칠해진 가구, tuesas, 상자, 숟가락, 그릇 및 기타 가정 용품은 러시아의 의인화로 간주됩니다. 검은색, 빨간색 및 녹색황금색 배경에서는 거대하고 무거워 보입니다. 이것은 Khokhloma의 특징적인 스타일입니다.

Gorodets 제품은 색상의 다중 색상 팔레트와 Khokhloma에 비해 약간 작은 형태의 원형으로 구별됩니다. 플롯으로 장르 장면과 동물 및 식물 세계의 모든 종류의 가상 및 실제 대표자가 사용됩니다.

아르한겔스크 지역의 예술과 공예, 특히 나무에 그린 메젠 그림은 특별한 문양으로 장식된 실용적인 아이템입니다. Mezen 마스터는 검은 색과 빨간색, 즉 그을음과 황토, 분수의 두 가지 색상 만 작업에 사용합니다. 개략도화, 관, 상자, 말과 사슴의 잘린 형상을 반복하여 테두리 형태의 프리즈. 작고 자주 반복되는 정적인 패턴은 움직이는 느낌을 불러일으킵니다. 메젠 그림은 가장 오래된 그림 중 하나입니다. 현대 예술가들이 사용하는 그림은 러시아 국가가 출현하기 오래 전에 슬라브 부족이 사용했던 상형 문자 비문입니다.

목공예가는 단단한 막대에서 물건을 만들기 전에 나무가 갈라지고 마르지 않도록 처리하여 제품 수명이 매우 깁니다.

조스토보 트레이

꽃으로 칠한 금속 쟁반은 모스크바 근교 조스토보의 응용미술이다. 한때 독점적으로 실용적인 목적을 가졌던 Zhostovo 트레이는 오랫동안 실내 장식으로 사용되었습니다. 검정, 녹색, 빨강, 파랑 또는 은색 배경에 큰 정원과 작은 야생 꽃의 밝은 꽃다발은 쉽게 알아볼 수 있습니다. Zhostovo의 특징적인 부케는 이제 차, 쿠키 또는 과자로 금속 상자를 장식합니다.

에나멜

에나멜과 같은 예술과 공예는 금속에 그림을 그리는 것을 말합니다. 가장 유명한 것은 Rostov 마스터의 제품입니다. 투명 내화 도료는 구리, 은 또는 금판에 도포한 후 가마에서 소성합니다. 핫 에나멜 공법에서는 법랑이라고도 하여 장신구, 접시, 무기 손잡이, 수저 등을 만듭니다. 고온의 영향으로 도료의 색이 변하기 때문에 장인은 도료를 다루는 과정의 복잡성을 이해해야 합니다. 대부분의 경우 꽃 모티브가 플롯으로 사용됩니다. 가장 경험이 풍부한 예술가들은 인물과 풍경의 초상화로 미니어처를 만듭니다.

마졸리카

모스크바 응용 예술 박물관에서는 세계 회화의 거장들의 독특한 방식으로 제작된 작품을 볼 수 있는 기회를 제공합니다. 예를 들어 홀 중 하나에는 Vrubel의 마졸리카가 있습니다. 벽난로 "Mikula Selyaninovich and Volga"가 있습니다.

마졸리카는 황토로 만든 제품으로 법랑질에 칠해 초고온의 특수 화덕에서 굽는다. 야로슬라블 지역에서는 순수한 점토가 많이 매장되어 있기 때문에 예술과 공예가 널리 보급되고 발전되었습니다. 현재 Yaroslavl 학교에서는 어린이들이 이 플라스틱 재료로 작업하는 방법을 배웁니다. 어린이 응용 미술은 고대 공예의 두 번째 바람이며 민속 전통에 대한 새로운 시각입니다. 그러나 이것은 국가 전통에 대한 찬사만이 아닙니다. 점토 작업은 미세 운동 기술을 개발하고 시야각을 확장하며 정신신체 상태를 정상화합니다.

그젤

순수 예술과 달리 장식 및 응용 예술은 실용적이고 경제적인 적용을 포함합니다. 예술가들이 만든항목. 도자기 찻주전자, 꽃과 과일 꽃병, 촛대, 시계, 수저 손잡이, 접시 및 컵은 모두 매우 정교하고 장식적입니다. Gzhel 기념품을 기반으로 니트 및 섬유 재료에 지문이 만들어집니다. 우리는 그젤이 흰색 바탕에 파란색 문양이라고 생각했는데, 처음에는 그젤 도자기가 다색이었다.

자수

직물 자수는 가장 오래된 바느질 작업 유형 중 하나입니다. 처음에는 귀족의 옷과 종교 의식을 위한 천을 장식하기 위해 설계되었습니다. 이 민속 예술과 공예는 동양 국가에서 우리에게 왔습니다. 부자들의 옷은 색 비단과 금실과 은실과 진주와 보석그리고 동전. 가장 가치 있는 것은 물감 문양으로 그린 ​​것 같은 부드러움이 있는 작은 바늘땀 자수이다. 러시아에서는 자수가 빠르게 사용되었습니다. 새로운 기술이 등장했습니다. 전통적인 새틴 스티치와 크로스 스티치 외에도 밑단으로 자수하기 시작했습니다.

어린이를 위한 Dymkovo 장난감

혁명 이전의 러시아에서는 실용적인 품목 외에도 민속 공예의 중심지에서 수십만 개의 어린이 장난감을 생산했습니다. 이것들은 인형, 동물, 접시, 아이들의 재미를 위한 가구, 호루라기였습니다. 이 방향의 장식 및 응용 예술은 여전히 ​​​​매우 인기가 있습니다.

Vyatka 땅의 상징 - Dymkovo 장난감 -에는 세계에서 유사점이 없습니다. 밝고 다채로운 젊은 숙녀, 신사, 공작, 회전 목마, 염소를 즉시 알아볼 수 있습니다. 하나의 장난감이 반복되지 않습니다. 백설 공주 배경에 빨간색, 파란색, 노란색, 녹색, 금색 페인트로 원, 직선 및 물결 모양의 패턴이 그려집니다. 모든 공예품은 매우 조화롭습니다. 장난감을 든 사람이라면 누구나 느낄 수 있는 강력한 긍정 에너지를 발산합니다. 아파트 구석에 세 다리 두꺼비, 플라스틱 붉은 물고기 또는 돈 나무의 형태로 웰빙의 중국 상징을 배치 할 필요가 없지만 러시아 주인의 제품 - 점토로 집을 장식하는 것이 좋습니다. Kargopol, Tula 또는 Vyatka의 기념품, Nizhny Novgorod 장인의 미니어처 나무 조각품. 그들이 가족에게 사랑, 번영, 건강 및 복지를 끌어 들이지 않는 것은 아닙니다.

필리모노프 장난감

센터에서 아이들의 창의력우리 나라의 많은 지역에서 아이들은 러시아 중부의 민속 공예 방식으로 점토로 조각하고 공예품을 칠하는 법을 배웁니다. 아이들은 점토와 같은 편리하고 플라스틱 재료로 작업하는 것을 정말 좋아합니다. 그들은 고대 전통에 따라 새로운 그림을 생각해냅니다. 이것이 국내 응용 미술이 관광 센터뿐만 아니라 전국적으로 수요가 증가하고 유지되는 방법입니다.

Filimonovo 장난감의 여행 전시회는 프랑스에서 매우 인기가 있습니다. 그들은 일년 내내 전국을 여행하며 마스터 클래스를 동반합니다. 호루라기 장난감은 일본, 독일 및 기타 국가의 박물관에서 구입합니다. 툴라 지역에 영구 거주하고 있는 이 공예품은 약 1000년의 역사를 가지고 있습니다. 기본적으로 제작되었지만 핑크와 그린 컬러로 칠해져 있어 매우 경쾌해 보입니다. 단순한 형태는 장난감 내부에 구멍이 있고 밖으로 나가는 구멍이 있다는 사실로 설명됩니다. 다른 구멍을 번갈아 가며 불어 넣으면 간단한 멜로디가 나옵니다.

파블로보 숄

Pavlovo-Posad 직공의 아늑하고 여성적이며 매우 밝은 숄은 러시아 패션 디자이너 Vyacheslav Zaitsev의 놀라운 패션 컬렉션 덕분에 전 세계적으로 알려졌습니다. 그는 재봉을 위해 전통적인 직물과 패턴을 사용했습니다. 여성용 드레스, 남성용 셔츠, 기타 의류 및 신발까지. Pavlovsky Posad 숄은 보석처럼 계승될 수 있는 액세서리입니다. 손수건의 내구성과 내마모성은 잘 알려져 있습니다. 그들은 고품질의 고급 양모로 만들어졌습니다. 그림은 햇볕에 퇴색하지 않으며 세탁으로 인해 퇴색하지 않으며 수축하지 않습니다. 스카프의 프린지는 특별히 훈련된 장인에 의해 만들어집니다. 투각 메쉬의 모든 셀은 서로 같은 거리에 매듭으로 묶여 있습니다. 그림은 빨강, 파랑, 흰색, 검정, 녹색 배경에 꽃을 나타냅니다.

볼로그다 레이스

세계적으로 유명한 볼로그다 레이스는 면 또는 린넨 실로 자작나무 또는 주니퍼 보빈을 사용하여 짠 것입니다. 이런 식으로 줄자, 침대보, 숄, 심지어 드레스까지 만들어집니다. 볼로그다 레이스는 패턴의 메인 라인인 좁은 띠입니다. 빈 공간은 그물과 벌레로 가득 차 있습니다. 전통적인 색상은 흰색입니다.

응용미술은 가만히 있지 않습니다. 개발과 변화는 항상 발생합니다. 지난 세기 초에 산업 발전의 영향으로 고속 전기 기계를 갖춘 산업 제조소가 등장하여 대량 생산 개념이 발생했다고 말해야합니다. 민속 예술과 공예가 쇠퇴하기 시작했습니다. 지난 세기 중반에만 러시아 전통 공예품이 복원되었습니다. Tula, Vladimir, Gus-Khrustalny, Arkhangelsk, Rostov, Zagorsk 등과 같은 예술 센터에서 직업 학교가 건설되고 열렸고, 자격을 갖춘 교사가 훈련되었으며 새로운 젊은 마스터가 훈련되었습니다.

현대적인 유형의 바느질과 창의성

사람들은 여행을 하고, 다른 나라의 문화를 알고, 공예를 배웁니다. 때때로 새로운 유형의 예술과 공예품이 등장합니다. 스크랩북, 종이 접기, 퀼링 및 기타는 우리나라에서 그러한 참신함이되었습니다.

한때는 콘크리트 벽과 울타리가 가장 많이 피었습니다. 다른 그림그리고 고도로 예술적인 방식으로 만들어진 비문. 그래피티 또는 스프레이 아트는 현대적인 독서입니다. 옛날 모습암벽화. 낙서가 포함된 십대 취미는 마음껏 웃을 수 있지만 인터넷에서 사진을 보거나 자신의 도시를 산책하면 진정으로 고도의 예술적 작품을 발견하게 될 것입니다.

스크랩북

한 장의 사본으로 존재하는 노트북, 책 및 앨범의 디자인을 스크랩북이라고 합니다. 일반적으로 이 활동은 완전히 새로운 것은 아닙니다. 가족, 도시 또는 개인의 역사를 후손을 위해 보존하기 위해 설계된 앨범은 이전에 만들어졌습니다. 현대 비전 이 예술- 다양한 그래픽, 뮤지컬, 사진 및 기타 편집기가 있는 컴퓨터의 사용뿐만 아니라 작가의 삽화로 아트 북을 만드는 것입니다.

퀼링 및 종이 접기

러시아어로 "종이 롤링"으로 번역되는 퀼링은 패널을 만들고 엽서, 사진 프레임 등을 장식하는 데 사용됩니다. 이 기술은 얇은 종이 조각을 비틀어 받침대에 붙이는 것으로 구성됩니다. 조각이 작을수록 공예품이 더 우아하고 장식적입니다.

종이 접기는 퀼링과 마찬가지로 종이 작업입니다. 종이 접기는 모든 종류의 모양이 형성되는 정사각형 종이로 작업하는 것입니다.

일반적으로 제지와 관련된 모든 공예품에는 중국 뿌리가 있습니다. 아시아의 예술과 공예는 원래 귀족의 오락이었습니다. 가난한 사람들은 아름다운 것을 창조하는 일에 관여하지 않았습니다. 그들의 운명은 농업, 가축 사육 및 온갖 비천한 노동입니다. 역사적으로 매우 작고 섬세한 라이스 페이퍼 작업이었던 기술의 기본을 채택한 유럽인들은 예술을 그들에게 편리한 조건으로 옮겼습니다.

중국 제품은 모 놀리 식으로 매우 우아하게 보이는 매우 작은 세부 사항이 풍부하여 구별됩니다. 이러한 작업은 매우 숙련된 장인에게만 가능합니다. 또한 얇은 종이 리본은 특수 도구를 사용해야만 단단하고 고른 코일로 꼬일 수 있습니다. 유럽의 수공예품 애호가들은 고대 중국 공예품을 다소 수정하고 단순화했습니다. 다양한 크기와 밀도의 나선형으로 말린 종이는 판지 상자, 말린 꽃을 위한 꽃병, 프레임 및 패널의 인기 있는 장식이 되었습니다.

예술과 공예에 대해 말하면 실크 페인팅이나 바틱, 인쇄 또는 엠보싱, 즉 금속 페인팅, 카펫 짜기, 구슬 장식, 마크라메, 뜨개질과 같은 공예를 무시하는 것은 불공평합니다. 어떤 것은 과거의 일이 되고 있고 다른 어떤 것이 너무 유행하고 대중화되어 산업 기업에서도 이러한 유형의 창의성을 위한 장비 생산을 설정하고 있습니다.

고대 공예품을 보존하고 박물관에서 가장 좋은 예를 시연하는 것은 항상 창의적인 직업을 가진 사람들에게 영감의 원천이 될 것이며 다른 모든 사람들이 아름다운 것에 동참하는 데 도움이 될 선행입니다.

시 예산 교육 기관

아이들을 위한 추가 교육

"복시고르스크 아동 추가 교육 센터"

체계적인 개발

추가 교육 교사 Gladysheva N.V.

피칼레보

목차

소개

이 매뉴얼은 러시아 민속 예술의 역사를 보여줍니다.

이 가이드의 목적:

러시아 민속 예술과 공예의 역사를 알 수 있습니다.

어린이들에게 조상의 전통과 세계관을 알려줍니다.

그들의 땅의 뿌리와 개인적인 관계를 인식하십시오.

예술 및 공예품은 다음과 같은 몇 가지 요구 사항을 충족합니다. 미적 품질이 있습니다. 예술적 효과를 위해 설계되었습니다. 일상 생활 및 인테리어 장식용으로 사용됩니다. 이러한 작품은 옷, 드레스 및 장식용 직물, 카펫, 가구, 예술 유리, 도자기, faience, 보석 및 기타 예술 제품입니다. 19세기 후반 이후 과학 문헌은 재료(금속, 도자기, 직물, 목재) 또는 기술(조각, 회화, 자수, 인쇄, 주조, 엠보싱, 인타르시아)에 따라 장식 및 응용 예술 분야의 분류를 확립했습니다. 등) . 이 분류는 예술과 공예에서 건설 기술 원리의 중요한 역할과 생산과의 직접적인 연결 때문입니다. "예술과 공예"의 개념은 매우 광범위하고 다면적입니다. 이것은 수세기의 두께에 뿌리를 둔 독특한 농민 예술입니다. 그리고 그것의 현대적인 "추종자들" - 공통 개념으로 연결된 전통 예술 공예 - 민속 예술; 및 고전 - 보편적인 인정을 받고 높은 수준의 가치를 유지하는 세계 장식 예술의 기념물; 그리고 현대 미술과 공예의 다양한 표현: 작은 방의 형태에서 의미 있는 대규모의 것, 단일 개체에서 다른 개체, 건축 및 공간 환경 및 기타 개체와 합성에 들어가는 다중 개체 앙상블에 이르기까지 조형예술의 종류.

예술 및 공예품에 대한 연구, 예술적 특징은 다음을 교육하는 데 도움이 됩니다.

신중한 태도사물에;

국가 유산과 국가 문화에 대한 존중;

사람들의 창조적 인 작업에 대한 존중;

문화 수준을 높입니다.

청소년의 세계관 형성을 위해서는 사람들이 개발 한 세계에 대한 미적 태도의 형태 인 국가 전통을 가장 완벽하게 보존하고 새로운 세대에 전달하는 민속, 농민 예술에 대해 아는 것이 특히 중요합니다.

알아가기 민속 전통, 아이들은 조국의 뿌리와 개인적인 관계를 알고 있습니다. 민속 예술은 항상 주로 국내였습니다. 그리고 그 기술, 전통, 독특한 것을 연구하기 위해 예술적 구조확실히 일상 생활에서 유용하고 필요한 것들과 함께 작동해야합니다.

주제에 대한 수업 주기:

"장식 및 응용 예술의 민속 예술"

설계된 수업

선생님

추가 교육

글라디셰바 N.V.

수행

"태팅"협회에서.

주제: “민속 공예품. 그들의 기원과 현대 발전.

표적: 민속 예술과 공예의 특별한 존재 형태로 공예의 개념을 제공하십시오. 도자기에 대해 - 도자기에 대한 장식 및 응용 예술의 가장 일반적인 재료 중 하나입니다. 창의력, 상상력의 발달.

수업을 위한 장비 및 재료:

낚시 센터의 이름이 적힌 카드;

앨범 : "Gzhel", "Khokhloma", "Gorodets";

다음 카드 단어;

세라믹 식기;

점토.

수업 중.

대화

예술과 공예를 민속 예술이라고 부르는 이유는 무엇입니까?

예, 장식 및 응용 예술은 그 기원이 민속 예술입니다. 사람들은 물건을 만들고, 사람들은 그것들을 위한 형태와 표현을 찾고, 사람들은 그들에게서 찾은 아름다움을 보존하고 그들의 모든 업적을 유산으로 우리에게 전가합니다. 장식 및 응용 예술 작품에서 우리는 사람들의 지혜, 그들의 성격, 삶의 방식을 봅니다. 그들은 사람들의 영혼, 그들의 감정 및 생각을 담고 있습니다. 더 나은 삶. 그렇기 때문에 교육적 가치가 매우 높습니다. 고고학자들은 사물로 결정한다 역사적 시대, 홍보, 자연 및 사회적 조건, 물질 및 기술 능력, 민속 신념 및 전통, 생활 방식, 직업, 사람들의 관심 및 취향, 환경에 대한 태도.

V. Favorsky에 따르면 : "세계에 대한 인식, 미학의 법칙에 대한 지식과 맛의 교육은 사람에게서 시작됩니다 ... 어머니의 목에 걸린 유리 구슬에서. 물 주전자에서. 식탁의 접시에서. "

민속 공예품은 언제부터 시작되었다고 생각하십니까? 예, 고대에는 있었지만 처음에는 예술로 인식되지 않았습니다. 사람들이 일상 생활에서 필요한 일을 하고 우리가 지금 말하는 것처럼 객관적인 환경을 만들었습니다. 전통적인 가정 장식, 의상, 가정 용품, 도구 및 군용 무기입니다. 모든 일하는 사람들이 이것을 만들었습니다. 개체 세계, 사회 및 일상 생활 방식, 세계에 대한 독특한 인식, 행복과 아름다움에 대한 아이디어, 독특한 국가 특성을 반영합니다.

예술 평론가 V. S. Voronov의 감정가는 민속 예술에 대해 다음과 같이 잘 썼습니다.

"모든 형식적 풍부함은 끊임없는 반복을 통해 만들어졌습니다. 의역, 추가, 수정, 변경 ... 및 변형의 느린 축적으로 강력하고 성숙한 형태가 만들어졌습니다. 성공적이고 독창적이며 개인의 손재주와 예리한 경계로 예술에 도입되었습니다. , 주입, 개발 및 완성 된 형태를 가져 왔습니다. 무작위적이고 재능이없고 터무니없는 것은 더 이상의 집단 검증을 견디지 못하고 떨어져서 사라졌습니다.

조각된 물레나 수놓은 수건, 물감이 칠해진 숟가락이나 짠 식탁보 등 모든 것 뒤에는 많은 사람들의 재능, 노력, 만장일치, 이상적으로는 전 인민이 있습니다! 그리고 아름다움도 이 근원에서 나옵니다. 그리고 물론 토착 자연마스터가 지칠 줄 모르고 배우는 곳. 그리고 그녀는 색깔, 리듬, 형태를 취하여 적어도 떠다니는 새의 형태로 러시아 북부 국자에 대한 전형적인 것을 상기시킵니다. 주인은 자신이 상상한 세계의 그림을 재현했습니다. 또는 국자 - 국자 : 피어링, 백조의 머리를 볼 수 있습니다. 위 - 방사형 노치로 장식 된 원과 마름모. 그리고 말의 형상은 전체 제품을 관장합니다. 농민 말이 아니라 말 - 불. 마스터는 제품에 어떤 개념을 넣었습니까? 어떤 고대 모티브를 사용했습니까? 왜요?

(그가 상상하는 세계의 모습을 그대로 재현해 놓았다. 낮에는 말이 수레에 실려 있는 등대를 끌고 밤에는 배에 옮겨져 지하로 끌려가는 시적인 생각이 사람들 사이에 있었다. 백조나 오리의 바다.)

민속 예술에서 사용되는 다른 상징은 무엇입니까?

(십자가, 마름모 또는 장미 모양의 태양, 말과 새, 물의 요소와 확고하게 관련된 인어, 지구의 과일의 영원하고 끝없는 성장을 상징하는 생명의 나무, 형태의 어머니 - 치즈 지구 여자).

삶이 바뀌었고 민속 예술도 바뀌었고 새로운 전통에 자리를 내주었습니다. 점차적으로 고대 상징의 신화 적 의미는 잊혀지고 농업 개념 및 의식과의 연결이 약화되었습니다. XIX 세기 말. 주인은 종종 특정 이미지가 무엇을 의미하는지 더 이상 알지 못했지만 그것을 거부하지 않았습니다. 그는 오두막 지붕에 능선으로 관을 씌우고 셔터에 새겨진 태양 장미를 조각했습니다. 점차적으로 고대 상징은 점점 더 눈에 띄는 장식적인 특성을 얻었지만 새로운 모습을 얻었지만 원래 의미에서 사람들에게 중요한 것은 항상 보존되었습니다. (Nizhny Novgorod 오두막의 창틀에 있는 라이온스).

이를 기반으로 진정한 국적이 스며든 새로운 장식 및 응용 예술이 만들어졌습니다. 오늘날 그것은 2가지 형태로 존재한다. 한편으로는 마을의 전통 예술이 살아 숨쉬고 있고, 주변 자연의 특색과 이런저런 사람들의 독특한 생활 방식과 연관되어 있다.

한편, 민속 공예품이 발전하고 있으며, 그 중 많은 부분이 풍부한 역사. 민속 공예품은 민속 공예품의 특별한 존재 형태입니다.

산업은 어떻게 생겨나는가?

같은 지역에 살면서 한 가지 유형의 예술 공예를하는 마스터는 자신의 필요가 아닌 시장을 위해 제품을 만들기 시작하여 작업하기 쉽도록 단결하기 시작했습니다.

따라서 민속 공예가 발생했습니다.

러시아에서는 1861년 개혁 이후 많은 공예품이 전 러시아 시장을 대상으로 하는 개인 작업장의 성격을 띠게 되었습니다. 그들은 대규모 자본주의 공장과 경쟁해야했고, 이는 민속 예술의 유익한 발전을 방해했습니다. 신속하고 경제적으로 작업하는 것이 필요했기 때문에 공예 기술은 점점 더 거장이 되었습니다. 예를 들어, Zhostovo 예술가의 붓을 빠르게 돌릴 때마다 거의 자동으로 전환되어 쟁반을 장식하는 꽃다발에 꽃잎과 전체 꽃이 탄생했습니다. 점점 더 작은 작업으로 노동을 분담하고 가능한 한 제품 제조 과정을 단순화하고 표준화하려는 열망 (이 방법은 더 저렴함)은 제품의 예술적 품질 저하, 공예에 의한 창의성의 점진적인 변위를 초래했습니다. . 전통적인 세계관과의 단절은 맛의 상실로 이어졌습니다. 최악의 도시 모델의 모방이 시작되었습니다. 이러한 조건에서 많은 공예품이 쇠퇴하고 다른 사람들은 아름다움에 대한 사람들의 이해와 다른 상업 스타일을 채택하여 얼굴을 잃었습니다.

민속 공예가의 창의성은 1919년 전 러시아 중앙 집행 위원회가 "수공예 산업 진흥 조치에 관한" 결의안을 채택했을 때 지지를 받았습니다. 전후 40~50년 동안 독창적인 예술이 살아 있고 발전할 수 있도록 많은 노력을 기울였습니다. 썩은 예술 공예품이 부활했습니다 : Bogorodsk 조각 (민속 공예품 센터의 이름이 적힌 카드가 마그네틱 보드에 부착됨) 및 Khokhloma 그림, Vologda 및 Yelets 레이스 짜기, Dymkovo, Gorodets, Sergiev Posad가 다시 선언되었습니다. 이 이름은 어떤 민속 예술을 떠올리게합니까! .

Tobolsk 새겨진 뼈, Rostov 에나멜, Veliky Ustyug niello, 아이콘 화가를 기반으로 한 옻칠 미니어처와 같은 본질적으로 새로운 예술 공예품이 만들어졌습니다. 과학자들의 도움으로 새로운 유형의 제품이 개발되고 보조, 준비 및 기타 작업이 기계화되었습니다(Pavlov Posad). 오늘날 민속 공예품은 두 가지 형태로 존재합니다. 첫 번째는 자유 무역이라고 할 수 있습니다. 자발적으로 태어난 흥미로운 예 소비에트 시간공예 - 예술. Polkhov - Gorky 지역의 Maidan (Nizhny Novgorod), 수십 년 동안 끌로 칠해졌습니다. 밝은 색"tararaushki", 주인 자신이 부르는 것처럼. 이것들은 중첩 인형, 용품, 소금 통, 돼지 저금통 균류, 어린이 장난감 등입니다. 겨울에는 말 그대로 마을 전체와 인근 Krutets 마을이 거대한 작업장으로 변합니다. 여기의 전통은 아버지에서 손으로, 어머니에서 염색공으로, 딸로 전해지는 "손에서 손으로"입니다.

또 다른 형태는 세계적으로 유명한 민속 예술 센터의 대부분을 포함하는 조직화된 민속 예술 및 공예입니다. 예를 들어, Zhostovo 장식 그림 공장, 볼로그다의 Snezhinka 레이스 협회, 2개의 Khokhloma 기업, Gzhel 생산 협회, 옻칠 미니어처 센터 ... 이들은 보조 작업의 기계화가 수행된 견고한 기업이며, 직업 학교가 있습니다. 젊은 재능 있는 장인을 양성합니다.

전통민속공예품은 우리 민족의 자긍심이며 해외에도 널리 알려져 있고 우리나라에서도 수요가 많다.

오래된 공예품이 더욱 번성하고 새로운 공예품이 출현하기 위한 주요 조건은 마을의 대중 민속 예술입니다.

아주 먼 옛날, 동굴에서 불이 꺼지고 다시 불이 붙은 우리 조상들이 다른 곳의 마른 풀과 가지에 불을 붙이기 시작했을 때 우연히 이전 불이 붙은 땅이 딱딱하게 굳어 있음을 알아차렸다. , 돌처럼, 그리고 그을린 뿌리줄기에 남아 있는 흙덩어리도 굳어 조약돌이 되었다. 그리하여 진흙이 불에 굳어 돌과 같은 물질이 되는 성질이 알려지게 되었습니다. 그런 다음 그 남자는 점토로 조각하기 시작했고 가장 단순한 그릇을 태우기 시작했습니다. 이것은 역사가와 예술 역사가가 우리 시대에 장식 및 응용 예술에 가장 일반적인 재료인 최초의 인공 재료인 도자기(보드에 "도자기"라고 쓰여 있음)의 모양을 설명하는 방법입니다.

도예가가 살았던 아테네 교외의 이름 인 점토는 그리스 단어 "keramos"에서 도자기 인 "세라믹"은 모든 구운 점토 제품에 대해 동일한 단어로 불리기 시작했습니다.

이것들은 조각이 완전히 소결 될 때까지 (1000 ° 이상의 온도에서) 소성 된 점토 및 점토 유사 재료로 만든 제품입니다.

유색 점토로 만든 세라믹 제품에 불투명한 유색 유리질 유약인 에나멜을 얹은 것을 마졸리카라고 합니다. "마졸리카"(카드 디스플레이)라는 단어는 고대 마졸리카 생산 중 하나가 시작된 스페인 마요르카 섬의 이름에서 유래했습니다.

Majolica는 에나멜로 덮인 모든 직면 세라믹을 포함합니다. 이러한 마주보는 세라믹 타일을 타일(다음 단어가 있는 카드 표시)이라고 합니다. 타일은 10~12세기부터 사용되었습니다. 안에. 안에 키예프 루스. 16세기에 왕실과 보야르 방의 스토브에는 "빨간색" 타일(적토로 만든)이 늘어서 있었습니다. 그런 다음 겸손한 "빨간색"은 녹색 유약으로 덮인 릴리프 타일로 대체되었습니다. 소위 "anted"입니다.

러시아 타일의 전성기 - 유약이 노란색, 흰색, 파란색, 녹색, 갈색의 5 가지 색상으로 나타난 17 세기 후반. 이 중 다양한 과일, 새, 사자, 기병 등이 묘사되었습니다.

모스크바 근처 수도원에서 벨로루시 마스터 Pyotr Ivanovich Zaborsky의지도하에 "공정한 광부의 모든 종류의 수공예 트릭"이 워크샵에 나타났습니다. 그들은 기둥, 처마 장식, 창틀, 문 포털을 만들기 시작했습니다. 그런 다음 그들은 무기고에서 일하기 시작했습니다. (Polubes라는 별명을 가진 주인 St. Ivanov는 자신을 구별했습니다).

XVIII 세기에. 타일은 집의 실내 장식에만 사용되었습니다 - 기둥이있는 우아한 스토브. 이 타일은 페인팅으로 부조 없이 매끄럽습니다. 전에 19세기 중반수세기 동안 수많은 공장에서 페인트 칠한 타일을 생산했지만 도시에 증기와 온수가 등장하면서 스토브가 필요하지 않게되었고 타일 생산이 점차 중단되었습니다.

현대 건축에서 직면 세라믹은 여전히 ​​​​가장 광범위한 응용 분야를 찾습니다.

도자기는 도자기라고도 합니다.

최초의 점토 그릇, 접시, 주전자는 조잡하고 원시적이었습니다. 점차 그 형태는 더욱 복잡해지고 우아해지고 단순한 도자기가 하나의 예술이 된다.

손과 발의 물레의 출현으로 점토는 원하는 모양을 만들 수 있었습니다.

요리를 만드는 과정에서 가장 중요한 순간은 언제라고 생각하시나요?

타고 있는. 이전에는 일반 화재로 태워졌습니다. 이어 도자기 가마가 등장했다. 현대 도자기 가마는 19세기에 발명되었습니다.

검은 색, 소위 얼룩진 제품이 흥미 롭습니다. 그들은 연기가 자욱한 불꽃에 타서 검게 만들었습니다. 그들은 발사 전에 연마되었습니다. 길고 가늘고 구부러진 주둥이가 있는 긴 주전자인 검은색 광택 금간은 특별한 세련미로 구별되었습니다.

그들은 또한 개미 요리를 만들었습니다. 즉, 어떤 종류입니까? - 유약이지만 타일과 같은 녹색뿐만 아니라 갈색, 노란색

점토가 매장된 거의 모든 곳에서 그들은 도자기에 종사했습니다. 랴잔(Ryazan) 지역의 스코핀(Skopin) 시의 도공들은 녹색, 노란색, 갈색 유약으로 덮인 커다란 그릇으로 유명합니다. 환상적이고 실제적인 새와 동물의 이미지가 이 특이한 도자기를 장식합니다.

("Folk Art"라는 책의 삽화가 표시됨)

원하는 점토 조각(플라스티신에서).

접시에 대한 작업 단계가 시연됩니다.

독립적 인 일.

강의 요약.

어떤 새로운 단어와 개념이 기억나나요?

도자기란? 마졸리카? 타일?

문학:

B. Nosik "민속 예술";

Kosterin "교육용 그림";

A. Rogov "기쁨의 식료품 저장실."

주제: "레이스의 예술"

표적:현대 레이스 공예에 대해 러시아 레이스 직조의 역사에 대해 이야기하십시오.

작업:

어린이의 창의적 능력을 개발하고 예술 작품에 대한 관심을 불러일으킵니다.

장비 및 재료:

연결된 레이스 스케치, 크로 셰 뜨개질;

"richelieu", 볼로그다 레이스 샘플;

레이스 센터의 이름이 있는 카드.

수업 중.

레이스 제품 전시가 열리고 있는 사무실에 아이들이 입장하고 있다.

세션은 대화로 시작됩니다.

진짜 레이스는 르네상스 시대인 15세기 초 베니스에서 나타났습니다. 나중에 guipure라고 불리는 이 끈은 엄청난 돈이 들었습니다.

16세기에는 어떤 응용 예술도 자랑할 수 없는 일이 시작되었습니다. 이탈리아에서 유럽으로 거대한 레이스 전염병처럼 굴러갔다. 그들은 깃과 소매의 형태로 입었고, 드레스와 망토를 꿰매었고, 남자 캐미솔과 제사장의 예복을 장식했으며, 모자를 짜고 무릎 장화 위에 장갑과 ​​모든 종류의 아마포를 씌웠습니다. 가구, 카렐, 심지어 거실과 침실의 벽, 그리고 군인들은 강철 갑옷 위에 무성한 붕대에서 만들어졌습니다. 거의 3세기 동안 어느 정도 부유한 유럽인은 레이스 없이 사는 것이 어떻게 가능한지 상상조차 할 수 없었습니다. 그것들은 처음에는 음식, 신발, 공기와 같은 동일한 자연적 필수품으로 간주되었습니다.

그들은 레이스에 열광했고 레이스에 파산했고 왕, 추기경, 장관들은 레이스 문제를 논의했습니다. 레이스는 그들이 말했듯이 플랑드르를 빈곤에서 구했습니다.

러시아 레이스는 1252년 이파티예프 연대기에서 처음 언급되었으며 그곳에서 황금색으로 불립니다. 역사적 문서에서 레이스에 대한 설명은 단조, 땋기, 수 놓은, 방적, 끌기, 묶기, 진주로 설정과 같은 별명으로 발견됩니다. 이것은 너무 많아서 만드는 방법이 있습니다.

옛날에는 레이스를 만드는 것을 '여성의 디자인'이라고 불렀고, 레이스를 만드는 것 자체를 '래쉬'라고 불렀습니다.

러시아 레이스의 또 다른 특징: 현재 세기그것은 차용으로 나뉘어졌습니다-귀족과 그 자신의 민속, 덜 일반적입니다.

지난 세기 초 볼로그다에서는 그들의 도시가 곧 레이스로 엄청나게 유명해질 것이라고 생각하지 못했습니다. 여기에서 그들은 수만 명의 사람들과 약혼하게 될 것입니다.

이 고대 바느질 작업은 여러 곳에서 흔히 볼 수 있었지만 여기서는 패턴이 특히 부드럽고 선율적으로 만들어졌습니다. 즉, 이미 오래된 고대에 그들은 전통적인 러시아 패턴과 북부 노래에서 장식으로 들어갔습니다.

옛날 옛적에 볼로그다 부르주아 Anfiya Bryantseva는 보빈에 흰색 머리띠를 가져와서 짜서 (보여주기) 배경 별-눈송이-을 만들었습니다. 그것은 비정상적으로 아름답고 다른 것과는 다른 것으로 판명되었습니다.

누군가의 가벼운 손으로,이 방식은 Vologda라고 불렀고 테이프 자체는-

빌리슈카.

그리고 엄마와 딸은 끝이 긴 여성용 칼라를 짜기로 결정했습니다. 이 패션이 뿌리를 내리고 수많은 주문이 들어갔습니다. 그리고 여기 몇 가지 흥미로운 수치가 있습니다. 1880년까지 볼로그다 지역에는 1,100명의 레이스 제작자가 판매를 위해 일하고 있었고 1912년에는 이미 9,000명의 공예가가 있었고 공예품은 30년 동안 30배 이상 성장했습니다. 그리고 Bryantsev는 이것에 대한 중요한 이유 중 하나였습니다. 러시아의 레이스 패션은 눈덩이처럼 자라 났고 가장 좋은 린넨 실로 짜여졌습니다.

19 세기 전반기에 레이스 공장은 Vologda, Yelets, Mikhailov, Balakhna, Vyatka, Arzamas, Kalyazin, Torzhok과 같은 자체 레이스 제작 센터인 농노의 숙련 된 장인과 함께 나타났습니다.

Mikhailov에서는 좁은 조밀 한 레이스가 짜여져 밝은 색의 실로 짜여져 있으며 붉은 색이 우세합니다.

Yelets에서도 가장 일반적인 기하학적 패턴이 더 엠보싱되고 밀도가 높습니다. Yelets 레이스의 가장자리는 부드러운 타원형 이빨로 끝나고 테두리와 배경 사이에는 밝은 격자가 있습니다.(그림 1)

볼로그다 레이스는 2가지 유형이 있습니다. 격자가 없는 커플링 레이스, 나중에 패턴이 아름다운 투각 격자의 배경에 짜여지고 억제된 색조의 유색 실크 실이 도입되었습니다. (그림 2)

Nizhny Novgorod 지역의 Balakhna에서는 검은 색과 크림색 레이스가 서양식으로 짜여졌습니다. 레이스는 얇은 명주 그물 배경과 촘촘한 패턴을 가지고있었습니다.

(그림 보여주기) 오늘날 가장 큰 레이스 센터는 볼로그다 외곽에 있는 스네진카 레이스 협회입니다.

Mikhailovo에서 공예가의 수가 약 200명이라면 Snezhinka에는 가사 노동자를 포함하여 8,000명 이상이 있습니다. 볼로그다에는 레이스 만들기 학교도 있습니다.

(책 "Vologda"의 사진이 표시됩니다).

아이들은 P. Sinyavsky의 시를 읽습니다.

볼로그다가 범람하다

하얀 눈.

블리자드는 레이스를 낳는다

당신의 발 바로 아래.

스캐터 스파크

북부 색상,

눈 패턴

레이스 이야기.

소녀들은 미인이다

찍은, 보았다

얽힌 세기

유성 눈보라

그리고 소녀들은 그립니다.

흰색 사진입니다.

레이스가 짠

더 얇은 거미줄.

더 알아보자 -

여자 친구 야, -

레이스가 나올 것입니다

눈보라보다 낫습니다.

추위 - 추위

흰 서리가 은빛으로 변하고 있습니다.

볼로그다 시내에서

기적 - 레이스.

모든 레이스 메이커는 이해할 수 없는 우아함과 조화를 가지고 있습니다. 그러나 모두 다양한 선과 세부 사항을 가지고 있습니다.

레이스 패턴의 이름만 듣고 생각해보세요!

공작새; 참나무 잎; 배들; 실행, 강; 드럼; 필레 돈; 인피 신발; 브로치 - 도넛 - 도시. 스피닝 에지 - 장미, 식칼, 양고기 뿔. 거미. 팬케이크. 까마귀 눈, 닭발, 오이, 파보이 후 파보이. Pyshechki, ryzhechki, ryabushka, 소나무 숲, 거친 바퀴, 느슨한. 샹크스. 좁은 매듭.

가소성과 리듬 패턴의 모든 마법 - 어떻게 그 아름다움을 다시 말할 수 있습니까? 레이스는 꼭 봐야 합니다. 당신은 그들을 봐야합니다!

에도 불구하고 예술적 특징그리고 거리, 레이스 공예 사이에는 차이가 없습니다. 도처에 백일해와 함께 둥근 꽉 베개가 매달려 있습니다. 모든 곳에서 tragus 아래의 바닥이 녹아웃됩니다. 모든 레이스 제작자는 엄지와 검지 손톱이 부러지고 핀을 뽑고 매일 수백 개씩 꽂아야 합니다. 보빈은 끊임없이 고르게 모든 곳을 두드리고 있습니다. 일반적으로 이것은 단조로운 작업입니다. 보빈의 울림은 참새의 윙윙 거리는 소리와 같으면서도 시, 일, 월, 년 연속으로 울려 퍼지는 소리가 나지만, 레이스 만드는 사람은 음악을 듣고 노래하는 것을 매우 좋아합니다. 그들은 노래가 없으면 진짜 레이스를 짤 수 없으며 남자는 이 작업을 견딜 수 없다고 주장합니다...

모든 레이스 장인은 예술가가 되어 평범한 실에서 표현할 수 없는 아름다움을 뽐낼 때 그 형언할 수 없는 행복한 상태로 살아가고 있습니다. 그녀는 사람들을 행복하게 만듭니다. 영원한 휴일. 그리고 내일은 할 것입니다. 그리고 내 평생!

실무.

레이스 또는 레이스 제품의 패턴을 구성하십시오. 흰색에 검은색(수채화, 잉크, 잉크)으로 수행할 수 있습니다. 컬러 배경(구아슈, 브러시)에 흰색 패턴을 사용할 수 있습니다.

수업을 요약합니다.

주제: "고로데츠 그림"

표적: 기원의 역사, 공예의 발전, Gorodets 그림의 구성 및 색상 특징에 대해 간략하게 설명하십시오. Gorodets 모티브를 바탕으로 가정 용품(도마, 접시)을 칠하기 위한 장식품을 만드는 방법을 가르칩니다.

장비, 재료 및 문헌:

폴더 - Gorodets 그림과 그 단계의 요소가 있는 접이식 침대.

전년도 학생들의 작품;

어휘 카드;

Gorodets 낚시 센터의 이름이 적힌 카드.

A. Baradulin "예술 공예의 기초";

X. Makhmutov "나무에 그림".

수업 중.

아이들은 19세기에 미리 준비된 시 "Gorodets Painted Carriage"를 읽습니다.

검고 힘센 말 세 마리,

그림과 나무!

그녀에 대한 Gorodetsky 마스터

그는 현명하게 지칠 줄 모르고 일했습니다.

그리고 운전사, - 봐, - 서

장엄하고 날씬한 처녀:

스트레이트와 스트레이트 둘 다 외모

길에서, 숲에서, 농작물에서.

놀라운 작은 수레.

장바구니에 담지 마세요. 이것은 꿈입니다.

그는 꽃으로 장식되어 있고, 키가 크고,

그리고 그 위에 새가 그려져 있습니다.

처녀 땅의 세 여신

그리고 물, 그리고 위대한 하늘

전차에 묘사되어 있습니다

번영과 빵의 약속.

여기 그들은 마차를 타고 간다.

신성한 수레에서:

말 - 동물은 빛을 달리고,

그리고 짙은 파란색 새가 솟아오릅니다.

이시는 장식 및 응용 예술 분야의 가장 큰 전문가 인 모스크바 주립 대학 교수 인 예술 박사 Viktor Mikhailovich Vasilenko가 작성했습니다. 그는 이 소박한 Gorodets 장난감에 감동하고 매료되었습니다. (그림 표시).

Gorodets의 민속 공예가는 재미있는 장난감으로만 유명합니까? 그들은 이전과 지금 무엇을 했는가? Gorodets 그림을 구별하는 기능, 색상 풍부함은 무엇입니까? 오늘 배울 것입니다.

선생님의 이야기:

Kurtsevo, Koskovo, Repino, Savino, Okhlebaikha -이 마을은 Uzola를 따라 뻗어 있으며 Gorodets 위의 15-20km 떨어진 눈물처럼 깨끗합니다. 장소는 매우 아름답습니다. 오른쪽 제방은 높고 계곡이며 모든 마을이 그 위에 있습니다. 자작 나무와 소나무 숲의 마을 근처. 마을의 오두막집은 훌륭하고 키가 크며 큰 창문이 있으며 풍부하게 조각되어 있으며 유쾌하게 칠해져 있습니다.

그러나 지금은 그것에 관한 것이 아닙니다.

루크, kerbass, chans, 꽁초, 나무 껍질, belyans, 나무 껍질, mokshans - 이들은 한때 볼가를 따라 다채로운 돛으로 달린 배의 이름이었습니다. 그리고 그 중 거의 절반이 태곳적부터 Gorodets 근처에 세워졌습니다. 더욱이, 그 배는 러시아에서 가장 아름다웠고 특별했습니다. 왜냐하면 Gorodets 주인이 그것을 가지고 있었기 때문입니다. 얕은 멈춤과 그 배는 선수에서 선미까지 가장 깊고 풍부한 조각으로 덮여 있었습니다. 어떤 때는 나중에 칠하기도 하고, 어떤 때는 깨끗하게 놔두기도 했습니다. 이 조선소는 한 세기 동안 Gorodets 공예의 기초를 마련했습니다.

여기에서 지난 세기 중반부터 유일한 상감 조각 방적 바닥을 만들었습니다. 이 지역은 또한 다른 공예품으로 유명했습니다. 오히려 거의 모든 마을에서 이곳에서 "거래"했기 때문에 특히 유명했습니다. 진저 브레드 보드, 나무 장난감, 썰매, 호, 발랄라이카, 도자기와 레이스 등 모든 곳에서 물건도 훌륭하게 만들어졌습니다. 여기에는 오래된 책들도 삽화가 그려져 있고 Old Believers를 위해 수동으로 복사되었습니다.

지난 세기 중반에 Okhlebaikha의 Melnikov 형제는 조각과 실제 그림을 결합했습니다.

그들은 조건부로 회전하는 바퀴의 바닥에 배치하기 시작했습니다. 이전과 같이 상징적 인 그림이지만 사냥꾼, 말 길들이기, 신부 방문과 같은 매우 중요한 장르 장면입니다. 조각상에는 윤곽이 새겨져 표시되었으며, 각 조각도 때로는 여러 색상으로 작은 장식품으로 칠해졌습니다. 배경은 일반적으로 밝은 노란색으로 촬영되었으며 그 위에 약간의 빨간색, 갈색, 심지어 새, 꽃, 숙녀용 우산의 울림있는 파란색 반점이 찍혔습니다. 네 가지 색상만으로 작업하여 놀라운 장식 효과와 조화를 이루었습니다. 회전하는 바퀴의 바닥은 가득 차 있고 햇빛이 비치는 것처럼 보였습니다.

남동생인 안톤은 조각을 완전히 남기고 물레의 바닥만 칠했다. 그리고 그가 그린 방법! 엄숙한 다과회, 데이트, 산책, 새 말, 알록달록한 새들의 모습이 있었습니다. 장미와 비슷한 홀리 가지와 큰 꽃이있는 그림 프레임이 있었고 그 중 검은 색이 아주 특이한 것이있었습니다.

그림은 훨씬 더 수익성이 높고 더 빨리 이루어지며 점차 조각을 대체합니다. 각 바닥에 그림이있는 창 사이에 소위 격자가 나타났습니다 - 중개인, 장미와 컵 패턴의 스트립. 그러나 그들은 장미처럼 보이지 않았습니다. 이들은 밝은 애니메이션 하트가있는 꽃이었습니다.

Kupavki - kupava의 파생물 (Kupala는 Dahl에 따름)은 다음과 같습니다. 타원형 꽃잎이있는 넓은 컵에는 둥근 꽃 봉오리가 있고 그 위에 흰색 탄성 줄무늬의 공이 있습니다 - 부흥; 꽃은 스프링이 장착 된 것으로 판명되었으며 터질 것입니다. 열릴 것입니다. 그리고 꽃은 때로는 주홍색, 때로는 노란색, 때로는 파란색, 때로는 검은색입니다. 그리고 꽃 주위에는 녹색 부채꼴 잎이 있습니다 - 양치류 (그림 표시). 살아있는 검은 꽃은 없지만 Gorodets 그림은 대부분 조건부입니다. 모든 민속 예술이 조건부인 것처럼 여기에서는 모든 것이 무엇보다도 색상, 장식적 관계에 있습니다.

주인은 연필로 사전 스케치를하지 않았습니다. 그는 단순히 브러시를 가져 와서 템페라 페인트로 chebelashka (이러한 컵)에서 걸고 한 획에는 목을 표시하고 다른 획에는 말의 몸을 표시했습니다. 마찬가지로, 새.

검은 반점은 보드의 모든 것을 흩뿌린 다음 빨간색, 녹색으로 흩어집니다. 그들 사이에 연결이 없는 한 각 지점은 별도로 놓여 있습니다. 전체 그림마스터의 머리에서만. 길을 잃지 않기 위해 얼마나 재능과 경험과 손이 필요했는지 상상해 보십시오.

대형 비행기가 마르면 모든 종류의 세부 사항과 연결 요소가 도입되었습니다. 그런 다음 브러시 끝으로 모든 요소를 ​​모델링하고 개발했습니다. 꽃잎은 초승달로 강조 표시되었습니다. 애니메이션은 맨 마지막 턴의 메인 톤 위에 흰색 페인트(획, 점 등)를 사용했습니다.

혁명 직전에 Gorodets 그림의 주요 방향을 결정한 세 명의 예술가. (그림 3)

밝고 서정적 - Ignatius Andreevich Mazin.

내러티브 - 철학적 - Fedor Semenovich Krasnoyarov.

공식적으로 차가움 - Ignatiy Klementievich Lebedev.

다른 모든 마스터 - Vasily Lebedev, Alexander Sundukov, Yegor Kryukov, Gavrila Polyakov -가 따랐습니다.

Vasily Lebedev는 Ivan Tsarevich와 Elena Beautiful에 관한 동화를 좋아했고 종종 그들을 묘사했습니다. 최고의 장미는 Alexander Sundukov, Gavrila Polyakov가 그린 것입니다. 젊었을 때 Ignatius Mazin은 무엇이든 묘사할 수 있었고 모든 그림, 즉 삶의 한 장면은 일종의 새로운 분위기, 새로운 생각을 담고 있었고 모든 삶에는 고유한 색이 있었습니다. 그리고 예술가들 사이에서도 이 꽃의 비밀을 재현할 수 있는 것은 희귀 유닛뿐이었습니다. Ignatius Mazin은 이 기술을 최고 수준으로 타고났습니다.

Ignatiy Lebedev는 실내 장식, 그림, 여행용 썰매, 전차 및 택시의 니스 칠에 종사했으며, 많이 읽었으며 Ilya Muromets에 대한 서사시 "Ruslan and Lyudmila"를 완벽하게 다시 말하고 많은시를 기억하고 아이콘을 업데이트했습니다.

Fyodor Krasnoyarov는 iso-narratives와 같은 구성을 구축했으며 비율이나 원근법이 없으며 모든 것을 다채로운 멀티 컬러로 쌓습니다. 1937년에 세 명의 대가 모두 다른 러시아 공예의 거장들과 함께 트레차코프 갤러리 6개 홀에서 민속 예술 전시회.

오늘날 Gorodets 장인들은 Gorodets 회화의 전통적인 형태를 보존하면서 어린이용 테이블, 유아용 식사 의자, 스툴, 가슴, 흔들 목마, 직사각형 판 및 원형 판 형태의 장식 패널을 장식하는 새로운 유형의 구성과 주제를 만듭니다.

그림은 접착제 페인트로 만들어집니다. 먼저 유색 배경(종종 노란색)을 준비하고 주요 인물, 꽃다발, 화환, 화환을 큰 색 반점 형태로 적용하고 밝은 빨강, 분홍색, 파랑, 파랑을 대담하게 사용하여 색조와 색상이 아름답게 조화를 이룹니다. 그리고 녹색, 심지어 라일락. 보라색그리고 그들의 뜻밖에도 울림이 있는 조합. 이 순서대로 작업이 이루어집니다. 경쾌한 색상, 조화로운 조합, 무성한 꽃다발, 멋진 새 - 모든 것이 자연의 아름다움과 삶의 기쁨을 생생하게 표현합니다. (완제품 시연). Gorodets 마스터의 전통에 따라 만들어진 이러한 복잡한 구성에 주목하십시오.

오늘 우리는 도마나 접시를 칠하기 위해 Gorodets 모티브를 기반으로 한 구성을 완성해야 합니다. 먼저 앨범의 별도 페이지(절반)에 브러시로 연습합니다. 그런 다음 주요 작업을 진행합니다.

실무.

합산. 미니 전시.

주제: "민속옷"

표적: 세계 구조에 대한 조상의 생각을 표현하는 수단으로 민속 축제 의상에 익숙해지기; 현대 의류 모델을 만드는 소스로; 고대 축제 의상을 기반으로 한 즉흥 연주, 장신구로 축제 의상 프로젝트 구현(고대를 기반으로 한 현대 모델 제작).

장비 및 재료: 색종이, 천, 가위, 풀, 구아슈, 펠트펜.

대화

의류는 그 발전에 있어 먼 길을 왔습니다.

러시아 민속 의상의 형성에 영향을 미친 것은 무엇입니까?

(구성, 컷, 장식의 형성은 지리적 환경, 기후 조건, 문화적 전통의 특징, 관습의 성격, 역사적 및 사회적 과정의 영향을 받았습니다.)

러시아인 민속 의상무엇보다 민속예술의 기념비이자 물질문화의 한 요소이자 민중의 장식예술이다.

왜요?

(컷, 장식의 전통에서 가장 좋은 것은 대대로 전해졌습니다. 과거 러시아 의류는 높은 예술적 가치, 특별한 의미로 풍부하게 장식되어 고대 예술적 전통을 지닌 주인의 손으로 일했습니다).

오늘 당신은 민속 의상의 주요 요소, 의미 론적 의미, 의상 요소의 장식에 대해 배우고 러시아 민속 의상 모델링에 대한 실용적인 작업을 할 것입니다.

러시아 민속 의상은 어땠나요?

일상복은 단순하고 겸손한 반면 축제 및 의식복은 풍부하고 차려 입었습니다.

수세기 동안 의상을 입은 국가 전통의 수호자는 귀족, 상인, 마을 사람들이 Peter I의 법령에 따라 유럽 의상을 입어야했기 때문에 주로 마을 사람, 농부였습니다.

여성 의류각 지방에서 자신만의 방식으로 옷을 입고 원래의 아름다움과 풍부한 옵션에 놀라움을 금치 못했습니다. 과학자들은 북 러시아와 남 러시아의 2 가지 복합 단지를 구별합니다. 그러나 모든 영지와 계급, 모든 지방, 남녀 모두에게 셔츠는 의상의 기초였습니다. 여느 때와 같이 19세기의 마을 소년 소녀들. 어떤 곳에서는 결혼식이 끝날 때까지 같은 셔츠를 입고 벨트로 가로막혔습니다. 우리의 조상은 태곳적부터 셔츠를 입었고 많은 믿음과 관련이 있습니다. 예를 들어 셔츠를 팔 수 없습니다. 그렇지 않으면 행복을 동시에 팔 수 있습니다. 그래서 가난한 사람들에게 마지막 셔츠를 줄 준비가 된 사람들이 소중했습니다.

옛날 셔츠는 옷깃에서 옷자락까지 한 장의 천으로 꿰매어 도적이라는 이름이 붙었지만 그런 셔츠는 결혼식이나 장례식으로만 남아 있습니다. 나중에 그들은 2 부분으로 된 셔츠를 입기 시작했습니다. 위쪽은 소매이고 아래쪽은 캠프였습니다.

우아한 셔츠를 준비하면서 바느질하는 여성들은 그들이 할 수있는 모든 것을 보여주었습니다. 소매, 어깨, 옷깃은 붉은 실로 수놓아졌고, 밑단은 자주 장식되었다. 깎거나 수확하기 위해 벨트로 착용 한 특수 셔츠에서는 전체 밑단이 수 놓은 또는 짠 패턴으로 거의 완전히 덮여있었습니다. 자수의 의미는 무엇입니까? 그들은 무엇을 나타낼 수 있습니까? 왜요?

(세계의 구조에 대한 아이디어, 마름모, 사행, 점이 있는 사각형, 지구 스트립, 그리고 불 십자가, 갈고리 십자가는 생명과 선에 대한 생각입니다.)

("민속의상"이라는 책의 삽화가 전시되어 있다)

우아한 애도자가있었습니다 - 매우 길고 긴 소매가 달린 셔츠 또는 makhavka는 결혼식 날 신부가 부모에게 작별 인사를하고 소매를 흔들며 한탄했습니다 ...

북부 러시아 여성용 세트에는 셔츠와 선드레스가 포함되어 있습니다.

( "sarafan"이라는 단어는 남성 의류와 관련하여 XIV 세기에 러시아에서 처음 발견되었습니다).

Sundresses는 다른 직물, 다른 컷으로 꿰매어졌으며 klinnik, sukman, damask, dolnik, lyamoshnik, inflate, moskovich 등 다르게 불렀습니다.)

의상의 필수 요소인 선드레스 위에 앞치마를 두르고 있었다. 그들은 다른 이름을 가지고 있습니다 : binges, pinafore, apron.

sundress와 앞치마에 그들은 샤워 워머를 착용하고 뒤쪽에 주름을 잡습니다. 그것은 또한 다른 이름을 가지고 있습니다 : 소매 - epanechka, 스트랩 - 짧고, 짧고, 깃털.

가을과 겨울에는 겉옷에 모피 장식이 달린 노 슈가이(재킷과 같은)를 입었습니다.

남 러시아 의상은 눈에 띄게 다릅니다. 더 밝고 화려합니다. 3 개의 수 놓은 패널이 댐퍼 (gasnik) 상단을 통해 꿰인 코드로 셔츠 위에 올려집니다. 그들은 엉덩이를 감싸고 허리에 고정되어 있으며 바닥이 수렴하지 않으며 무릎까지 당겨진 틈에 셔츠가 보이고 벨트에 큰 무릎이 형성됩니다.

벨트가없는 러시아 민속 의상을 상상하는 것은 불가능합니다. 띠는 십자가와 같이 세례 때 주어졌는데, 띠 없이 걷는 것은 특히 하나님께 기도하는 것을 음란한 것으로 여겼습니다. 그가 없이는 잠을 잘 수 없었다. 남자를 헐뜯는다는 것은 그에게 불명예를 돌리는 것을 의미했습니다. 벨트는 특별한 장식으로 꼰, 짠, 때로는 비문이 있습니다. 벨트는 가슴 아래 또는 배 아래에 묶여있었습니다. sundress가 값 비싼 천으로 수 놓은 경우 벨트가 셔츠 아래에 묶여있었습니다.

그는 큰 의미 론적 부하 (부적의 역할)를 수행했습니다.

다양한 벨트가 알려져 있습니다: 짠, 편물, 고리버들. 와이드 - 겉옷, 좁음 - 하녀, 축제 및 일상용.

마지막으로 러시아 민속 의상을 생각할 수없는 머리 장식.

임. 고대 관습에 따르면 결혼 한 여성그녀는 단순한 머리카락으로 공개적으로 자신을 보여주지 않았습니다. 이것은 큰 죄로 간주되었습니다. 소녀들은 머리카락을 가릴 수 없었습니다. 따라서 드레스의 차이: 기혼 여성의 경우 귀머거리 모자(그림 4), 소녀의 경우 드레싱(그림 5)으로 머리 꼭대기를 덮지 않은 채로 두는 것입니다. 소녀의 머리띠는 직사각형 모양이었고 리본과 리본으로 머리에 고정되었습니다. 왕관이나 후프 형태의 소녀 드레스가있었습니다. 결혼 예식 중에 신부는 머리띠와 투각 화환이 있는 단단한 테두리인 코루나를 입었습니다. 모든 종류의 남러시아 머리 장식의 기초는 키치카(kichka)로 머리에 직접 착용하는 단단한 이마 부분으로 일반적으로 소위 뿔(뿔이 있는 키치카)이 있습니다. kichka 위에 그들은 금과 구슬로 수 놓은 덮개를 씌웠습니다. 까치, 머리 뒤쪽은 머리 뒤쪽의 직선 천 조각으로 덮여있었습니다. 이 세 가지 요소를 중심으로 복잡한 다층 머리 장식이 만들어졌습니다. 때로는 최대 12개의 부품을 포함하고 최대 7kg의 무게를 가졌습니다. 보풀, 깃털, 리본, 스팽글, 단추로 장식되어 있습니다. kokoshnik이라는 일반적인 이름을 가진 북부 지방의 여성 머리 장식은 남부와 다릅니다. 그들은 종종 자개와 담수 진주, 흰색 구슬, 호일, 유리 구슬로 장식되었습니다. 형태는 다양했다. 머리 장식 - "duckweed"는 머리카락 한 묶음 만 덮었지만 진주 또는 구슬로 된 바닥과 목덜미 - 나머지 머리. Kokoshnik (고대 "kokosh"- 닭)은 귀를 덮는 돌출부가있는 모자 모양을 가지고 있습니다.

원뿔 형태의 특이한 장식에는 키카(그림 전시)가 있습니다.

Shamshura (samshura)는 둥근 단단한 바닥이있는 모자 모양을 가졌으며 대부분의 북부 지방에서 풍부한 수 놓은 스카프로 착용했습니다.

에게 후기 XIX, 20세기 초에 kokoshniks와 shamshurs는 더 단순한 전사와 수집품으로 대체되었습니다.

소녀시대의 큰 역할과 여성복귀걸이, gaitans, 등 및 허리 펜던트, 가슴 "혀" 및 "가슴"과 같은 다양한 장식이 사용되었습니다.

러시아 북부의 경우 진주와 흰색 구슬로 만든 고리형 또는 고리형 목걸이가 일반적입니다.

소녀들은 다양한 "kosniks"를 엮었습니다.

따라서 축제의 다층 복장을 한 러시아 여성은 당시 사람들이 상상했던 것처럼 전 우주의 이미지였습니다. 그녀는 위엄 있고 대표적이고 엄숙해 보였습니다.

남성복은 러시아 전역에서 거의 같은 유형이었고 여성복과 같은 다채로움이 다르지 않았습니다.

도처에 있는 남성복의 구성은 셔츠, 포트(바지), 벨트, 신발 및 머리 장식을 포함했습니다. 셔츠는 칼라와 마치의 비스듬한 컷이있는 경우가 더 많았습니다. 남성용 바지 - 포트 - 챔바는 줄무늬 천이나 발 뒤꿈치, 흰색 홈 펀 또는 집에서 만든 천으로 꿰매어졌습니다. 아주 드물게 그들은 장식되었습니다(그림).

러시아 농민의 머리 장식은 매우 다양하지만 주요

흰색, 회색 또는 갈색 양모로 펠트 된 두 가지 유형의 모자가 사용되었습니다. 크라운과 작은 챙이 있고 챙이없는 펠트 부츠 모자가 있습니다.

웨딩 모자를 풍성하게 장식했습니다(그림).

곧 모자는 가죽과 천으로 된 모자로 대체되었습니다.

겉옷은 남성과 여성 모두에게 균일했습니다. 봄-가을 기간에 가장 흔한 것은 caftans, zipuns, armaks, azyams, retinues로 컷은 다르지만 모두 왼쪽에 깊은 냄새나 걸쇠가 있습니다. 겨울에는 양가죽 코트, 양가죽 코트, 짧은 모피 코트가 겉옷으로 사용되었습니다.

모든 농민 의상은 반드시 신발, 고리 버들 세공 또는 가죽으로 보완되었습니다. 만큼 잘 겉옷, 신발은 남성과 여성이 거의 동일했으며 크기와 장식만 다릅니다.

인피 신발 중 느릅 나무 인피 신발은 축제로 간주되어 김이 나는 후 붉은 색을 얻었습니다. 인피 신발은 일반적으로 오누치(다리를 감싼 천 조각) 위에 착용되었습니다. 흰색. Onuchi는 최대 4m 길이의 흰색 또는 검은 색 로프로 다리에 고정되었으며 가죽 신발이 널리 사용되었습니다 : 부츠, 하프 부츠, 신발 및

하이힐에 빨간 장식이 달린 암컷 고양이 - 신발과 비슷하지만 두꺼운 니트 스타킹, 무지, 줄무늬 또는 무늬 (오타가 있음 - 상단에 패턴)를 착용했기 때문에 더 넓습니다. 남자들도 같은 스타킹을 신었다. 겨울에는 롤 또는 펠트 신발을 신었습니다. 아름다움과 유용성은 민속 예술의 의미에서 결코 벗어나지 않았습니다. 그리고 셔츠, sundresses, ponevs, 앞치마에는 손을 든 여성, 퇴색하지 않는 생명의 나무, 십자가, 줄무늬, 사행, 십자가가 있는 태양 마름모가 묘사되었습니다. 그들은 어머니의 다산에 대한 아이디어를 표현했습니다. 땅은 농부의 영혼에 너무 가깝습니다. 선함, 번영에 대한 생각. 구슬로 장식된 바닥, 리본은 빗방울과 비슷합니다. 머리 장식의 이름 - 까치, 수탉, kokoshnik (kokosh)은 새를 연상시킵니다. 전체 레이어드 슈트는 우주의 아이디어입니다.

러시아 농민은 종종 문맹이었다. 그는 자연, 역사, 영적 경험 및 가장 오래된 농업 문화에서 자신을 분리하지 않았습니다.이 모든 것이 의상에 반영되었습니다.

불행히도 오늘날 우리는 박물관, 전시회, 민속 축제, 복제품에서 민속 의상을 볼 수 있습니다. 그는 많은 아름다운 전통이 남아 있는 것처럼 삶을 떠났습니다. 그러나 적어도 우리는 고대에 대한 생각이 있어야 함을 기억하십시오. A. S. 푸쉬킨이 말했듯이 그들은 조상의 역사를 알고 문화적 전통을 존중해야 합니다.

"과거에 대한 존중은 문명과 야만을 구분하는 선입니다."

나라의 일부 지역에는 축제 축제를 위해 조심스럽게 보관하고 결혼식을 위해 입는 민속 의상 복합 단지가 있다는 것이 기쁩니다.

패션 디자이너는 종종 민속 의상을 사용하여 현대 의류 샘플을 만듭니다.

2. 실무.

우리가 패션 디자이너라고 가정해 봅시다. 우리는 그룹으로 일할 것입니다. 각 그룹에는 자체 골판지 인형이 있으며 색종이가 있습니다. 한 그룹은 북부 러시아 스타일의 "드레스", 두 번째 그룹은 남러시아, 세 번째 그룹은 남성복을 입고 나머지 그룹은 고대와 관련된 현대 모델의 스케치를 그립니다.

3. 요약.

문학:

앨범 "러시아 민속 의상";

A. Lebedev "러시아 민속 의상";

V. 코노바. "러시아 농민 여성의 복장"

부록

쌀. 1(에레츠 레이스)

Fig.2 (볼로그다 레이스)

그림 3(고로데츠 그림)

그림 4(농부 유부녀)

그림 5(농부 소녀)

민속 공예품은 바로 우리 문화를 풍부하고 독특하게 만드는 것입니다. 페인트 된 물건, 장난감 및 직물 제품은 우리 나라를 기념하여 외국인 관광객들에 의해 압수됩니다.

러시아의 거의 모든 구석에는 자체 바느질 유형이 있으며이 자료에서 우리는 가장 밝고 가장 유명한 것을 수집했습니다.

딤코보 장난감

Dymkovo 장난감은 키로프 지역의 상징으로 풍부하고 고대 역사. 점토로 빚은 뒤 건조시켜 가마에서 굽는다. 그 후 손으로 칠해 매번 독특한 사본을 만듭니다. 똑같은 장난감은 하나도 없습니다.

조스토보 회화

19세기 초에 Vishnyakov 형제는 이전 Troitskaya volost(현재 Mytishchi 지구)의 모스크바 근처 마을 중 하나에 살았으며 옻칠한 금속 쟁반, 설탕 그릇, 팔레트, 종이 상자, 담배 케이스를 그렸습니다. , 차 캐디, 앨범 및 기타 것들. 그 이후로 Zhostovo 스타일의 예술적 그림은 인기를 얻기 시작했으며 국내외 수많은 전시회에서 주목을 받았습니다.

코클로마

Khokhloma는 Nizhny Novgorod 근처에서 17 세기에 시작된 가장 아름다운 러시아 공예품 중 하나입니다. 이것은 러시아 고대 감정가뿐만 아니라 외국 거주자에게도 사랑받는 가구 및 목재 도구의 장식 그림입니다.

검은 배경에 밝은 주홍색 열매와 황금빛 잎이 복잡하게 얽힌 허브 패턴은 끝없이 감탄할 수 있습니다. 그렇기 때문에 아무리 하찮은 자리에 놓여진 전통적인 나무숟가락도 받는 사람에게 가장 친절하고도 오래도록 기억에 남는 기증자의 기억을 남긴다.

고로데츠 페인팅

Gorodets 그림은 19세기 중반부터 존재해 왔습니다. 밝고 간결한 패턴은 장르 장면, 말, 수탉, 꽃 장식을 반영합니다. 그림은 흰색과 검은색 그래픽 스트로크가 있는 자유 스트로크로 수행되며 회전하는 바퀴, 가구, 셔터, 문을 장식합니다.

우랄 공작석

말라카이트는 우랄, 아프리카, 남호주, 미국에 매장되어 있는 것으로 알려져 있지만, 색상과 무늬의 아름다움 면에서 외국의 말라카이트는 우랄과 비교할 수 없습니다. 따라서 Urals의 공작석은 세계 시장에서 가장 가치있는 것으로 간주됩니다.

구세프스코이 크리스탈

Gus-Khrustalny 시의 수정 공장에서 만든 제품은 전 세계 박물관에서 찾을 수 있습니다. 전통적인 러시아 기념품, 가정 용품, 축제 테이블 세트, 우아한 보석, 상자, 수제 인형은 자연의 아름다움, 관습 및 러시아 고유의 가치를 반영합니다. 컬러 크리스탈 제품이 특히 인기가 있습니다.

러시아 인형

스카프와 러시아 민속 드레스를 입은 둥근 얼굴과 통통한 쾌활한 소녀는 전 세계의 민속 장난감과 아름다운 기념품을 좋아하는 사람들의 마음을 사로 잡았습니다.

이제 matryoshka는 민속 장난감, 러시아 문화의 수호자 : 이것은 앞치마에 게임 장면, 동화 줄거리 및 명소가있는 풍경이 잘 그려진 관광객에게 기억에 남는 기념품입니다. Matryoshka는 100달러가 넘는 귀중한 수집품이 되었습니다.

에나멜

현대 패션에 빠르게 "들어간"빈티지 브로치, 팔찌, 펜던트는 에나멜 기술을 사용하여 만든 보석에 지나지 않습니다. 이러한 유형의 응용 예술은 볼로그다 지역에서 17세기에 시작되었습니다.

대가들은 다양한 색상을 사용하여 흰색 에나멜에 꽃 장식, 새, 동물을 묘사했습니다. 그런 다음 다색 에나멜의 예술이 사라지기 시작하여 흰색, 파란색 및 녹색의 단색 에나멜로 대체되기 시작했습니다. 이제 두 스타일이 성공적으로 결합되었습니다.

툴라 사모바르

에 자유 시간 Tula Arms Plant의 직원인 Fedor Lisitsyn은 구리로 무언가를 만드는 것을 좋아했으며 한때 사모바르를 만들었습니다. 그런 다음 그의 아들들은 사모바르 공장을 열었고 그곳에서 구리 제품을 판매했는데 이는 대성공이었습니다.

Lisitsyn 사모바르는 다양한 모양과 마감 처리로 유명했습니다. 배럴, 쫓고 조각한 꽃병, 돌고래 모양의 탭이 있는 달걀 모양의 사모바르, 고리 모양의 손잡이, 페인트칠한 것.

팔레크 미니어처

Palekh 미니어처는 러시아 민속 신앙과 노래의 특징인 세계에 대한 특별하고 미묘하며 시적인 비전입니다. 그림은 갈색-주황색과 청록색 톤을 사용합니다.

Palekh 그림에는 전 세계적으로 유사점이 없습니다. 그것은 papier-mâché로 만들어지고 다양한 모양과 크기의 관 표면으로 옮겨집니다.

그젤

모스크바 근처에 위치한 27개 마을로 이루어진 지구인 그젤 부시는 17세기 중반부터 이곳에서 채굴된 점토로 유명합니다. 19 세기에 Gzhel 마스터는 semi-faience, faience 및 도자기를 생산하기 시작했습니다. 특히 흥미로운 것은 여전히 ​​한 가지 색상으로 칠해진 제품입니다. 즉, 브러시로 적용된 파란색 오버글레이즈 페인트와 세부 사항의 그래픽 렌더링이 있습니다.

파블로보 포사드 숄

밝고 가볍고 여성스러운 Pavloposad 숄은 항상 유행에 적합합니다. 이 민속 공예품은 18 세기 말 Pavlovo 마을의 농민 기업에서 나타났으며, 그 후 손수건 제조소가 개발되었습니다. 인쇄된 무늬가 있는 모직 숄을 생산하여 당시 매우 인기가 있었습니다.

이제 원본 그림은 다양한 색상으로 생성된 프린지와 같은 다양한 요소로 보완되며 거의 모든 룩에 훌륭한 액세서리로 남아 있습니다.

볼로그다 레이스

볼로그다 레이스는 나무 막대기, 보빈에 짜여져 있습니다. 모든 이미지는 촘촘하고 연속적이며 너비가 균일하고 부드럽게 꿈틀거리는 린넨 브레이드로 만들어집니다. 그들은 별과 장미 모양의 요소로 장식 된 패턴 격자의 배경에 대해 분명히 두드러집니다.

Shemogoda 조각 자작 나무 껍질

Shemogod 조각은 자작 나무 껍질 조각의 전통적인 러시아 민속 예술 공예입니다. Shemogoda 조각가의 장식품은 "자작 나무 레이스"라고 불리며 관, 상자, 차 캐디, 필통, tuesov, 접시, 접시, 담배 케이스 제조에 사용됩니다.

Shemogoda 조각의 대칭 패턴은 꽃 장식, 원, 마름모 및 타원형으로 구성됩니다. 새나 동물의 이미지, 건축적 모티브, 때로는 정원을 산책하고 차를 마시는 장면까지 그림에 새길 수 있습니다.

숄은 천연 염소 솜털로 뜨개질되어 놀랍도록 섬세하고 아름답고 따뜻하며 실용적입니다. 투각 숄은 너무 얇고 우아해서 결혼 반지에 끼울 수 있습니다. 그들은 전 세계의 여성들에게 가치가 있으며 훌륭한 선물로 간주됩니다.